Основные направления изобразительного искусства XX века - SkillsUp - удобный каталог уроков по дизайну, компьютерной графике, уроки фотошопа, Photoshop lessons. Выставка на вднх: «всегда современное. искусство xx–xxi веков Современное искусство 20 21

1.Искусство России конца 20 века. Последнее десятилетие 20 века в России было насыщенным политическими и экономическими событиями, кардинально изменившими ситуацию в стране. Распад Союза в 1991 г. и смена политического курса, переход к рыночным отношениям и явная ориентация на западную модель экономического развития, наконец, ослабление, вплоть до полной отмены, идеологического контроля – все это в начале 90-х годов способствовало тому, что культурная среда стала стремительно изменяться. Либерализация и демократизация страны способствовали развитию и становлению новых тенденций и направлений в отечественном искусстве. Эволюция искусства в 1990-х годах в России происходит с появлением тенденций присущих постмодернизму, с появлением нового поколения молодых художников, работающих в таких направлениях как, концептуализм, компьютерная графика, неоклассицизм связанных с развитием компьютерных технологий в России. Возникнув из классической эклектики, «Новый русский неоклассицизм» стал «многогранным бриллиантом», соединив в себе различные направления, которые никак не относились к «классике» до эпохи модернизм. Неоклассицизм - это направление в искусстве, в котором художники возрождают классические традиции живописи, графики, скульптуры, но вместе с этим они активно используют новейшие технологии. Британский историк и теоретик искусства Эдвард Люси Смит назвал русский неоклассицизм "первым ярким явлением русской культуры, оказавшим влияние на мировой художественный процесс после Казимира Малевича". Неоклассицизм требовал иного, чем у классицистов, отношения к античности. Исторический взгляд на греческую культуру делал античные произведения не абсолютным, а конкретно-историческим идеалом, поэтому подражание грекам получило иной смысл: в восприятии античного искусства на первый план вышла не его нормативность, а свобода, обусловленность правил, которые позже станут каноном, реальной жизнью народа. Д.В. Сарабьянов находит неоклассицизм своеобразным «осложнением» модерна. С одинаковой вероятностью неоклассицизм можно считать и поздним модерном и самостоятельным направлением. В творчестве «новых художников» нет чистого модерна или отдельного неоклассицизма, они всегда выступают взаимосвязано, художники новой академии объединили сразу несколько течений в изобразительном искусстве: авангард, постмодернизм, классицизм в «коллажном пространстве». Работы «новых художников» эклектичны, сочетают в себе компьютерную графику офорт, живопись и фотографию. Художники переводили в цифровой формат готовые произведения, выделяли нужные фрагменты и создавали коллажи, виртуозно восстанавливая костюмы и декор древности. Сочетание традиционных методов с возможностями компьютерных графических программ расширили творческий потенциал художников. Из сканированного материала, собирали коллажи, применяли к ним художественные спецэффекты, деформировали, создавая иллюзорные композиции. Наиболее яркими представителями Петербуржского неоклассицизма начала 90-х годов были О. Тоберлутс, Е. Андреева, А. Хлобыстин, О. Туркина, А. Боровский, И. Чечот, А. Небольсин, Е.Шефф. Неоклассицизм Тоберлутс является одним из проявлений романтизма. Ее произведения олицетворяют чувства человек, мечты, благородство, нечто восторженное и обращенное к несбыточному идеалу. Художница сама становится героиней своих произведений. По стилистики творчество О.Тоберлутс можно определить как неоклассицизм, пропущенный через постмодернистское сознание, как эклектичный мир, в котором изображены античные храмы, интерьеры эпохи ренессанс, голландские мельницы и костюмы от дизайнера К. Гончарова как штрих современности. Безграничные возможности компьютерной графики придают работам О.Тобрелутс фантастичность и сверхъестественность. С помощью компьютерных технологий Е.Шефф возвращается то в древнюю Грецию, то в древний Рим, создавая в своих коллажах образы античной мифологии. В серии «Мифы Людвига» художник использовал фотографии греческих скульптур, архитектурных сооружений, накладывая на них эффекты старины. С помощью компьютерных технологий художник восстанавливает первозданность Колизея, проводя по нему увлекательные экскурсии. Цифровая живопись Шутова представляет собой эмоциональный эквивалент его многочисленных увлечений. В ней можно найти и греческую классику, и отголоски этнографических изысканий, а также элементы молодежной субкультуры.Таким образом, можно отметить, что конец 20 века был переломным периодом не только в политической и экономической жизни России, но и в искусстве. В 90-е годы было заложено мощное направление в изобразительном искусстве «новый русский неоклассицизм». Развитие компьютерных технологий в России расширило творческий потенциал художников, новые художники, используя новые технологии, создавали классические произведения. Главное не техника и технология, а эстетика. Классическим может быть и современное искусство.2.Искусство России начала 21 в. Особенностью изобразительного искусства рубежа 20 – 21 веков является то, что оно стало свободно от цензурного гнета, от влияния государства, но не от рыночной экономики. Если в советское время профессиональные художники были обеспечены пакетом социальных гарантий, их картины закупались в национальные выставки и галереи, то теперь они могут рассчитывать только на свои силы. Но русская живопись не умерла и не превратилась в подобие западноевропейского и американского искусства, она продолжает развиваться на основе русских традиций. Современное искусство экспонируется галереями современного искусства, частными коллекционерами, коммерческими корпорациями, государственными художественными организациями, музеями современного искусства, арт-студиями или самими художниками в artist-run space. Современные художники получают финансовую поддержку за счёт грантов, наград и премий, а также получают средства от продаж своих работ. Российская практика несколько отличается в этом смысле от западной. Музеи, Биеннале, фестивали и ярмарки современного искусства постепенно становятся инструментами привлечения капитала, инвестиций в туристический бизнес или частью государственной политики. Частные коллекционеры оказывают большое влияние на всю систему современного искусства. В России одной из самых крупных коллекций работ современного искусства обладает негосударственный музей современного искусства Эрарта в Санкт-Петербурге. Направления в искусстве современности: Нонспектакулярное искусство - направление в современном искусстве, отвергающее зрелищность и театральность. Примером такого искусства является перформанс польского художника Павла Альтхамера «Script Outline», на выставке «Manifesta» в 2000 году. В России свой вариант нонспектакулярного искусства предлагал Анатолий Осмоловский.Стрит-арт (англ. Street art - уличное искусство) - изобразительное искусство, отличительной особенностью которого является ярко выраженный урбанистический стиль. Основной частью стрит арта является граффити (иначе спрей-арт), но нельзя считать, что стрит-арт это и есть граффити. К стрит-арту также относятся постеры (некоммерческие), трафареты, различные скульптурные инсталляции и т. п. В уличном искусстве важна каждая деталь, мелочь, тень, цвет, линия. Художник создает свой стилизованный логотип - «уникальный знак» и изображает его на участках городского ландшафта. Самое главное в стрит-арте - не присвоить территорию, а вовлечь зрителя в диалог и показать различную сюжетную программу. Последнее десятилетие отмечает разнообразие направлений, которые выбирает стрит-арт. Восхищаясь старшим поколением, молодые райтеры отдают себе отчёт в важности разрабатывания собственного стиля. Таким образом возникают всё новые ответвления, предсказывающие движению богатое будущее. Новые разнообразные формы стрит-арта подчас превосходят по своему размаху всё, что было создано до этого. Аэрография - одна из живописных техник изобразительного искусства, использующая аэрограф в качестве инструмента для нанесения жидкого или порошкообразного красителя при помощи сжатого воздуха на какую-либо поверхность. Также может быть использован баллончик с краской. В связи с широким распространением аэрографии и появлении большого количества различных красок и составов, аэрография получила новый толчок развития. Сейчас аэрографию применяют для создания живописных полотен, ретуши фотоснимков, таксидермии, моделизма, росписи текстиля, настенной росписи, боди-арта, росписи ногтей, росписи сувенирной продукции и игрушек, росписи посуды. Часто применяется для нанесения рисунков на автомобили, мотоциклы, другую технику, в полиграфии, в дизайне и т. д. Благодаря тонкому слою краски и возможности плавного распыления её на поверхности, возможно достичь превосходных декоративных эффектов, таких как плавные переходы цвета, объёмность, фотографическая реалистичность получаемого изображения, имитацию грубой фактуры при идеальной гладкости поверхности.

