Какви видове картини има? Видове живопис. Живопис: определение и видове

През 17 век е въведено разделение на жанровете в живописта на „високи“ и „ниски“. Първият включва исторически, бойни и митологични жанрове. Вторият включва светски жанрове на живописта от ежедневието, например ежедневен жанр, натюрморт, живопис с животни, портрет, голо тяло, пейзаж.

Исторически жанр

Историческият жанр в живописта не изобразява конкретен предмет или човек, а конкретен момент или събитие, случило се в историята на минали епохи. Включва се в осн жанрове на живопистав изкуството. Портретът, битката, ежедневието и митологичните жанрове често са тясно преплетени с историческия.

"Завладяването на Сибир от Ермак" (1891-1895)
Василий Суриков

Художниците Никола Пусен, Тинторето, Йожен Делакроа, Питър Рубенс, Василий Иванович Суриков, Борис Михайлович Кустодиев и много други рисуват своите картини в историческия жанр.

Митологичен жанр

Приказки, древни легенди и митове, фолклор - изобразяването на тези теми, герои и събития е намерило своето място в митологичния жанр на живописта. Може би може да се различи в картините на всеки народ, защото историята на всяка етническа група е пълна с легенди и традиции. Например, такъв сюжет от гръцката митология като тайната романтика на бога на войната Арес и богинята на красотата Афродита е изобразен в картината „Парнас“ на италиански художник на име Андреа Мантеня.

"Парнас" (1497)
Андреа Мантеня

Митологията в живописта окончателно се формира през Ренесанса. Представители на този жанр, освен Андреа Мантеня, са Рафаел Санти, Джорджоне, Лукас Кранах, Сандро Ботичели, Виктор Михайлович Васнецов и др.

Боен жанр

Баталната живопис описва сцени от военния живот. Най-често се илюстрират различни военни кампании, както и морски и сухопътни битки. И тъй като тези битки често са взети от реалната история, битката и историческият жанр намират своята пресечна точка тук.

Фрагмент от панорамата „Битката при Бородино“ (1912 г.)
Франц Рубо

Баталната живопис се оформя през италианския Ренесанс в творбите на художниците Микеланджело Буонароти, Леонардо да Винчи, а след това Теодор Жерико, Франсиско Гоя, Франц Алексеевич Рубо, Митрофан Борисович Греков и много други художници.

Всекидневен жанр

В битовия жанр в живописта са изобразени сцени от ежедневието, обществения или личния живот на обикновените хора, било то градски или селски. Като много други жанрове на живопистаежедневните картини рядко се срещат в своя собствена форма, ставайки част от жанра на портрета или пейзажа.

„Продавач на музикални инструменти“ (1652)
Карел Фабрициус

Произходът на ежедневната живопис се появява през 10 век на Изток и се премества в Европа и Русия едва през 17-18 век. Ян Вермеер, Карел Фабрициус и Габриел Мецу, Михаил Шибанов и Иван Алексеевич Ерменев са най-известните художници на битовата живопис от този период.

Анималистичен жанр

Основните обекти на анималистичния жанр са животни и птици, както диви, така и домашни, и като цяло всички представители на животинския свят. Първоначално рисуването на животни е част от жанровете на китайската живопис, тъй като за първи път се появява в Китай през 8 век. В Европа живописта с животни се формира едва през Ренесанса - животните по това време са изобразявани като въплъщение на човешките пороци и добродетели.

"Коне на поляната" (1649)
Паулус Потър

Антонио Пизанело, Паулус Потър, Албрехт Дюрер, Франс Снайдерс, Алберт Кюп са основните представители на анималистичната живопис в изобразителното изкуство.

Натюрморт

Жанрът натюрморт изобразява предмети, които заобикалят човек в живота. Това са неодушевени предмети, обединени в една група. Такива предмети могат да принадлежат към един и същ род (например на снимката са изобразени само плодове) или да са различни (плодове, прибори, музикални инструменти, цветя и др.).

„Цветя в кошница, пеперуда и водно конче“ (1614)
Амброзиус Бошарт Стари

Натюрмортът като самостоятелен жанр се оформя през 17 век. Особено се отличават фламандската и холандската школи за натюрморт. Представители на голямо разнообразие от стилове рисуваха своите картини в този жанр, от реализъм до кубизъм. Някои от най-известните натюрморти са рисувани от художниците Амброзиус Босхарт Стари, Албертус Йона Бранд, Пол Сезан, Винсент Ван Гог, Пиер Огюст Реноар, Вилем Клаес Хеда.

Портрет

Портретът е жанр в живописта, който е един от най-разпространените в изобразителното изкуство. Целта на портрета в живописта е да изобрази човек, но не само външния му вид, но и да предаде вътрешните чувства и настроението на изобразения човек.

Портретите могат да бъдат единични, двойки, групови, както и автопортрет, който понякога се обособява като отделен жанр. И може би най-известният портрет на всички времена е картината на Леонардо да Винчи, наречена „Портрет на мадам Лиза дел Джокондо“, известна на всички като „Мона Лиза“.

"Мона Лиза" (1503-1506)
Леонардо да Винчи

Първите портрети се появяват преди хиляди години в Древен Египет - това са изображения на фараони. Оттогава повечето артисти на всички времена са се пробвали в този жанр по един или друг начин. Портретът и историческият жанр на живописта също могат да се припокриват: образът на велика историческа личност ще се счита за произведение на историческия жанр, въпреки че в същото време ще предаде външния вид и характера на този човек като портрет.

гола

Целта на жанра голо тяло е да изобрази голото човешко тяло. Периодът на Ренесанса се счита за момент на възникване и развитие на този вид живопис, като основен обект на рисуване тогава най-често става женското тяло, олицетворяващо красотата на епохата.

"Селски концерт" (1510)
Тициан

Тициан, Амедео Модилиани, Антонио да Кореджо, Джорджоне, Пабло Пикасо са най-известните художници, рисували голи картини.

Пейзажи

Основната тема на пейзажния жанр е природата, околната среда - град, провинция или пустиня. Първите пейзажи се появяват в древни времена при рисуване на дворци и храмове, създаване на миниатюри и икони. Пейзажът започва да се обособява като самостоятелен жанр през 16 век и оттогава се превръща в един от най-популярните жанрове. жанрове на живописта.

Присъства в творчеството на много художници, като се започне от Питър Рубенс, Алексей Кондратиевич Саврасов, Едуард Мане, продължи се с Исак Илич Левитан, Пит Мондриан, Пабло Пикасо, Жорж Брак и се стигне до много съвременни художници на 21 век.

"Златна есен" (1895)
Исак Левитан

Сред пейзажните картини могат да се разграничат такива жанрове като морски и градски пейзажи.

Ведута

Ведута е пейзаж, чиято цел е да изобрази облика на една градска зона и да предаде нейната красота и колорит. По-късно, с развитието на индустрията, градският пейзаж се превръща в индустриален пейзаж.

"Площад Сан Марко" (1730)
Каналето

Можете да оцените градските пейзажи, като се запознаете с произведенията на Каналето, Питер Брьогел, Фьодор Яковлевич Алексеев, Силвестър Феодосиевич Шчедрин.

Марина

Морски пейзаж или яхтено пристанище изобразява природата на морския елемент, неговото величие. Най-известният маринист в света е може би Иван Константинович Айвазовски, чиято картина „Деветата вълна“ може да се нарече шедьовър на руската живопис. Разцветът на яхтеното пристанище настъпва едновременно с развитието на ландшафта като такъв.

„Платоходка в буря“ (1886)
Джеймс Бътърсуърт

Кацушика Хокусай, Джеймс Едуард Бътърсуърт, Алексей Петрович Боголюбов, Лев Феликсович Лагорио и Рафаел Монлеон Торес също са известни със своите морски пейзажи.

Ако искате да научите още повече за това как са се появили и развили живописните жанрове в изкуството, гледайте следното видео:

Вземете го за себе си и кажете на приятелите си!

