Как стать знаменитым художником. Исследование: художники становятся знаменитыми благодаря друзьям, а не таланту. Не зацикливайся, твори в свое удовольствие

Молодой, но уже снискавший славу российский художник поделился ценными советами о том, как построить карьеру в сфере искусства. Рекомендации известного живописца пригодятся всем, кто хочет не просто писать картины «в стол», для себя и близких, а стать настоящим мастером своего дела с приобретением таких приятных бонусов, как популярность и богатство.

Итак, какие же шаги следует предпринять начинающему художнику?

Путь к звездному Олимпу тернист и требует большой самоотдачи. Мы поинтересовались у Алексея, каким он видит план работы по достижению народного признания.

Прежде всего, говорит художник, необходимо систематически создавать новые произведения и тренироваться в том направлении, которое максимально привлекает вас.

Вдохновение - это замечательный стимул для творчества, однако не нужно забывать и о рутинном труде, ведь оттачивание навыков происходит постепенно.

В этой связи важно отметить терпимую и ровную реакцию на возможную критику со стороны окружающих, особенно если она исходит от настоящих экспертов. Кропотливое отношение к работе, желание совершенствоваться обязательно проявят себя на практике.

Для себя из собственного опыта я сделал важный вывод: у любого художника должно быть накоплено хорошее портфолио, из которого галеристы и организаторы выставок смогут выбрать наиболее понравившиеся им картины, рисунки и плакаты. Если вам есть что предложить куратору или менеджеру мероприятия, это будет существенным плюсом, так как возникает вероятность того, что на ваши произведения обратит внимание состоятельный коллекционер.

Значимым слагаемым будущего успеха может выступить и ваш индивидуальный стиль в живописи. Необходимо делать особый акцент на данном аспекте, ведь узнаваемый почерк художника заставляет зрителей выделить конкретного автора из серой безликой массы, мгновенно вспомнить его имя и ассоциировать именно этого человека с яркими, выдающимися работами, чьи названия у всех на слуху.

Опять-таки, для преуспевающих ценителей искусства ваша раcкрученность тоже является фактором, склоняющим их к покупке вашей картины, что приносит художнику двойную выгоду - имя превращается в бренд, а прибыль от продажи произведений выводит творца на новый коммерческий уровень. Алексей, в чьем послужном списке уже есть сделки с коллекционерами из Forbes, говорит:

«Везение, профессионализм и неординарность художника способны стать вашим счастливым шансом на получение известности, ввиду того, что каждое арт-приобретение миллиардеров широко освещается прессой».

Нелишним будет отметить необходимость иметь персональный сайт, где ваши работы быстрее будут найдены и оценены коллегами по цеху, поклонниками и теми, кто пожелает их выкупить, либо сделать заказ. Алексей Зимин уверен, что современный художник находится в более привилегированном положении, чем творцы прежних эпох, потому что сегодня вы можете арендовать платный хостинг и запустить собственный сайт.

Всем, кто хочет посвятить жизнь творчеству, художник дает напутственную рекомендацию: дерзайте и не бойтесь трудностей, усердно работайте над техникой и манерой письма, принимайте участие в выставках, занимайтесь промоушеном своих произведений и уверенно держите цены на них, тем более, если вашими картинами заинтересовались акулы бизнеса, у которых сильно развито чутье на по-настоящему перспективных авторов.

Чтобы стать профессиональным художником, необходим талант, дисциплина, готовность жертвовать и прикладывать усилия. Вам необходимо научиться рисовать, формировать концепцию и научиться непосредственному наблюдению.

Шаги

Обучайтесь! Даже если у вас есть особый талант к изобразительному искусству, его нужно развивать, а вам все-равно есть куда расти.

Найдите ваши слабые стороны и полностью сконцентрируйтесь на их улучшении! Например, если вы портретист, но не умеете рисовать ступни, то вам необходимо рисовать их, пока не научитесь.

