Ранний ренессанс в италии. Возрождение как культурный расцвет Италии XIV- XVI вв. Архитектура раннего Возрождения
История Италии.
Эпоха Возрождения.
В 14–15 столетиях в Италии, несмотря на ее политическую раздробленность, происходили глубокие, хотя и постепенные преобразования. Политические неурядицы, накопление богатств в этом центре мировой торговли и, наконец, богатая история Италии способствовали Ренессансу – возрождению традиций древних цивилизаций Греции и Рима.
Рост благосостояния сопровождался формированием общества, которое было урбанистическим, светским и глубоко индивидуалистическим. Города, возникшие еще в Римскую эпоху и никогда полностью не исчезавшие, возродились благодаря огромному подъему торговли и промышленности. Более того, распри между императорами и папами позволили городам, лавируя между обеими сторонами, освободиться от внешнего контроля. Всюду, за исключением юга Апеннинского п-ова, города стали распространять свою власть и на окружающую сельскую местность. Феодальной знати приходилось отказываться от привычного образа жизни и участвовать в интеллектуальной и духовной деятельности в городах.
В политическом отношении феодальная анархия сменилась полным хаосом. За исключением расположенного на юге Неаполитанского королевства, Апеннинский п-ов был разделен на множество мелких городов-государств, почти полностью независимых как от императора, так и от папы. Конечно, происходили различного рода захваты и слияния, но многие города могли успешно за себя постоять, и никакие соглашения или силы не могли принудить их к объединению. В то же время резкие социальные противоречия в самих городах и необходимость образования единого фронта против внешних врагов способствовали падению многих республиканских режимов, что облегчало деспотам захват власти. Люди, устав от нестабильности, сами искали или одобряли появление таких тиранов, которые правили с помощью наемников (кондотьеров), но вместе с тем стремились добиться уважения и поддержки у горожан. В этот период происходило значительное расширение более крупных государств за счет мелких, и к 1494 осталось лишь пять крупных государств и еще меньше городов-государств.
Миланское герцогство, Флорентийская и Венецианская республики, Папская область и Неаполитанское королевство были наиболее значительными политическими образованиями Апеннинского п-ова. Милан под управлением семьи Сфорца стал одним из богатейших государств и центром искусств и просвещения.
Подобно тому как Милан доминировал на Ломбардской равнине и контролировал альпийские перевалы, ведущие в Северную Европу, Венеция, построенная на островах лагуны, господствовала на Адриатическом море. Державшаяся в стороне от сложных перипетий итальянских политиков, Венеция благодаря своему географическому положению играла роль посредника в торговле между Западной и Восточной Европой. Венецией управляли богатые семьи, избиравшие из своей среды дожа, пожизненного главу города, который правил с помощью Сената и Совета десяти. По договору 1454, заключенному между Венецией и Миланом, последний признал Венецию как материковое государство в восточной Ломбардии и на северных берегах Адриатического моря.
Флоренция сохраняла видимость республиканской формы правления, однако частые перевороты, распри между партиями и господство олигархии, состоявшей из узкого круга богатых семей, привели к признанию жителями города в 1434 власти семейства Медичи. Формально сохранялась республиканская форма правления, но в действительности Козимо Медичи и его преемники вели себя как настоящие деспоты. Расцвет династии был достигнут при Лоренцо Великолепном (годы правления 1469–1492) – поэте, покровителе искусств и наук, государственном деятеле и дипломате.
Папская область занимала значительную часть центральной Италии, включая Романью, и на востоке почти достигала границ Венеции. Номинально эта территория управлялась папой, а фактически была раздроблена на многочисленные феодальные владения, где правители устанавливали свои собственные порядки. Многие папы эпохи Возрождения были такими же светскими людьми, как и итальянские государи, и содержали роскошные дворы. Папы Николай V (1447–1455), основавший Ватиканскую библиотеку, и Пий II (1458–1464) сделали многое для возрождения образования в духе античности. Расцвет эпохи Возрождения приходился на времена правления пап Юлия II (1503–1513) и Льва Х (1513–1521).Неаполитанское королевство включало территорию Италии к югу от границ Папской области. Правда, до 1435 Сицилия представляла собой отдельное королевство, которым правила Анжуйская династия Франции вплоть до передачи власти королю Альфонсо I из Арагонской династии. При правлении Альфонсо Неаполь переживал период экономического подъема и расцвета искусств, хотя это королевство в политическом отношении отличалось от городов-государств Северной Италии. В 1504 Неаполь был завоеван Испанией и на протяжении двух последующих столетий постепенно утратил свою независимость.
В эпоху Возрождения Италия процветала благодаря хрупкому балансу политических и культурных факторов, сложившемуся тогда в Европе и в мире в целом. В 14 – первой половине 15 в. страна была раздроблена на множество независимых государств. Династические, институционные и социальные факторы препятствовали превращению итальянской культурной общности в какую-то реальную форму политического единства. Как утверждали Макиавелли и другие итальянские мыслители этого времени, в сложившемся историческом парадоксе и следует искать корни блеска и трагедии итальянского Возрождения. Падение двух универсальных властных систем Средневековья – Священной Римской империи и папства – неоднократно побуждало предпринимать попытки объединения Италии.
В течение более ста лет (1305–1414) на это были направлены энергичные усилия, исходившие с Севера, Центра и Юга Италии. Их целью было достижение в той или иной форме единства страны или, по крайней мере, приведение множества государств под общую политическую власть. Наиболее значимые из таких усилий последовательно поддерживались Роберто Неаполитанским (1308–1343), Кола ди Риенцо в Риме (1347–1354), архиепископом Джованни Висконти Миланским (1349–1359) и римским кардиналом Эджидио Альборнозом (1352–1367). Последние две серьезные попытки соответственно на Севере и на Юге были предприняты под руководством Джана Галеаццо Висконти из Милана (1385–1402) и неаполитанского короля Владислава (1402–1414). Во всех этих случаях коалиции других сил в Италии собирались под знаменем «свободы Италии» и успешно противостояли стремлению навязать стране единое правление. После поражения Джана Галеаццо и Владислава последовал целый ряд войн между пятью крупнейшими итальянскими государствами.
В середине 15 в. Италия столкнулась с двумя новыми неблагоприятными факторами международной жизни. На Западе, за Альпами, подходила к концу затяжная борьба между феодальными династиями Европы, в частности, англо-французский конфликт. Поэтому следовало ожидать, что в итальянские дела вскоре вмешаются крупные континентальные государства – Франция, Испания и Австрия. На восточных – средиземноморском и адриатическом – флангах Италии появилась угроза со стороны османов.
Дальновидные государственные деятели в каждом из пяти крупных итальянских государств вскоре осознали, что затянувшаяся в Италии «гражданская война» должна быть прекращена. Начались мирные переговоры. По инициативе Козимо Медичи из Флоренции и папы Николая V дож Венеции Франческо Фоскари и герцог Миланский Франческо Сфорца в апреле 1454 заключили в Лодийский мир. Зародилась федерация, к которой присоединились неаполитанский король Альфонсо Арагонский и, в конечном итоге, более мелкие итальянские государства под главенством папы. Священная Лига итальянских государств наложила запрет на конфликты в пределах Апеннинского п-ова и создала новую структуру мирного сосуществования.
Почти сорок лет, с 1454 по 1494, Италия наслаждалась миром и расцветом культуры эпохи Возрождения, проявившейся в искусстве, науке и философии. До 1492 Лоренцо Медичи выступал как арбитр в политике и правил Италией, не вовлекая ее в союзы с иностранными европейскими державами. Однако не прошло и двух лет после смерти Лоренцо, как страх, честолюбие и эгоизм породили среди правителей итальянских государств атмосферу взаимного недоверия.
Французский король Карл VIII возложил на себя миссию избавить Италию от реальных и частично надуманных невзгод, спровоцированных действиями эгоистичных государей. С открытым осуждением этих действий выступил флорентийский религиозный деятель Савонарола. В 1494 Карл VIII вторгся в Италию и 22 февраля 1495 вступил в Рим; затем последовали другие нашествия. В 1527 Рим был разграблен войсками императора Карла V из династии Габсбургов. По миру, заключенному в Камбре в 1529, французам пришлось отказаться от своих притязаний в Италии, но позже они предприняли новые, столь же неудачные попытки изгнать Габсбургов из Италии. Итальянские войны закончились в 1559 миром в Като-Камбрези, по которому бо льшая часть Италии была включена в империю Габсбургов.
С победой Испании над Францией на Апеннинском п-ове был положен конец самостоятельности итальянских государств, многие из которых оставались в зависимости от иностранных держав на протяжении почти двух столетий. Бурное развитие средиземноморской торговли, питавшее культурные достижения эпохи Возрождения в Италии, затормозилось в 16 в., когда вслед за открытием Америки основные торговые пути переместились в Атлантику. Генуя и Венеция сохранились как независимые республики, однако их экономика тоже пришла в упадок. Наиболее могущественным из итальянских государей теперь оказался папа – не только как светский глава Папской области, но и как лидер Контрреформации. Реформа католического вероучения, принятая на Трентском соборе (1545–1563), повлияла на политическую, культурную и религиозную жизнь Италии, и уже при папе Павле IV (1555–1559) католическая церковь принялась за искоренение ересей. Ужесточилась деятельность инквизиции. Среди ее жертв оказались свободомыслящий священник доминиканского ордена Джордано Бруно, сожженный на костре как еретик, и Галилео Галилей, которого вынудили отказаться от своих новаторских научных теорий.
Испанское господство на Апеннинском п-ове продолжалось и в 17 в., хотя неоднократно оспаривалось Францией, особенно при Людовике ХIV . Однако, когда Франция потерпела поражение в войне за Испанское наследство (1701–1714), по Утрехтскому миру 1713 австрийские Габсбурги стали главной господствующей силой в Италии. Договор, заключенный в Экс-ла-Шапеле в 1748, которым окончилась война за Австрийское наследство, принес, наконец, долгожданный мир итальянским государствам. С тех пор их границы почти не изменялись в течение более 100 лет вплоть до начала объединения страны. Самым важным событием было предоставление реальной автономии Пьемонту и Неаполю (в первом правила Савойская династия, а во втором – испанские Бурбоны). В середине 18 в. вся Италия переживала период экономического и культурного возрождения, а Милан, Флоренция и Неаполь стали крупными центрами европейского просвещения. Сочинение Чезаре Беккариа (1738–1794) Преступления и наказания заложило основы современной криминологии и уголовного права и вскоре было переведено на многие европейские языки. Этот труд во многом помог составлению нового кодекса законов, введенного герцогом Леопольдом Тосканским, одним из самых прогрессивных итальянских правителей 18 в. В Неаполе, где правящие Бурбоны тоже были активными поборниками реформ, Антонио Дженовези (1712–1769) был назначен руководителем первой в Европе кафедры политической экономии.
Благодаря участию столь многих итальянцев в общественной жизни эпохи Просвещения Италия вновь оказалась лидирующей силой европейской истории, одновременно возросла потребность в проведении реформ. Важные социальные преобразования проводились австрийским правительством в Ломбардии, а также в Сардинском королевстве, герцогстве Тосканском и на Юге, но встречали сопротивление на местах в других частях Апеннинского п-ова (особенно в Папской области, Венецианской и Генуэзской республиках), где реформы не имели большого успеха.
Решающее влияние на итальянские государства и их развитие оказала Французская революция 1789. Революция подтвердила необходимость радикального преобразования общества, и когда французские войска во главе с Наполеоном Бонапартом (1769–1821) вторглись в 1796 в Северную Италию, сторонники революции получили возможность установить республиканское правление под защитой французской армии. Так, Генуя стала Лигурийской республикой (июнь 1797), Милан – центром Цизальпинской республики (июль 1797), продвижение французской армии на юг привело к появлению Римской республики (февраль 1798). Наконец, в Неаполе образовалась Партенопейская республика (январь 1799).
Этот «республиканский» эксперимент, впрочем, оказался недолговечным. В апреле 1799 французским войскам в Северной Италии нанесла поражение объединенная австро-русская армия под командованием генерала А.В.Суворова. Когда французы отступили, итальянские республики пали, а на тех, кто поддерживал французов, обрушились жестокие репрессии. Однако государственный переворот во Франции, произведенный Наполеоном в 1799, и его внушительная победа над австрийцами в сражении у Маренго в 1800 создали предпосылки для более длительной французской оккупации и последующего перекраивания карты Апеннинского п-ова. Пьемонт был преобразован в зависимое от Франции государство на месте прежней Цизальпинской Республики. Оно получило название Итальянская республика, а с 1804, когда Наполеон провозгласил себя императором и принял в Миланском соборе корону короля Италии, было переименовано в Итальянское королевство. В состав Итальянского королевства вошли Ломбардия, Венеция (Наполеон упразднил существовавшую много веков республику) и бо льшая часть Эмилии. Вице-королем стал генерал Эжен Богарне (сын императрицы Жозефины). В 1806 Наполеон вторгся в Неаполь. Король и его двор бежали в Сицилию, где до 1814 оставались под защитой британского флота. Королем Неаполя Наполеон назначил своего брата Жозефа. Однако в 1808 тот переехал в Мадрид и стал королем Испании, а трон Неаполя был передан зятю Наполеона Иоахиму Мюрату. Папская область сохраняла независимость до ссоры Наполеона с папой Пием VII (18 00–1823) и присоединения Рима к Франции в 1809.
Вплоть
до 1814 итальянские государства оставались в
составе империи Наполеона. Французское
правление помогло итальянцам
модернизировать государственное
устройство. Финансовые и административные
органы были реорганизованы, а своды законов
изменены в духе французского гражданского
кодекса. Когда империя начала распадаться
после поражения армии Наполеона в битве под
Лейпцигом (1813), в Италии подняла голову
оппозиция, потребовавшая создания
конституционного правительства. На закате
существования империи Иоахим Мюрат в 1814 из
Римини призвал итальянцев сплотиться с
целью создания независимого государства. О
росте национального самосознания
свидетельствуют и произведения
итальянского писателя Уго Фосколо (1778–1827).
После
падения наполеоновской империи Венский
Конгресс (1814–1815), игнорируя подобные
призывы, восстановил власть прежних
правителей итальянских государств. Это
предполагало возврат к политической
ситуации, существовавшей до Французской
революции, хотя и с некоторыми изменениями.
Венецианская республика не была
восстановлена в прежнем виде, и земли,
некогда подчиненные Венеции, теперь
составляли часть Королевства Ломбардского
и Венецианского, которым управлял
австрийский вице-король, обосновавшийся в
Милане. Хотя австрийское господство и
завоевательная политика Меттерниха были
главной мишенью нападок итальянских
националистов, в начале 19 в. именно
Ломбардия и Венеция выгодно отличались по
характеру правления от других итальянских
земель.
Кое-где
прежние властители вернули свои троны,
однако почти всюду за их спинами стояла
Австрия. Члены семьи Габсбургов управляли в
Тоскане и небольших герцогствах – Парме и
Модене. Папа восстановил свои владения в
Папской области и назначил своих эмиссаров
в города Болонью и Феррару. На юге Неаполь и
Сицилия были объединены в монархию во главе
с вернувшимися к власти Бурбонами, под
названием Королевства Обеих Сицилий. Не
считая Неаполя, только Пьемонт (Королевство
Сардиния) обладал некоторой реальной
автономией, причем владения Савойской
династии расширились за счет присоединения
бывшей Генуэзской республики. Однако
пьемонтские правители испытывали страх
перед революцией и считали Австрию своим
главным союзником.
Искусство Итальянского Возрождения
Расцветэпохи Возрождения начинается в Италии. Поэтому не удивительно, что именно в Италии ренессансное искусство достигло наивысшего подъема. Именно здесь писали, ваяли, творили десятки великих гениев и могучих талантов.
Началом Возрождения стал Проторенессанс - своеобразная подготовка нового мировидения и подготовка отражения его в искусстве. Проторенессанс еще тесно связан со Средневековьем, с романскими и готическими, а так же византийскими традициями. И даже в творчестве художников-новаторов нелегко провести четкую границу, отделяющую старое от нового. Начало Проторенессанса в итальянском искусстве связывают с именем Джотто ди Бондоне (1266-1337). Джотто, по сути, наметил путь, по которому пошло развитие живописи: предопределил нарастание реалистических моментов, наполнение религиозных форм светским содержанием, постепенный переход от плоскостных изображений к объемным и рельефным. Джотто – основатель новоевропейской живописи. Порвав со средневековыми канонами, он внес в религиозные сцены земное начало, изображая евангельские легенды.Одним из наиболее трогательных образов, созданных Джотто, по праву считается образ Христа в сцене «Поцелуй Иуды» (росписи капеллы дель Арена в Падуе).
Крупнейшими мастерами Раннего Возрождения являются Брунеллески (1377-1446),Донателло (1386-1466),Вероккио (1436- 1488),Мазаччо (1401-1428),Мантенья (1431-1506),Боттичелли (1444-1510) и др. В их творчестве находят широкое претворение принципы Возрождения, связанные, прежде всего, с идеей безграничности развития человеческих способностей. Этому способствовали применяемые мастерами новые художественные приемы – завоевание живописью трехмерного пространства, создание типа самостоятельно стоящей круглой статуи, не связанной с архитектурой, движение в сторону простых, гармоничных, изящных пропорций, когда совсем исчезает ощущение тяжести камня, сопротивления материала.