Темы и вопросы семинарских занятий;

Тема 1 . Основные понятия искусствоведения и истории искусства.

Вопросы:

1.Проблема классификации видов искусств.

2. Понятие «произведение искусства». Возникновение и задача художественного произведения. Произведение и искусство.

3. Сущность, цели, задачи искусства.

4.Функции и смысл искусства.

5. Понятие «стиль». Художественный стиль и его время.

6.Классификация искусств.

7. История возникновения и становления искусствоведения.

Вопросы для обсуждения:

1. Известны 5 определений искусства. Что характерно для каждого из них? Какого из определений Вы придерживаетесь? Можете ли Вы сформулировать Ваше определение искусства?

2. В чем состоит назначение искусства?

3. Как можно определить произведение искусства? Как сосуществуют «произведение искусства» и «художественное произведение»? Объясните процесс возникновения художественного произведения (по И. Тэну). В чем заключается задача художественного произведения (по П.П. Гнедичу)?

4. Перечислите 4 основные функции искусства (по И.П. Никитиной) и четыре

возможных понимания смысла искусства.

5.Определите смысл понятия «стиль». Какие Вам известны стили в европейском искусстве? Что такое «художественный стиль», «художественное пространство»?

6. Перечислите и дайте краткую характеристику видам искусства: пространственные, временные, пространственно-временные и зрелищные искусства.

7. Что является предметом изучения истории искусства?

8. Как Вы думаете, какова роль музеев, выставок, галерей, библиотек для изучения произведений истории искусства?

9. Особенности античной мысли об искусстве: Сохранившиеся сведения о первых образцах литературы об искусстве («Каноне» Поликлета, трактатах Дуриса, Ксенократа). «Топографическое» направление в литературе об искусстве: «Описание Эллады» Павсания. Описание художественных произведений у Лукиана. Пифагорейская концепция «космоса» как стройного целого, подчиненного законам «гармонии и числа» и ее значение для начал теории архитектуры. Идея порядка и соразмерности в архитектуре и градостроительстве. Образы идеального города в сочинениях Платона (шестая книга «Законов», диалог «Критий») и Аристотеля (седьмая книга «Политики»). Понимание искусства в Древнем Риме. «Естественная история» Плиния Старшего (I в. н. э.) как главный источник сведений по истории античного искусства. Трактат Витрувия: систематическое изложение классической архитектурной теории.

10. Судьба античных традиций в эпоху средневековья и особенности средневековых представлений об искусстве: Эстетические воззрения Средневековья (Августин, Фома Аквинский), ведущая эстетическая идея: Бог – источник красоты (Августин) и ее значение для художественной теории и практики. Идея «первообраза». Особенности средневековой литературы об искусстве. Практически-технологические, рецептурные руководства: «Руководство живописцев» с горы Афаонской Дионисия Фурнаграфиота, «О красках и искусствах римлян» Гераклия, «Схедула» (Schedula – Ученьице) Теофила. Описание памятников архитектуры в хрониках и житиях святых.

11.Ренессанс как поворотный этап в истории развития европейского искусства и искусствознания. Новое отношение к античности (изучение памятников античности). Развитие светского мировоззрения и возникновение экспериментальной науки. Формирование тенденции к исторической и критической интерпретации явлений искусства: «Комментарии» Лоренцо Гиберти Трактаты по специальным вопросам – градостроительству (Филарете), пропорциям в архитектуре (Франческо ди Джорджо), перспективе в живописи (Пьеро дела Франческа). Теоретическое осмысление ренессансного перелома в развитии искусства и опыта гуманистического изучения античного наследия в трактатах Леона Батиста Альберти («О статуе», 1435, «О живописи», 1435-36, «О зодчестве»), Леонардо да Винчи («Трактат о живописи», опубл. посмертно), Альбрехта Дюрера («Четыре книги о пропорциях человека», 1528). Критика архитектурной теории Витрувия в «Десяти книгах о зодчестве» (1485) Леона Батиста Альберти. Витрувианская «Академия доблести» и ее деятельность по изучению и переводу труда Витрувия. Трактат Джакомо да Виньолы «Правило пяти ордеров архитектуры» (1562). «Четыре книги об архитектуре» (1570) Андреа Палладио – классический эпилог в истории архитектуры эпохи Возрождения. Роль Палладио в развитии архитектурных идей барокко и классицизма. Палладио и палладианство.