Исследуйте то, что рисуете. Даже воображаемые объекты нужно рисовать, опираясь на память и знания. Научный и структурный подход - это ключ к правильному изображению вымышленных объектов.

Развивайте свой стиль. Перед тем, как приступать к написанию картины, узнайте, из каких элементов и как создается стиль. У всего, что вы изображаете, должна быть умышленная цель.

Начните с простых линий и набросков. Вначале все должно состоять из простых фигур, расположенных внутри композиции. Перед тем, как создавать финальную, законченную картину, нужно сделать несколько грубых набросков.

Разогрейтесь! Перед тем, как создать настоящее произведение искусства, вам нужно разогреться! Первые рисунки будут не так хороши, как последние. Вам нужно войти в поток!

Обратите пристальное внимание композиции. Первый этап рисования грубых набросков как раз для этого и нужен. Края картины не должны отвлекать внимание от главных объектов, а взгляд зрителя должен скользить так, как вы и задумали.

Цвета должны быть красивыми. Почитайте об устройстве глаза и света. Смотрите на фотографии, но не копируйте их. Разберитесь с температурой цвета и цветами теней. Изучите теорию цвета!

Уделяйте внимание качеству инструментов. Несмотря на мнение, что хороший художник может сделать шедевр из любых материалов, вам стоить купить самые лучшие и самые подходящие (и, к сожалению, самые дорогие) принадлежности. Ведь, в конце концов, вы хотите стать профессионалом, не так ли? А разве профессионал не будет пользоваться качественными инструментами?

В картине должны быть только самые необходимые детали. Всякие декоративные элементы будут только отвлекать внимание. С помощью разнообразия деталей можно сделать акцент на одной из них.

Чем больше подготовительных и грубых набросков, тем лучше будет финальная картина.

Если картина получилось удачной, люди должны знать, кто ее нарисовал. Если нет - никому ее не показывайте. В действительности, профессиональные художники создают небольшое количество шедевров, по сравнению с огромной кучей неудачных картин, созданных в процессе. Никогда не выбрасывайте старые или неудачные картины - они будут отличным мотиватором. Аккуратно храните все картины, чтобы вы позже могли посмотреть на них и увидеть свой прогресс. Это особенно помогает, когда у вас плохое настроение. А если вы не сможете сами выбраться из депрессии (которая неизбежно случается у творческих людей - это наш общий комплекс), то вы никогда не станете профессионалом.

Экспериментируйте и проявляйте себя. Художник, продающий произведение искусства, в конечном счете, продает часть себя. Пусть смешиваются краски, пусть течет творческий поток, если вы так чувствуете. Доверяйте своим талантам и чувствам.

Живопись

Изучите инструменты, начиная с основ смешивания красок, растягивания холстов, создания палитры и до создания законченной работы. Обрамление и матирование можно заказать у профессионала, но это серьезно увеличит стоимость вашей работы и повлияет на успешность продажи картины.

Создайте себе портфолио и постоянно обновляйте его вашими лучшими работами. Ищите торговцев картинами, посредников и людей, которые захотят выставить ваши работы. Библиотеки, рестораны, гостиницы и другие публичные места будут рады выставить ваши работы, если они подходящего уровня и соответствуют атмосфере места.

Изобразительное искусство и компьютер

Для того чтобы успешно работать в этом направление, необходимо долго учиться, вкладывать деньги в аппаратное и программное обеспечение и иметь острый нюх на продаваемые работы.

Подумайте, что вы любите в тех картинах, которые вы видели.
Искусство служит интеллектуальным потребностям, оно должно удовлетворять жажду размышлений.
Теплые цвета притягивают, а холодные отталкивают.
Прежде чем вкладывать свое время и деньги в создание картины, тщательно исследуйте рынок и выгодность работы.
В картинах сценам с теплыми цветами необходимы холодные тени, а сценам с холодными цветами - теплые тени.
Ищите уникальные пути продажи и выставления своих работ.
Светлые участки выступают вперед, а темные - назад.
Чем больше разнообразных стилей, инструментов и форм вы знаете, тем больше от них пользы.
Найдите старые книги о перспективе (много старых хороших книг уже не издается). В них хранится большое количество информации, неизвестной многим художником по причине их лени.