Родиной Раннего Возрождения стала флоренция, а «отцами» Раннего Возрождения» считаютсяживописец Мазаччо, скульптор Донателло и арохитектор Брунеллески. Главным творением Мазаччо являются фрески в капелле Бранкаччи церкви Санта Мария во Флоренции, но из всего цикла особого внимания заслуживает фреска «Изгнание из Рая», где впервые в живописи Возрождения изображены обнаженные фигуры. Их движения, мимика выражают смятение, стыд, раскаяние. Большая достоверность и убедительность образов Мазаччо сообщают особую силу гуманистической идее о достоинстве и значительности человеческой личности.
Огромный вклад в развитие архитектур внес архитектор Филиппе Брунеллески (1377-1446). Он заложил основы ренессансного зодчества. Одно из самых прославленных его творений – капелла Пацци при церкви Санта-Кроче.
Флорентийский скульптор Донателло (1386-1466) возрождает скульптурный портрет и изображение обнаженного тела, отливает первый бронзовый памятник «Давида». Созданные им образы являются воплощением гуманистического идеала гармонически развитой личности.
В период Высокого Ренессанса геометризм, присущий Раннему Возрождению, не исчезает, а даже углубляется. Но к нему прибавляется нечто новое: одухотворенность, психологизм, стремление к передаче внутреннего мира человека, его чувств, настроений, состояний, характера, темперамента. Разрабатывается воздушная перспектива, материальность форм достигается не только объемностью и пластикой, но и светотенью. Искусство Высокого Возрождения полнее всего выражают три художника: Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело. Они олицетворяют главные ценности итальянского Возрождения: Интеллект, Гармонию и Мощь.
Леонардо да Винчи (1452-1519) – живописец, скульптор, архитектор, писатель, музыкант, теоретик искусства, военный инженер, изобретатель, математик, анатом, ботаник.Когда стали разбирать его рукописи и бесчисленные рисунки, в них обнаружили открытия механики XIX века. С восхищением писал о Леонардо да Винчи Вазари: «...таланта... было в нем столько и талант этот был таков, что к каким бы трудностям его дух ни обращался, он разрешал их с легкостью... Его помыслы и дерзания были всегда царственны и великодушны, а слава его имени так разрослась, что ценим он был не только в свое время, но и после своей смерти».
Леонардо работал в разных видах и жанрах искусства, однако наибольшую славу ему принесла живопись. Одной из вершин творчества является фреска «Тайная вечеря» в трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие. Леонардо не просто передает психологическое состояние апостолов и Христа, изображенных на фреске, но делает это в момент, когда оно достигает критической точки, переходит в психологический взрыв и конфликт. Этот взрыв вызван словами Христа: «Один из вас предаст меня». В данном произведении художник в полной мере использовал прием конкретного сопоставления фигур, благодаря которому каждый персонаж представляет как неповторимая индивидуальность и личность. Всем известна и еще одна знаменитая работа Леонардо – портрет «Мона Лиза» или «Джаконда». При его создании мастер с блеском использовал весь арсенал средств художественной выразительности: резкие контрасты и мягкие полутона, застывшую неподвижность позы и тончайшие психологические нюансы и переходы. Гений Леонардо выразился в удивительно живом взгляде Моны Лизы, ее таинственной и загадачной полуулыбке, мистической дымке, покрывающей пейзаж. Это произведение положило начало жанру психологического портрета в европейском искусстве, а также относится к числу редчайших шедевров искусства.
Леонардо так же разрабатывал многие теоретические проблемы искусства - такие, как теория воздушной перспективы, вопросы живописного света и цвета, пропорций, отображения эмоций в живописи, построения научной анатомии животных и людей. Эстетические проблемы искусства он рассмотрел в труде «Книга о живописи».
Микеланджело Буонаротти (1475-1564), великий мастер эпохи Ренессанса, человек разносторонний, универсальный: скульптор, архитектор, художник, поэт. Он глубоко чувствует дух своей эпохи, тонко понимая состояние культуры, создавая уникальный и поэтому неповторимый художественный стиль и дух произведений. Его произведения решают вечные онтологические проблемы, они философичны, в образной форме дают разрешение самых острых проблем своего времени. Работы Микеланджело полны глубокой символики и представляют собой удивительное переплетение прекрасного, трагического и возвышенного.
Среди самых известных работ Микеланджело – статуя «Давид» (высота скульптуры – 5,5 метров). Эта статуя наполнена внутренней жизнью, энергией и силой. Она является гимном человеческой мужественности, красоте, грации и изяществу. К числу высших достижений Микеланджело относятся также работы, созданные для гробницы папы Юлия II. Над этой гробницей ваятель трудился с перерывом около 40 лет, но так и не довел ее до завершения. Помимо скульптур Микеланджело создал прекрасные произведения живописи. Самыми значительными из них являются росписи Сикстинской капеллы в Ватикане.
Рафаэль Санти (1483-1520) не только талантливый, но и разносторонний художник: архитектор и монументалист, мастер портрета и мастер декора. Его почитатели называли «божественным». Рафаэль имел огромный успех, громкую славу, богатство и почет, однако в расцвете жизненных и творческих сил он неожиданно умер. В отличие от Леонардо, у которого произведения таинственны, загадочны, в произведениях Рафаэля все ясно, прозрачно, прекрасно и совершенно. К числу выдающихся творений Рафаэля относятся росписи личных папских покоев в Ватикане, посвященные библейским сюжетам, а также искусству и философии. Однако главной темой его творчества стала тема Мадонны. Вершиной явилась «Сикстинская Мадонна» – настоящий гимн физическому и духовному совершенству человека.
Понятие поздний Ренессанс обычно применяют к венецианскому Возрождению. Только Венеция в этот период (вторая половина XVI в.) оставалась самостоятельной, остальные итальянские княжества утратили свою политическую независимость. Возрождение в Венеции имело свои особенности. Венецианские мастера мало интересовались учеными изысканиями и раскопками античных древностей; их, скорее привлекала Византийская культура и искусство арабского востока. (Венеция издавна поддерживала тесные торговые связи с Византией, арабским Востоком, торговала с Индией). Переработав и готику, и восточные традиции, Венеция выработала свой особый стиль, для которого характерны красочность, романтическая живописность, пышность и декоративность. У венецианцев на первый план выходят проблемы колорита, материальность изображения достигается градациями цвета. Крупнейшие венецианские мастера Высокого и позднего Возрождения - Джорджоне (1477-1510), Тициан (1477-1576), Веронезе (1528-1588), Тинторетто (1518-1594).
Родоначальником венецианской школы является Джорджоне, в работах которого окончательно побеждает светское начало. Вместо библейских сюжетов художник предпочитает писать на мифологические и литературные темы. Джорджоне также открыл новую эру в живописи, начав писать с натуры. Самым знаменитым его произведением стала «Спящая Венера», воспевающая красоту и прелесть обнаженного женского тела.
Главой венецианской школы является Тициан (1489-1576), в творчестве которого искусство Возрождения достигает наивысшего подъема и расцвета. Он прославляет беспечную радость жизни, наслаждение земными благами («Мальчик с собаками»), а также воспевает чувственное начало пышущей здоровьем человеческой плоти, вечную красоту тела, физическое совершенство человека («Любовь земная и небесная», «Праздник Венеры»). В поздних же работах чувственное начало сохраняется, однако оно дополняется растущим психологизмом и драматизмом картины («Оплакивание Христа», «Святой Себастьян»).
Возрождение возникло и ярче всего проявилось в Италии. Когда сегодня говорят о Возрождении, то в первую очередь подразумевают именно ее.
Собственно эпоху итальянского Возрождения условно подразделяют на ряд этапов:
- - Ранний Ренессанс(треченто и кватроченто) - середина XIV - XV в.;
- - Высокий Ренессанс(чинквеченто) - до второй трети XVI в.;
- - Поздний Ренессанс - вторая треть XVI - первая половина XVII в.
Помимо деления Ренессанса на исторические периоды важное значение для его понимания имеет разделение на художественные школы. Вся эпоха итальянского Возрождения прошла под знаком творческого соревнования двух великих школ - флорентийской и венецианской. Первая доминировала в Раннем и Высоком Ренессансе, вторая - в Высоком и Позднем.
Основоположником флорентийской школы являлся Джотто (ХII-ХIV вв.). В начале ХV века флорентийская школа становится авангардом гуманистического искусства Возрождения (архитекторы Ф. Брунеллески, Л.Б. Альберти, скульпторы Донателло, Л. Гиберти, живописцы Мазаччо, А. Верроккьо, С. Боттичелли). Своего расцвета она достигла в искусстве Леонардо да Винчи и Микеланджело. Эту школу характеризует углубленное религиозное начало, мифологическое восприятие мира, тонкий психологизм.
Венецианская школа наибольший расцвет пережила во второй половине Возрождения - в ХV-ХVI вв. (семья Беллини, В. Карпаччо, Джорджоне, Тициан, П. Веронезе, Я. Тинторетто), а затем в XVIII вв. (Дж.-Б. Тьеполо, А. Каналетто, П. Лонги, Ф. Гварди). Венецианскую школу характеризует светское, жизнеутверждающее начало, поэтическое восприятие мира, человека и природы, тонкий колоризм.
Если говорить о хронологии, то обычно в самостоятельный этап выделяют проторенессанс (период XIII - начало XIV в.). Его относят не к собственно Ренессансу, а к подготовительному этапу. Проторенессанс ознаменован творчеством великого поэта Данте Алигьери (1265-1321), зодчего Арнольфо ди Камбио, скульптора Никколло Низано, живописцев Пьетро Каваллини и особенно Джотто ди Бондоне (1266/1266-337), которые подготовили почву для искусства Возрождения.
Треченто (XIV столетие) характеризуется культурными инновациями сразу в нескольких сферах: новую страницу в литературе открыли поэзия Данте и сонеты Петрарки; в живописи явился неподражаемый Джотто; зодчие воздвигли прекрасные сооружения новой архитектуры (собор Санта Мария дель Фиоре во Флоренции и другие). Тогда же североитальянские города - Флоренция и Болонья, Падуя и Пиза, Перуджия и Римини - создали и в музыке свое ars nova (новое искусство).
Из многочисленных произведений великого поэта Возрождения Данте (цикл сонетов, канцон и баллад, философские и политические трактаты) самым значительным считается «Божественная комедия» - эпическая поэма в трех частях («Ад», «Чистилище», «Рай») и 100 песнях, названная поэтической энциклопедией средних веков. Подобно тому, как А.С. Пушкин является создателем русского литературного языка, Данте приписывают роль создателя итальянского литературного языка.
Если Данте заложил основы новоевропейской литературы, то другой гений - Джотто - явился основателем новоевропейской живописи. Порвав со средневековыми канонами, он внес в религиозные сцены земное начало, изображая евангельские легенды с небывалой жизненной убедительностью. Джотто не просто открыл новый этап в истории живописи, но стал одним из ярких ее реформаторов. Использовав ряд известных в его время приемов - угловые ракурсы, упрощенную, так называемую античную перспективу, - он сообщил художественному пространству иллюзию глубины, разработал приемы тональной светотеневой моделировки при помощи постепенного высветления основного, насыщенного тона, что позволило придать формам почти скульптурную объемность.
К периоду Раннего Ренессанса относится литературное творчество двух величайших поэтов - Франческа Петрарки (1304-1374) и Джованни Боккаччо (1313-1375). Наряду с Данте они считаются создателями итальянского литературного языка. Петрарка остался в истории Возрождения как первый гуманист, поставивший в центре своего творчества не Бога, а человека. Всемирную известность получили сонеты Петрарки на жизнь и смерть мадонны Лауры, вошедшие в сборник «Книга песен».
Великий гуманист Боккаччо создал поэмы на сюжеты античной мифологии, психологическую повесть «Фьямметта» (1343), пасторали, сонеты. Самым значительным художественным произведением Боккаччо явился его «Декамерон», сборник, включающий 100 новелл.
Выдающимся мастером Раннего Ренессанса считается Сандро Боттичелли (1445-1510). Среди его работ наибольшую известность приобрела картина «Рождение Венеры». Его произведения построены на религиозных и мифологических сюжетах, они отмечены одухотворенной поэзией, игрой линейных ритмов, тонким колоритом.
Представителями Раннего Возрождения были архитектор Филиппе Брунеллески (1377-1446), построивший купол Флорентийского собора и внесший большой вклад в фундаментальную науку (теория линейной перспективы), и скульптор Донателло (ок. 1386-1466), первым представивший в скульптуре обнаженное тело, создавший новый тип круглой статуи и скульптурной группы, живописного рельефа.
С тех пор в архитектуре ведущую роль стали играть светские сооружения - общественные здания, дворцы, городские дома. Используя ордерное членение стены, арочные галереи, колоннады, своды, купола, архитекторы придали своим постройкам величественную ясность, гармоничность и соразмерность человеку.
Период Высокого Ренессанса был сравнительно коротким и связан прежде всего с именами трех гениальных мастеров - Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэля Санти (1483-1520) и Микеланджело Буонарроти (1475-1564). Расцвет ренессансной культуры пришелся, как ни странно, на период экономического и политического упадка Италии.
Леонардо да Винчи был наиболее яркой личностью, явив миру идеал «универсального человека» Возрождения. Сочетая разработку новых средств художественного языка с теоретическими обобщениями, он создал величественные полотна, среди которых наиболее известны «Тайная вечеря» и «Джоконда». Он прославился также как ученый и инженер. Ему принадлежат многочисленные открытия, проекты, экспериментальные исследования в области математики, естественных наук, механики. Леонардо да Винчи обогатил идеями почти все области знания, рассматривая свои рисунки как наброски к гигантской натурфилософской энциклопедии.
Младший современник Леонардо, великий живописец Рафаэль вошел в историю как создатель цикла шедевров, связанных с изображением мадонн (художественные образы Богоматери). Величайшее творение Рафаэля - «Сикстинская мадонна». Мастер получил также известность благодаря своим архитектурным проектам дворцов, вилл, росписи парадных залов Ватиканского дворца. Как и Леонардо да Винчи, Рафаэль много работает с натуры, изучает анатомию, механику движений, сложные позы и ракурсы, ищет компактные, ритмически сбалансированные композиционные формулы. Рафаэль оказал огромное влияние на последующее развитие итальянской и европейской живописи, став наряду с мастерами античности высшим образцом художественного совершенства.
Последним титаном Высокого Возрождения был Микеланджело - великий скульптор, живописец, архитектор и поэт. Несмотря на его разносторонние таланты, его называют первым рисовальщиком Италии благодаря самой значительной работе уже зрелого художника - росписи свода Сикстинской капеллы в Ватиканском дворце (1508-1512). Общая площадь фрески 600 кв. метров. Она представляет собой художественную иллюстрацию библейских сюжетов от сотворения мира. Особенно выделяется из живописных работ мастера фреска алтарной стены Сикстинской капеллы «Страшный Суд». Как скульптор Микеланджело стал известен благодаря своему раннему произведению «Давид», а как архитектор - став проектировщиком и руководителем строительства основной части здания собора Св. Петра в Риме, до сих пор остающегося самым крупным католическим храмом в мире.
На период Высокого и Позднего Возрождения приходится расцвет искусства венецианской школы, среди представителей которой выделяются два великих живописца - Джорджоне (1476-1510), обессмертивший свое имя полотнами «Юдифь», «Спящая Венера», «Сельский концерт», Тициан (ок. 1489/90-1576), ставший после преждевременной смерти Джорджоне, в мастерской которого он обучался, главой венецианской школы. Общим для Джорджоне и раннего Тициана является ярко выраженный светский характер живописи и жизнеутверждающие мотивы. В отличие от мрачных флорентийцев, венецианцы, кажется, находят в жизни только светлые стороны. Гармоничная, богатая оттенками живопись Джорджоне выражает поэтическое чувство влюбленности в красоту земного бытия, единство человека и природы.
Период Позднего Возрождения отмечен рядом важных изменений в искусстве. Многие живописцы, поэты, скульпторы, архитекторы отказались от идей гуманизма, унаследовав лишь манеру и технику (так называемый маньеризм) великих мастеров Возрождения.
Среди крупных основоположников маньеризма называют Якопо Понтормо (1494-1557) и Анджело Бронзино (1503-1572), работавших преимущественно в жанре портрета. К маньеризму целиком можно отнести творчество Якопо Тинторетто (1518-1594), представителя венецианской школы Позднего Возрождения, пытавшегося соперничать с Микеланджело в грандиозности замыслов. Он создает ирреальный мир, в котором всегда присутствуют личные эмоции художника. Другой представитель венецианской школы, великий живописец Паоло Веронезе (1528-1588), создавший множество праздничных, светских по духу картин, тем не менее применял маньеризм к декорированию дворцов уже как сознательный прием, разрабатывая одну из самых любимых тем маньеризма - фантастический пейзаж или пейзаж с руинами.