12.Основные этапы становления исторического искусствознания в Новое время: от Вазари к Винкельману: «Жизнеописания наиболее выдающихся живописцев, ваятелей и зодчих» Джорджо Вазари (1550, 1568) как этапный труд в истории становления искусствоведческой науки. «Книга о художниках» Карела Ван Мандера как продолжение жизнеописаний Вазари на материале нидерландской живописи.

13. Мыслители 18 века о проблемах стилеобразования в искусстве, о художественных методах, месте и роли художника в обществе: Рационализм в искусствознании. Классицистическая теория Никола Пуссена. Теоретическая программа классицизма в «Поэтическом искусстве» Никола Буалло (1674) и «Беседах о наиболее знаменитых живописцах, старых и новых» А. Фелибена (1666-1688).

14. Век Просвещения (18 в.) и теоретико-методологические проблемы искусства. Формирование национальных школ в рамках общей теории искусства. Развитие художественной критики во Франции. Роль Салонов во французской, художественной жизни. Обзоры Салонов как ведущие формы критической литературы об изобразительном искусстве. Споры о задачах художественной критики (оценка творчества или просвещение публики). Особенности немецкого искусствознания. Вклад в теорию изобразительного искусства Готхольда Эфраима Лессинга. Трактат «Лаокоон» (1766) и проблема границ живописи и поэзии. Введение понятия «изобразительные искусства» вместо «изящные искусства» (перенос акцента с красоты на правду и выделение изобразительно-реалистической функции искусства). Значение деятельности Иоганна Иоахима Винкельмана для развития исторической науки об искусстве. Винкельмановская концепция античного искусства и периодизация его развития.

15. Истоки отечественной мысли об искусстве. Сведения о художниках и художественных памятниках в русских средневековых летописных и эпистолярных источниках. Постановка вопросов об искусстве в общественно-политической жизни 16 в. (Стоглавый собор 1551 г. и др. соборы) как свидетельство пробуждения критического мышления и борьбы различных идейных направлений.

16. Коренной перелом в русском искусстве 17 в.: формирование зачатков светского мировоззрения и первое знакомство с европейскими формами художественной культуры. Становление художественно - теоретической мысли. Глава «Об иконном писании» в «Житии» Аввакума. «Сочинение об искусстве» Иосифа Владимирова (1665-1666) и «Слово к люботщательному иконного писания» Симона Ушакова (1666-1667) – первые русские сочинения по теории искусства.

17. Активное формирование новых светских форм культуры в 18 в. Записки

Я.фон Штелина – первая попытка создания истории русского искусства.

18. Новое романтическое понимание искусства в критических статьях К.Н. Батюшкова, Н.И. Гнедича, В. Кюхельбекера, В.Ф. Одоевского, Д.В. Веневитинова, Н.В. Гоголя.

19. Искусствознание конца 19 - 20 вв.: Попытки синтеза достижений формальной школы с концепциями ее критиков – «структурная наука» о художественных стилях. Семиотический подход в искусствознании. Особенности семиотического исследования произведений изобразительного искусства в работах Ю.М. Лотмана, С.М. Даниэля, Б.А. Успенского. Многообразие методов исследования искусства в современной отечественной науке. Принципы анализа художественного произведения и проблемный подход к исследованию истории искусства в трудах М. Алпатова («Художественные проблемы искусства Древней Греции», «Художественные проблемы итальянского Возрождения»). Синтез методологических подходов (формально-стилистического, иконографического, иконологического, социологического) у В. Лазарева. Сравнительно-исторический метод исследования в работах Д. Сарабьянова («Русская живопись 19 века среди европейских школ. Опыт сравнительного исследования»). Системный подходк искусству и его особенности.

1.Алексеев В.В. Что такое искусство? О том, как изображают мир живописец, график и скульптор. – М.: Искусство, 1991.

2.Валери П. Об искусстве. Сборник. – М.: Искусство, 1993.

3.Виппер Б.Р. Введение в историческое изучение искусства. – М.: Изобразительное искусство, 1985.

4.Власов В.Г. Стили в искусстве.- СПб.: 1998.

5.Зись А.Я. Виды искусства. – М.: Знание, 1979.

6.Кон-Винер. История стилей изобразительных искусств. – М.: Сварог и К, 1998.

7.Мелик-Пашаев А.А. Современный словарь-справочник по искусству. – М.: Олимп – АСТ, 2000.

8.Янсон Х.В. Основы истории искусств. – М.: Искусство, 2001.

Тема 2 . Искусство Древнего мира. Искусство эпохи первобытнообщинного строя и Древнего Востока.

Вопросы:

1.Периодизация искусства первобытного общества. Характеристика первобытного искусства эпохи: палеолита, мезолита, неолита, бронзы.

2.Понятие синкретизма в первобытном искусстве, его примеры.

3.Общие закономерности и принципы искусства Древнего Востока.

4.Искусство Древней Месопотамии.

5.Искусство древних шумеров.

6. Искусство древней Вавилонии и Ассирии.

Вопросы для обсуждения:

1. Дайте краткий обзор периодизации первобытного искусства. В чём особенности искусства каждого периода?

2. Охарактеризуйте основные черты первобытного искусства: синкретизм, фетишизм, анимизм, тотемизм.

3.Сравните каноны в изображении человека в художественном творчестве древнего Востока (Египет и Месопотамия).

4. В чём особенности изобразительного искусства Древней Месопотамии?

5.Расскажите об архитектуре Месопотамии на примере конкретных памятников:

зиккурта Этеменнигуру в Уре и зиккурата Этеменанки в Новом Вавилоне.

6.Расскажите о скульптуре Месопотамии на примере конкретных памятников: стенах вдоль дороги Процессий, воротах Иштар, рельефах из дворца Ашшурнасирпала в

7.Какова тематика скульптурных рельефных изображений Месопотамии?

8. Как назывались первые вавилонские памятники архитектуры? Каково было их

назначение?

9. Какова особенность космогонии шумеро – аккадской культуры?

10. Перечислите достижения в искусстве шумеро – аккадской цивилизации.

1.Виноградова Н.А. Традиционное искусство Востока. – М.: Искусство, 1997.

2.Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. Вып. 1: От древнейших времен по XVI век. Очерки. – М.: Искусство, 1985.

3. Искусство Древнего Востока (Памятники мирового искусства). – М.: Искусство, 1968.