Предупреждения

Изучите анатомию. Люди всегда замечают анатомические ошибки, а самая простая причина таких ошибок - незнание анатомии.
Знайте свои слабые стороны. Сохраняйте контакты людей, которых вы можете порекомендовать клиенту, чей заказ вы не способны выполнить сами.
Не показывайте людям свои неудачные работы! Потенциальный заказчик выбросит ваше портфолио в окно, если увидит плохую работу.
Учитесь срисовывать. Если вы не можете нарисовать что-то, то вам просто необходимо внимательно рассмотреть этот объект.
Учитесь у лучших, они успешно справляются со всеми неудачами.

Стандартный план состоит из желания, обретения контекста, действий. Современный художник представляет собой гибрид, в равной степени совмещаюший качества антрополога и скалолаза, так что и подготовка у него соответствующая.

Разговор придется начать с конца, чтобы лучше обозначить дистанцию. То есть, с действий.

1. Действия

Современное искусство – это сообщество и набор действий: создание работ, выставок, лекций, критических эссе, теории, продаж, грантов, et cetera. Оно не висит в вакууме, как сократовский идеальный объект, оно происходит в тот момент, когда им занимаются. Объединяются же эти занятия тем, что происходят в контексте, опять же, современного искусства – и если азы формальной логики подсказывают тут тавтологию, то это справедливо. Искусство это понятие самоопределяющее.

Иными словами, вы становитесь современным художником, совершая действия в контексте современного искусства. Именно поэтому, когда Майкл Хайцер строит железобетонные монументы посреди невадской пустыни, это имеет отношение к современному искусству, даже если это никто не видит – а продажа керамических чашек на Etsy все-таки не имеет, даже если они хорошо идут.

Врата контекста открыты любому, кто постучится – и рядовой зритель нередко воспринимает сие как разрешение вседозволенности, копрофагии и каннибализма. Это не совсем так.

Контекстуальность, как критерий, является столь же демократичным фильтром, сколько оно является средством самозащиты от самозванцев.

Свадебные фотографы и мотельные пейзажисты часто сетуют на то, что их работы не покупаются музеями и не интересуют художественные галереи. Легко было бы предположить, что крупные институции не заинтересованы в подобных вещах потому что все места там давно проданы каннибалам и копрофагам – но трудно объяснить, почему в них также не заинтересованы мелкие галереи, кураторы которых явно устраивают выставки исключительно по любви.

Причина в контексте. Неврубность в дискурс всегда будет торчать и из художника, и из его работы, и определяется она не набором знаний, а неправильным методом изучения. Всего знать нельзя, и никто этого не требует. Но метод – это то, в чем нельзя ошибиться.

Иными словами, проблема мотельного пейзажиста не в том, что он не ходил на последнюю выставку Кифера, и поэтому он лох и плебей. Проблема в том, что его работа демонстрирует системное игнорирование культурных пластов целых эпох и континентов. Видите ли, хочет сказать галерейный куратор такому сабжу, истории искусства совершенно насрать, любите или не любите вы искусство двадцатого века. Мне тоже, может быть, не нравится век восемнадцатый, с их пирожными, колониальным серебром и фарфоровыми амурами. Но мне приходится с ними считаться, а вам придется считаться с тем, что случилось в двадцатом веке.

Можно не любить абстракцию, перформанс, квир-теорию и поп-арт. Но искаженное понимание оных – это не мнение. Это ошибка метода. Ошибки метода современное искусство не то что не допускает, но это отделяет вас от контекста, а контекст отделяет от действий.