Основоположником реалистического направления в европейской живописи XVII века является Микеланджело да Караваджо (1573-1610). Полотна мастера отличаются простотой композиции, эмоциональным напряжением, выраженным через контрасты света и тени. Караваджо первым противопоставил подражательному направлению в живописи (маньеризму) реалистические сюжеты народного быта. По существу, Караваджо стал инициатором крупного переворота в живописи, повлиявшего даже на иностранных художников. Его искусство оказало огромное влияние не столько на итальянцев, сколько на ведущих западноевропейских мастеров ХVII века - голландцев, фламандцев, французов, испанцев: Рубенса, Йорданса, Жоржа де Латура, Сурбарана, Веласкеса, Рембрандта. Караваджизм породил два популярных жанра: натюрморт и сцены из народной жизни, ставших особенно популярными в Европе. Европа приняла новаторский дух итальянца, а в Италии Церковь решительно отвергла натурализм Караваджо. И, видимо, не случайно, потому что итальянское Возрождение уже завершилось. Италия сказала практически все, что могла сказать. Наступила очередь североевропейского Возрождения.
Введение
Историография
Основные этапы Ренессанса
Раннее Возрождение
Высокое Возрождение
Позднее Возрождение
Заключение
Список литературы
Введение
«Я создал тебя существом не небесным, но и не только земным, не смертным, но и не бессмертным, чтобы ты, чуждый стеснений, сам себе сделался творцом и сам выковал окончательно свой образ. Тебе дана возможность пасть до степени животного, но так же и возможность подняться до степени существа богоподобного – исключительно благодаря твоей внутренней воле…»
Так говорит Бог Адаму в трактате итальянского гуманиста Пико делла Мирандола «О достоинстве человека». В этих словах сжат духовный опыт эпохи Возрождения, выражен сдвиг в сознании, который она совершила.
Архитектура Возрождения - период развития архитектуры в европейских странах с начала XV до начала XVII века, в общем течении Возрождения и развития основ духовной и материальной культуры Древней Греции и Рима. Этот период является переломным моментом в Истории Архитектуры, в особенности по отношению к предшествующему архитектурному стилю, к Готике. Готика в отличие от архитектуры Возрождения искала вдохновение в собственной интерпретации Классического искусства.
Историография
Слово «ренессанс» (фр. renaissance) произошло от термина «la rinascita», который впервые употребил Джорджо Вазари в книге «Жизнеописания наиболее знаменитых итальянских живописцев, ваятелей и зодчих» изданной в 1550-1568.
Термин «Возрождение» для обозначения соответствующего периода ввёл французский историк Жюль Мишле, однако швейцарский историк Якоб Буркхардт в своей книге «Культура итальянского Возрождения»раскрыл определение полнее, его интерпретация легла в основу современного понимания Итальянского Возрождения. Издание альбома рисунков «Здания современного Рима или Сборник дворцов, домов, церквей, монастырей, и других наиболее значительных общественных сооружений Рима» опубликованное Полем Ле Таруиллом в 1840 вызвало рост всеобщего интереса к периоду Возрождения. Тогда ренессанс считали стилем «подражающим античному».
Первым представителем данного направления можно назвать Филиппо Брунеллески, работавшего во Флоренции, городе, наряду с Венецией считающимся памятником Возрождения. Затем оно распространилось в другие итальянские города, во Францию, Германию, Англию, Россию и другие страны.
Основные этапы Ренессанса
Обычно Итальянское Возрождение подразделяется на три периода. В истории искусств можно говорить о развитии изобразительного искусства и скульптуры в рамках направления раннего ренессанса в XIV веке. В истории архитектуры дело обстоит иначе. Вследствие экономического кризиса XIV века период Ренессанса в архитектуре начался только с началом XV столетия и продолжался до начала XVII века в Италии и дольше за её пределами.
Можно выделить три основных периода:
· Раннее Возрождение или кватроченто, примерно совпадает с XV веком.
· Высокое Возрождение, первая четверть XVI века.
· Маньеризм или Позднее Возрождение (2-ая половина XVI в. XVII в.).
В других европейских странах развивался свой предренессансный стиль, а само Возрождение начиналось не раннее XVI века, стиль прививался к уже существующим традициям, в результате чего строения эпохи Возрождения в разных регионах могут иметь немного сходных черт.
В самой Италии архитектура Возрождения перешла в маньеристскую архитектуру, представленную в довольно различных тенденциях в работах Микеланджело, Джулио Романо и Андреа Палладио, которая затем переродилась в барокко, применявшие подобные архитектурные приёмы в ином общем идейном контексте.
Раннее Возрождение
В период кватроченто были заново открыты и сформулированы нормы классической архитектуры. Изучение античных образцов вело к усвоению классических элементов архитектуры и орнамента.
Пространство, как архитектурный компонент, организовано в отличном от средневековых представлений образе. В его основу встала логика пропорций, форма и последовательность частей подчинены геометрии, а не интуиции, что было характерной чертой средневековых сооружений. Первым образцом периода можно назвать базилику Сан-Лоренцо во Флоренции, построенную Филиппо Брунеллески (1377-1446).
Филиппо Брунеллески
Филиппо Брунеллески (итал. Filippo Brunelleschi (Brunellesco); 1377-1446 г.) - великий итальянский архитектор эпохи Возрождения.
Филиппо Брунеллески родился во Флоренции в семье нотариуса Брунеллески ди Липпо. В детстве Филиппо, к которому должна была перейти практика отца, получил гуманистическое воспитание и лучшее по тому времени образование: изучал латинский язык, штудировал античных авторов.
Отказавшись от карьеры нотариуса, Филиппо с 1392 г. был в учении, вероятно, у золотых дел мастера, а затем проходил практику в качестве ученика у ювелира в Пистойе; учился также рисованию, лепке, гравированию, скульптуре и живописи, во Флоренции изучал промышленные и военные машины, приобрел значительные для того времени познания в математике в учении у Паоло Тосканелли, который, по свидетельству Вазари, обучал его математике. В 1398 г. Брунеллески вступил в Арте делла Сета, куда входили золотых дел мастера. В Пистойе молодой Брунеллески работал над серебряными фигурами алтаря Святого Якова - в его работах сильно влияние искусства Джованни Пизано. В работе над скульптурами Брунеллески помогал Донателло (ему было тогда 13 или 14 лет) - с этого времени дружба связала мастеров на всю жизнь.
В 1401 г. Филиппо Брунеллески вернулся во Флоренцию, принял участие в объявленном Арте ди Калимала (цех торговцев тканями) конкурсе на украшение рельефами двух бронзовых врат Флорентийского баптистерия. В конкурсе вместе с ним приняли участие Якопо делла Кверча, Лоренцо Гиберти и ряд других мастеров. Конкурс под председательством 34 судей, на который каждый мастер должен был предоставить исполненный им бронзовый рельеф «Принесение в жертву Исаака», длился год. Конкурс был проигран Брунеллески - рельеф Гиберти превосходил его художественно и технически (он был вылит из одного куска и был на 7 кг легче рельефа Брунеллески).
Задетый тем, что проиграл конкурс, Брунеллески покинул Флоренцию и отправился в Рим, где, возможно, решил в совершенстве изучить античную скульптуру. В Риме молодой Брунеллески обратился от пластики к строительному искусству, начав тщательно измерять сохранившиеся развалины, зарисовывать планы целых построек и планы отдельных частей, капителей и карнизов, проекции, виды зданий и все их детали. Он должен был раскапывать засыпанные части и фундаменты, должен был дома составлять эти планы в единое целое, восстанавливать то, что было не в полной сохранности. Так он проникся духом античности, работая подобно современному археологу с рулеткой, лопатой и карандашом, научился различать виды и устройство античных построек и создал в папках со своими этюдами первую историю римской архитектуры.
Работы Брунелесски:
· 1401-1402 гг. конкурс на тему «Жертвоприношение Авраама» из Ветхого Завета; проект бронзовых рельефов для северных дверей флорентийского баптистерия (28 рельефов, заключенных в квадрифолии размером 53×43 см). Брунеллески проиграл. Конкурс выиграл Лоренцо Гиберти. «Уязвленный решениями комиссии, Брунеллески, отвернулся от родного города и отправился в Рим…, чтобы изучать там истинное искусство». Рельеф находится в Национальном музее Барджелло, Флоренция.
· 1412-1413 гг. Распятие в церкви Санта-Мария-Новелла (Santa Maria Novella), Флоренция.
· 1417-1436 гг. Купол кафедрального собора Санта-Мария-дель-Фьоре или просто Дуомо (Duomo), до сих пор самая высокая постройка во Флоренции (114, 5 м), спроектированная таким образом, чтобы внутри могло поместиться все население города «великое… вздымающееся к небесам сооружение осеняет собой все тосканские земли» писал о нём Леон Баттиста Альберти.
· 1419-1428 гг. Старая сакристия (Sagrestia Vecchia) церкви Сан-Лоренцо (San Lorenzo), Флоренция. В 1419 г. заказчик Джованни ди Биччи (Giovanni di Bicci), основатель рода Медичи, отец Козимо Старшего (Cosimo il Vecchio), задумал перестроить собор, бывший тогда маленькой приходской церковью, но Брунеллески успел доделать только старую сакристию, Новую сакристию (Sagrestia Nuova), спроектировал уже Микеланджело.
· 1429-1443 гг. капелла (молельня) Пацци (Cappella de’Pazzi), расположенная во дворе францисканской церкви Санта-Кроче (Santa Croce) во Флоренции. Это небольшое крытое куполом здание с портиком.
· начатая в 1434 г. церковь Санта-Мария-дельи-Анжели (Santa Maria degli Angeli), во Флоренции, так и осталась недостроенной.
· 1436-1487 гг. церковь Санто-Спирито (Santo Spirito), законченая уже после смерти зодчего. «Центрическое купольное здание из равновеликих квадратов и боковых нефов с нишами-капеллами было затем расширено путем добавления продольного здания до колонной базилики с плоским перекрытием».
· Начатый в 1440 г. Дворец Питти (Palazzo Pitti) окончательно достроен был только в XVIII веке. Работы были прерваны в 1465 г. в связи с тем, что заказчик дворца коммерсант Лука Питти разорился, а резиденцию в 1549 году купили Медичи (Элеонора Толедская, жена Козимо I), именно которых и хотел обставить Лука Питти, заказав в свое время окна такого же размера как и двери в палаццо Медичи.
По представлению Брунеллески настоящий ренессансный дворец должен был выглядеть так: трёхэтажный, квадратный в плане объём здания, с кладкой из флорентийского тесаного камня (добываемого непосредственно на месте, где сейчас находятся сады Боболи, позади дворца), с 3-мя огромными входными дверями на первом этаже. Два верхних этажа прорезаны 7 окнами, расположенными по каждой стороне и объединёнными линией балконов, проходящими по всей длине фасада.
Только в 1972 г. стало известно, что похоронен Брунеллески в соборе Санта-Репарата (IV-V вв., во Флоренции) в предыдущем храме, на останках которого и был возведён кафедральный собор Санта-Мария-дель-Фьоре (Santa Maria del Fiore).
Как пишет Вазари "…16 апреля, ушёл в лучшую жизнь после многих трудов, положенных им на создание тех произведений, которыми он заслужил славное имя на земле и обитель упокоения..."
Санта-Мария-дель-Фьоре.
Собор Санта-Мария-дель-Фьоре (итал. La Cattedrale di Santa Maria del Fiore) - кафедральный собор во Флоренции, самое знаменитое из архитектурных сооружений флорентийского кватроченто.
В архитектурном плане примечательны купол, созданный по проекту Филиппо Брунеллески и облицовка стен с внешней стороны полихромными мраморными панелями различных оттенков зелёного (из Прато) и розового (из Мареммы) цветов с белой каймой (из Каррары). Дуомо (итал. Duomo), он же - собор Санта-Мария-дель-Фьоре (Santa Maria del Fiore) был спроектирован так, чтобы мог вместить всё население города (на момент строительства - 90 000 человек), т. е. был чем-то вроде огромной крытой площади. Красный купол собора, ставший символом Флоренции, как бы парит над всем городом. Размеры собора:
длина - 153 метра
ширина в трансепте - 90 метров
Необыкновенно изящный и одновременно грандиозный собор стал своеобразным рубежом, отделившим архитектурные традиции средневековья от принципов строительства эпохи Возрождения.
В ходе работы архитектор Филиппо Брунеллески столкнулся с необходимостью создать округлый купол на восьмиугольном основании, образованном основным сводом собора, строительство которого началось в 1296 г. Большинство средневековых кафедральных соборов имело расположенные снаружи основной конструкции контрфорсы, поддерживающие различные элементы сооружения. Создание купола без внешних подпорок означало, что купол мог опрокинуться в ходе постройки.
Брунеллески решил эту проблему с помощи двух вставленных друг в друга куполов и придав внешнему куполу форму округлого восьмиугольника. Он так же использовал кирпичи, уложенные «ёлочкой», чтобы заполнить пространства между несущими «рёбрами». Его новаторский подход показался несколько странным, однако в 1420 г. Началось возведение купола, основная часть которого была завершена к 1436г.
В течение этих лет в искусстве появляется стремление к органичному сочетанию средневековых традиций с классическими элементами. В храмовом строительстве основным типом остаётся базилика с плоским потолком или с крестовыми сводами, но в элементах - расстановке и отделке колонн и столбов, распределении арок и архитравов, внешнем виде окон и порталов, зодчие ориентируются на греко-римские памятники в стремлении образования обширных, свободных пространств внутри зданий. Впоследствии, постепенно, и в общей концепции, и в деталях основой произведений становятся образцы античного искусства.
Чаще всего в оформлении зданий присутствует коринфский ордер с разнообразными видоизменениями капители. Новый стиль сильнее проникает в нехрамовую архитектуру: дворцы правителей, городских властей и знати, ранее подобные крепостям, не во всём отойдя от средневекового облика, изменяются, очевидно желание архитекторов соблюсти симметричность и гармонию пропорций. Эти постройки имеют гармонично просторные внутренние дворы, обнесённые в нижнем и в верхнем этажах крытыми галереями на арках, которые поддерживаются колоннами или пилястрами античной формы. Фасаду придаётся размеренность по горизонтали посредством изящных межэтажных карнизов и главного карниза, образующего сильный выступ под крышей.
Капелла Пацци. Одно из самых совершенных и ярких произведений Брунеллески - капелла Пацци во дворе францисканской церкви Санта-Кроче во Флоренции. Заказчиком этой небольшой постройки был богатый купец Андреа Пацци, принадлежавший к старому аристократическому роду. В 1423 году на территории монастыря Санта Кроче был пожар и большая его территория нуждалась в перестройке. В 1429 году началось бурное строительство на территории монастыря, возводили новый дормиторий (общую монастырскую спальню) и новициат (помещение для монастырских послушников).
В то же время Андреа Пацци заключил с монастырем договор, обязуясь возвести капеллу, которая должна была служить одновременно капитульным залом для собраний духовных лиц из монастыря Санта-Кроче и семейной молельной, к проектированию которой привелк Брунеллески.
Перед архитектором стояла нелегкая задача, «встроилось» новую капеллу в участок трудной конфигурации в глубине узкого и длинного средневековом дворе монастыря, замкнув одну из его коротких торцовых сторон. Причем территория, отведенная монастырем, была расположена к югу от трансепта церкви впритык к более капелле Кастеллани (слева), сакристии и капелле Барончелли (сзади), В результате Филиппо с таким искусством вышел из трудного положения, что это вызвало справедливое восхищение у его современников.
Капелла Пацци отличается и от римских храмамов, и от готичесих соборов, при этом ей присуща конструктивная ясность, античная простота и гармония. Элементы классической архитектуры - колонны, пилястры, арки, составлены в совершенно новые комбинации, создавая впечатление необыкновенной легкости и грации.
Для строительства капеллы архитектор использовал металлические модули и проектировал ее с помощью геометрических формул, как и для Сан-Лоренцо, но организация пространства в поздних работах архитектора становится более компактной и рациональной. Полукруглый купол покрывает центральную часть, но она является и центром прямоугольника. Открытое пространство меньшей стороны выходит на главную площадь и связано апсидой, включающей алтарь.
Фасад этого небольшого крытого куполом здания с портиком, открывается во двор шестиколонным портиком с большим арочным проемом в центре. Причем полукружие арки срезается пилястрами верхнего яруса. Кремовая поверхность капеллы снаружи подчеркнута геометрическими формами из темного камня. Гармоническая соразмерность, легкость и изящество, присущие стилю Брунеллески, особенно заметны в этом небольшом шедевре.
Недавние архивные находки и реставрационные работы показали, что капелла была закончена не ранее 1461 года и что скрытая портиком внешняя ее стена первоначально была задумана как плоский фасад. Поэтому ряд исследователей полагает, что шестиколонный портик с легким аттиком, прорезанным аркой, был добавлен уже после смерти Брунеллески.
Капелла Пацци остается одним из выдающихся образцов Раннего Возроджения и высочайших достижений не только Брунеллески, но и всей итальянской архитектуры эпохи Возрождения, реализованный зодчим ордер на многие десятилетия определила пути развития ренессансного зодчества.