Прочетете също на нашия уебсайт:

Покажи повече

). Въпреки това, за целите на тази статия ще разгледаме само обектно изкуство.

Исторически всички жанрове са разделени на високи и ниски. ДА СЕ висок жанрили историческата живопис включва произведения от монументален характер, носещи някакъв вид морал, значима идея, демонстриращи исторически, военни събития, свързани с религия, митология или художествена измислица.

ДА СЕ нисък жанрвключваше всичко свързано с ежедневието. Това са натюрморти, портрети, битови картини, пейзажи, анимализъм, изображения на голи хора и др.

Анимализъм (лат. animal - животно)

Анималистичният жанр възниква в древни времена, когато първите хора рисуват хищни животни върху скалите. Постепенно тази посока се превърна в независим жанр, предполагащ изразително изобразяване на всякакви животни. Анималистите обикновено имат голям интерес към животинския свят, например могат да бъдат отлични ездачи, да отглеждат домашни любимци или просто да изучават навиците си дълго време. В резултат на намеренията на художника животните могат да изглеждат реалистично или под формата на художествени образи.

Сред руските художници много бяха добре запознати с конете, например, и. Така в известната картина на Васнецов „Богатирите“ героичните коне са изобразени с най-голямо умение: цветовете, поведението на животните, юздите и връзката им с ездачите са внимателно обмислени. Серов не обичаше хората и смяташе коня в много отношения за по-добър от човек, поради което често го изобразяваше в различни сцени. въпреки че рисува животни, той не се смята за анималист, така че мечките в известната му картина „Сутрин в борова гора“ са създадени от анималиста К. Савицки.

В царските времена портретите с домашни любимци, които са скъпи на човека, стават особено популярни. Например на картината императрица Екатерина II се появи с любимото си куче. Животни присъстваха и в портретите на други руски художници.

Примери за картини на известни руски художници в битовия жанр

Историческа живопис

Този жанр включва монументални картини, които са предназначени да предадат на обществото грандиозен план, някаква истина, морал или да демонстрират значими събития. Включва произведения на исторически, митологични, религиозни теми, фолклор, както и военни сцени.

В древните държави митовете и легендите отдавна се считат за събития от миналото, така че често са изобразявани на фрески или вази. По-късно художниците започват да отделят случилите се събития от фантастиката, което се изразява предимно в изобразяването на бойни сцени. В Древен Рим, Египет и Гърция сцени от героични битки често са били изобразявани върху щитовете на победителите, за да демонстрират триумфа си над врага.

През Средновековието, поради господството на църковните догми, преобладава религиозната тематика, през Ренесанса обществото се обръща към миналото главно с цел прослава на своите държави и владетели, а от 18 век този жанр често се обръща към с цел обучение на младежта. В Русия жанрът става широко разпространен през 19 век, когато художниците често се опитват да анализират живота на руското общество.

В произведенията на руски художници е представена например бойна живопис и. Той засяга митологични и религиозни теми в картините си. Сред тях преобладава историческата живопис, сред тях - фолклорът.

Примери за картини на известни руски художници в жанра на историческата живопис

Натюрморт (френски nature - природа и morte - мъртъв)

Този жанр на живописта е свързан с изобразяването на неодушевени предмети. Те могат да бъдат цветя, плодове, съдове, дивеч, кухненски прибори и други предмети, от които художникът често създава композиция по свой план.

Първите натюрморти се появяват в древните страни. В Древен Египет е било обичайно да се изобразяват дарове на боговете под формата на различни храни. В същото време разпознаването на обекта беше на първо място, така че древните художници не се интересуваха особено от светлосенката или текстурата на предметите от натюрморта. В Древна Гърция и Рим цветята и плодовете са били намерени в картини и в къщи за интериорна декорация, така че са били изобразявани по-автентично и живописно. Формирането и разцветът на този жанр се случва през 16-ти и 17-ти век, когато натюрмортите започват да съдържат скрити религиозни и други значения. В същото време се появиха много разновидности в зависимост от обекта на изображението (цветя, плодове, учен и др.).

В Русия рисуването на натюрморт процъфтява едва през 20 век, тъй като преди това се използва главно за образователни цели. Но това развитие беше бързо и завладяно, включително абстрактното изкуство с всичките му направления. Например, той създава красиви композиции от цветя в, ​​предпочита, работи и често „съживява“ своите натюрморти, създавайки у зрителя впечатлението, че чиниите са на път да паднат от масата или че всички предмети са на път да започнат да се въртят .

Обектите, изобразявани от художниците, разбира се, са повлияни от техните теоретични възгледи или мироглед и състояние на духа. Така това са обекти, изобразени според открития от него принцип на сферична перспектива, и експресионистични натюрморти, удивляващи със своята драма.

Много руски художници са използвали натюрморта главно за образователни цели. Така той не само усъвършенства художествените си умения, но и провежда много експерименти, подреждайки предмети по различни начини, работейки със светлина и цвят. експериментира с формата и цвета на линията, понякога се отдалечава от реализма в чист примитивизъм, понякога смесва и двата стила.

Други художници комбинираха в натюрморти това, което преди това са изобразили с любимите си неща. Например в картините можете да намерите любимата му ваза, ноти и портрет на съпругата му, които той е създал преди това, и той изобразява любимите си цветя от детството.

Много други руски художници са работили в същия жанр, например, и други.

Примери за картини на известни руски художници в жанра натюрморт

Голо (на френски nudite - голота, съкратено ню)

Този жанр има за цел да изобрази красотата на голото тяло и се появи преди нашата ера. В древния свят се е обръщало голямо внимание на физическото развитие, тъй като от него е зависело оцеляването на цялата човешка раса. Така в Древна Гърция атлетите традиционно се състезавали голи, за да могат момчетата и младите мъже да видят добре развитите си тела и да се стремят към същото физическо съвършенство. Около 7-6в. пр.н.е д. Появиха се и голи мъжки статуи, олицетворяващи физическата сила на мъжа. Женските фигури, напротив, винаги се представяха на публиката в дрехи, тъй като не беше обичайно да се излага женското тяло.

В следващите епохи отношението към голотата се променя. Така през елинизма (от края на VI в. пр. н. е.) издръжливостта минава на заден план, отстъпвайки място на възхищението от мъжката фигура. По същото време започват да се появяват първите голи женски фигури. В епохата на барока жените с извити фигури са били смятани за идеални; във времената на рококо чувствеността е от първостепенно значение, а през 19-20 век картини или скулптури с голи тела (особено мъжки) често са били забранявани.

Руските художници многократно се обръщат към жанра на голото тяло в своите творби. И така, това са танцьорки с театрални атрибути, това са позиращи момичета или жени в центъра на монументални сцени. Това има много чувствени жени, включително двойки, има цяла поредица от картини, изобразяващи голи жени в различни дейности, и това има момичета, пълни с невинност. Някои, например, изобразяват напълно голи мъже, въпреки че такива картини не са били приветствани от обществото по онова време.

Примери за картини на известни руски художници в голи жанр

Пейзаж (на френски Paysage, от pays - терен)

В този жанр приоритет е изобразяването на естествената или създадена от човека среда: природни местности, изгледи на градове, села, паметници и др. В зависимост от избрания обект се разграничават природни, индустриални, морски, селски, лирични и други пейзажи.

Първите пейзажи на древни художници са открити в неолитни скални рисунки и представляват изображения на дървета, реки или езера. По-късно природният мотив се използва за украса на дома. През Средновековието пейзажът е почти напълно заменен от религиозни теми, а през Ренесанса, напротив, на преден план излиза хармоничната връзка между човека и природата.

В Русия пейзажната живопис се развива от 18 век и първоначално е ограничена (в този стил са създадени например пейзажи), но по-късно цяла плеяда талантливи руски художници обогатява този жанр с техники от различни стилове и движения. създава така наречения нисък пейзаж, тоест вместо да преследва невероятни гледки, той изобразява най-интимните моменти от руската природа. и стигна до лиричен пейзаж, който удиви публиката с фино предаденото си настроение.

