План на урока по изобразително изкуство на класицизма и рококо. Изобразително изкуство на класицизма и рококо Никола Пусен. себе си като верен ученик на Уат. Сам

Слайд 1

Слайд 2

Италианският художник и поет Агостино Крачи (1557-1602) призовава художниците да следват стриктно принципите на Античността и Ренесанса: Който се стреми и иска да стане добър художник, Нека се въоръжи с рисунката на Рим, Движението и светлотеницата на венецианците, И ломбардската сдържаност на цвета. Той ще вземе мощен маниер от Микеланджело, от Тициан - пренасянето на природата, чистотата и величието на стила на Кореджи и строгата уравновесеност на Рафаело...

Слайд 3

Никола Пусен - художник на класицизма Творчеството на френския художник Никола Пусен (1594-1665) се смята за връх на класицизма в живописта. Той вижда своя идеал за красота в пропорционалността на частите на цялото, във външната подреденост, хармония и яснота на формите. Според художника основен критерий за художествена истина и красота са разумът и мисълта. Ето защо той призовава да се твори „както учат природата и разумът“. При избора на теми Пусен се ръководи от героични дела и дела, които се основават на високи граждански мотиви, а не на долни човешки страсти. Никола Пусен. Автопортрет. 1650 Лувър, Париж.

Слайд 4

Пусен. Пейзаж с Диоген. Пусен посвещава творчеството си на възхвалата на героичния човек, способен да опознае и преобрази природата със силата на мощен ум. Неговите герои са хора с високи морални качества. Те често попадат в драматични ситуации, които изискват особено хладнокръвие, величие на духа и характера.

Слайд 5

Аполон и Дафне Пусен. Аполон и Дафне В сюжетите Пусен търси само онези, в които има действие, движение и израз. Той започва работа върху картината с внимателно проучване на литературния източник („Метаморфози“ на Овидий или Светото писание). При постигане на поставените цели, художникът се замисля не върху сложния вътрешен живот на героите, а върху кулминацията на действието. Обичайната сюжетна формула на Пусен беше: „Зарът е хвърлен, решението е взето, изборът е направен“.

Слайд 6

Пусен. Давид Победоносец. Композиционната система на картините на Пусен е изградена на два принципа: баланс на формите (изграждане на фигури около центъра) и свободното им съотношение (отдалечаване от центъра). Взаимодействието на тези два принципа позволи да се постигне изключително впечатление за подреденост, свобода и подвижност на композицията. „Хармонията“ на картината на всеки художник винаги може да бъде „проверена с алгебра“. Всеки модел в картината не е изобретение на неговия автор, той винаги отразява логиката и модела на развитие на природата на Вселената.

Слайд 7

Никола Пусен. Аркадски овчари. 1638-1639 Лувър, Париж. Никола Пусен е автор на множество картини на митологични, исторически, религиозни и пейзажни теми. Картината "Аркадски пастири" е един от върховете в творчеството на художника, плод на неуморните му търсения. Трима младежи и една млада жена се спряха на каменна надгробна плоча. Съдейки по дрехите и тоягите, това са овчари. Един от тях падна на коляно, той внимателно разглежда надписа на надгробната плоча. Младежът и момичето отляво замръзнаха, потънали в мълчалив размисъл за крехкостта на човешкия живот.

Слайд 8

Нарцис и Ехо Никола Пусен. Нарцис и Ехо. Цветът е от голямо значение в художествената система на Пусен. Нанасяше бои от тъмно към светло. Небето и сенките на фона бяха направени толкова фино, че зърнестата текстура на платното прозираше. Той предпочита ултрамарин, меден лазур, жълта и червена охра, зелено и цинобър пред много цветове.

Слайд 9

Николо Пусен. Изнасилването на сабинянките Повечето от картините, създадени от Пусен на митологични теми, принадлежат към шедьоврите на световното изкуство („Събиране на манна в пустинята“, „Поклонение на златния телец“, „Моисей, изливащ вода от скалата“, „Съдът на Соломон“, „Слизането от кръста“).

Слайд 10

Слайд 11

Слайд 12

Слайд 13

Слайд 14

Слайд 15

Скулптурни шедьоври на класицизма. Един от забележителните скулптори на класицизма е Антонио Канова (1757-1822). Първите произведения на младия италиански скулптор, изобразяващи герои от древногръцката митология, прославят името му. Статуите „Орфей“, „Евридика“, „Персей“, „Дедал и Икар“, „Тезей, победителят на Минотавъра“, „Купидон и Психея“ удивиха съвременниците, които отбелязаха, че в статуите пулсира самият живот.

Слайд 16

Скулптурната група „Трите грации” се отличава с перфектната хармония на пропорциите, красотата на линиите и най-фината обработка на мраморната повърхност. Съвременниците на Канова я смятат за най-висшето въплъщение на новия идеал за красота. Известно е, че в гръцката митология Трите грации олицетворяват красотата и женското очарование на младостта. Фигурите на грациите са подредени в полукръг. Преплитането на ръце обединява композиционно скулптурната група. Един от неговите съвременници пише: „Цялата група олицетворява любовта; трудно е да се намери друг, по-фин израз за нея в други произведения на западноевропейското изкуство. Антонио Канова. Три грации. 1816 Държавен Ермитаж, Санкт Петербург.