Итальянские архитектурные памятники раннего Возрождения находятся в основном во Флоренции; среди них - элегантный и вместе с тем простой в техническом решении купол собора Санта-Мария-дель-Фьоре (1436) и палаццо Питти, созданные Филиппо Брунеллески, определившего вектор развития архитектуры Ренессанса; дворцы Риккарди, построенные Микелоццо-Микелоцци, дворцы Строци Бенедетто да-Майяно и С. Кронака, дворцы Гонди (Джулиано да-Сан-Галло), дворцы Руччеллаи Леона Баттиста Альберти. В Риме можно отметить малый и большой венецианские дворцы Бернардо ди Лоренцо, Чертоза в Павии Боргоньоне, палаццо Вендрамин-Калерджи П. Ломбардо, Корнер-Спинелли, Тревизан, Кантарини и дворец дожей в Венеции.
Высокое Возрождение
В продолжение Высокого Возрождения представления, взятые из античной архитектуры, развивались и воплощались на практике с большей уверенностью. Со вступлением на папский престол Юлия II (1503) центр итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, папа привлёк к своему двору лучших художников Италии. При нём и его ближайших преемниках, в Риме созидается множество монументальных зданий, считающихся произведениями искусства. Изучение античного наследия становится более основательным, оно воспроизводится более последовательно и строго; реликты средневекового исчезают, искусство полностью базируется на классических принципах.
Основные памятники итальянской архитектуры этого времени - светские здания, которые отличаются гармоничностью и величием своих пропорций, изяществом деталей, отделкой и орнаментацией карнизов, окон, дверей; дворцы с лёгкими, в основном двухъярусными галереями на колоннах и столбах. В храмовом строительстве наблюдается стремление к колоссальности и величественности; осуществился переход от средневекового крестового свода к римскому коробовому своду, купола опираются на четыре массивных столба.
Представителем этого периода был Донато Браманте (1444-1514), строго следовавший в возведении зданий классическим принципам. На Темпьетто во дворе церкви Сан-Пьетро в Монторио (1503) Браманте вдохновили ротонды римских храмов. Также Браманте соорудил палаццо делла Канчеллериа, дворец Жиро, двор Сен-Дамазо в Ватиканском дворце, а также составил план Собора Святого Петра в Риме и начал возводить здание. Но едва ли его можно назвать рабом классических форм; его стиль определял итальянскую архитектуру на протяжении всего XVI века.
Донато Браманте
Донато Браманте (Donato Bramante; настоящее имя Паскуччо д’Антонио, Pascuccio d’Antonio; 1444-1514) - основоположник и крупнейший представитель архитектуры Высокого Возрождения. Его самой известной работой является главный храм западного христианства - базилика Святого Петра в Ватикане.
Юность провёл в Урбино, где испытал влияние художников Пьеро делла Франчески и Лучано Лаураны. Начинал как живописец. В 1476 г. был приглашен в этом качестве в Милан ко двору герцога Лодовико Моро, где встретился с Леонардо да Винчи, чьи идеи в области градостроительства оказали на него большое влияние.
Миланский период Браманте длился двадцать лет. Он возвёл несколько зданий, например, алтарную часть церкви Санта-Мария-делле-Грацие. С 1499 г. после захвата Милана французскими войсками переехал в Рим. Здесь искусство Браманте приобрело классическую чистоту и монументальность. Наибольшей пластической цельности он достиг в маленькой часовне-ротонде Темпьетто (1502) во дворе монастыря Сан-Пьетро ин Монторио. При папе Юлии II стал главным папским архитектором; с 1503 г. вёл по поручению Юлия II обширные работы в Ватикане (двор Сан-Дамазо и двор Бельведера). Спроектировал и начал строить главный храм Рима - собор Св. Петра в Ватикане (с 1505 г.) и успел возвести храм до высоты арок. Творчество Браманте - одна из вершин архитектуры Возрождения.
В комплексе Ватиканского дворца находятся две постройки Браманте - дворы Бельведера (1503-1545) и Сан Дамазо (ок. 1510). Другие выдающиеся работы Браманте - круглый храм Темпьетто во дворе монастыря Сан Пьетро ин Монторио (1502), внутренний дворик церкви Санта-Мария-делла-Паче и фасад палаццо Канчеллерия (1499-1511), одного из наиболее изысканных ренессансных дворцов в Риме.
Работы Браманте:
· Миланский период:
ü Санта Мария прессо Сан-Сатиро (его первая архитектурная работа) (1482-86). Представляет собой перестройку и переоформление здания, сооруженного в IX веке. Комплекс включает в себя короткую Т-образную в плане трехнефную перекрытую цилиндрическими сводами церковь и восьмигранную сакристию у правой ветви трансепта.Пространство средокрестия перекрыто полусферическим куполом на парусах и низком барабане. Все основные конструктивно-архитектурные элементы купола заимствованы у Брунелески, он является как бы дальнейшей проработкой купола капеллы Пацци. Внутри купол церкви Санта Мария прессо Сан-Сатиро представляет кессонированную сферическую поверхность с круглым световым окном посередине.
ü Собор в Павии. (1488). Браманте - один из строителей.
ü Санта-Мария-делле-Грацие (1492-97). Браманте занимался перестройкой церкви. Ему принадлежит лишь общая идея, и он лично посторил лишь хоры, огибающие купол снаружи и основную часть здания без купола. Главный характерный прием - ступенчатое расположение отдельных частей здание, что еще сильнее выявляет купол - композиционный центр здания. Именно Браманте посторил при этой церкви трапезную, где впоследствии Леонардо да Винчи написал свою «Тайную Вечерю»
· Римский период:
Внутренние дворики:
ü Санта-Мария-делла-Паче (1500-1504). Композиция делится на два яруса. Первый ярус - аркада, второй - открытый портик, где столбы чередуются со свободностоящими колоннами. Исчезает тяготение к декоративности и полихромии. Нет архивольтов
ü Палаццо делла Канчеллерия (1499-1511). Фасад очень длинный, рустованный с имитацией клееной кладки. Композиция делится на три яруса, почти лишенные декора. Первые два яруса - аркады с колоннами тосканского ордера, третий ярус - пилястры. Колонны нижнего яруса темнее по цвету, чем колонны верхнего.
ü Двор Бельведер (1505). Не осуществлен. Предполагался единым ансамблем с террасной организацией пространства на единой оси.
ü Сан да Маза (1510)
ü Темпьетто (Часовня - ротонда; «Маленький храмик»; Три основных ступеньки; крипта).
ü Собор Святого Петра. (1506 - 1514). В основе плана Браманте лежал равноконечный греческий крест. В углах должны были располагаться четыре купольные капеллы, а по углам внешнего объема четыре колокольни. Композиция предполагалась центрально-осевая и строго симметричная. Ко времени смерти Браманте были возведены лишь четыре средних пилона и часть южной стены.
Его последователями были Бальдассаре Перуцци, лучшие произведения которого - Фарнезинская вилла и палаццо Массими в Риме, великий Рафаэль Санти, построивший дворец Пандольфини во Флоренции, Антонио да Сангалло построивший палаццо Фарнезе в Риме.
Также развивалась и венецианская архитектурная школа, главным представителем которой был Якопо Татти Сансовино, возведший библиотеку святого Марка и палаццо Корнер. С наступлением второй половины XVI века в итальянском зодчестве происходят перемены, выраженные желанием художников всё более точно воспроизводить классические образцы, чему стали посвящаться целые трактаты, однако возводимые сооружения продолжают отличаться изяществом и благородством.
Главными представителями архитектуры этого времени были Виньола, построивший Иль-Джезу в Риме и виллу Фарнезе в Витербо, живописец и биограф художников Вазари, им построен дворец Уффици во Флоренции, Андреа Палладио, создавший несколько дворцов, базилик и олимпийский театр в Виченце, генуэзец Галеаццо Алесси, который возвёл церковь Мадонны да Кариньяно, дворец Спинола и дворец Саули в Генуе.
Храм Темпьетто
Темпьетто (Tempietto; букв. «храмик») - отдельно стоящая часовня-ротонда, возведённая Браманте по заказу испанских монархов Фердинанда и Изабеллы на римском холме Яникул в 1502 г. Это была первая работа миланского архитектора в Риме, и она произвела настоящую сенсацию. Впервые перед римлянами предстало произведение высокого Возрождения: несмотря на миниатюрные размеры, точный подбор пропорций делает Темпьетто слитным, грациозным и величественным.
Темпьетто входит в состав культового комплекса Сан-Пьетро-ин-Монторио (San Pietro in Montorio), возведённого в Трастевере на месте, где предположительно был распят апостол Пётр. В интерьере - «Бичевание» и «Преображение» Себастьяно дель Пьомбо (которому помогал в работе сам Микеланджело), большой плафон Вазари и могила легендарной Беатриче Ченчи. Последняя крупная работа Рафаэля, «Преображение», была изъята из храма и перенесена в 1797 г. в Ватикан. Возведением капеллы Раймонди руководил в 1640 г. Бернини.
Собор Святого Петра
Собор Святого Петра (итал. Basilica di San Pietro; Базилика Святого Петра) - католический собор, являющийся наиболее крупным сооружением Ватикана и до последнего времени считавшийся самой большой христианской церковью в мире. Одна из четырёх патриарших базилик Рима и церемониальный центр Римско-католической церкви. Общая высота собора составляет 136м.
Когда-то на том месте, где теперь стоит собор св. Петра, располагались сады цирка Нерона (от него, кстати, остался обелиск из Гелиополя, который до сего дня стоит на площади Св. Петра). Первая базилика была построена в 324 г., в правление первого христианского императора Константина. Алтарь собора был размещен над могилой, со второго века считаемой захоронением св. Петра, принявшего в 66 г. мученическую кончину в цирке Нерона. Во втором соборе в 800 г. папа Лев III короновал Карла Великим Императором Запада. В XV в. базилика, существовавшая уже одиннадцать столетий, грозила обрушиться, и при Николае V её начали расширять и перестраивать. Кардинально решил этот вопрос Юлий II, приказавший построить на месте древней базилики огромный новый собор, который должен был затмить как языческие храмы, так и существовавшие христианские церкви, способствуя тем самым укреплению папского государства и распространению влияния католицизма.
Почти все крупные архитекторы Италии по очереди участвовали в проектировании и строительстве собора св. Петра. В 1506 г. был утверждён проект архитектора Донато Браманте, в соответствии с которым начали возводить центрическое сооружение в форме греческого креста (с равными сторонами). После смерти Браманте строительство возглавил Рафаэль, вернувшийся к традиционной форме латинского креста (с удлинённой четвёртой стороной), затем Бальдассаре Перуцци, остановившийся на центрическом сооружении, и Антонио да Сангалло, избравший базиликальную форму. Наконец, в 1546 г. руководство работами было поручено Микеланджело. Он вернулся к идее центральнокупольного сооружения, но его проект предусматривал создание многоколонного входного портика с восточной стороны (в древнейших базиликах Рима, как и в античных храмах, вход находился с восточной, а не с западной стороны). Все несущие конструкции Микеланджело сделал более массивными и выделил главное пространство. Он возвёл барабан центрального купола, но сам купол достраивали уже после его смерти (1564 г.) Джакомо делла Порта, придавший ему более вытянутые очертания. Из четырёх малых куполов, предусмотренных проектом Микеланджело, архитектор Виньола возвёл только два. В наибольшей степени архитектурные формы именно в том виде, как они были задуманы Микеланджело, сохранились с алтарной, западной стороны.
Но на этом история не закончилась. В начале XVII в. по указанию Павла V архитектор Карло Мадерно удлинил восточную ветвь креста - пристроил к центрическому зданию трёхнефную базиликальную часть, вернувшись таким образом к форме латинского креста, и построил фасад. В результате купол оказался скрытыми фасадом, утратил своё доминирующее значение и воспринимается только издали, с виа делла Кончильяционе.
Требовалась площадь, которая вмещала бы большое количество верующих, стекающихся к собору, чтобы получить папское благословение или принять участие в религиозных празднествах. Эту задачу выполнил Джaн Лоренцо Бернини, создавший в 1656-1667 гг. площадь перед собором - одно из самых выдающихся произведений мировой градостроительной практики.
Высота фасада, построенного архитектором Мадерна, 45 м, ширина - 115 м Аттик фасада венчают громадные, высотой 5, 65 м, статуи Христа, Иоанна Крестителя и одиннадцати апостолов (кроме апостола Петра). Из портика пять порталов ведут в собор. Створки дверей центрального портала выполнены в середине XV в. и происходят из старой базилики. Напротив этого портала, над входом в портик, находится прославленная мозаика Джотто конца XIII в. «Навичелла». Рельефы крайнего левого портала - «Врат смерти» - созданы в 1949-1964 гг. крупным скульптором Джакомо Манцу. Очень выразителен образ папы Иоанна XXIII.
Внутри собор поражает и гармонией пропорций, и своими огромными размерами, и богатством оформления - здесь масса статуй, алтарей, надгробий, множество замечательных произведений искусства.
Галерея Уффици
Галерея Уффици (итал. Galleria degli Uffizi, буквально - «галерея канцелярий») - дворец во Флоренции, построенный в 1560-1581 гг. и сейчас являющийся одним из самых крупных и значимых музеев европейского изобразительного искусства.
История Уффици начинается в июле 1559 г., когда правитель Флоренции Козимо I Медичи замышляет объединить все административные службы города в общем просторном дворце. Для реализации проекта был приглашен мастер Джорджо Вазари, который и начал работу в 1560 г. Однако в 1574 г. Вазари умер, и заканчивал строительство уже его преемник, Бернардо Буонталенти. С 1575 г. в здании Уффици началось формирование музея - его основу составила семейная коллекции Медичи.
После заката династии Медичи коллекция продолжала пополняться. Сейчас она включает множество шедевров таких итальянских мастеров, как Джотто, Боттичелли, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Джорджоне, Тициан, Уччелло, фра Филиппо Липпи, Чимабуэ, Пьеро делла Франческа и др. Здесь также немало образцов античного, французского, испанского, немецкого, голландского и фламандского искусства.
Позднее Возрождение
В архитектуре проводился эксперимент с формами, разработкой и комбинированием античных образов, появляется усложнение деталей, изгиб, преломление и прерыв архитектурных линий, затейливая орнаментация, большая плотность колонн, полуколонн и пилястров в пространстве. Подчеркивается более свободное соотношение пространства и материи. Впоследствии из этой тенденции развился стиль барокко, а затем, в XVIII столетии, стиль рококо. Вплоть до XX века понятие «маньеризм» имело негативную коннотацию («манерный», «вычурный»), но к настоящему времени термин используется только для описания соответствующего исторического периода, и, в общем, нейтрален.
Основоположником направления маньеризма в архитектуре можно назвать Микеланджело (1475-1564), в чьём творчестве проявляется тенденция свободной интерпретации принципов и форм античного искусства. Микеланджело создал усыпальницу Медичи при церкви Сан-Лоренцо во Флоренции, купол Собора святого Петра, проект застройки Капитолийского холма в Риме. Ему приписывают создание «гигантского ордера» - пилястра, который тянется от основания к антаблементу фасада.
Другим примером этого стиля в архитектуре является Палаццо Те Джулио Романо в Мантуе, с его огромными лоджиями, рустированными стенами, парковыми гротами и обширными фресками.
Лоренцо Бернини создал полукруглые колоннады собора Святого Петра, сень над его главным престолом, дворцы Барберини и Браччьяно.
Микеланджело Буонарро́ти
Микела́нджело Буонарро́ти (полное имя - Микела́нджело де Франче́ско де Нери́ де Миниа́то де́ль Се́ра и Лодо́вико ди Леона́рдо ди Буонарро́ти Симо́ни, (итал. Michelangelo di Francesci di Neri di Miniato del Sera i Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni); 1475-1564) - итальянский скульптор, живописец, архитектор, поэт, мыслитель. Один из величайших мастеров эпохи Ренессанса.
Микеланджело родился 6 марта 1475 г. в тосканском городке Капрезе около Ареццо, в семье Лодовико Буонарроти, городского советника. В детстве воспитывался во Флоренции, затем некоторое время жил в городке Сеттиньяно. В 1488 г. отец Микеланджело смирился с наклонностями сына и поместил его учеником в мастерскую к художнику Доменико Гирландайо.Он занимался там в течение одного года. Год спустя, Микеланджело переходит в школу скульптора Бертольдо ди Джованни, существовавшую под патронажем Лоренцо де Медичи, фактического хозяина Флоренции.
Медичи распознает талант Микеланджело и покровительствует ему. Некоторое время Микеланджело живёт во дворце Медичи. После смерти Медичи в 1492 г. Микеланджело возвращается домой.
В 1496 г. кардинал Рафаэль Риарио покупает мраморного «Купидона» Микеланджело и приглашает художника для работы в Рим.
Скончался Микеланджело 18 февраля 1564 г. в Риме. Погребён в церкви Санта-Кроче во Флоренции. Перед смертью он продиктовал завещание со всей свойственной ему немногословностью: «Я отдаю душу Богу, тело земле, имущество родным».