Это тест. Не перед кем-то заведующим-всея-искусства. Перед собой. И да, он открывает тропинку для коньюктуры, но эта проблема выходит за рамки нашего вопроса.

2. Обретение контекста

Теперь, когда мы обозначили зависимость действий от врубности в дискурс, можно перейти к практической части, то есть откуда эта врубность берется.

В принципе, можно просто сказать "аспирантура", и пойти дальше.

Важность аспирантуры трудно переоценить. Бакалавриат мало что значит, поскольку разборчивость у человека лет до 25-и держится практически на нуле, и только по уровню амбиций в некоторых случаях можно определить, продолжит ли человек заниматься искусством после получения диплома. Большинство не продолжает. Часть уходит в коммерцию, поскольку душа их с самого начала лежала к коммерции. Часть уходит в коммерцию потому что кишка тонка.

Все потому, что аспирантура, в идеале, берется довыправить в человеке все баги именно на уровне метода. Надеть ему на голову его оголтелый евроцентризм и мечту о художественной парижской житухе, вернуть ему назад попытки делать под 1860-е, и под 1890-е, и под зомби-формализм, и под концептуалистов, и под реди-мейд, и про меньшинства, и про экологию, и про все остальное. Хорошей школе в последнюю очередь нужны воскресные рисовальщики, которые через пару лет откроют кафе и будут преподавать этническое вышивание на youtube"е.

Более того – аспирантура также демонстрирует, что сидеть в подвале и рисовать у вас не прокатит. Ваша включенность в процесс состоит из множества факторов, из которых не последним является теоретическая работа: написание эссе, критики, авторских положений. Искусство всегда было работой не только с формой, но и со смыслами, и сейчас это означает работу с текстом. Игнорирование этой части работы, как будто вас она не касается – это такая же ошибка методологии, как и последовательная культурная слепота.

Именно поэтому аспирантуру нужно хорошо выбрать. Это не конечный определяющий фактор, и вам не обязательно нужно "попасть" в лучший универ и самый нужный именно вам. Но вам нужно не попасть в плохой.

Дейв Хикки хорошо определял критерии хорошей аспирантуры в том, что университет должен находиться в крупном портовом городе. Это подразумевает историю долгого накопления культурного багажа и поток людей из разных профессий. И если с культурным накоплением все понятно, то мультидисциплинарность тоже придется оговорить отдельно.

Мультидисциплинарность растет. Современное искусство проникло во все сферы жизни вообще, так что с практически стопроцентной вероятностью вам в будущем нужно будет работать не только с другими художниками, но с музыкантами, архитекторами, мигрантами, промышленниками, учеными, финансистами, программистами, политиками, животными. Чем больше аспирантура предоставляет таких возможностей, тем лучше.

И да, это все подразумевает, что аспирантуру лучше всего проходить в США или Европе. Sad, but true. Где вы учились до этого – как я уже говорил, не так важно, главное чтобы вступительное портфолио было на уровне.

И нет, это не абсолютный критерий. Можно быть художником, не заканчивая аспирантуры, и доказывать врубность в дискурс другими способами. Но стандартный путь такой, и хотя у него есть свои особенные проблемы, это не плохой путь.

Итак, подытожим.

Быть художником – это работать в сфере искусства. Проходные критерии контекстуальны. Контекст нарабатывается формальным или неформальным образованием. Остается выяснить только одно, а именно – как вам не умереть в процессе.

Вашего желания должно хватать на то, чтобы посвятить этому всю жизнь. Просто представьте себе, что если вам, допустим, 15, и вы думаете, что хотите стать художником, то скорее всего вы только начнете быть художником где-нибудь к 30-и. До этого вы будете просто, ну... что-то делать. Рисовать. Лепить. Может быть даже что-нибудь продадите. Этого просто мало.