4.Искусство Древнего Египта. Живопись, скульптура, архитектура, прикладное искусство. – М.: Изобразительное искусство, 1972.

5.Искусство Древнего Мира. – М.: 2001.

6.История искусства. Первые цивилизации. – Барселона-Москва: ОСЭАНО – Бета-Сервис, 1998.

7.Памятники мирового искусства. Выпуск III, первая серия. Искусство Древнего Востока. – М.: Искусство, 1970.

8.Померанцева Н.А. Эстетические основы искусства Древнего Египта. – М.: Искусство, 1985.

9.Столяр А.Д. Происхождение изобразительного искусства. – М.: Искусство, 1985.

Что есть красота?Этим вопросом задавались многие и многие.
Красоту искали... И красоту находили. Её
воспевали и её запечатлевали. Красота вокруг
человека. Восторг и трепет вызывает она в
наших душах..Как её удержать?Как
выразить?Как запечатлеть? На помощь
человеку приходит исскуство.
Одним из самых сильных видов исскуства
является живопись, отражающая
действительность на плоскости с помощью
красок.

Краткая история современной живописи.

Как и современное исскуство, современная
живопись в нынешнем своём виде
сформировалась в 60-70-е гг ХХ века. Шли
поиски альтернатив модернизму, часто
вводились и противоположные ему принципы.
Французские философы ввели термин
“постмодернизм”, и к этому течению
присоединились многие художники.
Самыми заметными явлениями искусства 60-70х
стали концептуальное искусство и
минимализм. В 70-х произошло усиление
социальной направленности художественного
процесса.

Это проявилось в содержании тем, которые
поднимали художники; в составе: самое
заметное явление этого времени- веминизм, а
также активность этнических меньшинств и
социальных групп. В 70е и 80е люди словно
устали от концептуального искусства и
понемногу вернулись к изобразительности, цвету
и фигуративности. В середине 80х происходит
подъём движений, использующих образы
массовой культуры – кэмпизм, искусство иствиллиджа, а также нео-поп. Расцветает
фотография – всё больше художников начинают
обращаться к ней как к средству
художественного выражения.

Актуальное исскуство

В России 90-х существовал термин “актуальное
искусство”. Под ним подразумевалось
новаторство в современном искусстве в идеях и
технических средствах. Оно быстро устарело, и
вопрос вхождения его в историю современного
искусства 20-го или 21-го столетия открыт. Во
многом актуальному искусству приписывались
четры авангардизма. Некоторые вмды
современного искусства нередко были
подвержены институциональной критике. В
России этот вид деятельности практически
отсутствует.

Авдей Тер-Оганьян “Маркс и Энгельс об искусстве”(пример институциональной критики).

Работы из собрания Виктора Бондаренко.

Метафизическая живопись.

Родоначальником метафизической живописи
является Джорджо де Кирико, который ещё в
период своего пребывания в Париже в 19131914 годах создавал пестынные городские
пейзажи; его серия “Площади Италии”
придавала фантастическое изммерение
условной итальянской классической
архитектуре, воссозданной им на картинах. В
городских пейзажах передавал ощущение
тревожной застылости мира, его
отчуждонности от человека.

Дж.де Кирико “Меланхолия улицы”(1914)

“Меланхолия улицы”
указывают на
стремлдение автора
наполнить самые
обыденные ситуации
ощущением
опастности и
ирреальности.

Моранди. Натюрморт с манекеном. 1918

Абстракционизм.

Направление нефигуративного искусства,
отказавшегося от приближённого к
действительности изображения форм живописи
и скульптуре. Одна из целей абстракционизма –
достижение “гармонизации”, создание
определённых цветовых сочетнаий и
геометрических форм, чтобы вызвать у
созерцателя разнообразные ассоциации.

Кандийский. Казаки(Деталь Композиции IV).1910

Художник говорил, что она
основана на впечатлениях
от въезда казаков в Москву
во время революционных
событий 1905-1906 годов.
Эта работы относится к
полуабстрактным. В
левомверхнем углу – двое
казаков с саблями. Справа
– двое с пиками и один с
саблей на фоне синего
холма, на котором стоит
дом. Радуга – это мост.

Малевич. Черный квадрат. 1915

Малевич.Черный квадрат.

Малевич стал автором самой знаменитой, самой
загадочной, самой пугающей картины на свете
- “Черного квадрата”. Несложным движением
кисти он раз и навсегда провёл непроходимую
черту, обозначил пропасть между старым
искусством и новым, между человеком и его
тенью, между розой и гробом, между жизнью и
смертью. По его собственным словам, он “свёл
всё в нуль”. Нуль почему-то оказался
квадратным, и это простое открытие – одно из
самых страшных событий в искусстве за всю
историю его существования.

Кубизм.

Авангардистское направление в живописи 20
века, характеризующееся использованием
подчёркнуто геометризованных условных
форм, стремлением “ раздробить” реальные
объекты на стереометрические примитивы.
Возникновение кубизма традиционно датируют
1906-1907 г. И с вязывают с творчеством Пабло
Пикассо и Жоржа Брака. Термин “кубизм”
появился в 1908 г., после того как
художественный критик Луи Восель назвал
новые картины Брака “кубическими
причудами”.

Пабло Пикассо. Авиньонские девицы. 1907

Хуан Грис. Завтрак.

А. Архипенко. Гондольер.

Сюрреализм.

Новое направление вживописи,
сформировавшиеся к началу 1920-х во
Франции. Отличается использованием аллюзий
и парадоксальных сочетаний форм.
Основное понятие сюрреализма, сюрреальность
– совмещение сна и реальности. Для этого
сюрреалисты предлагали абсурдное,
противоречие сочетания натуралистических
образов посредством коллажа и технологий
«ready-made». Сюрреалисты были вдохновлены
радикальной левой идеологией. Искусство
мыслилось ими основным инструментом
освобождения.

Сальводор Дали.Сон, навеянный полетом пчелы.

Макс Эрнст. Ангел очага или триумф сюрреализма1937

Рене Магритт.Сын человеческий 1964

Магритт писал эту картину как автопортрет. На
ней изображен мужчина в пальто и шляпекотелке, стоящий около стены, за которой
видно море и облачное небо. Лицо человека
практически полностью закрыто парящим
перед ним зелёным яблоком. Своим названием
картина, как полагают, обязана образу
современного бизнесмена, оставшегося сыном
Адама, и яблоку, символизирующему
искушения, которые продолжают преследовать
человека и в современном мире.