И това е епичен пейзаж, когато на зрителя се показва цялото величие на околния свят. безкрайно обърнат към древността, Е. Волков знаеше как да превърне всеки дискретен пейзаж в поетична картина, удиви зрителя с невероятната си светлина в пейзажите и можеше безкрайно да се възхищава на горски ъгли, паркове, залези и да предаде тази любов на зрителя.

Всеки от пейзажистите концентрира вниманието си върху пейзажа, който го очарова особено силно. Много художници не можеха да пренебрегнат мащабните строителни проекти и рисуваха много индустриални и градски пейзажи. Сред тях има творби и на други художници. очарован от паметниците, и

Думата "живопис" произлиза от руските думи "живея" и "пиша", което води до фразата "жива буква". Картината означава изображение на реалния свят, нарисувано с помощта на импровизирани материали (моливи, бои, пластилин и др.) върху плоски повърхности. Можем да кажем, че е и проекцията на реалния свят през призмата на въображението на художника

Видове живопис

Това е пълно с разнообразие от видове и техники за изобразяване на реалността, които зависят не само от техниката на изпълнение на произведението на художника и използваните материали, но и от съдържанието и семантичното послание на творчеството. За да предаде чувства, емоции и мисли, художникът използва преди всичко правилата на играта с цвят и светлина: връзката на цветовите нюанси и играта на светлините и сенките. Благодарение на тази тайна картините се оказват наистина живи.

За да постигнете този ефект, трябва умело да използвате цветни материали. Следователно живописта, чиито видове зависят от техниката на рисуване и видовете бои, може да използва акварел, масло, темпера, пастел, гваш, восък, акрил и др. Всичко зависи от желанието на художника.

В изобразителното изкуство има следните основни видове живопис:

1. Монументална живопис. Самото име на този вид изкуство подсказва, че творението ще живее много векове. Този тип предполага симбиоза на архитектура и изобразително изкуство. Монументалната живопис най-често може да се види в религиозни храмове: това са боядисани стени, сводове, арки и тавани. Когато рисунката и самата сграда станат едно цяло, такива произведения имат дълбок смисъл и носят световна културна стойност. Стенописите по-често попадат в този вид живопис. По правило те се правят не само с бои, но и с керамични плочки, стъкло, цветни камъни, раковини и др.

2. Станкова живопис. Видовете такова изобразително изкуство са много често срещани и достъпни за всеки художник. За да може картината да се счита за статив, творецът ще се нуждае от платно (стальт) и рамка за него. Така картината ще има самостоятелен характер и няма значение къде и в каква архитектурна структура се намира.

3. Видовете и формите на изразяване на творчеството са неограничени и този вид изкуство може да служи като доказателство. съществува от хиляди години: това са декорации за дома, рисуване на съдове, създаване на сувенири, рисуване на тъкани, мебели и т.н. Същността на творчеството е, че предметът и дизайнът върху него стават едно цяло. Счита се за лош вкус, когато художник изобразява напълно неподходящ дизайн върху обект.

4. предполага визуален дизайн за театрални представления, както и за кино. Този вид изкуство позволява на зрителя по-точно да разбере и приеме образа на пиеса, представление или филм.

Жанрове на живописта

В теорията на изкуството също е важно да се прави разлика между жанровете на живописта, всеки от които има свои собствени характеристики:

Портрет.

Натюрморт.

Иконопис.

Анимализъм.

История.

Това са основните, които съществуват от дълго време в историята на изкуството. Но прогресът не стои неподвижен. Всяка година списъкът с жанрове расте и се увеличава. Така се появи абстракция и фантазия, минимализъм и т.н.

Живописта е едно от древните изкуства, което в продължение на много векове е претърпяло еволюция от палеолитните скални рисунки до най-новите тенденции на 20-ти и дори 21-ви век. Това изкуство се ражда почти с появата на човечеството. Древните хора, без дори да се осъзнаят напълно като хора, са изпитвали необходимост да изобразят света около себе си на повърхността. Те рисуваха всичко, което видяха: животни, природа, ловни сцени. За рисуване са използвали нещо подобно на бои от естествени материали. Това бяха земни бои, въглен, черни сажди. Четките са правени от животински косми или просто са рисувани с пръсти.

В резултат на промените възникват нови видове и жанрове живопис. Античният период е последван от периода на античността. Имаше желание сред художниците и художниците да възпроизведат реалния живот около нас, такъв, какъвто изглежда на хората. Желанието за точност на предаване предизвика появата на основите на перспективата, основите на светлинните и сенчести конструкции на различни изображения и изучаването на това от художниците. И те, на първо място, учат как да изобразяват обемно пространство върху равнината на стена, във фрескова живопис. Някои произведения на изкуството, като обемно пространство, chiaroscuro, започнаха да се използват за украса на стаи, религиозни центрове и погребения.

Следващият важен период от миналото на живописта е Средновековието. По това време живописта има по-религиозен характер и мирогледът започва да се отразява в изкуството. Творчеството на художниците беше насочено към иконопис и други мелодии на религията. Основните важни моменти, които художникът трябваше да подчертае, бяха не толкова точното отразяване на реалността, а по-скоро предаването на духовност дори в голямо разнообразие от картини. Платната на майсторите от онова време учудват със своята изразителност на контури, цвят и колоритност. Средновековната живопис ни изглежда плоска. Всички герои на художниците от онова време са на една линия. И затова много произведения ни изглеждат донякъде стилизирани.

Периодът на сивото Средновековие е заменен от по-светлия период на Ренесанса. Ренесансът отново носи повратна точка в историческото развитие на това изкуство. Новите настроения в обществото, новият мироглед започнаха да диктуват на художника какви аспекти на живописта да разкрие по-пълно и ясно. Жанрове на рисуване като портрет и пейзаж ще станат независими стилове. Художниците изразяват човешките емоции и техния вътрешен свят чрез нови начини на рисуване. През 17-ти и 18-ти век се наблюдава още по-значителен растеж в живописта. През този период католическата църква губи своето значение, а художниците в своите произведения все повече отразяват истинските възгледи на хората, природата, ежедневието. През този период се формират и жанрове като барок, рококо, класицизъм и маниеризъм. Възниква романтизмът, който по-късно е заменен от по-зрелищен стил - импресионизъм.

В началото на ХХ век живописта се променя драматично и се появява ново направление в модерното изкуство - абстрактната живопис. Идеята на тази посока е да предаде съгласие между човека и изкуството, да създаде хармония в комбинации от линии и цветови акценти. Това е изкуство без предметност. Тя не се стреми към точно предаване на реален образ, а напротив, предава това, което е в душата на художника, неговите емоции. Формите и цветовете играят важна роля в тази форма на изкуство. Същността му е да предаде по-рано познати обекти по нов начин. Тук художниците получават пълна свобода на въображението си. Това даде тласък на появата и развитието на съвременни течения като авангард, ъндърграунд, абстрактно изкуство. От края на ХХ век до наши дни живописта непрекъснато се променя. Но въпреки всички нови постижения и съвременни технологии, художниците все още остават верни на класическото изкуство - маслена и акварелна живопис, създавайки своите шедьоври с помощта на бои и платна.

Наталия Мартиненко

История на изобразителното изкуство

Историята на живописта е безкрайна верига, която започва с първите направени картини. Всеки стил израства от стиловете, които са дошли преди него. Всеки велик художник добавя нещо към постиженията на по-ранните художници и влияе на по-късните художници.

Можем да се наслаждаваме на рисуването заради красотата му. Неговите линии, форми, цветове и композиция (подреждане на части) могат да се харесат на сетивата ни и да останат в спомените ни. Но насладата от изкуството се увеличава, когато научим кога, защо и как е създадено.

Историята на живописта е повлияна от много фактори. География, религия, национални особености, исторически събития, разработването на нови материали - всичко това помага за оформянето на визията на художника. През цялата история живописта е отразявала променящия се свят и нашите представи за него. На свой ред художниците са предоставили някои от най-добрите записи за развитието на цивилизацията, понякога разкриващи повече от написаното слово.