Потому что в конечном итоге, хотеть быть художником – это хотеть быть частью великого диалога. Исследовать тему, проходить путь, не оставлять на нем белых пятен. Не смотреть на два квадратных метра знакомого с детства пространства, и утверждать, что всего остального не существует. Точность формы требует полноты посвящения, а до полноты посвящения путь – долгий.

Большинство представляет мир художников глубоким, полным захватывающих событий и эмоций и, несмотря на все внутренние споры художника с самим собой, относительно безмятежным и простым. Но мало кто понимает, что за завораживающими картинами и общей иллюзией легкой жизни стоят часы упорной и кропотливой работы. Даже величайшие мастера художественного искусства не могли похвастаться способностью быстро и легко создать шедевр. И ни один из них не начал создавать великолепные картины, лишь взяв в руку кисть или карандаш.

Достаточно распространено мнение, что научиться рисовать может каждый. И это правда. Но вот только выдающимся художником человек, умеющий рисовать, но не имеющий таланта, вряд ли станет. Поэтому можно сказать, что первым и главным качеством, которым вы должны обладать, является талант .

И если вы считаете, что являетесь обладателем такого дара, и что у вас есть творческий потенциал, то давайте перейдем к сути.

1. Найдите курсы

Многие сейчас, прочитав этот пункт, надменно хмыкнут, подумав, мол, сегодня и так есть масса материалов, по которым я сам/сама могу научиться. Но мы советуем немного поубавить спесь и прислушаться к этому совету.

Никто не спорит, что сегодня интернет дарит нам возможность обучиться буквально всему. Но для начинающего художника очень важно, чтобы его работы смотрел профессионал. Потому что изобретая колесо и понимая в ходе работы, какие ошибки вы совершили, вы потратите очень много времени на совершенствование своих способностей. А, возможно, вы эти ошибки и вовсе не обнаружите, и будете думать, почему же ваши работы не имеют успеха. Профессионал сразу обнаружит совершенную ошибку и укажет вам на нее. А еще подскажет, как ее исправить и даст много полезных советов.

И это минимум, который вам дадут занятия с профессионалом. Поэтому не стоит пренебрегать возможностью овладеть художественным искусством как можно быстрее.

2. Изучайте литературу

Да, художникам тоже нужно учить теорию. Вам придется прочесть определенное количество книг, чтобы иметь представление о цвете, фигуре, гармонии и многом другом. Вот несколько книг, которым стоит уделить внимание:

1. Наброски и учебный рисунок

Эта книга, раскрывающая основы обучения в классических художественных академиях, будет очень полезна для начинающих художников. Наброски важнее для развития навыков и совершенствования техники, чем полноценные картины. Автор изложил в своей книге свой опыт по выполнению набросков, и этот опыт будет несомненно полезен для тех, кто всерьез хочет овладеть художественным искусством.

2. Наука о цвете и живопись

Эта книга расскажет о цвете с научной точки зрения. С ее помощью вы изучите и поймете, что такое то, полутон, контраст и многое другое; в чем заключается сила и особенность цвета и что такое цвет в целом.

3. Золотое сечение в живописи

Гармония и пропорции очень важны в живописи. Поэтому данная книга просто обязательна к прочтению. Использование золотого сечения – это одна из причин, по которой картина может стать шедевром.

4. Карандаш. Искусство владения техникой

В этой книге Поль Калле рассказывает все о своем самом любимом инструменте – карандаше. Если многие используют карандаш для создания набросков, то американский мастер графики выбрал его как серьезное и основное художественное средство. Владение карандашом является главным показателем, по которому определяют, “будет ли толк” из художника.

5. Ключи к искусству рисунка

Эта книга учит доверять своим глазам. Рисование – это видение мира своими собственными глазами, а не попытки слепо применять правила на практике. В книгу включены примеры и наброски, зарисовки и сложные рисунки, различные приемы рисования и практические советы.