Модерн (Модернизм)

Художественное направление в искусстве, больше
популярное во второй половине XIX - начале XX
века.. Модерн стремился сочетать художественные и
утилитарные функции создаваемых произведений,
вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности
человека.
Для живописи модерна характерны сочетание
"ковровых" орнаментальных фонов и
натуралистической осязаемости фигур и деталей,
силуэтность, использование больших цветовых
плоскостей или тонко нюансированной монохромии.
Динамикой и текучестью форм отличается скульптура
модерна, виртуозной игрой хрупких линий и силуэтов
– графика.

М. А. Врубель Жемчужина 1904

В этой работе Врубель ищет природу. Природу,
далекую от жизни людей, где и сами людские
фигуры тоже делаются волшебными и
неблизкими нам. Нет теплоты близости в
дальнем сиянии, но много заманчивости, много
новых путей - того, что тоже нам нужно. Этой
заманчивости полна и «Жемчужина». Более
чем когда-либо в ней подошел Врубель к
природе в тончайшей передаче ее и все-таки не
удалился от своего обычного волшебства.

А. Муха. Танец

А.Муха. Принцесса Гиацинт

Оптическое искусство

Художественное течение второй половины 20
века, использующее различные зрительные
иллюзии, основанные на особенностях
восприятия плоских и пространственных
фигур. Течение продолжает
рационалистическую линию техницизма
(модернизм).Оп-арт одна из разновидностей
кинетического искусства; Оп-арт. стремится к
достижению оптической иллюзии движения
неподвижного художественного объекта путем
психофизиологического воздействия на
зрителей, их активизации.

Время идет быстротечно. Одна эпоха незаметно сменяет другую. На дворе 21 век - «век скоростей», «век интеграции», «век информации», век новых технологий, мобильных телефонов, Интернета и новой прогрессивной молодежи. Век новых современных людей, чья жизнь все время в движении. Человек 21 века - человек информации. Он пытается постичь все сферы жизни, стремится к свободе, через искусство перекраивает несущую действительность, выходит за рамки, меняет жизнь и достигает гармонии и свободы.

Искусство 21 века - это некое отражение нашей сегодняшней жизни, которое передает настроение, проблемы, желания определенной эпохи людей. Что же представляет собой искусство 21? В чем его особенность? Чтобы ответить на эти вопросы, предлагаю проанализировать нескольких художников и скульпторов, которые непосредственно своими произведениями отражают нашу эпоху.

Искусство или магия?

Искусство, которое граничит с магией и реальность, которую можно запросто принять за мираж, иллюзию, обман зрения, - такой эффект производят на неподготовленного и неискушенного зрителя шедевры художницы Корнелии Конрадс. Ее инсталляции украшают городские парки и скверы Германии и каждый раз удивляют прохожих, причем не только приезжих, но и местных. Корнелия создает свои шедевры в стиле лэнд-арт. Лэнд-арт — относительно новое направление в искусстве. Оно возникло в Соединенных Штатах лишь в последней трети 20 века. Тем не менее, оно уже успевшее приобрести значительную популярность и найти своих последователей на Западе. Художественной платформой для мастеров этого жанра служит, преимущественно, природный ландшафт и отдельные его элементы. Корнелия Конрадс — один из ярчайших представителей лэнд-арта. Она нашла свое призвание в украшении привычных пейзажей парков и садов плодами своей фантазии. Надо сказать, большинство ее идей весьма необычны, но несмотря на это они довольно быстро пришлись по вкусу невольным зрителям — горожанам.

На эту и на ту, набью себе тату!

В 21 веке живопись уже давно вышла за рамки холста. Начиная с 1960-х годов роспись по телу начала развиваться и на Западе, как часть изменения общественной морали в сторону больших свобод. Возродившийся на Западе, боди пейнтинг ошибочно считается молодым искусством. Известные художники использовали боди-арт для своих выставок и перформансов. Постепенно боди-арт стал использоваться и в коммерческих целях - для промо акций, рекламы. Сейчас татуировку имеет каждый второй. Цель «сделать себе татушку» у всех разная: кто-то по глупости пытается доказать родителям что уже вырос, кто-то набивает себе наколку на плече с именем своей возлюбленной, ну а у девушек не убывает популярность в татуировках на кобчике с дельфинчиками и сердечками.

Мастер тату и фотограф Брайан Каммингс считает, что татуировка - это одна из форм изобразительного искусства, а тело это просто еще один холст. Работы Брайана весьма интересны. Он делает татуировки, а затем фотографии, которые бы украшали и подчеркивали данное творение. Как художник, он тянется к контрасту. Контрасту светлого и темного, черного и белого, драмы и комедии, и т.д. Брайан вытягивает все возможное из двух крайностей. Художник заинтересован в максимальном разрыве между двумя противоположными точками.
«Как вид искусства, татуировки делают это за меня. С одной стороны, для некоторых это нечто запретное. С другой стороны, это вид искусства, имеющий давние традиции, связанный с красотой и личностным смыслом» - рассказывает Брайан.

Чувственное жизненное пространство

Глядя на белоснежное рельефное мозаичное панно молодой российской художницы Ирины Жук, невольно становишься свидетелем белого шума. Следуя за названием этой работы, шум сначала слегка шуршит, а затем нарастает в ушах. К нему так и тянет прикоснуться пальцами. Ощутить шероховатость слепяще-белой теплой древесины и застывшего холодного гипса. Как будто посредством твоего прикосновения эти белоснежные кнопки начнут подниматься и опускаться в хаотичном порядке.

Блестящее белое полотно из непрозрачного стекла с ярко-красным кругом в середине, символично заключающим в себе выпуклое лицо гейши, переносит посетителей выставки в Японию. Росчерк черного иероглифа в нижнем углу панно еще раз доказывает принадлежность работы к восточной тематике.

Ирина Жук сама охарактеризовывает себя как проводник жизненного пространства сегодня сквозь руку любого пользователя.

«Мое искусство вне ограничений физиологических, в котором жизненное пространство чувственно воспринимается посредством кожи и глаз. Прикосновение к искусству должно быть доступно каждому, это позволяет нам учиться друг у друга, обмениваться информацией и чувствовать энергию ближнего. Выход на одну ступень понимания и восприятия творчества объединяет и делает нас равными пользователями любого пространства. Этот культурный код для каждого всегда свой: контрастный, цветной, монохромный, но в моей философии, обязательно, тактильный» - повествует Ирина.