Праисторическа живопис

Пещерните обитатели са били най-ранните художници. Цветни рисунки на животни, датиращи от 30 000 до 10 000 г. пр. н. е., са открити по стените на пещери в Южна Франция и Испания. Много от тези рисунки са забележително добре запазени, защото пещерите са били запечатани в продължение на много векове. Първите хора са рисували диви животни, които са виждали около себе си. Много груби човешки фигури, направени в жизнени позиции, са открити в Африка и източна Испания.

Пещерните художници изпълниха стените на пещерата с рисунки в богати, живи цветове. Някои от най-красивите рисунки са в пещерата Алтамира, Испания. Един детайл показва ранен бивол, който вече не може да се изправи - вероятно жертва на ловец. Боядисана е в червеникавокафяв цвят и е очертана просто, но умело с черно. Пигментите, използвани от пещерните художници, са охра (железни оксиди с цвят от светложълт до тъмно оранжев) и манган (тъмен метал). Те се смилат на фин прах, смесват се с лубрикант (възможно е мазно масло) и се нанасят върху повърхността с някаква четка. Понякога пигментите са под формата на пръчици, подобни на пастели. Мазнината, смесена с пигменти на прах, направи течна боя и частиците на пигмента се слепиха. Пещерните обитатели изработвали четки от животински или растителни косми, а остри инструменти от силиций (за рисуване и драскане).

Още преди 30 000 години хората са изобретили основните инструменти и материали за рисуване. Методите и материалите бяха усъвършенствани и подобрени през следващите векове. Но откритията на пещерния обитател остават основни за живописта.

Египетска и месопотамска живопис (3400–332 г. пр.н.е.)

Една от първите цивилизации се появява в Египет. Много се знае за техния живот от писмени записи и произведения на изкуството, оставени от египтяните. Те вярвали, че тялото трябва да бъде запазено, за да може душата да живее след смъртта. Великите пирамиди са били сложни гробници за богати и могъщи египетски владетели. Голяма част от египетското изкуство е създадено за пирамидите и гробниците на царе и други важни личности. За да са напълно сигурни, че душата ще продължи да съществува, художниците създават изображения на мъртвец в камък. Те също възпроизвеждат сцени от човешкия живот в стенописи в гробни камери.

Техниките на египетското изкуство са останали непроменени от векове. При един метод акварелната боя се нанася върху глинени или варовикови повърхности. При друг процес очертанията бяха издълбани в каменни стени и боядисани с акварели. Материал, наречен гума арабика, вероятно е бил използван за залепване на боята към повърхността. За щастие сухият климат и запечатаните гробници попречиха на някои от тези акварелни картини да бъдат унищожени от влагата. Много ловни сцени от стените на гробниците в Тива, датиращи от около 1450 г. пр.н.е., са добре запазени. Те показват как ловците преследват птици или риби. Тези предмети все още могат да бъдат идентифицирани днес, защото са били внимателно и внимателно боядисани.

Месопотамската цивилизация, продължила от 3200 до 332 г. пр. н. е., е била разположена в долината между реките Тигър и Ефрат в Близкия изток. Къщите в Месопотамия са строени предимно от глина. Тъй като глината е омекотена от дъжда, сградите им се разпадат на прах, унищожавайки всички стенописи, които може да са били много интересни. Това, което оцелява, е украсена керамика (рисувана и изпечена) и цветни мозайки. Въпреки че мозайките не могат да се считат за живопис, те често й влияят.

Егейска цивилизация (3000–1100 г. пр.н.е.)

Третата велика ранна култура е егейската цивилизация. Егейците са живели на островите край бреговете на Гърция и на полуостров Мала Азия приблизително по същото време като древните египтяни и месопотамци.

През 1900 г. археолозите започват разкопки на двореца на цар Минос в Кносос на остров Крит. Разкопките са открили произведения на изкуството, рисувани около 1500 г. пр.н.е. в необичайно свободния и грациозен стил на времето. Явно критяните са били безгрижен, природолюбив народ. Сред любимите им теми в изкуството са морският живот, животните, цветята, спортът и масовите шествия. В Кносос и други дворци в Егейско море се рисуват върху мокри гипсови стени с бои, направени от минерални вещества, пясък и глинени охра. Боята попива в мократа мазилка и става постоянна част от стената. Тези картини по-късно са наречени фрески (от италианската дума за „свеж“ или „нов“). Жителите на Крит харесваха ярки жълти, червени, сини и зелени цветове.

Гръцка и римска класическа живопис (1100 г. пр. н. е. – 400 г. сл. н. е.)

Древните гърци са украсявали стените на храмове и дворци със стенописи. От древни литературни източници и от римски копия на гръцкото изкуство може да се каже, че гърците са рисували малки картини и са правили мозайки. Имената на гръцките майстори и малко от техния живот и творби са известни, въпреки че много малко гръцка живопис е оцеляла през вековете и след войните. Гърците не са писали много в гробниците, така че техните произведения не са били защитени.

Рисуваните вази са всичко, което е останало от гръцката живопис днес. Грънчарството е голяма индустрия в Гърция, особено в Атина. Контейнерите бяха много търсени, изнасяни, както и масло и мед, и за вътрешни цели. Най-ранната вазопис е направена с геометрични фигури и орнаменти (1100-700 г. пр.н.е.). Вазите също бяха украсени с човешки фигури в кафява глазура върху светла глина. До 6 век художниците на вази често рисуват черни човешки фигури върху естествена червена глина. Детайлите бяха издълбани в глина с остър инструмент. Това позволи на червеното да се появи в дълбините на релефа.

Червенофигурният стил в крайна сметка замени черния. Тоест, обратното: фигурите са червени, а фонът е черен. Предимството на този стил беше, че художникът можеше да използва четка, за да създава контури. Четката създава по-свободна линия от металния инструмент, използван върху вази с черни фигури.

Римски стенописи са открити главно във вили (селски къщи) в Помпей и Херкулан. През 79 г. сл. н. е. тези два града са напълно погребани от изригването на вулкана Везувий. Археолозите, които разкопаваха района, успяха да научат много за древния римски живот от тези градове. Почти всяка къща и вила в Помпей имаше картини по стените. Римските художници внимателно подготвят повърхността на стената, като нанасят смес от мраморен прах и мазилка. Те полираха повърхностите до мраморно покритие. Много от картините са копия на гръцки картини от 4 век пр.н.е. Грациозните пози на фигурите, изрисувани по стените на Вилата на мистериите в Помпей, вдъхновяват художниците през 18 век, когато градът е разкопан.

Гърците и римляните също са рисували портрети. Малък брой от тях, предимно портрети на мумии, направени в гръцки стил от египетски художници, оцеляват около Александрия, в Северен Египет. Основана през 4 век пр. н. е. от гръцкия Александър Велики, Александрия се превръща във водещ център на гръцката и римската култура. Портретите са рисувани с техниката енкаустика върху дърво и са монтирани под формата на мумия след смъртта на изобразения човек. Картините с енкаустика, направени с боя, смесена с разтопен пчелен восък, издържат много дълго време. Наистина, тези портрети все още изглеждат свежи, въпреки че са направени през втори век пр.н.е.

Раннохристиянска и византийска живопис (300–1300 г.)

Римската империя запада през 4 век сл. н. е. В същото време християнството набира сила. През 313 г. римският император Константин официално признава религията и самият той приема християнството.

Появата на християнството силно повлия на изкуството. На художници е поръчано да украсят стените на църквите със стенописи и мозайки. Изработват пана в църковни параклиси, илюстрират и украсяват църковни книги. Под влиянието на Църквата от художниците се очакваше да предават ученията на християнството възможно най-ясно.