3. Научитесь видеть мир глазами художника

Подмечайте то, как изменяются формы и цвета в зависимости от освещения, как влияют на вас окружающие цветовые гаммы. Фокусируйте свое внимание на том, как тела людей взаимодействуют с природой, какую структуру какие предметы имеют. Как говорится, научитесь остановиться и вдохнуть запах роз.

4. Рисуйте каждый день

Вы же не позволяете себе, к примеру, не дышать весь день потому что вам лень? Пусть это и слишком нереальный пример, но вы должны относиться к рисованию, как к жизненно важному для вас процессу. Разве вы знаете музыкантов, например, которые могут хотя бы день обойтись без музыки?

Отбросьте свою лень и рисуйте ежедневно, совершенствуя свои навыки и изливая свои эмоции на бумаге. Практика – основа всего.

5. Спрашивайте других

Мы склонны ударяться в крайности: либо идеализировать свои работы, либо чересчур занижать их качество. Поэтому взгляд со стороны крайне важен. Не стесняйтесь показывать свои работы друзьям и близким и слушать их отзывы. Конечно, стоит понимать, что слишком близко к сердцу критику принимать не стоит, и нужно уметь отличить конструктивную критику от простой зависти к хорошей работе. Также принимайте во внимание то, что близкие вам люди могут и соврать, чтобы вас не расстроить.

Лучшим выходом из ситуации будет показать свои работы профессионалу, чтобы он мог объективно оценить ваш уровень и указать на ошибки.

6. Не расстраивайтесь, если не можете найти свой стиль

Если вы посмотрите на работы великих художников, вы обнаружите, что стиль их работ менялся с течением времени. Поэтому, конечно, не нужно плевать на выработку своего стиля и заниматься копированием, но и слишком сильно переживать о том, что вам вдруг захотелось рисовать в другом стиле, не стоит. Стиль рисования меняется с течением жизни, он зависит от изменений вашего характера и многого другого.

7. Изучайте работы мастеров

Изучение картин, нарисованных мэтрами художественного искусства, поможет вам в развитии собственных способностей и расширит ваш кругозор. Также неплохой тренировкой будет попытка скопировать картину какого-либо мастера. Добавьте детали, которых, как вы считаете, не хватает. В целом, пробуйте техники, которые применяли выдающиеся художники. Вполне возможно, что вы найдете свой стиль таким образом.

8. Общайтесь с художниками

Общение с художниками опять же поможет вам развить ваши способности, ваши знакомые смогут оценить ваши работы, а в дальнейшем эти знакомства помогут вам продвинуть и продать свои работы. Сегодня, в век интернета, не так уж и сложно найти художественные сообщества и влиться в их круг.

9. Вкладывайте смысл в свои картины

Не стоит рисовать просто дерево или просто дом. Такие сюжеты подойдут для набросков. Ваши работы должны нести смысл, посыл, поэтому вкладывайте в свои картины что-то большее, чем просто красивое изображение. Собираясь нарисовать тот или иной сюжет, спросите себя “Зачем?”, дайте аргументированный ответ и уже потом рисуйте.

Все не просто так получается. Великие художники не просто нарисовали десять человеческих фигур и стали профессионалами. Они рисовали тысячи фигур, изучая анатомию, поведение тела и многое другое. Поэтому не нужно отчаиваться, если через год практики вы (о ужас!) не стали знаменитым мастером. Помните, что для всего нужно время.

Еще мы бы хотели дать пару советов по продвижению своих работ:

1. Создайте портфолио

Не стоит пихать в свое портфолио все ваши рисунки. Отберите лучшие, те, которые лучше всего показывают ваши способности, пусть таких работ будет и мало. И носите это портфолио повсюду. Кто знает, где вы сможете наткнуться на нужного вам человека.

2. Заведите аккаунты на соответствующих ресурсах

Продвигайте себя в LinkedIn, Tumblr и так далее. Пусть о вас узнают люди. Более того, возможно вас обнаружат какие-то инвесторы или потенциальные покупатели. Поэтому не стоит пренебрегать продвижением себя в интернете.