Гений Микеланджело наложил отпечаток не только на искусство Ренессанса, но и на всю дальнейшую мировую культуру. Деятельность его связана в основном с двумя итальянскими городами - Флоренцией и Римом. По характеру своего дарования он был прежде всего скульптор. Это ощущается и в живописных работах мастера, необычайно богатых пластичностью движений, сложных поз, отчётливой и мощной лепкой объёмов. Во Флоренции Микеланджело создал бессмертный образец Высокого Возрождения - статую «Давид» (1501-1504), ставшую на многие века эталоном изображения человеческого тела, в Риме - скульптурную композицию «Пьета́» (1498-1499), одно из первых воплощений фигуры мёртвого человека в пластике. Однако наиболее грандиозные свои замыслы художник смог реализовать именно в живописи, где он выступил подлинным новатором цвета и формы.
По заказу папы Юлия II он выполнил роспись потолка Сикстинской капеллы (1508-1512), представляющую библейскую историю от сотворения мира до потопа и включающую более 300 фигур. В 1534-1541гг в той же Сикстинской капелле для папы Павла III исполнил грандиозную, полную драматизма фреску «Страшный суд». Поражают своей красотой и величием архитектурные работы Микеланджело - ансамбль площади Капитолия и купол Ватиканского собора в Риме.
Гений Микеланджело наложил отпечаток не только на искусство Ренессанса, но и на всю дальнейшую мировую культуру. Деятельность его связана в основном с двумя итальянскими городами - Флоренцией и Римом. По характеру своего дарования он был, прежде всего скульптор. Это ощущается и в живописных работах мастера, необычайно богатых пластичностью движений, сложных поз, отчётливой и мощной лепкой объёмов. Во Флоренции Микеланджело создал бессмертный образец Высокого Возрождения - статую «Давид» (1501-1504), ставшую на многие века эталоном изображения человеческого тела, в Риме - скульптурную композицию «Пьета́» (1498-1499), одно из первых воплощений фигуры мёртвого человека в пластике. Однако наиболее грандиозные свои замыслы художник смог реализовать именно в живописи, где он выступил подлинным новатором цвета и формы.
Искусства достигли в нём такого совершенства, какого не найдешь ни у древних, ни у новых людей за многие и многие годы. Воображением он обладал таким и столь совершенным и вещи, представлявшиеся ему в идее, были таковы, что руками осуществить замыслы столь великие и потрясающие было невозможно, и часто он бросал свои творения, более того, многие уничтожал; так, известно, что незадолго до смерти он сжег большое число рисунков, набросков и картонов, созданных собственноручно, чтобы никто не смог увидеть трудов, им преодолевавшихся, и то, какими способами он испытывал свой гений, дабы являть его не иначе, как совершенным.
Джакомо да Виньола
Джакомо да Виньола, часто просто Виньола (Il Vignola; наст. имя Якопо де Бароцци; 1507-1573) - архитектор-маньерист из Болоньи, который оспаривает у Палладио и Серлио звание самого влиятельного мастера позднего Возрождения. Его центральные произведения - церковь Иль-Джезу в Риме и вилла Фарнезе в Капрароле - открыли путь к формированию стиля барокко.
Получив образование в родном городе, Виньола поехал в Рим учиться у Сангалло и зарисовывать древности для иллюстрации нового издания Витрувия. По приглашению Франциска I ездил на 18 месяцев (в 1541-43 гг.) к королевскому двору в Фонтенбло, где предположительно сблизился с Серлио и Приматиччо. По возвращении в Рим поступил на службу папы Юлия III, для которого с
Джорджо Вазари и Бартоломео Амманнати строил по образцу древнеримских вилл в 1551-55 г. виллу Джулия.
В 1550-е гг. Виньола под руководством Микеланджело возводил два малых купола на соборе св. Петра, а после смерти мастера возглавил работу над собором. Одновременно построил на виа Фламиниа церковь Сант-Андреа - первую, в которой купол приобрёл вытянутую форму овала. Следующим шагом Виньолы в сторону барокко была церковь Санта-Анна-деи-Палафреньери, уже целиком вписанная в овал. Исполнял обязанности секретаря Витрувианской академии.
Наконец в 1568 г. Виньола начал работу над самой имитируемой церковью в истории архитектуры - Иль-Джезу, главным храмом ордена иезуитов. Ради создания иллюзии обширного внутреннего пространства в Иль-Джезу он соединил боковые капеллы с нефом. После смерти Виньолы храм достраивал Джакомо делла Порта. Предложенная Виньолой модель архитектурной иллюзии стала фундаментом, на котором возникла архитектура барокко.
На протяжении трёхсот лет европейские архитекторы изучали ордерную систему по трактату Виньолы «Правило пяти ордеров архитектуры» (1562). Как и трактаты Палладио, книга Виньолы стала основным источником, из которого об архитектуре Возрождения узнавали за пределами Италии.
Вилла Фарнезе
Пала́ццо или ви́лла Фарне́зе (итал. Villa Farnese), в отечественной литературе также замок Капрарола, - укреплённая ренессансная усадьба кардинала Алессандро Фарнезе в местечке Капрарола, в Лацио, в 50 км к северо-западу от Рима. Один из самых крупных строительных проектов Итальянского Возрождения.
Виллу-крепость начали строить по заказу будущего папы Павла III в 1520-е гг. Под руководством младшего Сангалло. На случай нападения неприятеля под виллу была подготовлена пятиугольная каменная твердыня (итал. rocco), но на этом проект застопорился.
В 1559 г. строительство возобновил внук папы - кардинал Алессандро Фарнезе, планировавший удалиться от папского двора в деревню. С этого времени и до самой смерти в 1573 году над этим проектом работал виднейший мастер римского маньеризма - Виньола.
После смерти заказчика строительства в 1589 году вилла перешла к пармским герцогам из дома Фарнезе, которые постепенно вывезли всё её содержимое в Неаполь. В настоящее время опустевшая вилла открыта для свободного посещения туристами, а летний павильон, называемый «казино» (итал. casino), служит одной из резиденций президента Италии.
Вилла Фарнезе возвышается над окрестной долиной, которая в старину принадлежала Фарнезе. Нижний рустированный этаж предельно строг и напоминает крепостной бастион. На парадный этаж ведут две массивные симметричные лестницы, наподобие тех, что спроектировал Микеланджело для Капитолийского дворца, но ближе к идеалу барокко. Убранство верхних ярусов здания из местного жёлтого камня также сдержанно.
При проектировании интерьеров Виньола, до этого построивший для папы виллу Джулия, отталкивался от задумок Браманте. На верхние этажи ведут пять изогнутых, псевдовинтовых лестниц, из которых парадной является т. н. «царская». Парадный этаж (итал. piano nobile) прорезают пять огромных окон.
Фрески «царской» лестницы выполнил Антонио Темпеста; над росписью парадных апартаментов работали братья Цуккаро. На стенах изображены как деяния самих Фарнезе, так и подвиги античных героев - Геркулеса и Александра.
В саду виллы, помимо обязательных для эпохи маньеризма стриженых кустов и фонтанчиков, имеются рвы с подъёмными мостами - лишний намёк на то, что здание строилось в неспокойное в папской истории время, последовавшее за разграблением Рима.
Андреа Палладио
Современник Виньолы Андреа Палладио (1508-1580), творчеством которого завершается период позднего Ренессанса, ограничил свою деятельность родным городом - Виченцей, но его роль в развитии итальянской и мировой архитектуры выходит далеко за пределы Северной Италии.
В этом городе он создал легкое и воздушное здание базилики. В ее аркаде осуществлена комбинация архитрава и архивольта, чрезвычайно облегчившая впечатление от стены.
Работы Палладио характеризуют совершенство в построении ордера, прекрасная отработка деталей и особая пластичность, мягкость всех элементов архитектуры. Палладио построил в Виченце ряд палаццо, а в ее окрестностях - несколько вилл для местной знати.
Палаццо, построенные Палладио, двухэтажные, что характерно для Северной Италии, фасады их оформлены с использованием ордеров, но в каждом они введены в особом варианте.
Свои принципы Палладио еще в большей степени реализовал в палаццо Кьерегати (строительство началось в 1551 г.), который позднее стал примером для многих сооружений раннего барокко.
В палаццо Изеппо да Порто первый этаж, обработанный рустом, играет роль пьедестала, на котором установлены ионические полуколонны второго этажа.
В палаццо Вальмарано применена уже другая система: здесь использован так называемый большой ордер в виде коринфских пилястр, охватывающих оба этажа.
В наиболее известном палаццо Капятаниато использован большой ордер в виде коринфских полуколонн, по первому этажу проходит лоджия. Другие палаццо Палладио дают иные, каждый раз особые варианты применения ордерных порядков. Ни у одного из архитекторов Возрождения ордера не получали столь широкого и разнообразного применения, не говоря уже о совершенстве воспроизведения в пропорциях и пластике.
Чрезвычайный интерес представляют виллы Палладио. Они развивают в разных вариантах одну принципиальную схему: основной призматический объем с портиком и венчающим его фронтоном дополняется по сторонам галереями, завершаемыми небольшими флигелями. Этот тип композиции был воспринят и широко использован архитектурой классицизма - западноевропейской и русской.
Наиболее известная вилла Палладио - вилла Ротонда (заложена в 1553 г.) - не имеет боковых галерей и в этом отношении является исключением среди других аналогичных сооружений. План ее квадратный. Четыре идентичных фасада наделены колонными портиками с фронтонами. Здание увенчано плоским куполом, его центрирующим. Как всегда у Палладио, в этом сооружении пленяет изумительная гармоничность пропорций.
Одной из его значительных построек является театр Олимпико, строительство которого в Виченце было начато в 1555 г. и завершено архитектором Скамоцци в 1585 г.
Творчество Палладио оказало огромное воздействие на мировую архитектуру, прежде всего на архитектуру классицизма второй половины XVIII и первой половины XIX века.
Вилла Ротонда
Ла-Ротонда (La Rotonda) - загородный дом, или вилла, построенный Андреа Палладио на вершине холма под Виченцой для вышедшего в отставку ватиканского чиновника Паоло Альмерико. После перехода в 1591 г. в собственность братьев Капра вилла Альмерико была переименована в виллу Капра (Villa Capra). Иногда её называют вилла Альмерико-Капра.
Вилла Ротонда, состоящая под охраной ЮНЕСКО как памятник Всемирного наследия, общепризнана в качестве одного из центральных зданий в истории европейской архитектуры. Для архитекторов-палладианцев это был самый чтимый образец усадебного дома. По его образу и подобию были выстроены тысячи зданий по всему миру - от американской усадьбы Монтичелло до Софийского собора в Царском Селе.
Вилла Капра - один из первых в истории частных домов, решённых в форме античного храма. Зданию присуща идеальная симметрия, основанная на тщательно просчитанных математических пропорциях. У виллы четыре тождественных фасада с ионическими портиками, к которым ведёт по балюстраде со статуями античных богов. К числу первых повторений виллы за пределами Италии принадлежали усадьбы английских аристократов - Чизик-хаус и Мереворт-касл.
Винченцо Скамоцци, который отвечал за достройку и отделку виллы после смерти Палладио, увенчал её куполом-ротондой наподобие римского Пантеона. Из круглого отверстия сверху купола, по замыслу создателей, солнечный свет должен был изливаться в круглую гостиную в центре здания. Её стены покрыты искусными фресками-обманками. Все прочие комнаты спроектированы таким образом, чтобы в них в течение дня тоже равномерно заглядывало солнце.
В отличие от многих памятников архитектуры Возрождения, которые негласно противопоставляют себя окружающему ландшафту, вилла идеально вписана в него. От парадных ворот к ней ведёт широкая аллея для экипажей. Палладио и Скамоцци достигли в этом своём произведении гармонии с природой, неведомой европейскому зодчеству со времён античности.
Характеристика архитектуры Возрождения
Архитекторы эпохи Возрождения заимствовали характерные черты римской классической архитектуры. Тем не менее, форма зданий и их назначение, как и основные принципы градостроительства, изменились с античных времён. Римляне никогда не строили зданий, подобных церквям раннего периода развития возрождённого классического стиля или особнякам преуспевающих купцов XV века. В свою очередь в описываемое время не было надобности возводить огромные сооружения для проведения спортивных состязаний или общественные бани, которые строили римляне. Классические нормы изучались и воссоздавались для того, чтобы служить современным целям.
План зданий эпохи Возрождения определён прямоугольными формами, симметрией и пропорцией, основанной на модуле. В храмах модулем часто является ширина пролёта нефа. Проблему целостного единства конструкции и фасада впервые осознал Брунеллески, хотя он и не разрешил проблему ни в одной из своих работ. Впервые этот принцип проявляется в здании Альберти - Базилике ди Сант Андреа в Мантуе. Совершенствование проекта светского здания в стиле Возрождения началось в XVI веке и высшей точки достигло в творчестве Палладио.
Фасад симметричен относительно вертикальной оси. Церковные фасады, как правило, размерены пилястрами, арками и антаблементом, увенчаны фронтоном. Расположение колонн и окон передаёт стремление к центру. Первым фасадом в стиле Возрождения можно назвать фасад кафедрального собора Пиенцы (1459-1462), приписываемый флорентийскому архитектору Бернардо Гамбарелли (известен под именем Росселлино), возможно, что и Альберти имел отношение к созданию храма.
Жилые здания часто имеют карниз, на каждом этаже расположение окон и сопутствующих деталей повторяется, главная дверь отмечена некоторой чертой - балконом или окружена рустом. Одним из прототипов такой организации фасада был дворец Ручеллаи во Флоренции (1446-1451) с тремя поэтажными рядами пилястр.
Большая часть итальянских средневековых зданий была покрыта простыми крышами; собор в Орвието, построенный в XIII в., был перекрыт крышей с открытыми стропилами.
В Италии никогда не применялась очень покатая крыша, свойственная местностям со значительными снеговыми осадками. Даже в Миланском соборе, несмотря на готический характер его архитектуры, крыши имели очень слабый уклон. Такого рода крыши употреблялись на всём протяжении Ренессанса.
Терраса, слабо защищающие от дождя, получает широкое распространение только в середине XVI в. При этом стараются сохранить её форму, но избежать присущих ей неудобств: почти все итальянские террасы представляют собою, в сущности, крыши с малым уклоном, скрытые за балюстрадой.
Одновременно с типом двухскатной крыши, в больших залах муниципальных дворцов XV в. В Падуе и Виченце, а так же во многих венецианских зданиях, встречаются цилиндрические крыши. Это стропильные конструкции, фермы которых сводятся кружалам из толстых досок, сплоченных между собой. По странному совпадению, эти фермы изобретались в самые различные эпохи архитектурными школами, между которыми нельзя даже заподозрить никакой связи или взаимного подражания: Филибер Делорм, вероятно, не знал базилики в Падуе, и, конечно, падуанцы XV в. Даже не предпологали, что их система принадлежит к самым старым традициям Индии.
Изобразительное искусство Возрождения
Первые предвестники искусства Возрождения появились в Италии в XIV веке. Художники этого времени, Пьетро Каваллини (1259-1344), Джотто (1267-1337), Симоне Мартини (1284-1344), рисуя картины традиционной религиозной тематики, и отталкиваясь от традиции интернациональной готики, начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.
Искусство Возрождения возникло на основе гуманизма (от латинского humanus - «человечный») - течения общественной мысли, которое зародилось в XIV в. в Италии, а затем на протяжении второй половины XV и в XVI вв. распространилось в других европейских странах. Гуманизм провозгласил высшей ценностью человека и его благо. Последователи этого течения считали, что каждый человек имеет право свободно развиваться как личность, реализуя свои способности. Идеи гуманизма наиболее полно и ярко воплотились в искусстве, главной темой которого стал прекрасный, гармонически развитый человек, обладающий неограниченными духовными и творческими возможностями. Гуманистов вдохновляла античность, служившая для них источником знаний и образцом художественного творчества. Великое прошлое Италии, постоянно напоминавшее о себе, воспринималось в то время как высшее совершенство, в то время как искусство Средних веков казалось неумелым и варварским. Термин «возрождение», возникший в XVI в., означал рождение нового искусства, возрождающего классическую античную культуру. Тем не менее искусство Ренессанса многим обязано художественной традиции Средних веков. Старое и новое находились в нерасторжимой связи и противоборстве. При всем противоречивом многообразии своих истоков искусство Возрождения отмечено глубокой и принципиальной новизной. Оно заложило основы европейской культуры Нового времени. Все основные виды искусства - живопись и графика, скульптура, архитектура - чрезвычайно изменились.
Сандро Боттичелли
Са́ндро Боттиче́лли (итал. Sandro Botticelli, настоящее имя Алесса́ндро ди Мариа́но ди Ва́нни Филипе́пи (итал. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi), 1 марта 1445 - 17 мая 1510) - виднейший живописец тосканской школы.
Сандро Боттичелли является одним из прекрасных представителей искусства итальянского Раннего Возрождения.
Творчество художника наполнено чертами утончённости и аристократической изысканности, картины чрезвычайно эмоциональны, пронизаны чувством личных переживаний, отражающих сложные противоречия эпохи. Глубокая одухотворённость и поэтическое очарование образов, которые в позднем творчестве приобретают оттенок надломленности, характеризуют живописца как человека, глубоко переживающего духовные перипетии своего времени.