Ранните християни и византийски художници продължават техниката на мозайка, която са научили от гърците. Малки плоски парчета цветно стъкло или камък бяха поставени върху мокър цимент или гипс. Понякога са използвани други твърди материали, като парчета печена глина или черупки. В италианската мозайка цветовете са особено дълбоки и наситени. Италиански художници направиха фона с парчета позлатено стъкло. Те изобразяват човешки фигури в богати цветове на фона на искрящо злато. Общият ефект беше плосък, декоративен и нереалистичен.

Мозайките на византийските художници често са дори по-малко реалистични и дори по-декоративни от мотивите на ранните християни. „Византийски“ е името, дадено на стила в изкуството, развил се около древния град Византион (сега Истанбул, Турция). Техниката на мозайката беше идеално подходяща за византийския вкус за великолепно украсени църкви. Известните мозайки на Теодора и Юстиниан, направени около 547 г. сл. Хр., демонстрират вкус към богатството. Бижутата на фигурите блестят, а цветните съдебни рокли блестят на фона на блестящо злато. Византийските художници също са използвали злато върху фрески и пана. Златото и други ценни материали са били използвани през Средновековието, за да отделят духовните предмети от ежедневния свят.

Средновековна живопис (500–1400)

Първата част от Средновековието, от около 6-ти до 11-ти век сл. н. е., обикновено се нарича Тъмни векове. През това време на размирици изкуството се съхраняваше главно в манастирите. През 5 век сл.н.е Уорански племена от Северна и Централна Европа бродеха из континента. В продължение на стотици години те доминираха в Западна Европа. Тези хора създават изкуство, в което основният елемент е шарката. Те бяха особено очаровани от структурите на преплетени дракони и птици.

Най-доброто от келтското и саксонското изкуство може да се намери в ръкописи от 7-ми и 8-ми век. Книжните илюстрации, илюминацията и миниатюрната живопис, практикувани от късно римско време, стават широко разпространени през Средновековието. Осветлението е декорация от текст, главни букви и полета. Използвани са златни, сребърни и ярки цветове. Миниатюрата е малка картина, често портрет. Терминът първоначално е бил използван за описание на декоративния блок около началните букви в ръкопис.

Карл Велики, който е коронясан за император на Свещената Римска империя в началото на 9 век, се опитва да възроди класическото изкуство от късния римски и раннохристиянския период. По време на неговото управление художниците на миниатюри имитират класическото изкуство, но също така предават лични чувства чрез своите теми.

Много малко стенописи са оцелели от Средновековието. Църквите, построени през романския период (11-13 век), са имали страхотни стенописи, но повечето от тях са изчезнали. В църквите от готическия период (XII-XVI век) нямаше достатъчно място за стенописи. Илюстрацията на книги е основната работа на готическия художник.

Сред най-добре илюстрованите ръкописи са часовниците - сборници с календари, молитви и псалми. Страница от италиански ръкопис показва сложни инициали и фино детайлна маргинална сцена на Свети Георги, убиващ дракон. Цветовете са брилянтни и подобни на бижута, като витражи, а златото блести от страницата. Грациозно фини листа и флорални мотиви граничат с текста. Художниците вероятно са използвали лупи, за да създадат такава сложна, детайлна работа.

Италия: Чимабуе и Джото

Италианските художници в края на 13 век все още работят във византийски стил. Човешките фигури бяха направени плоски и декоративни. Лицата рядко имаха израз. Телата бяха в безтегловност и сякаш се носеха, вместо да стоят здраво на земята. Във Флоренция художникът Чимабуе (1240-1302) се опитва да модернизира някои от старите византийски техники. Ангелите в Madonna Enthroned са по-активни от обикновено в картините от онова време. Жестовете и лицата им показват малко повече човешки чувства. Чимабуе добавя ново усещане за монументалност или великолепие към своите картини. Въпреки това той продължава да следва много византийски традиции, като златния фон и шарената подредба на предмети и фигури.

Именно великият флорентински художник Джото (1267-1337) всъщност скъсва с византийската традиция. Неговата серия фрески в параклиса Арена в Падуа оставя византийското изкуство далеч назад. В тези сцени от живота на Мария и Христос има истинска емоция, напрежение и натурализъм. Присъстват всички качества на човешката топлота и съчувствие. Хората не изглеждат напълно нереални или райски. Джото засенчи очертанията на фигурите и постави дълбоки сенки в гънките на дрехите, за да придаде усещане за закръгленост и плътност.

За своите малки панели Джото използва чиста яйчна темпера, среда, усъвършенствана от флорентинците през 14 век. Яснотата и яркостта на неговите цветове трябва да са повлияли силно на хората, свикнали с тъмните цветове на византийските панели. Темперните картини създават впечатлението, че върху сцената пада мека дневна светлина. Те имат почти плосък вид, за разлика от блясъка на маслената живопис. Яйчната темпера остава основната боя, докато маслото не я измества почти напълно през 16 век.

Късно средновековна живопис на север от Алпите

В началото на 15 век художниците в Северна Европа работят в стил, напълно различен от италианската живопис. Северните художници постигнаха реализъм, като добавиха безброй детайли към своите картини. Всички коси бяха изящно дефинирани и всеки детайл от драперия или подова настилка беше прецизно позициониран. Изобретяването на маслената живопис направи детайлите по-лесни.

Голям принос за развитието на маслената живопис има фламандският художник Ян ван Ейк (1370-1414). Когато се използва темпера, цветовете трябва да се нанасят отделно. Те не могат да се засенчват добре, защото боята изсъхва бързо. С масло, което съхне бавно, художникът може да постигне по-сложни ефекти. Неговите портрети от 1466-1530 г. са изпълнени във фламандска маслена техника. Всички детайли и дори огледалните отражения са ясни и точни. Цветът е издръжлив и има твърда повърхност, наподобяваща емайл. Грундираният дървен панел беше подготвен по същия начин, по който Джото подготви своите панели за темпера. Ван Ейк създава картината със слоеве фин цвят, наречен глазура. Температа вероятно е била използвана в оригиналния подраст и за акценти.

Италиански ренесанс

По времето, когато ван Ейк работи на север, италианците навлизат в златната ера на изкуството и литературата. Този период се нарича Ренесанс, което означава прераждане. Италианските художници са били вдъхновени от скулптурата на древните гърци и римляни. Италианците искаха да възродят духа на класическото изкуство, което прославя човешката независимост и благородство. Ренесансовите художници продължават да рисуват религиозни сцени. Но те също наблегнаха на земния живот и човешките постижения.

Флоренция

Постиженията на Джото в началото на 14 век бележат началото на Ренесанса. Италианските художници от 17 век го продължават. Мазачио (1401-1428) е един от лидерите на първото поколение ренесансови художници. Той живее във Флоренция, богат търговски град, където започва ренесансовото изкуство. Към момента на смъртта си в края на двадесетте години той революционизира живописта. В прочутия си стенопис „The Tribute Money” той поставя внушителни скулптурни фигури в пейзаж, който сякаш се простира далеч в далечината. Масачо може да е изучавал перспективата от флорентинския архитект и скулптор Брунелески (1377-1414).

Стенописната техника е била много популярна през Ренесанса. Беше особено подходящ за големи стенописи, защото цветовете във фреската са сухи и идеално равни. Изображението може да се гледа от всякакъв ъгъл без отблясъци или отражения. Стенописите също са достъпни. Обикновено художниците имаха няколко помощника. Работата се извършваше на части, тъй като трябваше да се свърши, докато мазилката беше още мокра.

Пълният "триизмерен" стил на Masaccio е типичен за новото прогресивно движение от 15 век. Стилът на Фра Анджелико (1400-1455) представлява по-традиционен подход, използван от много художници от ранния Ренесанс. Той се интересуваше по-малко от перспективата и повече от декоративния дизайн. Неговата „Коронация на Богородица“ е пример за най-красивата темпера. Забавни, наситени цветове на фона на златото и със златни акценти. Картината изглежда като увеличена миниатюра. Дългите тесни фигури нямат много общо с Мазачио. Композицията е организирана в широки линии на движение, обикалящи около централните фигури на Христос и Богородица.