3. Ищите места, где вы могли бы показать свои работы

Участвуйте в конкурсах, находите галереи, где вы могли бы выставить свои картины, принимайте участие в уличных выставках. Используйте любую возможность показать себя. Подойдут даже бары и рестораны. Общайтесь с владельцами различных заведений и предлагайте свои картины для декорации их помещения.

4. Постарайтесь завязать знакомство с мастером

Знакомство с влиятельным человеком в художественной сфере может дать вам массу преимуществ. Иногда одно только имя мастера, произнесенное в беседе с потенциальным инвестором, может очень сильно повлиять на принятие решения. Да и сам мастер может помочь вам в вашем продвижении.

Как стать известным художником? Честно скажу - никак. Даже если вы потратите все свои силы, выучитесь во всех художественных вузах, поставите все свечки в храмах и загадаете все возможные желания, то все равно ничего не получится, как бы грустно это ни звучало. Арт-мир жесток, и в нем нужно уметь выживать. Первый совет, который можно услышать от любого арт-деятеля, будь он галеристом, куратором или даже известным художником, - не становитесь художником, если можете делать хоть что-то еще. 99% людей не способны ничего добиться и в итоге или умирают в нищете, или бросают свою художественную практику. Я вас обнадежил? Легче выиграть миллион долларов в лотерею, чем стать успешным в арт-мире. Но помимо 99% есть еще 1%, у которых все получается, у них есть те секретные знания, которыми они пользуются. Все это, разумеется, - прописные истины: упорный труд, бесконечная работа над социальным капиталом, бессонные ночи, миллионы улыбок через силу и миллиарды вырванных волос - вот что вам нужно, чтобы стать успешным в арт-мире.

Генри Мур

Игра на публичном поле

Говорят, что на войне все способы хороши. Вот так и в арт-мире. Первое, с чем нужно определиться: готовы ли вы выходить в публичное поле. Если нет - сидите дома, рисуйте свои картинки, лепите причудливые фигурки и никому не показывайте их, пусть это будет вашим творческим порывом в перерыве между «свободной кассой» в «Макдональдсе» или очередным квартальным отчетом в офисе, не более.

Если же вы хотите славы, известности, показывать свои работы миру, нести все хорошее/плохое/разное в массы, то вам в помощь «социальный капитал». Его, правда, сначала нужно еще заработать: идти и знакомиться с художниками, кураторами, любыми людьми из арт-мира, быть интересным им и интересоваться ими. Не по напоминанию в телефоне - а искренне. Ваше общение напрямую будет конвертироваться в ваши успехи, тут все работает, как в любом другом бизнесе: сумели показать ваши работы нужному человеку - и повезло, не повезло - идем дальше.

Сизифова учеба

Нужно идти учиться, без этого невозможно. Кстати, после учебы вы сможете разочароваться в том, что делаете, скорее всего, даже впадете в депрессию, так как карьера у вашего одногруппника будет складываться лучше, и вот у него уже музейные выставки, а вас даже в отчетную выпускную выставку не взяли, никто вас не замечает и далее по кругу. Возможно, комментарии преподавателей вообще убьют желание заниматься искусством (очень на это надеюсь).

С другой стороны, именно учеба может как раз нарастить тот самый социальный капитал, о котором так много все постоянно говорят: помимо знакомства со средой, учеба в арт-школе поможет сформулировать четче свой художественный «стейтмент» (он же artist statement, фактически краткое описание художественной деятельности и самого интереса в художественной практике), да и критика, которая будет идти со стороны учителей, не помешает. Возможно, после ИПСИ, «Школы Родченко», «Британки», «Базы» и чего-то еще (неужели «Голдсмитс»?), завершив студенческую фазу, вы станете уже состоявшимся художником. Шансы этого: 0,0000.....1%.