Родился в семье зажиточного горожанина Мариано ли Ванни Филипепи. Получил хорошее образование. Прозвище Botticelli («бочонок») перешло к Сандро от его брата-маклера, который был толстяком. Учился живописи у монаха Филиппо Липпи и перенял у него ту страстность в изображении трогательных мотивов, которой отличаются исторические картины Липпи. Потом работал у известного скульптора Верроккио. В 1470 г. организует собственную мастерскую. Тонкость и точность линий он перенял у второго своего брата, который был ювелиром. Некоторое время учился вместе с Леонардо да Винчи в мастерской Вероккио. Оригинальная же черта собственного таланта Боттичелли состоит в наклонности к фантастическому. Он один из первых внес в искусство своего времени античный миф и аллегорию, и с особенной любовью работал над мифологическими сюжетами. Особенно эффектна его Венера, которая нагая плывет по морю в раковине, и боги ветров осыпают её дождем из роз, и гонят раковину к берегу.
Лучшим творением Боттичелли считают начатые им в 1474 году фрески в Сикстинской капелле Ватикана. Предположительно Боттичелли был приверженцем Савонаролы. Согласно преданию, уже в старческом возрасте он сжёг свою юношескую картину на костре тщеславия. «Рождение Венеры» стало последней такой картиной. Усердно изучал Данте; плодом этого изучения явились гравюры на меди, приложенные к вышедшему в свет во Флоренции в 1481 году изданию дантова «Ада» (издание Магны).
В 1470-1480-х гг портрет становится самостоятельным жанром в творчестве Ботичелли ("Человек с медалью", ок. 1474; "Юноша", 1480-е гг).
Выполнил множество картин по заказам Медичи. В частности, расписал знамя Джулиано Медичи, брата Лоренцо Великолепного. Боттичелли прославился своим тонким эстетическим вкусом и такими произведениями, как «Благовещение» (1489-1490), «Покинутая» (1495-1500) и т. д. В последние годы своей жизни Боттичелли, по всей видимости, оставил живопись. В 1504 году художник участвовал в комиссии, определявшей место для установки статуи Давида работы Микеланджело, однако его предложение не было принято. Известно, что у семьи художника был дом в квартале Санта Мария Новелла и доход от виллы в Бельсгуардо. Сандро Боттичелли похоронен в фамильной гробнице в церкви Оньисанти. Согласно завещанию, его похоронили вблизи могилы Симонетты Веспуччи, вдохновившей самые прекрасные образы мастера.
В честь Боттичелли назван кратер на Меркурии.
Леонардо да Винчи
Леона́рдо ди сер Пье́ро да Ви́нчи (итал. Leonardo di ser Piero da Vinci, 15 апреля 1452, село Анкиано, около городка Винчи, близ Флоренции - 2 мая 1519, замок Кло-Люсэ, близ Амбуаза, Турень, Франция) - великий итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, математик, физик, естествоиспытатель), яркий представитель типа «универсального человека» (лат. homo universale) - идеала итальянского Ренессанса. Его называли чародеем, служителем дьявола, итальянским Фаустом и божественным духом. Он опередил своё время на несколько веков. Окружённый легендами ещё при жизни, Леонардо - символ безграничных устремлений человеческого разума. Явив собою идеал ренессансного «универсального человека», Леонардо осмысливался в последующей традиции как личность, наиболее ярко очертившая диапазон творческих исканий эпохи. Являлся основателем искусства Высокого Возрождения.
Леонардо да Винчи родился 15 апреля 1452 года в селении Анкиано близ Винчи: недалеко от Флоренции в «Три часа ночи» т.е в 22:30 (по современному отсчёту времени).
Его родителями были 25-летний нотариус Пьеро и его возлюбленная, крестьянка Катерина. Первые годы жизни Леонардо провёл вместе с матерью. Его отец вскоре женился на богатой и знатной девушке, но этот брак оказался бездетным, и Пьеро забрал своего трёхлетнего сына на воспитание. Разлученный с матерью Леонардо всю жизнь пытался воссоздать её образ в своих шедеврах. Жил он в это время у деда. В Италии того времени к незаконнорожденным детям относились почти как к законным наследникам. Многие влиятельные люди города Винчи приняли участие в дальнейшей судьбе Леонардо. Когда Леонардо было 13 лет, его мачеха умерла при родах. Отец женился повторно - и снова вскоре остался вдовцом. Он прожил 67 лет, был четырежды женат и имел 12 детей. Отец пытался приобщить Леонардо к семейной профессии, но безуспешно: сын не интересовался законами общества.
Мастерская Верроккьо находилась в интеллектуальном центре тогдашней Италии, городе Флоренции, что позволило Леонардо обучиться гуманитарным наукам, а также приобрести некоторые технические навыки. Он изучил черчение, химию, металлургию, работу с металлом, гипсом и кожей. Помимо этого юный подмастерье занимался рисованием, скульптурой и моделированием. В мастерской часто бывали такие известные мастера, как Гирландайо, Перуджино, Боттичелли и Лоренцо ди Креди. Впоследствии, даже когда отец Леонардо принимает его на работу в свою мастерскую, он продолжает сотрудничать с Верроккьо.
В 1473 году, в возрасте 20 лет, Леонардо Да Винчи получает квалификацию мастера в Гильдии Святого Луки.
В возрасте 24 лет Леонардо и ещё трое молодых людей были привлечены к судебному разбирательству по ложному анонимному обвинению в содомии. Их оправдали. О его жизни после этого события известно очень мало, но, вероятно, у него была собственная мастерская во Флоренции в 1476-1481 годах.
В 1482 Леонардо, будучи, по словам Вазари, очень талантливым музыкантом, создал серебряную лиру в форме конской головы. Лоренцо Медичи послал его в качестве миротворца к Лодовико Моро, а лиру отправил с ним как подарок.
Леонардо присутствовал на свидании короля Франциска I с папой Львом X в Болоньи 19 декабря 1515 года. Франциск поручил мастеру сконструировать механического льва, способного ходить, из груди которого появлялся бы букет лилий. Возможно, этот лев приветствовал короля в Лионе или использовался во время переговоров с папой. В 1516 году Леонардо принял приглашение короля и поселился в замке Кло-Люсе, неподалёку от королевского замка Амбуаз. Здесь он провёл последние три года жизни со своим другом и учеником Франческо Мельци, получая пенсию порядка 10000 скудо.
Во Франции Леонардо почти не рисовал. У мастера онемела правая рука, и он с трудом передвигался без посторонней помощи. Третий год жизни в Амбуазе 67-летний Леонардо провел в постели. 23 апреля 1519 года он оставил завещание, а 2 мая скончался в окружении учеников и своих шедевров в Кло-Люсе. По словам Вазари, да Винчи умер на руках короля Франциска I, своего близкого друга. Эта малодостоверная, но распространённая во Франции легенда нашла отражение в полотнах Энгра, Ангелики Кауфман и многих других живописцев. Леонардо да Винчи был похоронен в замке Амбуаз. На могильной плите была выбита надпись: «В стенах этого монастыря покоится прах Леонардо да Винчи, величайшего художника, инженера и зодчего Французского королевства».
Его основным наследником был Франческо Мельци: кроме денег, он получил картины, инструменты, библиотеку и др. Салаи и его слуге досталось по половине виноградников Леонардо.
Нашим современникам Леонардо в первую очередь известен как художник. Кроме того, не исключено, что Да Винчи мог быть и скульптором: исследователи из университета Перуджи - Джанкарло Джентилини и Карло Сиси - утверждают, что найденная ими в 1990 году терракотовая голова является единственной дошедшей до нас скульптурной работой Леонардо да Винчи. Однако сам Да Винчи в разные периоды своей жизни считал себя в первую очередь инженером или учёным. Он отдавал изобразительному искусству не очень много времени и работал достаточно медленно. Поэтому художественное наследие Леонардо количественно не велико, а ряд его работ утрачен или сильно повреждён. Однако его вклад в мировую художественную культуру является исключительно важным даже на фоне той когорты гениев, которую дало Итальянское Возрождение. Благодаря его работам искусство живописи перешло на качественно новый этап своего развития. Предшествующие Леонардо художники Ренессанса решительно отказывались от многих условностей средневекового искусства. Это было движения в сторону реализма и многое уже было достигнуто в изучении перспективы, анатомии, большей свободы в композиционных решениях. Но в плане живописности, работы с краской, художники были ещё достаточно условны и скованы. Линия на картине четко очерчивала предмет, и изображение имело вид раскрашенного рисунка. Наиболее условным был пейзаж, который играл второстепенную роль. Леонардо осознал и воплотил новую живописную технику. У него линия имеет право на размытость, потому что так мы её видим. Он осознал явления рассеяния света в воздухе и возникновения сфумато - дымки между зрителем и изображенным предметом, которое смягчает цветовые контрасты и линии. В итоге реализм в живописи перешёл на качественно новую ступень.
Тициан Вечеллио
Тициан (собственно Тициано Вечеллио) родился в 1476-77 гг. (согласно другим источникам - в 1480-е гг.). Тициан происходил из старинного рода небольшого городка Пьеве ди Кадоре, расположенного в Альпах. В возрасте 9-10 лет проявил склонность к рисованию и был отправлен в Венецию учиться. Учился у нескольких мастеров, в том числе у Джованни Беллини, в мастерской которого он сблизился с Джорджоне. Около 1508 г. он помогает Джорджоне в исполнении росписей Немецкого подворья в Венеции.
Творчество Тициана отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанров живописи. Тициан является одним из основоположников монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и торжественно-парадного. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи, оказавшим значительное воздействие на ее развитие в XVII столетии. В его творчестве идеальные образы соседствуют с яркими характерами, трагические конфликты - со сценами ликующей радости, религиозные композиции - с мифологическими и историческими картинами.
Долгая жизнь Тициана делится на четыре творческих периода. Ранний период (до 1519 г.) проникнут спокойным, радостным настроением, ощущением счастливой полноты жизни. Работы, относящиеся к началу 1510-х гг. («Христос и грешница», Художественная галерея, Глазго), обнаруживают близость искусству Джорджоне, чьи незаконченные картины он в это время дописывал. К середине 1510-х гг., после внимательного изучения творчества Рафаэля и Микеланджело, Тициан вырабатывает самостоятельный стиль («Флора», «Динарий кесаря»). Художника привлекают образы пышной женской красоты, как например, в самой известной картине этого периода «Любовь земная и небесная». Картина радует превосходной живописью, особенно в изображении великолепного обнаженного женского тела и роскошных тканей. Слава Тициана росла, вскоре он стал известен за пределами Италии.
В конце 1510-х-1530-е гг. в творчестве Тициана наступает новый период, связанный с общественным и культурным подъемом Венеции. В этот период художник создает исполненные пафоса монументальные алтарные образы («Вознесение Марии (Ассунта)», «Мадонна семьи Пезаро»), картины на евангельские сюжеты («Положение во гроб», 1520-е гг., Лувр, Париж), мифологические композиции («Вакх и Ариадна», «Венера Урбинская»).
Конец 1530-х-1540-е гг. - время расцвета портретного искусства Тициана. Среди лучших его портретов - «Папа Павел III», «Карл V в сражении при Мюльберге», «Пьетро Аретино». Наряду с одиночными художник создает и групповые портреты («Папа Павел III с Алессандро и Оттавио Фарнезе»).
Тициан пользовался огромной популярностью. Ему покровительствовали многие влиятельные лица как в Италии, так и в других европейских странах. Германский император Карл V пожаловал Тициану титул «графа Палатинского», звание государственного советника и высший сан «Рыцаря золотой шпоры со знаком Меча и Цепи». Наследник престола Филипп II также покровительствовал художнику и даже назначил ему пенсию.
В Тициане гениальность художника сочеталась с расчетливостью венецианского купца. Он успешно вел коммерческие дела, управлял множеством домов, поместий и вилл, производил финансовые операции. О Тициане ходила слава очень алчного человека. Однако в личной жизни он являл образец высокой нравственности. Женившись в 1525 г. на некоей Цецилии (уже имевшей от него двоих детей), он потерял ее через пять лет и так и прожил один до конца своих дней. Известно лишь об одном его мимолетном увлечении - 18-тилетней Ирен Шпиленберг, но нет ни одного свидетельства о его отношениях с куртизанками.
С середины XVI в. начался поздний период творчества Тициана. В эти годы он исполняет целый ряд мифологических композиций («Даная», «Венера и Адонис», «Воспитание Амура», «Венера перед зеркалом», «Похищение Европы»), обращается к религиозным сюжетам («Св. Иероним», «Кающаяся Мария Магдалина»). В этих произведениях художник достиг не только вершин живописного мастерства, но и величайших глубин в истолковании мифологических и религиозных тем.
Тициана волнует трагическая сторона жизни, зрелище человеческих страданий («Коронование терновым венцом»). Этой же теме посвящена последняя большая алтарная картина Тициана - «Оплакивание Христа».
Тициан умер от чумы 27 августа 1576 г. Похоронен в капелле церкви Санта-Мария Глориоза деи Фрари, для которой в свое время он написал алтарный образ «Вознесение Марии».
Открытия, совершенные в эпоху Возрождения в области духовной культуры и искусства, имели огромное историческое значение для развития европейского искусства последующих веков. Интерес к ним сохраняется и в наше время.
Таким образом, заветы Ренессанса многообразны: в нем были так или иначе предвосхищены и предугаданы едва ли не все те тенденции, которыми жило европейское искусство в последующие века.
Заключение
Развитие Архитектуры Возрождения привело к нововведениям в использовании строительных техник и материалов, к развитию архитектурной лексики. Важно отметить, что движение возрождения характеризуется отходом от анонимности ремесленников и появлением персонального стиля у архитекторов. Известно немного мастеров построивших произведения в романском стиле, также как и архитекторов, соорудивших великолепные готические соборы. В то время как произведения эпохи Возрождения, даже небольшие здания или просто проекты были аккуратно задокументированы с самого своего появления.
Список литературы
Н.Дмитриева «Краткая история искусств»
Огюст Шуази «Всеобщая История Архитектуры»
Нужно рассмотреть еще один институт культуры – библиотеку, которая открывается для читателей. Также она становится хранилищем уникальных памятников письменности прошлого. Глава II. Виды и назначение итальянских библиотек 2.1 Частные библиотеки В эпоху Возрождения в жизни общества доминирует частная библиотека как один из типов библиотек, ибо именно эти библиотеки, будучи прекрасно...
... (христианской) схеме периодизации культурно-исторического процесса обозначает эпоху между древностью и новым временем. Обычно историки культуры рассматривают средние века как период от отмирания эллинистической классической, античной культуры до ее возрождения. В свою очередь, эта эпоха имела разные периоды, охватывает 1000 лет. Поэтому для понимания специфики этой культуры целесообразно рас ...
Череда возрождений
Мы начинаем наши беседы о Ренессансе, об эпохе Возрождения – о значимом для европейской культуры времени. Но об этой эпохе ведется очень много споров. Большинство ученых оценивают эту эпоху как выдающийся взлет европейской культуры. Но были мыслители, которые отрицательно относились. Например, мы знаем, что Алексей Федорович Лосев, или о. Павел Флоренский рассматривали эту эпоху как крах христианских идеалов, как торжество антропоцентризма и практический отказ от Бога. Кто же прав? Давайте рассмотрим.
Итак, эпоха Возрождения. Что же возрождали итальянцы в эту эпоху? Свое название она получила с легкой руки, как известно, Джорджо Вазари – художника, архитектора, историка искусств. В своей книге «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» он обозначил этим термином период итальянского искусства с 1250 г. по 1550 г., то есть с XIII по XVI век, 300 лет великого взлета. О временных границах мы еще поговорим, и будем видеть, как они могут сдвигаться и в боле раннюю эпоху, и, наоборот, некоторые исследователи считали, что это всего лишь XV в. – самое начало XVI в. (кватроченто и чинквеченто). Но об этом спорят. Это все входит в ту проблематику, о которой сегодня не смолкают споры.
Что же имел в виду Вазари? Он имел в виду, прежде всего, возрождение культуры античности. Он провозглашал, что закончилась эпоха Средних веков, то есть того промежутка, который составлял, как ему казалось, культурный провал между взлетом культуры в античности и новым взлетом в период Ренессанса – прежде всего, в Италии. Но, однако, Вазари был не очень прав. Во-первых, потому, что античность возрождали и раньше. Это был не первый европейский Ренессанс.
Вообще, если посмотреть, европейская культура развивалась путем вот таких скачков, ренессансов, возрождений. Было, например, Каролингское возрождение, Оттоновское возрождение. Для Европы все время момент возрождения стоял на переднем крае, был актуальным, все время что-то возрождали.
Разрушив Римскую империю, варвары сразу начинали подражать Риму. Вспомним, например, Остготское королевство в Италии, где Теодорих подражал Риму, и короновал себя, и делал мавзолеи, и делал паллацо римский, и так далее. И двор Теодориха был таким возрождением, как ему казалось, античной, римской культуры.
Но, конечно, самым большим возрождением после варварской эпохи разрушения было Каролингское возрождение. Об этом тоже нужно сказать, прежде чем мы перейдем собственно к эпохе Ренессанса. Каролинги – это особый период. Это действительно было в какой-то мере Возрождение. Это период интеллектуального, культурного подъема. Его рамки – это конец VIII в. – середина IX в., эпоха правления Карла Великого, Людовика Благочестивого, Карла Лысого. Это династия Каролингов. Это расцвет литературы, искусства, юриспруденции, богословия. Мощный импульс получило развитие средневековой латыни.