Друг флорентинец, който работи в традиционния стил, е Сандро Ботичели (1444-1515). Плавните ритмични линии свързват части от Пролетта на Ботичели. Фигурата на Пролетта, носена от западния вятър, минава отдясно. Трите грации танцуват в кръг, плаващите гънки на техните рокли и грациозните движения на ръцете им изразяват ритмите на танца.

Леонардо да Винчи (1452-1519) учи живопис във Флоренция. Той е известен със своите научни изследвания и изобретения, както и с картините си. Много малко от неговите картини оцеляват, отчасти защото той често експериментира с различни начини за създаване и нанасяне на боя, вместо да използва изпитани и верни методи. Тайната вечеря (нарисувана между 1495 и 1498 г.) е нарисувана с маслени бои, но за съжаление Леонардо я рисува върху влажна стена, което причинява напукване на боята. Но дори и в лошо състояние (преди реставрация), картината имаше способността да буди емоции у всеки, който я види.

Една от отличителните черти на стила на Леонардо е неговият метод за изобразяване на светлини и тъмнина. Италианците нарекоха слабото му осветление "sfumato", което означава димно или мъгливо. Фигурите в Мадоната на скалите са забулени в атмосфера на сфумато. Техните форми и характеристики са меко засенчени. Леонардо постига тези ефекти, използвайки много фини градации на светли и тъмни тонове.

Рим

Кулминацията на ренесансовата живопис настъпва през 16 век. По същото време центърът на изкуството и културата се премества от Флоренция в Рим. При папа Сикст IV и неговия наследник Юлий II град Рим е великолепно и богато украсен от ренесансови художници. Някои от най-амбициозните проекти от този период са започнати по време на папството на Юлий II. Юлий възлага на великия скулптор и художник Микеланджело (1475-1564) да изрисува тавана на Сикстинската капела и да извая скулптура за гробницата на папата. Юлий също кани художника Рафаел (1483-1520) да помогне за украсата на Ватикана. Със своите помощници Рафаело рисува четири стаи от апартаментите на папата във Ватиканския дворец.

Микеланджело, флорентинец по произход, развива монументален стил на рисуване. Фигурите в неговата картина са толкова силни и обемни, че приличат на скулптури. Сикстинският таван, чието завършване отне на Микеланджело 4 години, се състои от стотици човешки фигури от Стария завет. За да завърши тази грандиозна фреска, Микеланджело трябваше да легне по гръб върху скеле. Замисленото лице на Йеремия сред пророците, които заобикалят тавана, се смята от някои експерти за автопортрет на Микеланджело.

Рафаело идва във Флоренция от Урбино, докато е много млад. Във Флоренция той усвоява идеите на Леонардо и Микеланджело. По времето, когато Рафаело отива в Рим, за да работи във Ватикана, стилът му се е превърнал в един от най-великите по красота на изпълнение. Особено обичал красивите си портрети на Мадоната с младенеца. Те са възпроизвеждани от хиляди и могат да се видят навсякъде. Неговата Madonna del Granduca е успешна поради своята простота. Безкраен в своя мир и чистота, той е толкова привлекателен за нас, колкото е бил за италианците от епохата на Рафаело.

Венеция

Венеция е главният северноиталиански град на Ренесанса. Той беше посетен от художници от Фландрия и други региони, които знаеха за фламандските експерименти с маслени бои. Това стимулира ранното използване на петролна технология в италианския град. Венецианците се научили да рисуват върху плътно опънато платно, а не върху дървените панели, които обикновено се използват във Флоренция.

Джовани Белини (1430-1515) е най-великият венециански художник на 15 век. Той е и един от първите италиански художници, които използват масло върху платно. Джорджоне (1478-1151) и Тициан (1488-1515), който е най-известният от всички венециански художници, са били чираци в ателието на Белини.

Майстор на маслената живопис, Тициан рисува огромни платна в топли, богати цветове. В своите зрели картини той жертва детайлите, за да създаде зашеметяващи ефекти, като например в Мадоната от Пезаро. Той използва големи четки, за да прави големи щрихи. Неговите цветове са особено богати, защото той търпеливо създава глазури с контрастни цветове. Обикновено глазурите се нанасят върху кафява темперирана повърхност, което придава на картината равномерен тон.

Друг велик венециански художник от 16 век е Тинторето (1518-1594). За разлика от Тициан, той обикновено работи директно върху платно без предварителни скици или очертания. Той често изкривява формите си (изкривява ги) в името на композицията и драматизма на сюжета. Неговата техника, която включва широки мазки с четка и драматични контрасти на светло и тъмно, изглежда много модерна.

Художникът Кириакос Теотокопулос (1541-1614) е известен като Ел Греко („Гъркът“). Роден на остров Крит, който е окупиран от венецианската армия, Ел Греко е обучаван от италиански художници. Като млад заминава да учи във Венеция. Комбинираното влияние на византийското изкуство, което той вижда около себе си в Крит, и италианското ренесансово изкуство, прави работата на Ел Греко изключителна.

В картините си той изкривява естествените форми и използва още по-странни, по-неземни цветове от Тинторето, на когото се възхищава. По-късно Ел Греко се премества в Испания, където мракът на испанското изкуство оказва влияние върху творчеството му. В неговата драматична визия за Толедо, буря бушува над мъртвата тишина на града. Студените сини, зелени и синьо-бели нюанси разпръскват хлад над пейзажа.

Ренесанс във Фландрия и Германия

Златният век на живописта във Фландрия (сега част от Белгия и Северна Франция) е 15 век, времето на ван Ейк. През 16 век много фламандски художници имитират италиански ренесансови художници. Някои фламандци обаче продължават фламандската традиция на реализма. След това се разпространява жанровата живопис - сцени от ежедневието, понякога очарователни, а понякога фантастични. Йероним Бош (1450-1515), който предшества жанровите художници, има необичайно живо въображение. Той измисли всякакви странни, гротескни създания за The Temptation of St. Антъни." Питер Брьогел Стари (1525-1569) също работи във фламандската традиция, но добавя перспектива и други ренесансови характеристики към своите жанрови сцени.

Албрехт Дюрер (1471-1528), Ханс Холбайн Младши (1497-1543) и Лукас Кранах Стари (1472-1553) са трима от най-важните немски художници на 16 век. Те направиха много, за да смекчат мрачния реализъм на ранната немска живопис. Дюрер посещава Италия поне веднъж, където е впечатлен от картините на Джовани Белини и други северни италианци. Чрез този опит той внушава на немската живопис знания за перспективата, усет за цвят и светлина и ново разбиране за композицията. Холбайн поглъща още повече италиански постижения. Чувствителната му рисунка и умението да избира само най-важните детайли го превръщат в майстор портретист.

Барокова живопис

17 век е известен в изкуството като бароков период. В Италия художниците Караваджо (1571-1610) и Анибале Карачи (1560-1609) представляват две противоположни гледни точки. Караваджо (с истинско име Микеланджело Мериси) винаги е черпил вдъхновение директно от реалностите на живота. Една от основните му грижи беше да копира природата възможно най-близо, без да я прославя по никакъв начин. Карачи, от друга страна, следва ренесансовия идеал за красота. Изучава античната скулптура и произведенията на Микеланджело, Рафаело и Тициан. Стилът на Караваджо се възхищава на много художници, особено на испанеца Рибера и младия Веласкес. Карачи вдъхновява Никола Пусен (1594-1665), известен френски художник от 17 век.

Испания

Диего Веласкес (1599-1660), придворен художник на испанския крал Филип IV, е един от най-великите испански художници. Почитател на творчеството на Тициан, той беше майстор в използването на наситени, хармонични цветове. Никой художник не би могъл да създаде по-добре илюзията за богата тъкан или човешка кожа. Портретът на Проспър на малкия принц Филип показва това умение.