Подводя итог, могу сказать одно: искусство 21 века очень разнообразно, разнополюсно. Современное творчество отличается разнообразием стилей и направлений, многие из которых пока что не совсем понятны простому обывателю. Некоторые просто плюются и часами стоят у произведения, только догадываясь, что же хотел сказать автор. Произведения различных условных веков ярко передают чувства личного настроения. Эпоха средневековья - период войн, затем упадка. Эпоха Возрождения раскрывает цвет души и гармонии человека. А если барокко, то оно переполняет своей динамикой, ярким колоритом. Но в отличие от последних, современное искусство то вобрало в себя, а где-то и развеяло. Эти ощущения покинули почти совсем незаметно следует эхо древних традиций. Люди научились видеть красоту в новом образе. Кто-то изображает простые сюжеты, а кое-кто требует сложных философских представлений о мире. Важным остается идея духовности человека.

Даже капля на листе расскажет гораздо больше, чем сложная многофигурная композиция. Искусство не требует лишнего. Как и в архитектуре, является лишь основа и необходимые элементы. Все и везде неповторимое. Не существуют такие вещи, которые невозможно различить. Техника и материал - все играет важную роль в этом отражении. И это говорит о приближении к идеалу. Творить прекрасное может каждый. Главное - понять и уверенно идти к поставленной цели. Только благодаря искусству мы можем передать, как и в песне, свои лучшие чувства, оставив личный, неповторимый след в его истории.

Мне нравится

Отечественное изобразительное искусство до недавнего времени представляло собой органический сплав национальных художественных культур. Говоря о национальных школах, можно было бы назвать главные качества каждой из них. Например, указать на традиционный психологизм русской школы; эмоциональность и лиризм – украинской; драматический характер и даже, как отмечают исследователи, героическую трагедийность – белорусской; высокое чувство монументализма – грузинской; жизнерадостную декоративность – молдавской или армянской школ; особую близость к народным истокам – литовской, киргизской, узбекской школ; рационально-интеллектуальный дух – эстонской школы и т.д. Но это были бы, конечно, очень ограниченные, однобокие и потому неверные в целом характеристики. Каждая из национальных школ с ее сложной образно-стилистической спецификой в разных формах, техниках, стилистике оставалась верна главным человеческим идеалам.

Необходимо сказать, что при всех сложностях исторического развития нашего общества: от гражданской войны – к Великой Отечественной, от голода конца 1920 – начала 1930-х гг. к разрушенному послевоенному хозяйству, от лжи и фальши политики тоталитарного государства – к "революции" начала 1990-х гг., в рамках строго ограниченных свобод "социалистического реализма", – при всем этом замечательными мастерами было создано, признаем, немало прекрасных художественных произведений (а сколько было бы еще создано теми, кто канул в небытие в годы репрессий или сгорел в огне Великой Отечественной!). И это надо помнить.

Представленная здесь картина художественной жизни отражает состояние искусства до драматического периода распада СССР. Создатель авторского учебника не может не выразить своей позиции по отношению к дальнейшему развитию положения в художественной жизни России на территории ее бывших республик. Мы не можем отрицать, что невероятный подъем всех искусств в национальных республиках СССР, возникновение целых пластов культуры – от письменной до изобразительной – был возможен благодаря "окормляющей", культуртрегерской роли русской культуры, благодаря иногда даже жертвенным усилиям представителей русской интеллигенции. После крушения Советского Союза некоторые национальные элиты новосозданных государств на его бывшей территории в целом проявили эгоизм и неблагодарность, постаравшись вычеркнуть роль русского народа и его культуры в жизни их стран, а в некоторых книгах и учебниках и вовсе назвали русских оккупантами. Приходится признать, что коммунистический проект по созданию единой советской нации успехом не увенчался, фактически только русские воспитывались в идеалах дружбы народов, самопожертвования и абстрактного "интернационального долга". Но будем надеяться, что "мельницы истории" перемелят клевету и фальсификации и со временем роль русской культуры в XX в. будет по достоинству оценена "от финских хладных скал до пламенной Колхиды". Не сказать об этом было бы исказить процесс развития художественной культуры в дальнейшем.

В результате нарушения и разрыва сложившихся культурных связей между республиками мы не можем судить о тех художественных процессах, которые сейчас там происходят, поэтому речь может идти об искусстве последнего десятилетия XX – начала XXI в. и – уже только России.

Так называемое постсоветское искусство рубежа веков укладывается в слишком малые временные рамки, чтобы можно было отобрать для объективной (по возможности) исторической картины какие-либо имена. Лишь будущее поставит все на свои места и позволит историку искусства сделать правильные выводы и дать верные оценки. Но очертить главные проблемы уже можно.

И одна из этих проблем касается религиозной живописи, которая впервые в новейшей истории нашего государства заявила о себе в 1990-е гг. Именно тогда, в годы быстрого падения морально-нравственного уровня общества старшее поколение уже не только вполне сложившихся, но и находящихся в зените славы художников все чаще обращается к христианским сюжетам в станковой картине (темы Голгофы у Е. Моисеенко и А. Мыльникова," Вечная память..." В. Иванова, "Бла говещение" (см. цветную вклейку) и "Иуда" Г. Коржева, "Тайная вечеря" и "Несение креста" живописца более молодого поколения Н. Нестеровой; даже более ранняя "Северная часовня" В. Попкова может быть упомянута в этом ряду). Но главное слово, оказалось, здесь принадлежало не станковистам, а монументалистам.

Русская православная церковная живопись, пережившая величайший расцвет в Средневековье, продолжавшая свое развитие уже в рамках академического искусства, нашедшая серьезных исследователей на рубеже XIX–XX вв., прекратила свое существование в 1917 г. Государственная политика атеизма, нанеся сокрушительный удар по православию, тем самым прервала и развитие иконописи, и храмовое строительство. Тем не менее крупные русские искусствоведы (Олсуфьев, Грабарь, Лазарев, Алпатов и др.) занимались розысками старых икон (так были найдены, например, в 1922 г. рублевские иконы из иконостаса Владимирского Успенского собора) и их реставрацией.