Действительно, это был ренессанс – маленький, может быть не общеевропейского плана, но все-таки ренессанс именно христианский, но связанный с возрождением античной традиции, латинской традиции, традиции римского права, и т.д. Например, Ахенская капелла говорит о том, что это действительно был мощный взлет – может быть, более локальный. Хотя итальянское Возрождение тоже, как мы увидим, локальное явление. Оно повлияло на европейскую культуру, но все-таки было обозначено тоже не очень большим размахом.
Оттоновское возрождение продолжало Каролингское. А следующий период, который связан с романским искусством, тоже можно назвать в некоторой степени возрождением, потому что возрождается римская арка, римский свод, римская строительная техника. Наконец, варвары достигли такого размаха в строительстве, который мог сравниться отчасти с римской архитектурой, и в чем-то это тоже возрождение.
Не говоря уже о готике, ведь само слово «готика», варварский стиль – это тоже привнесенное из эпохи Возрождения, потому что всем казалось, что готика, с ее ребрами, с ее контрастами света и с этой мощной массы соборов, подавляющих человека, ¾ все это варварство. На самом деле, если посмотреть, то готика – это великое искусство, где соединяются и инженерная мысль, и богословие, схоластика. Но, деятели Возрождения относились к схоластике как к чему-то неразвитому, хотя это очень интересное движение мысли. Поэтому готика тоже в своем роде возрождение – возрождение высокой строительной техники, богословской мысли и так далее. И здесь с античностью тоже было очень много связано.
Вообще, европейское развитие, если сравнить его с развитием восточно-христианского мира, оно шло по пути все время как бы оглядки на античность, попытки возрождения. Вот варвары разрушили ее, и на протяжении всего средневековья они пытались возродить эту античность. И, наконец, как им казалось, возродили. И назвали ту эпоху, когда античность подняли на пьедестал уже в более широком смысле, ее возродили, и Вазари провозглашает период Возрождения.
Совершенно иначе шло развитие в восточно-христианском мире. Там никто ничего не разрушал особо, а христианство прорастало сквозь эту античную почву. Византия была продолжением Римской империи – это была часть, осколок Римской империи. Греки называли себя ромеями, и считали себя законными наследниками античности. Не то что эти варвары, которые ее разрушили, а потом пытались ее возродить.
Типично итальянский культурный продукт
Мы дошли с вами до эпохи Возрождения, в которой античность ставится на пьедестал. Но античность здесь, скорее, романтическая идея. Все-таки возрождали европейскую культуру постсредневекового типа. И это видно на всем том, что делали представители Возрождения – художники, архитекторы, мыслители.
Это совершенно оригинальная культура, которая не повторяет античность, хотя и на нее ссылается, которая создает свой (современный на тот момент) особый стиль культуры. И в этом смысле роль Италии очень велика. На самом деле, как готика – это, в основном, изобретение Франция (потом готические влияния пошли в другие страны), так и Возрождение – это типично итальянский «культурный продукт». Не случайно они совпадают во многом в датах. Тогда как во Франции расцветает готика, в Италии расцветает культура Возрождения (мы об этом поговорим, минуя готику). Поэтому они не любили готику как варварский, готский, германский стиль. А сами-то они возрождали благородную античность, которую не коснулось варварство.
Давайте посмотрим предпосылки. Действительно, у Италии были античные корни. Итальянцы вдруг вспомнили, что они живут на почве античности. Это и сохранившиеся здания, и манускрипты в библиотеках, и скульптура. В это время стали открывать катакомбы. То есть, они вдруг почувствовали, что, в отличие от остальной Европы, здесь гораздо больше все укоренено в античность, хотя и раньше они тоже отсылали свою культуру к античности, они об этом не всегда забывали. Здесь были варвары – лангобарды в Северной Италии, остготы в Восточной Италии. Но, все-таки, вот это римское наследие всегда здесь помнилось и почиталось.
Раннехристианские традиции здесь тоже всегда были сильны. До сих пор во многих храмах Рима мы видим раннехристианские иконы. Их называют ранневизантийскими, но они не всегда написаны византийскими мастерами – они написаны местными мастерами. Опять же – открытие катакомб, о чем я уже говорила.
Конечно, Рим – это церковь. Это сильная, богатая церковь. В разные времена, конечно, были упадки. Было и «Авиньонское пленение пап» (мы об это поговорим), но все-таки Рим всегда был центром. В отличие от восточно-христианской культуры, здесь сложилась очень интересная ситуация. Если Константинополь – это император, который повелевает, в том числе и церковью, то здесь церковь часто повелевала императорами. Рим – единственный христианский центр, и много варварских королевств. Поэтому ни один король не мог преобладать. Хотя и пытались многие диктовать Риму, и иногда это удавалось, но все-таки Рим был главным. И вот это тоже очень сильно повлияло на мировоззрение Ренессанса.
Церковь хранила сокровища. Откуда гуманисты взяли эти античные рукописи? Они и взяли их в монастырских библиотеках. Это не нужно было в земле раскапывать. Они хранились. Другое дело, что в Средневековье их не очень читали. Мы помним замечательный роман Умберто Эко, где построено как раз на том, что античные рукописи прячут, а кто-то их разыскивает. То есть, возрождали-то кто? Монахи. Очень часто исследователи пишут об антиклерикальном настрое гуманистов. Это не совсем так. Мы будем видеть, что большая часть гуманистов сами принадлежали к церкви. Это были служители церкви – монахи, каноники, священники, даже папы. Хотя и светский элемент в гуманизме был очень большой.
Отсутствие центральной власти укрепляло периферийные центры. Попытка объединить Италию все время проваливалась. Мы знаем, что, в конце концов, Италия объединилась только в конце XIX века. И вот эти вот периферийные центры стремились создать свою культуру, и роль таких городов-коммун здесь была очень большая. В этих независимых городах растет производство, развивается ремесло, скапливаются деньги. Экономический рост способствует меценатству, покровительству искусству. Это тоже немаловажный момент. Если в той же Франции или в Германии деньги скапливались у монархов, и они уже диктовали художникам, то здесь деньги были ближе к художникам, потому что они были у людей третьего сословия.
Культура третьего сословия
Вообще, третье сословие делает эту культуру, что тоже очень интересно. В Средневековье мир представлялся гармонично-сложенным. Как пишет один хронист: «Божий дом тройственнен, он состоит из oratores, laboratores и bellatores», – то есть одни молятся, другие работают, третьи воюют. И это очень важно, потому что это сословная структура держала этот мир. И вдруг это третье сословие – laboratores – которому всегда отводилась третья роль, вдруг выходит на первый план именно в Италии, и это очень сильно меняет культуру. Третье сословие становится ведущим, финансово независимым, тянется к образованию и культуре, и диктует этот новый стиль.
Экономический фактор, что очень важно, способствует появлению досуга. В Средневековье ведь досуга не было – тогда каждый был занят своим делом. В позднем Средневековье – опять же, мы посмотрим, как соединяются позднее Средневековье – так называемая интернациональная готика с Возрождением. Там появляется придворная культура, где есть досуг, и т.д., но все-таки для большинства людей, особенно третьего сословия, такого досуга не было – люди или молились, или трудились. Отдых, 7-й день, воскресенье, предоставлялся Богу, и это был не отдых, а молитва. И вдруг появляется этот досуг. И как этот досуг используют люди? Они начинают читать книги, писать книги. Они начинают заниматься humanitas, то есть гуманитарными науками. Вот это все достаточно интересно, и все это формирует совершенно новое мировоззрение, новую культуру.
Миф об антропоцентризме Возрождения
Считается, что культура Возрождения возникает благодаря философии, гуманизму, который соединил интерес к античной культуре, к искусству, к литературе с вниманием к духовной сущности человека. Вообще, проблема человека выходит на первый план – отсюда humanitas. Homo – человек, который становится в центре Вселенной как венец творения, в центре внимания исследователей, поэтов, писателей, ученых и т.д. Отсюда – миф об антропоцентризме.
Почему я говорю «миф»? – Потому что – да, человек становится центром Вселенной, но Бог не исключается из этой Вселенной. Скорее, Вселенная мыслится как эллипс с двумя центрами, которые находятся в своем взаимодействии. И то, что человек – венец творения, это было сказано совсем не гуманистами. Это провозглашало и Средневековье, это можно вывести из Священного Писания (из 6-го дня творения), когда Бог дает человеку огромную силу и повеление быть царем и священником в природе. Другое дело, что сам человек это не сохранил. И вот это достоинство изначальное, данное человеку, тоже возрождают гуманисты. Это очень важно.
Если в Средние века в основе культуры лежала вера, то в период Возрождения в основу всего становится знание. Вера, опять же, не исключается. Переносится некоторый акцент на знание. Но ведь еще Ансельм Кентерберийский сказал, что: «я верую, чтобы знать». И вот это знание становится для гуманистов, для деятелей эпохи Возрождения главным. И само искусство становится путем познания – природы, человека, Бога в конце концов. Повторяю, что миф об антропоцентризме односторонний – он исключает то, что человек хотел познать и Бога.
Университеты, науки, книгопечатание
Развиваются университеты. Создаются музеи. В школах начинают преподавать греческий язык, еврейский язык; интерес к гуманитарным предметам. И к естественным – тоже. Если в Средние века наука и культура были прерогативой церкви, которая не всегда охотно делилась своими знаниями и достижениями, то гуманизм открыл возможность знания для всех. И мы видим, что люди любого сословия могли приобщиться к этому знанию.
Университеты появляются, как мы знаем, в Средневековье. Это – средневековое изобретение. Но в Возрождение они приобретают особенный вес, потому что они становятся не только школами богословских наук, но и естественных. Еще в античности начал вырабатываться список учебных дисциплин, уже названных «свободными искусствами», причем в древнем Риме они так назывались. Это свободные занятие достойного, свободного человека, в отличие от занятий, требующих физического труда.
Но само слово «искусство» (от латинского ars ) в данном случае следует понимать не как художественное ремесло (сейчас мы понимаем искусство как художественное ремесло), а как науку, как знание, то есть системный взгляд, вырабатывающийся в ходе практических наблюдений за природой. Еще в Средние века число «свободных искусств» сводилось к семи. Это были так называемые тривиум и квадривиум. Тривиум – это, прежде всего, искусство слова, грамматика и риторика, и диалектика. А квадривиум – это арифметика, геометрия, астрономия, музыка. На самом деле, эти свободные искусства начинают расширяться, и к ним присоединяются уже исследования в области астрономии, развивается химия, выходящая из алхимии и т.д., то есть начинает расширяться этот средневековый спектр искусств, спектр наук.
Но очень важным изобретением, которое как раз дало возможность более широко распространять знания, было изобретение книгопечатания. Вот этот скачок в цивилизации невозможно не заметить. Наверное, с ним может сравниться только изобретением компьютера в наше время. Действительно, книга, бывшая раньше рукописной, конечно, дальше монастырских библиотек редко могла распространяться. А вот книга напечатанная уже могла распространяться достаточно широко, и это очень важно.
Новые пространства и перспектива
Ренессанс – это время Великих географических открытий. Это тоже очень важно. Мир расширился. Средневековый мир был замкнутым, ограниченным – скорее, он размыкался туда, в Царствие Божие, в то пространство, где нет границ; в то время, где царствует вечность. А поскольку гуманизм обратил внимание на человека, живущего на земле, то земля стала очень интересовать и художников, и ученых. И поэтому время Великих географических открытий – это время расширения пространства.
Отсюда такой интерес к перспективе, потому что людей заинтересовала земля. Людей заинтересовало пространство, в котором они живут. И вот это вот размыкание пространства тоже повернула взгляд человека на самого себя, на мир, на Бога, на творения, на Вселенную. К тому же, астрономические открытия, смена парадигмы от геоцентрической к гелиоцентрической Вселенной тоже очень сильно поменяло мировоззрение человека. Мы даже не можем себе представить, насколько это было действительно взрывом в сознании людей. О том, что Земля круглая, или, что Солнце не вокруг нас вращается – это тоже люди в античности знали, догадывались или имели такие гипотезы. Но в это время, в период Возрождения, это становится определяющим.
Человек как соработник Творца
И гуманизм рождает новый взгляд на отношения человек – Бог – мир. И здесь, конечно, от теоцентризма происходит тяготение к антропоцентризму, но человек не затмевает Бога – человек начинает мыслиться равным собеседником Богу. Если Бог – Творец, и человек создан по «образу и подобию» Творца, значит он тоже творческий. Это творчество выходит на первый план. Если это творчество заповедно человеку, то человек начинает творить, то есть он выполняет волю Божью. Если человеку дано познавать мир (Адам называл животных – это тоже образ познания мира в раю), то человек начинает познавать этот мир. Он вовсе не идет против Бога – он идет за Богом, но только иначе, чем это было в Средневековье.
Если в Средневековье подчеркивалась слабость человека, его несоизмеримость с Богом, его греховность прежде всего, испорченность его природы, то теперь упор делается на богоподобие человека. Да, человеку трудно всегда удержаться на какой-то вершине, и у многих гуманистов это зашкаливало. Эта богоравность, богоподобие человека иногда превозносилось, может быть, выше, чем нужно, но об этом мы тоже будем говорить. Взлет и падение, и это тоже нужно видеть в этой эпохе. Но подчеркивалось могущество человека, наделенного разумом, назначенного повелевать природой, познавать, а значит действительно осуществлять себя в этом мире. Вот, может быть, впервые человек поставил для себя этот вопрос – как человеку осуществиться в этом мире. Не как ему дожить до спасения, лишь бы не запятнать своих одежд, а как ему уже в этом мире завоевать ему то, что дано ему Богом. Это тоже очень важный момент.
Интересно, что новое в трактовке человека появляется не только по отношению к Средним векам, но и по отношению к античности. В античности, в целом, выдерживается идеал созерцательного человека, мудреца, проникающего умственным взором в тайны мира, постигающего тайны бытия. Но в Возрождении ценится другой тип человека – тип человека активного, который строит самого себя, создает самого себя. Тип человека, который имеет очень деятельный характер. Это очень важно. Человек создает этот мир. Он не просто проходит сквозь него, не просто смотрит на него внешним взором, но он преумножает его красоту, он делает красивее и прекраснее. Он создает самого себя. Он реализует те богатства, которые вложены в него Богом. Поэтому и возникает новое соотношение человека и природы.
Да, человек – это природное существо, но он наделен разумом. Он может постигнуть тайны мира, но постигает и тайны мира самого себя, тайны самого человека. В Средневековье о человеке знает Бог, а здесь уже человек начинает познавать самого себя. Вот это вот «познай самого себя», которое было только провозглашено в античности, на самом деле осуществляется именно в период Возрождения.
И вот это тоже миф – что гуманисты пренебрегали религией. Нет, они исследовали не только античные тексты – они исследовали и Писание. Критическое исследование писаний («критическое» пока еще в кавычках) все-таки началось именно с гуманизма. Реабилитируется не только человек как таковой, как богоравный, богоподобный, но и реабилитируется его плоть. Мы помним, что в Средневековье плоть все-таки была немощным и греховным сосудом. Конечно, там были трактаты, которые олицетворяли спор между душой и телом. Неизвестно, что выходило более греховным – душа или тело. Тело, как сказал Франциск, это «всего лишь осёл, который везет нас».
Тем не менее, тело реабилитируется. Тело создано Богом, оно прекрасно, и человек может быть прекрасен и душевно, и духовно, и телесно. И вот это очень важно. Снимается запрет на изображение плоти. Мы помним, что в Средневековье обнаженными изображались в основном грешники, с которых сорвали одежды – их ничто уже не может прикрыть от Бога. Или мученики, которые добровольно отдали свое тело на жертву. А здесь изображается красота человеческого тела. Природа прекрасна, в том числе и природа человека. Вот эта реабилитация очень важна. Снимается запрет на изучение анатомии человека. Снимается запрет с изучения не только человека как такового, но и его телесного состава. Это тоже очень важно.
Самоценность искусства
В Средние века искусство носило прикладной характер. Оно должно было или украшать жизнь, или отражать иной мир, уводя человека за пределы этого тварного и за пределы своего существования, показывая иное бытие. В эпоху Возрождения искусство впервые приобретает самоценность, оно становится самостоятельной область прекрасного. Появляются отношение художественное, эстетическое к произведениям. Нельзя сказать, что в Средневековье не оценивались художественные произведения искусства, но эта художественность всегда была прикладным, другой стороной богословского отношения.
Красота – это одно из имен Божьих, и любая красота или отражает Бога, или уводит от него. Как потом сформулирует Федор Михайлович Достоевский, есть красота Мадонны, есть красота Содома. Здесь красота появляется как самоценное качество – красота человека, красота природы, красота человеческого тела, красота слова – это тоже появляется именно сейчас. Риторика средневековая тоже бывает прекрасная – плетение словес, но это всегда ведет к тому, чтобы понять, что ведет к смыслу слов. А здесь – красота слова, красота образа, красота линий, красота колорита и т.д. То есть самоценность. Все немножко вычленяется. Вселенная еще не распадается – она потом будет распадаться. Пока это взлет.