Фландрия

Картините на фламандския художник Питър Паул Рубенс (1577-1640) представляват въплъщение на пълноцветния бароков стил. Те бликат от енергия, цвят и светлина. Рубенс скъса с фламандската традиция да рисува малки картини. Неговите платна са огромни, изпълнени с човешки фигури. Получаваше повече поръчки за големи картини, отколкото можеше да поеме. Затова той често рисува само малка цветна скица. След това неговите помощници прехвърлят скицата върху голямо платно и завършват картината под ръководството на Рубенс.

Холандия

Постиженията на холандския художник Рембранд (1606-1669) са сред най-забележителните в историята. Имаше прекрасна дарба точно да улавя и предава човешките емоции. Подобно на Тициан, той работи дълго време, за да създаде многопластови картини. Земните цветове - жълта охра, кафяво и кафяво-червено - бяха любимите му. Картините му са направени предимно в тъмни цветове. Значението на тъмните многопластови части прави техниката му необичайна. Акцентът се предава чрез ярко осветление в относително светли зони.

Ян Вермеер (1632-1675) е един от групата холандски художници, които рисуват скромни сцени от ежедневието. Той беше майстор в рисуването на всякакви текстури - сатен, персийски килими, кори от хляб, метал. Цялостното впечатление от интериора на Vermeer е за слънчева, весела стая, изпълнена с емблематични предмети от бита.

Живопис от 18 век

През 18 век Венеция дава няколко изящни художници. Най-известният е Джовани Батиста Тиеполо (1696-1770). Той украсяваше интериора на дворци и други сгради с грандиозни, цветни фрески, изобразяващи сцени на богатство. Франческо Гуарди (1712-1793) беше много умел с четката и само с няколко цветни петна той можеше да създаде идеята за малка фигура в лодка. Невероятните гледки на Антонио Каналето (1697-1768) прославиха миналото величие на Венеция.

Франция: стил рококо

Във Франция вкусът към пастелните цветове и сложната украса води до развитието на стила рококо в началото на 18 век. Жан Антоан Вато (1684-1721), придворен художник на крал Луи XV, а по-късно Франсоа Буше (1703-1770) и Жан Оноре Фрагонар (1732-1806) са свързани с тенденциите в рококо. Вато пише мечтателни видения, живот, в който всичко е забавно. Стилът се основава на пикници в паркове и горски партита, където весели господа и елегантни дами се забавляват сред природата.

Други художници от 18-ти век изобразяват сцени от обикновения живот на средната класа. Подобно на холандския Вермеер, Жан Батист Симеон Шарден (1699-1779) оценява прости домашни теми и натюрморти. Цветовете му са трезви и спокойни в сравнение с Вато.

Англия

През 18 век британците за първи път развиват отделна школа по рисуване. Ядрото се състои главно от портретисти, повлияни от венецианските ренесансови художници. Сър Джошуа Рейнолдс (1723-1792) и Томас Гейнсбъро (1727-1788) са най-известните. Рейнолдс, който пътува до Италия, следва идеалите на ренесансовата живопис. Неговите портрети, макар и очарователни и вълнуващи, не са особено интересни като цвят или текстура. Гейнсбъроу, от друга страна, имаше талант за блясък. Повърхностите на картините му греят в сияйни цветове.

Живопис от 19 век

19-ти век понякога се разглежда като периодът, през който модерното изкуство започва да се оформя. Една от важните причини за така наречената революция в изкуството по това време е изобретяването на фотоапарата, което принуждава художниците да преосмислят предназначението на рисуването.

По-важно развитие беше широкото използване на готови бои. До 19-ти век повечето художници или техните помощници правели свои бои чрез смилане на пигмент. Ранните търговски бои са по-ниски от ръчните. Художниците в края на 19 век откриват, че тъмносините и кафявите нюанси на по-ранните картини избледняват до черно или сиво в рамките на няколко години. Те отново започнаха да използват чисти цветове, за да запазят работата си, а понякога и защото се опитваха да отразяват по-точно слънчевата светлина в уличните сцени.

Испания: Гоя

Франсиско Гоя (1746-1828) е първият велик испански художник, появил се от 17 век насам. Като любим художник на испанския двор, той прави много портрети на кралското семейство. Кралските персонажи са облечени в елегантни дрехи и фини бижута, но на някои от лицата им се отразяват само суета и алчност. В допълнение към портретите, Гоя рисува драматични сцени като Трети май 1808 г. Тази картина изобразява екзекуцията на група испански бунтовници от френски войници. Дръзки контрасти на светли и тъмни и мрачни цветове, изпъстрени с пръски червено, предизвикват мрачен ужас от спектакъла.

Въпреки че Франция е била велик център на изкуството през 1800 г., английските пейзажисти Джон Констабъл (1776-1837) и Джоузеф Малорд Уилям Търнър (1775-1851) имат ценен принос към живописта от 19-ти век. И двамата се интересуват от рисуването на светлина и въздух, два аспекта на природата, които художниците от 19-ти век изследват напълно. Полицаят използва метод, известен като разделяне или разбит цвят. Той използва контрастни цветове върху основния цвят на фона. Той често използва палитра, за да нанесе плътно цвят. Картината "Хей Уейн" го прави известен, след като е показана в Париж през 1824 г. Това е проста селска сцена на косене на сено. Облаци се носят над ливади, покрити с петна слънчева светлина. Картините на Търнър са по-драматични от тези на Констабъл, който рисува величествени природни забележителности – бури, морски пейзажи, пламтящи залези, високи планини. Често златна мъгла частично засенчва обектите в картините му, карайки ги да изглеждат сякаш се носят в безкрайно пространство.

Франция

Периодът на управлението на Наполеон и Френската революция бележи появата на две противоположни направления във френското изкуство - класицизъм и романтизъм. Жак Луи Давид (1748-1825) и Жан Огюст Доминик Енгр (1780-1867) са вдъхновени от древногръцкото и римско изкуство и Ренесанса. Те подчертаха детайлите и използваха цвят, за да създадат плътни форми. Като любим художник на революционното правителство, Дейвид често рисува исторически събития от периода. В своите портрети, като Мадам Рекамие, той се стреми да постигне класическа простота.

Теодор Герико (1791-1824) и романтикът Йожен Делакроа (1798-1863) се бунтуват срещу стила на Давид. За Делакроа цветът е най-важният елемент в живописта и той няма търпение да имитира класически статуи. Вместо това той се възхищавал на Рубен и венецианците. Той избира цветни, екзотични теми за своите картини, които искрят от светлина и са изпълнени с движение.

Художниците от Барбизон също са част от общото романтично движение, което продължава от около 1820 до 1850 г. Те работеха близо до село Барбизон в края на гората Фонтенбло. Те намират вдъхновение в природата и завършват картините в своите ателиета.

Други художници експериментират с ежедневни, обикновени предмети. Пейзажите на Жан Батист Камий Коро (1796-1875) отразяват любовта му към природата, а изследванията му върху човешкото тяло показват балансирано спокойствие. Гюстав Курбе (1819-1877) се нарича реалист, защото изобразява света такъв, какъвто го вижда - дори неговата сурова, неприятна страна. Той ограничи палитрата си само до няколко тъмни цвята. Едуард Мане (1832-1883) също взема основата на своите теми от околния свят. Хората бяха шокирани от неговите цветни контрасти и необичайни техники. Повърхностите на неговите картини често имат плоска, шарена текстура от мазки с четка. Методите на Мане за прилагане на ефектите на светлината върху формата оказват влияние върху младите художници, особено върху импресионистите.

Работейки през 1870-те и 1880-те години, група художници, известни като импресионистите, искаха да изобразят природата точно такава, каквато беше. Те отидоха много по-далеч от Констабъл, Търнър и Мане в изучаването на ефектите на светлината върху цвета. Някои от тях развиват научни теории за цвета. Клод Моне (1840-1926) често рисува една и съща гледка в различни часове на деня, за да покаже как се променя при различни условия на светлина. Каквато и да е темата, неговите картини са съставени от стотици малки щрихи, поставени един до друг, често в контрастни цветове. От разстояние щрихите се смесват, за да създадат впечатление за твърди форми. Пиер Огюст Реноар (1841-1919) използва импресионистични техники, за да улови празника на парижкия живот. В неговия Танц в Мулен дьо ла Галет хора в ярки цветни дрехи се тълпяха и танцуваха весело. Реноар рисува цялата картина с малки щрихи. Точките и щрихите на боята създават текстура върху повърхността на картината, която й придава различен вид. Тълпи от хора сякаш се разтварят в слънчева светлина и блестящи цветове.