Последняя четверть XX и первое десятилетие XXI в. – новая страница развития православной живописи в России. В 1989 г. в Москве был учрежден Независимый фонд возрождения церковного искусства. В связи с празднованием Тысячелетия крещения Руси в Москве была организована выставка "Современная икона", в 1997 г. – в связи с 850-летием Москвы – выставка "Русская икона в конце XX века", представлявшая разные направления в развитии иконы, начиная с Византии. Особое внимание привлекла группа икон "народного направления", идущая от народной картинки, лубка. Появились значительные иконописцы со своей школой, имеющие успех за рубежом (например, упоминавшийся ранее архимандрит отец Зинон). В Москве уже к 2000 г. насчитывалось более 30 иконописных мастерских. В Петербурге основными школами являются иконописные мастерские при Духовной академии и семинарии (руководитель игумен Александр) и иконописно-реставрационная мастерская при Александро-Невской лавре (руководитель Д. Мироненко), не считая множества мастерских при монастырях и подворьях. В Северной Столице появилась и первая в России галерея современной иконописи "Русская икона" (2003), собравшая работы художников Москвы, Петербурга, Ярославля, Новгорода, Пскова, Твери и проч. Петербургская школа вообще продемонстрировала многообразие стилистических тенденций. Выставки 1994, 1999, 2000, 2001 гг. объединили художников не только разных поколений и разных стилистических направлений, но и разных видов и жанров искусства: вместе с иконописцами выступали монументалисты, художники самых разных видов прикладного искусства, например эмальеры, и, как правило, всегда высокого профессионального уровня.

В 2002 г. в Музее прикладного искусства СПбГХПА имени барона А. Л. Штиглица впервые были представлены помимо икон Петербурга, Москвы, Северо-Запада и т.д. фрески, мозаики, копии старых мастеров и собственные произведения. Выставка отчетливо продемонстрировала глубокое осмысление художниками иконы, изучение ими ее канона, значения для нее храмового пространства. Но главное, выявила два ведущих направления в религиозном искусстве: одно – от своих истоков, Византии и древней Руси, другое – от искусства так называемого синодального периода. Это направление в церковной живописи отличает обращение к традициям западноевропейского искусства ("болонская школа") и к отечественным академическим традициям (примером может служить иконопись Боровиковского в Могилевском соборе или его иконы в Казанском соборе Петербурга). Особый интерес у художников этого направления нужно отметить к творчеству В. М. Васнецова, М. В. Нестерова, к таким центрам иконописи, как Палех и Мстера, – именно потому, что они, каждый по-своему, соединяют эти традиции (В. Лебедев. "Иоанн Богослов", икона Мстеры, начало XXI в.; см. цветную вклейку). Какой из путей более правильный? Однозначного ответа на этот вопрос не существует. Иконописцы ищут свое, современное выражение в обоих случаях: и когда они обращаются к древнерусским истокам, и когда ищут почву в академизме. Сам В. М. Васнецов после работы в киевском Владимирском соборе писал, что чувствует неудовлетворение и "далекость" от подлинного, так что у современных иконописцев еще много проблем, требующих решения.

Современные иконописцы и реставраторы стали приобретать известность за рубежом (например, Е. Большаков, Ю. Бобров работали на Афоне, А. Чашкин, Е. Максимов – в США, Н. Мухин – в Сербии). Художникам, работающим сегодня в области религиозной живописи, свойственно, как уже говорилось, глубокое осмысление религиозного искусства, причем как станковых форм, так и монументального. Большая заслуга современных мастеров в создании новой иконографии Ксении Петербургской (1988); Св. Иоанна Кронштдтского, образа Крещения Руси (иконы отца Зинона, 1988, или Натальи и Николая Богдановых, 2000; см. цветную вклейку), а также новопреставленных на Соборе 2000 года Св. преподобного Серафима Вырицкого, Вениамина Петроградского и др. Большая работа ведется по созданию иконографии "царственных мучеников", она не завершилась и по сей день. Однако и в традиционной, давно устоявшейся иконографии многие живописцы проявляют яркое творческое начало. Достаточно назвать, например, такого художника, как Г. Тонков. В его "Святой Троице" видится печать крепких древнерусских традиций, а экспрессивный живописный почерк мастера сродни новгородским и непосредственно волотовским (церковь Успения на Волотовом поле) стенописям, но написано это современным художником, с современным осмыслением изображаемого.

Восстановление и строительство новых храмов за последние 15–20 лет приобрело широкую масштабность. Соответственно остро встал вопрос и об их декоративном оформлении. В одном только Петербурге с середины 1990-х гг. было восстановлено и построено более 100 храмов и часовен. Пример успешного взаимодействия архитектуры и совершенно новой иконописи, стенописи и мозаики являет нам Петербургский Воскресенский Новодевичий монастырь на Московском проспекте. И в этой связи следует отметить, что именно мозаика стала особенно востребована в новом храмовом строительстве.

Искусство, пришедшее на Русь из Византии, испытавшее новое рождение в XVIII в. усилиями и талантом М. В. Ломоносова и новый взлет в XIX в. прежде всего в стенах Императорской Академии художеств, мозаика не была предана забвению в годы советской власти. Мы уже рассказывали, как в 1930-е гг. в связи со строительством метрополитена и других общественных зданий широко использовались ее декоративные возможности, а главное, ее агитационный характер. В послевоенные годы и позже мозаикой украшали детские сады и санатории, больницы, предприятия, стены школ и т.д. В Петербурге помимо мозаичной мастерской Академии художеств прекрасно работали и работают сейчас выпускники Высшего художественного училища имени В. И. Мухиной (СПбВХПА, которому в наши дни справедливо вернули имя его основателя барона А. Л. Штиглица).

Исследователи верно замечают, что опыт мозаики советского периода при всей ее ангажированности очень помог молодым художникам на новом этапе ее развития, начавшемся в 1990-е гг., как в способе набора, понимании возможностей материала, так и в применении новых технологий. Уже не в московском, а петербургском метрополитене выпускник Академии художеств, ученик А. А. Мыльникова А. Быстров украшает станцию метро "Александр Невский" сценой знаменитой битвы – и это последнее произведение, созданное в Петербурге до распада СССР. Последним же заказом XX в. для мозаичных мастерских Академии художеств и тому же мастеру были мозаичные панно для станции "Спортивная" (1998–1999; см. цветную вклейку) на "олимпийские темы", в которых художник проявил знание и выказал тонкое понимание античной мифологии и античного искусства. Позже А. Быстров (вместе с Е. Быстровым и др.) украсили интерьеры метро "Волковская", "Адмиралтейская" и пр. Другая команда известных петербургских монументалистов: С. Репин, Н. Фомин, И. Уралов, В. Сухов – авторы мозаик станций метро "Озерки", "Достоевская", "Крестовский остров", "Сенная" и пр. Эта же группа прославленных художников исполнила мозаики в церкви Рождества Богородицы в поселке Александровское Ленинградской области (архитекторы А. Шретер, А. Головин, Г. Уралов).