Падение состоит в том, что человеку не удалось удержаться на этой вершине, и он потом будет собирать этот мир по осколкам. Пока он стремится еще к целостности этого мира, но все-таки уже выделяет эстетическое чувство, чувство красоты как особое, как отдельное. Место и роль художника, конечно, повышается; впервые рассматривается как самостоятельный уважаемый профессионал, будь он художник, поэт, философ. Разрушаются корпоративные связи, выделяется отдельно личность. И искусство тоже продолжает быть прикладным в смысле науки, то есть оно хорошо само по себе, но оно еще ведет и к познанию. Леонардо скажет: «Живопись – наука и законная дочь природы».
Начинается словесное творчество отдельных поэтов. Мы будем говорить с вами о Данте, а Петрарке. Это все начинается отсюда, потому что они превозносятся уже не просто как люди, которые послужили Богу или святой жизни.
В Средневековье святость все-таки была выше творчества. А здесь человек, пусть он даже проживает свою сложную, иногда очень греховную жизнь, но он превозносится как поэт, как творец или как художник. Это для него главное, то есть творческая возможность, которая приравнивает его к Богу-Творцу. Отсюда понятно, почему Рафаэль получает эпитет «божественный». Главное сочинение Данте «Комедия», как он ее называл, ¾ ее назвали «Божественной комедией». Он сам ее «божественной» не называл.
Если Фома Аквинский считал возможным истолкование мира только через Писание (а Фома был непререкаемым авторитетом в это время), то гуманисты считали, что уже поэзия истолковывает мир. Не только Священное Писание, но и писание отдельных поэтов тоже является таким толкованием и зеркалом этого мира.
Суммируя все сказанное, можно определить, что создается особый тип человека. И это задача эпохи – воспитание нового человека. Еще греческое слово «пайдейя» (воспитание), которое как раз является аналогом латинского слово «humanitas» (человечность) превозносится гуманистами как цель – воспитание нового человека. Человека:
- который одарен всеми дарами, которые дал ему Бог, раскрыл эти дары;
- который стяжал все знания, которые дают ему возможность быть на высоком интеллектуальном уровне;
- который проявил себя в творчестве;
- который не просто прожил свою жизнь, дойдя только до смерти, и лишь бы не согрешить.
В это время превозносят скульпторов, ученых, венчают лавровым венком. И вот человек – потом, может быть, это слишком утрирует Горький, когда произнес: «Человек – это звучит гордо!». Но вот эта вот гордость становится, может быть, главное в это время. Не гордыня, то есть то, что порицало Средневековье, а гордость и достоинство. Очень интересное итальянское слово «virtus» ¾ доблесть, честь, достоинство. Это, кстати, близко к слову «истина». Истина человека в том, что он так себя проявляет.
Марсилио Фичино
Здесь можно вспоминать и Данте, и Петрарку, и Боккаччо. Но мне хотелось сказать о двух мыслителях эпохи Возрождения, которые, на мой взгляд, больше всего отразили новое мировоззрение, новый взгляд на мир и на человека. Это – Марсилио Фичино, вот его скульптурный портрет, и Пико делла Мирандола. Эти два мыслителя может быть больше всего отразили вот этот новый взгляд на мир.
Немного о Марсилио Фичино. Он родился во Флоренции. Получил образование во Флорентийском университете. Изучал медицину, философию, труды философов античности, знал греческий язык, занимался переводами. Был некоторое время секретарем у Козимо Медичи – главы Флорентийской республики. О роли Медичи мы еще поговорим, потому что период Возрождения – это период меценатства. Это очень интересное явление.
В 40 лет Марсилио Фичино принимает священнический сан. Но остается поклонником античной философии – даже несколько проповедей посвящает «божественному» Платону, как он говорит. Прославился он прежде всего как переводчик. Он, кстати, впервые перевел на латынь Платона. Он опубликовал практически все диалоги Платона в переводе на латинский язык, сочинения Плотина, сочинения поздних античных философов. И «Ареопагитики», что тоже очень важно, потому что ареопагитический корпус, хоть его в Средневековье уже частично переводили (в период Каролингского Возрождения), но все-таки полностью его перевел Марсилио Фичино.
Это тоже говорит о том, что не только их языческая античность интересовала, но и христианская античность, потому что неоплатонический автор раннего христианства, скрывающийся за именем Дионисия Ареопагита, – это особое явление, сформировавшее во многом мировоззрение Византии. Поэтому о таком уклоне в язычество Возрождение я бы тоже назвала представлением мифологическим. Так что их интересовал и Платон, и Плотин, и раннехристианские авторы.
Козимо Медичи подарил Марсилио Фичино виллу в холмах Кареджи. И там он устроил платоновскую академию. Она была, скорее, не учебным заведением, а вольным собранием единомышленников и собеседников, почитателей Платона. Говорили даже, что в красном углу или в какой-то нише у Марсилио Фичино стоял бюст Платона, и он возжигал перед ним лампаду, воскурения и т.д. Но, во всяком случае, он был почитателем не только Платона. Он перевел и корпус Гермеса Трисмегиста, и других античных авторов.
Но главное – то, что он писал и свои сочинения: «Платоновское богословие о бессмертии души», «О христианской религии». И в этом во всем Марсилио Фичино превозносил человеческое достоинство, и человека, которому важно познание – познание мира. И поскольку познание мира имеет в основе божественный Логос, то есть познавая мир, мы познаем Бога – вот это тоже очень важно помнить о гуманистах. Не то, что они забыли про Бога и устремились к Платону, или стали заниматься препарированием природы – нет! Они и Священное Писание изучали. И комментарии того же Марсилио Фичино в Священном Писании тоже весь интересно.
Он говорил, что учение Платона надо соединить с древней мистикой Священного Писания. И он выводил из этого то, что он называл всеобщей религией, то есть тот божественный Логос, который был открыт и античности (христианам до Христа) и христианам, уже последователям Христа. В этом он очень близок к раннехристианским авторам и апологетам, которые в свое время – и Кирилл Александрийский, и Иустин Философ – эту мысль уже высказывали, но несколько в другом контексте.
Пико делла Мирандола
Другой гуманист – Пи́ко де́лла Мира́ндола – он тоже уроженец Флоренции. Его тоже очень часто современники называли «божественным». Он оставил интересный трактат «Речь о достоинстве человека». Это очень интересный мыслитель. Он прожил очень мало – всего 31 год. Умер от отравления мышьяком. Это была эпоха не только солнечного познания и радости, но и темной стороны человечества, потому что свобода, которую обрел человек, пошла в разные каналы. Много и зла творилось в эти эпохи: людей отравляли, были войны, столкновения, заговоры и т.д. Эту нижнюю планку эпохи мы тоже не должны отринуть, но пока мы говорим о высоте-взлете.
Незадолго до смерти Пико делла Мирандола принял монашество. Стал членом доминиканского ордена. Похоронен в монастыре Сан-Марко во Флоренции. Настоятелем этого монастыря был Джироламо Савонарола, который сам был гуманистом, и тесно общался с философами-гуманистами. Но ему тоже приписали много такого, что, может быть, является и мифом. Он боролся за чистоту гуманизма, за библейский гуманизм. Об этой фигуре мы еще поговорим, особенно в связи с судьбой Боттичелли.
Пико делла Мирандола происходил из семьи графов-сеньоров. Был связан со многими влиятельными домами. В 14 лет он уже поступил в Болонский университет. Потом учился в Ферраре, в Падуе, в Павии, в Париже. Он получил самое блестящее образование, которое можно было в это время только получить. Знал многие языки. Кроме латинского и греческого, что было для гуманистов просто необходимым и минимумом, потому что интерес к латыни еще в Средневековье был, а греческие как обязательный вели именно гуманисты, так как многие древние рукописи были именно на греческом языке. Но Пико делла Мирандола знал и халдейский, и еврейский, и арабский языки.
Главным трудом, как я уже сказала, была его «Речь о достоинстве человека». Очень интересно, что именно в этой «Речи» определяется главный стержень отношения человека в это время. Немножко процитирую его. Он так пишет обращение к Богу от имени Адама, определяя человека как центр мира:
«Не даем мы тебе, о Адам, ни определенного места, ни собственного образа, ни особой обязанности, чтобы и место, и лицо, и обязанности ты имел по собственному желанию, согласно твоей воле и твоему решению. Образ прочих творений определен в пределах установленных нами законов. Ты же, не стесненный никакими пределами, определишь свой образ по своему решению, во власти которого я тебя предоставляю».
То есть, что здесь говорится? Здесь говорится о том, что человек не запрограммирован. Он входит в этот мир, и он сам может выбрать – быть ли ему на высоте или падать; быть ли ему ближе к ангельскому миру или к дьявольскому; выбрать рай или ад. Человек – свободный, он свободный и славный мастер. Он может определить свою судьбу, в том числе и посмертную; быть тем, кем он хочет. Вот на такую высоту человека еще никто доселе не возводил.
Этот трактат Пико делла Мирандолы вызвал, конечно, недоумение у многих – совсем не все были готовы к такой широте и высоте. Этот трактат вызвал недоумение в том числе у папы Иннокентия VIII. Во-первых, он усомнился, что молодой человек (а ему было всего 23 года, когда он написал эту «Речь...») может вообще так широко мыслить, быть дерзким, и кто такой этот мальчишка, который так дерзновенно заявляет. Во-вторых, кто ему вообще дал право судить о человеке, когда это – приоритет Церкви. Но приоритет Церкви уже в это время сильно поколебался. Папа назначил специальную комиссию, которая должна была проверить труд Пико делла Мирандолы на наличие ереси. Мы не должны забывать, что церковь в это время не только состояла из гуманистов, но и из тех, кто исследует ереси.
Я вспомнила роман Умберто Эко. Но хочу еще раз вспомнить, что очень хорошо этот замечательный итальянский ученый-медиевист понимал это. Там речь идет о XIV в. – о том, как еще почти средневековые школы номиналистов и реалистов между собой сражались, но там есть и зачаток вот этого вот уже возрожденческого стремления к стремлению мысли от диктата церкви.
Так вот в Риме усомнились и назначили комиссию. Как мы знаем, многие комиссии выносили очень суровые приговоры. Пико делла Мирандоле указали на некоторые несоответствия учению Церкви, хотя это тоже было все очень туманно. Он подвергся аресту, но ему удалось бежать во Францию. Потом он вернулся, его пригрел Лоренцо Медичи. Он примкнул к кружку Марсилио Фичино. Все, вроде бы, обошлось благодаря высоким покровителям.
Но все-таки вот эта дерзновенность мыслей подверглась уже и такому осуждению. Кстати, современники именовали Пико делла Мирандолу «князем согласия», потому что он как раз не хотел ссориться ни с церковью, ни со своими оппонентами в кружке гуманистов. Там тоже были разные разногласия. И он, наверное бы, многое бы сделал, объединяя эти разные силы, но умер в достаточно раннем возрасте. То, что он был отравлен, как раз и говорит о том, что его точке зрения оппоненты были, и, наверное, достаточно сильные.
Поэзия жизни Франциска Ассизского
В завершение нашей беседы хочется вспомнить еще одну фигуру – это Франциск Ассизский. И именно эта фигура заставляет нас двигать границу Возрождения в сторону расширения, потому что Франциск Ассизский жил в конце XII в. – начале XIII в., и определил такой поворот к новому мировоззрению может быть больше, чем кто бы то ни было. Хотя – он не был гуманистом, а средневекового плана святым, но его уже отношение к миру было полно всего того, что потом расцветет в гуманизме.
Он ведь первым провозгласил, что мир не только во зле лежит. Что мир, как творение Божье, прекрасен, и дан человеку для радости. Не для только покаяния, искупления грехов, страданий, борьбы, а что в этом мире можно жить, радуясь и прославляя Творца за его творения.
Так возникли гимны Франциска. Кстати, это первые поэтические произведения, которые написаны не на латыни, а на итальянском языке. Вот гуманисты писали еще на латыни, а Франциск, до нескольких десятилетий до них, уже писал свои гимны на народном итальянском языке. Так что даже как поэт он может считаться первым поэтом эпохи Возрождения.
Франциск первый разрешил трагедию мира. В Средневековье это действительно трагедия, потому что эта религиозная первопроблема (грехопадение, разрыв с Богом) – вот ее решали богословы и философы Средневековья. Как соединиться с Богом? Человек оторван от Бога – и что с этим делать? Франциск первый разрешил эту проблему, не жертвуя ничем из всего богатства жизни. То есть, он понимает свою греховность, тщетность, тленность, тщетность усилий, но он понимает и милосердие Божие, красоту Божьего творения, красоту самого Бога. И ту радость Бытия, которая приготовлена человека не только там где-то за границами существования, но уже и здесь на земле. И любовь может быть чистой, сильной, светлой, необязательно греховной, необязательно связанной с похотью, и т.д. Все это провозглашает именно Франциск. Франциск нов и самобытен.
Хочется прочитать такую цитату из сочинения замечательного исследователя, который мало у нас известен, ¾ Петра Бицилли. Это русский исследователь, который был в эмиграции, и его труды стали печатать у нас только в 90-х годах. И он писал так: «Вся культура Средневековья может быть понята как грандиозное и мучительное усилие охватить сознанием и выразить эту трагическую религиозную первопроблему. Отсюда страшный своей какой-то бесчеловечностью средневековый аскетизм с его тяготением ко всему предметно-говорящему о смерти, тлении, разложении.
Франциск первый разрешил трагедию, не жертвуя ничем из всего богатства жизни. После него ее будут разрешать и другие – в акте художественного или философского творчества. Но Франциск не был ни художником, ни философом по специальности. Он разрешил ее по-своему и так, как только один он мог это сделать: своей жизнью. «Блаженный и неуч», хотевший быть самим по себе и ниже всех, он путем своего приближения ко Христу избрал самый неожиданный, но самый простой и самый смиренный путь: не рассуждающего, буквального последования Христу в Его земной жизни.
Со свойственным итальянскому народу даром пластического воплощения идей он разыгрывал, если позволительно так выразиться, притчи и заповеди блаженства. С благоговейным ужасом и восторгом современники догадывались, что во Франциске как бы воплотился Христос. Франциск открывает собой ряд великих «художников своей жизни», которыми так богато Возрождение».
Вот эта идея сделать и жизнь свою предметов искусства, о котором будут говорить многие художники Возрождения, началась с Франциска. Именно он сделал свою жизнь предметом божественной игры и божественного искусства.
«Никак нельзя понять Возрождение», – пишет Петр Бицилли, – не уловивши особого настроения его. Оптимизм, вера и возрождение свойственны и Средневековью. Настает день, и мир очистится, освятится, будет земля новая и небо новое. Для эпохи же Возрождения характерно то, что мир переживается, как уже преображенный и просветленный. Доминанта настроения эпохи – радость, восторг, тот восторг, который наполнял душу Франциска и заставлял ее изливаться в импровизированных гимнах».
Вот, кстати, изображение Франциска из монастыря Субиако, который считается возможно близким его реальным портретом. Это очень близко к его жизни было сделано современниками, которые его хорошо знали.
Действительно, Петр Бицилли говорит о том, что Возрождение – это «эпоха, когда уже считается, что мир может быть преображенным, что человек может быть преображенным, что человек может достичь радости бытия. Вот эта вот радость бытия вдруг открылась людям – и в великих творениях, и в природе, и в самом человеке, и в наслаждении миром. Оно было абсолютно бескорыстным. Очень часто говорят, что именно отсюда началось завоевание человеком этого мира, подчинение его себе. Нет, это уже позже было. Это было последствие падения с этой великой вершины.
Полет Икара
Так, Ренессанс – это великий взлет европейской культуры. Это, если хотите, обретение крыльев. Это возможность увидеть землю в перспективе, с «птичьего» полета. Хотя в Средневековье многие смотрели на нее с полета ангельского, но он доступен не всем. А вот с «птичьего» полета, или с вершины горы, с которой открывается великий вид, это увидели многие в период Возрождения. В этой радости полета много было, конечно, адреналина. Человеку хотелось испытать все больше и больше свои возможности. Он взлетал все выше и выше. Но полет Икара, как известно, завершился катастрофой – солнце попалило крылья, и падение было неизбежным».
Точно так же было и в период Возрождения. Человек возвысился очень высоко, но потом, не удержавшись на этой вершине, он упал. Возможно, кто-то не назовет это падение падением. Многие превозносят это – и последствием Возрождения называют, великим шествием человеческой культуры, и т.д. Потом было Новое время. Этот новый поворот в мировоззрении дал тоже великие плоды. Кто-то видит и хорошую перспективу, а кто-то не увидит и падения, потому что для многих это тоже большой вопрос.
Для одних вопрос – во взлете. Лосев и о. Павел Флоренский считали это, наоборот, отступлением, падением – само Возрождение. А кто-то – наоборот. Кто-то не увидит ни полет, ни падение, как не увидел падения Икара герой знаменитой картины Брейгеля. Мне кажется, что это очень символично, когда человек пашет свою борозду, продолжа свой исторический путь, а Икар (его даже не сразу видно на картине) барахтается уже в море. Мне кажется, что эпоха Возрождения – это взлет и падение Икара. Насколько я права, посмотрим в следующих наших беседах.