Живопис от 20 век

Редица художници скоро станаха недоволни от импресионизма. Художници като Пол Сезан (1839-1906) смятат, че импресионизмът не описва солидността на формите в природата. Сезан обичаше да рисува натюрморти, защото те му позволяваха да се фокусира върху формата на плодове или други предмети и тяхното подреждане. Предметите на неговите натюрморти изглеждат солидни, защото ги е свел до прости геометрични форми. Неговата техника на поставяне на пръски боя и къси щрихи с наситени цветове един до друг показва, че той е научил много от импресионистите.

Винсент Ван Гог (1853-90) и Пол Гоген (1848-1903) отговарят на реализма на импресионистите. За разлика от импресионистите, които казват, че гледат на природата обективно, Ван Гог не се интересува много от точността. Той често изкривяваше предмети, за да изрази мислите си по-креативно. Той използва импресионистични принципи, за да постави контрастни цветове един до друг. Понякога той изстискваше боя от туби директно върху платното, както в „Жълто царевично поле“.

Гоген не се интересуваше от пъстрия цвят на импресионистите. Той нанася цвят плавно в големи плоски зони, които отделя една от друга с линии или тъмни ръбове. Колоритните тропически народи осигуряват голяма част от темата му.

Методът на Сезан за създаване на пространство с помощта на прости геометрични форми е разработен от Пабло Пикасо (1881-1973), Жорж Брак (1882-1963) и други. Техният стил става известен като кубизъм. Кубистите рисуваха предмети така, сякаш могат да се видят от няколко ъгъла едновременно или сякаш са били разглобени и сглобени отново върху плоско платно. Често обектите се оказваха различни от всичко съществуващо в природата. Понякога кубистите изрязват фигури от плат, картон, тапети или други материали и ги залепват върху платно, за да направят колаж. Текстурите също се променят чрез добавяне на пясък или други вещества към боята.

По-новите тенденции са да се поставя по-малко акцент върху темата. Композицията и техниката на изображението започнаха да получават по-голям акцент.

• Акрилна живопис: история, техника, предимства на акрила

Какво е рисуване?

Живописта е вид изобразително изкуство, чиито произведения се създават с помощта на бои, нанесени върху всякакви повърхности.
"Живописът не е просто някаква фантазия. Това е работа, работа, която трябва да се извършва съвестно, както прави всеки съвестен работник", твърди Реноар.

Живописта е невероятно чудо на превръщането на достъпни художествени материали в разнообразни видими образи на реалността. Да владееш изкуството на рисуването означава да можеш да изобразяваш реални обекти с всякаква форма, различен цвят и материал във всяко пространство.
Живописта, както всички други форми на изкуство, има специален художествен език, чрез който художникът отразява света. Но, изразявайки своето разбиране за света, художникът едновременно въплъщава в творбите си своите мисли и чувства, стремежи, естетически идеали, оценява явленията на живота, обяснявайки тяхната същност и значение по свой начин.
В произведения на изкуството от различни жанрове на изобразителното изкуство, създадени от художници, се използват рисунка, цвят, светлина и сянка, изразителност на щрихи, текстура и композиция. Това дава възможност да се възпроизведе в равнина цветното богатство на света, обемът на обектите, тяхната качествена материална оригиналност, пространствена дълбочина и светло-въздушна среда.
Светът на живописта е богат и сложен, неговите съкровища са натрупани от човечеството в продължение на много хилядолетия. Най-древните произведения на живописта са открити от учените по стените на пещери, в които са живели първобитните хора. Първите художници изобразяват ловни сцени и животински навици с удивителна точност и острота. Така възниква изкуството за рисуване върху стена, което има черти, характерни за монументалната живопис.
Има два основни вида монументална живопис – фрескова и мозаечна.
Фреската е техника за рисуване с бои, разредени с чиста или варовита вода върху прясна, влажна мазилка.
Мозайката е изображение, направено от частици камък, смалта, керамични плочки, еднородни или различни по материал, които са закрепени в слой почва - вар или цимент.
Фреската и мозайката са основните видове монументално изкуство, които поради своята издръжливост и устойчивост на цветовете се използват за украса на архитектурни обеми и равнини (стенни рисунки, абажури, пана).
Станковата живопис (картина) има самостоятелен характер и значение. Ширината и пълнотата на покритието на реалния живот се отразява в разнообразието от видове и жанрове, присъщи на стативната живопис: портрет, пейзаж, натюрморт, битови, исторически, бойни жанрове.
За разлика от монументалната живопис, стативната не е свързана с равнината на стената и може да се излага свободно.
Идейно-художественото значение на произведенията на стативното изкуство не се променя в зависимост от мястото, където се намират, въпреки че тяхното художествено звучене зависи от условията на експозиция.
В допълнение към горепосочените видове живопис има декоративна живопис - скици на театрални декори, декори и костюми за кино, както и миниатюри и иконопис.
За да създаде миниатюрно произведение на изкуството или монументално (например картина на стена), художникът трябва да познава не само конструктивната същност на предметите, техния обем, материалност, но и правилата и законите на изобразителното представяне на природата, хармонията на цвета и цвета.

При живописно изображение от природата е необходимо да се вземе предвид не само разнообразието от цветове, но и тяхното единство, обусловено от силата и цвета на източника на светлина. Никакво цветно петно ​​не трябва да се въвежда в изображението, без да го съпостави с цялостното състояние на цвета. Цветът на всеки обект, както на светлина, така и на сянка, трябва да бъде свързан с цветовата цялост. Ако цветовете на изображението не предават влиянието на цвета на осветлението, те няма да бъдат подчинени на една цветова схема. В такова изображение всеки цвят ще се откроява като нещо странно и чуждо на дадено състояние на осветеност; ще изглежда произволно и ще разруши целостта на цвета на изображението.
По този начин естественото цветово обединяване на боите чрез общия цвят на осветлението е основата за създаване на хармонична цветова структура на картината.
Цветът е едно от най-изразителните средства, използвани в живописта. Художникът предава на плоскостта колоритното богатство на това, което вижда, с помощта на цветовата форма той опознава и отразява света около себе си. В процеса на изобразяване на природата се развива чувство за цвят и многото му нюанси, което позволява използването на бои като основно изразително средство за рисуване.
Възприемането на цвета, а окото на художника е в състояние да различи повече от 200 от неговите нюанси, е може би едно от най-щастливите качества, с които природата е дарила човека.
Познавайки законите на контраста, художникът се ориентира в тези промени в цвета на изобразената природа, които в някои случаи трудно се улавят от окото. Възприемането на цвета зависи от средата, в която се намира обектът. Затова художникът, когато предава цвета на природата, сравнява цветовете помежду си, като гарантира, че те се възприемат във взаимовръзка или взаимни отношения.
„Вземане на съотношения светлина и сянка“ означава запазване на разликата между цветовете в светлота, наситеността и оттенъка според това как се среща в природата.
Контрастът (както в светлината, така и в цвета) е особено забележим по краищата на съседните цветни петна. Размиването на границите между контрастиращите цветове засилва ефекта на цветовия контраст, а яснотата на границите на петната го намалява. Познаването на тези закони разширява техническите възможности в рисуването, позволява на художника с помощта на контраста да увеличи интензивността на цвета на боите, да увеличи тяхната наситеност, да увеличи или намали тяхната лекота, което обогатява палитрата на художника. По този начин, без да използвате смеси, а само контрастиращи комбинации от топли и студени цветове, можете да постигнете специална колористична звучност на картината.