С начала 2000-х гг. происходят заметные изменения в отечественном монументальном искусстве в том смысле, что государство перестает быть единственным его заказчиком, появляется заказчик частный. Что касается станкового искусства последних десятилетий, то развитие его за этот период достаточно многообразно. Продолжают работать многие художники, заявившие о себе еще в 1970–1980-е гг., как тот же А. Кулинич (см. его замечательные цветные литографии, посвященные истории Кирилло-Белозерского и Спасо-Каменного монастырей (Вологодская область), его иллюстрации к Гоголю, еще ждущие своей печати, и его прекрасную красочную живопись, полную народной фантазии и юмора). И это только пример одного художника, заявившего о себе еще в 1970–1980-е гг., из плодотворно работающих сегодня, их ряд можно продолжить. А сколько еще совсем молодых, только вступающих в творческую жизнь, смело и свободно, интересно мыслящих – время, надеемся, по справедливости высветит их имена.

Мы же сейчас можем сделать лишь один вывод. Для всего современного отечественного (фигуративного) искусства второй половины XX – начала XXI в. особенно характерно распространение влияния круга русских традиций – отходя от авангарда через искусство рубежа XX–XIX вв. к искусству древнерусскому, а в зарубежном материале – от экспериментов начала прошлого столетия через постимпрессионизм – импрессионизм – романтизм к великому искусству Возрождения. Другими словами, они продолжают основные традиции, сложившиеся в искусстве XX в.: русский академизм, русский импрессионизм, русский "сезаннизм", а также постмодернистские фантазии на темы Ренессанса и уже чисто салонного академизма рубежа XIX–XX вв. Многочисленные выставки последних лет прекрасно иллюстрируют это.

В то же время нельзя не заметить, что в отсутствии государственных идеологий очевидна тенденция поддержки на самых высоких уровнях меценатства и в организации самих выставок музеев предпочтения отдаются прежде всего различным формам неоавангардизма. С исчезновением внятных государственных ориентиров в сфере культурной политики произошел процесс легализации различных неформальных объединений. "Андерграунд" (термин, заимствованный из кинематографии США начала 1940-х гг.) не только вошел в отечественную художественную жизнь, но стал чуть ли не элитарным искусством, о котором говорят "с придыханием", но которое еще потребует серьезной и объективной оценки, как и деятельность многих открывшихся в последнее время художественных галерей (именуемых ныне почему-то только арт-галереями) и множества разных новых художественных изданий. В наши дни, когда "истаяли прежние точки отсчета и былые кумиры сменяются новыми, когда возникает система решительно новых, во многом мнимых ценностей, по-своему отражающих посттоталитарное мышление", сделать это очень сложно, но необходимо. Несомненно, осмысление процесса развития искусства не застраховано от просчетов, ошибок, противоречий, и дело времени и объективной критики разобраться во всем многообразии и сложности искусства современности, "отделив зерна от плевел".

Одним из сложных вопросов представляется поставангард. За годы советской власти было создано так много "убогих по мысли и примитивных по форме" (В. Власов) произведений соцреализма, что на этом фоне русский авангард 1920-х гг., особенно в глазах молодых художников и зрителей, стал восприниматься (когда, в свою очередь, стал доступен для обозрения) как самое передовое (а для иных и единственно возможное) искусство на свете. Реабилитация имен таких действительно больших мастеров, как Π. Н. Филонов и К. С. Малевич, споспешествовала этому. Талантливые искусствоведы оплакивали его прерванное развитие ("Авангард, остановленный на бегу"). И все как-то забыли, что именно советский авангард 1920-х гг. явился той мощной силой, которая первая стала крушить классические традиции отечественного искусства, и с каким напором! "Как вы смеете называться поэтом // и, серенький, чирикать, как перепел? // Сегодня // надо // кастетом // кроиться миру в черепе!" (В. В. Маяковский. "Облако в штанах"). И "кроились"! Революция предоставила богатейшие возможности насаждать искусство нигилистическое, без истории, родины, без корней. Современный поставангард, с его агрессивностью, тем же знакомым пафосом разрушения, но и какой-то глубинной бескультурностью, к тому же еще вторичен и тавтологичен. Он весь (это относится, впрочем, и ко всему мировому постмодернизму) намеренно построен на цитатах – в литературе ли, в кино, в изобразительном искусстве. Недаром большие художники часто сетуют на то, что мы живем в эпоху лжепророков, лжеидолов, лжекумиров, и сегодня "великим" объявляется один, завтра – другой, послезавтра – третий. И лучшим, что есть в поставангарде, остается насмешка и ирония, а иногда привычная для российской интеллигенции рефлексия.

Вместе с тем для исследователей искусства ясно, что все это "концептуальное искусство", и оп-поп-соц и прочие "арты", включая и арт-дизайн, с их отходом от изобразительности в сторону знаковости, вербальности, ведь, но сути, не менее политизированы и агитационны, чем соцреализм.

В начале III тысячелетия приходится признать, что высокое искусство оказалось побежденным искусством массовым и китчем как его крайним выражением, с его дурновкусием, нарушением чувства меры, пропорций, гармонии: именам – от очень известных до совсем не известных – здесь нет числа. И это не только русское, но и общемировое явление: постмодернизм свидетельствует о конце "эпохи классического искусства"; идеалы прошлого, как верно сказано, осмеяны, а новые не созданы. Вот почему все яснее становится, как ни трагично это звучит, что XX век – это век катастрофы культуры, корни которой просматриваются еще в прошлом столетии, когда начали рушиться религиозное сознание и традиционный уклад жизни, а буржуазность породила протест лишь в форме безбожного бунта и эстетизации порока и зла.

Позволим себе процитировать слова великого музыканта ушедшего столетия Георгия Свиридова (1915–1998): "Искусство нашего }