Джеймс Фитон

Личная резиденция

Предположим, что годы учебы, депрессий и прочих страданий не отбили желание заниматься художественной практикой, тогда дальше появляется следующий, но в целом достаточно стандартный совет - искать различные художественные резиденции, желательно не в России. Их множество, нужно только найти.

Резиденции существуют для различных задач: в одних из них художник просто неспешно ищет вдохновение для новой серии работ, другие предназначены для реализации заранее обговоренного проекта в рамках конкретной заданной кураторами темы, еще одни служат серьезным шагом на пути в институализации и повышении международной известности художника - и заканчиваются полноценной выставкой. Есть резиденции длиной в неделю, есть те, что длятся пару лет. Есть они по всему миру - в Китае, Монголии, Бразилии, в сотнях мест по всей Европе и Америке. Часть из них требует вложений как за саму подачу заявки (20–45 долларов), так и за участие в резиденции (до 6 000 долларов) плюс покрытия затрат на проживание или билет на самолет, но, к счастью, есть и абсолютно бесплатные.

Кстати, не думайте, что вас с легкостью возьмут, ждите сотни отказов, особенно в те, где дают гранты на обучение. За год в галерее мы подали больше сотни заявок в резиденции для одного художника моей галереи и получили только пять положительных ответов, а в итоге он уехал на год учиться в престижную резиденцию Jan van Eyck Academy в Нидерландах, которая не только покрывает затраты на переезд и проживание, но и художественные материалы.

Даст ли эта резиденция что-то художнику? Покажет время, может быть, он ни с кем там не познакомится и все будет впустую, а может, его год там завершится чередой музейных выставок, важных для карьеры. Кстати, после резиденции у вас снова может случиться депрессия: схема старая - все вокруг будут успешнее и активнее, да еще и кураторы будут обходить вас стороной.

Кто ты без своей выставки

Без выставок вы не художник. Как получить выставку в галерее? Сидя дома и медитируя на инстаграм - никак. Работая спам-машиной - тоже никак. Донимая куратора и галеристов - десять раз никак. Должно просто все совпасть. То ли социальный капитал накопленный наконец-то «выстрелит», то ли вдруг не забудете на опен-колл отправить вовремя заявку и ее из сотни заметят. Или просто понравитесь кому-то из арт-мира как человек, и он сам попросит показать вас портфолио. Тут важно как минимум завести свою страницу в инстаграм, которая, конечно, всегда под рукой, где будете выкладывать свои работы, сделать сайт (с современными технологиями и конструкторами сайтов это очень просто), наконец - сверстать портфолио, которое не будет весить 25 мегабайт, а максимум 2 - и только не архивируйте его, экономьте чужое и свое время: никто не будет открывать архивы и скачивать большие файлы.

А про выставки: если вас никуда не берут, объединяйтесь с другими художниками, устраивайте домашние выставки, делайте акции, всячески привлекайте внимание. В эпоху клипового мышления и переизбытка информации вам просто необходимо быть активными. И, кстати, не соглашайтесь на все подряд, если вам уже предложили участвовать в выставке, смотрите, кто будет рядом с вами, что за художники, какая галерея или институция устраивает мероприятие, не все может сыграть вам на руку, лучше ничего, чем оказаться в плохой компании.

Мой последний совет. Вам надо понять, готовы ли вы рискнуть всем и попытаться попасть в тот 1% успешных художников или потратить все свои силы на непонятно что и в итоге разочароваться? Готовы ли вы убиваться день и ночь, знакомиться с людьми, которые вам могут быть не очень приятны, стоить карьеру, добиваться выставок, учить языки, подавать заявки в резиденции, делать рутинную работу, при этом не забывать делать свои творческие проекты (и эти проекты никак не должны быть связаны с конъюнктурой рынка и желанием заработать)? Если ответ «да», то добро пожаловать в прекрасный мир искусства, хотя вас тут совсем не ждут. Но кто хотя бы раз в жизни не открывал дверь ногой?