Слайд 17

Слайд 18

Слайд 19

Слайд 20

Слайд 21

Антонио Канова.. Портрет на Полин Боргезе като Венера. Мрамор. 1805-1807. Галерия Боргезе. Рим.

Слайд 22

Слайд 23

Скулптурна група на Антонио Канова "Дедал и Икар". 1777-1779. Музей Карер. Венеция.

Слайд 24

Слайд 25

Бертел Торвалдсен. Художественият идеал на датския скулптор Бертел Торвалдсен (1768-1844) също се превръща в шедьоври на античната скулптура. Повечето от творбите си той посвещава на митологични сюжети и образи. Най-добрите сред тях са „Язон със златното руно“, „Ганимед и орелът на Зевс“ и „Меркурий“

Слайд 26

Образът на идеалната хармония и красота е заловен в статуята на принцеса М. Ф. Барятинская, съпругата на известния руски дипломат. Приживе тя се славеше с острия си ум и ослепителна красота, доброта и женствен чар. Тук тя е представена в образа на древна богиня в изящно развяващи се дрехи, през които лесно може да се види нейната чудесна пропорционална фигура. Овалът на лицето й, нейната замислена, достолепна поза, главата й, леко наклонена надясно, са идеално красиви. С лявата си ръка тя внимателно държи лек шал, дясната й ръка е кокетно вдигната към брадичката. Този жест връща „древната богиня“ в реалния живот, превръщайки я в напълно земна жена. Бертел Торвалдсен. Принцеса М. Ф. Барятинская. 1818 Музей Торвалдсен, Копенхаген.

Слайд 27

Бертел Торвалдсен. Язон със златното руно. 1803-1828, Музей Торвалдсен, Копенхаген.

Слайд 28

Бертел Торвалдсен. Ганимед и орелът. 1818-1829, Художествен институт, Минеаполис.

Изобразително изкуство на класицизма и рококо

Никола Пусен - художник класицист

Френската академия провъзгласява творчеството на художника за връх на класицизма в живописта. Никола Пусен(1594-1665). Приживе той е наричан „най-изкусният и опитен от съвременните майстори на четката“, а след смъртта си е обявен за „фар на френската живопис“.

Като ярък изразител на идеите на класицизма, Пусен развива творчески метод, който се основава на собствената му представа за законите на красотата. Той вижда своя идеал в пропорционалността на частите на цялото, във външната подреденост, хармония и яснота на формите. Неговите картини се отличават с балансирана композиция, твърда, математически проверена система за организиране на пространството, прецизна рисунка и невероятно чувство за ритъм, основано на древното учение за музикални режими.

Според Пусен основните критерии за художествена истина и красота са разумът и мисълта. Това е, което той призовава да се създаде „както учат природата и разумът“. При избора на теми Пусен отдава предпочитание на героичните дела и делата, които се основават на високи граждански мотиви, а не на низменни човешки страсти.

Основният предмет на изкуството, според художника, е това, което е свързано с идеята за възвишеното и красивото, което може да служи като модел за подражание и средство за култивиране на най-добрите морални качества в човека. Пусен посвещава творчеството си на възхвалата на героичния човек, способен да опознае и преобрази природата със силата на мощен ум. Любимите му герои са силни, волеви хора с високи морални качества. Те често попадат в драматични ситуации, които изискват особено самообладание, величие на духа и сила на характера. Художникът е предал техните възвишени чувства чрез пози, мимики и жестове.

От историческите теми Пусен избира само тези, в които има действие, движение и израз. Започва работа върху картината с внимателно проучване на литературния източник (Свещеното писание, „Метаморфозите“ на Овидий или „Освободеният Йерусалим“ на Т. Тасо). При постигане на поставените цели, художникът се замисля не върху сложния вътрешен живот на героите, а върху кулминацията на действието. Психическата борба, съмненията и разочарованията останаха на заден план. Обичайната сюжетна формула на Пусен беше: „Зарът е хвърлен, решението е взето, изборът е направен“ (Ю. К. Золотов).

Идеите на класицизма, според него, трябва да бъдат отразени в композицията на картината. Той контрастира на импровизацията с внимателно обмислено подреждане на отделни фигури и основни групи.

Визуалното пространство трябва да е лесно видимо, плановете трябва ясно да следват един друг. За самото действие трябва да се разпредели само малка област на заден план. В повечето картини на Пусен пресечната точка на диагоналите на картината се оказва нейният най-важен семантичен център.

Композиционната система на картините на Пусен е изградена на два принципа: баланс на формите (изграждане на групи около центъра) и свободното им съотношение (отдалечаване от центъра). Взаимодействието на тези два принципа позволи да се постигне изключително впечатление за подреденост, свобода и подвижност на композицията.

Цветът е от голямо значение в художествената система на Пусен. Взаимовръзката на основните цветни звуци е постигната благодарение на система от рефлекси: интензивен цвят в центъра на композицията обикновено е придружен от тъмни неутрални цветове.

Никола Пусен е автор на множество картини на митологични, исторически, религиозни теми, както и на пейзажи. В тях почти винаги можете да откриете изпипани мизансцени, изпълнени с мисъл и драматизъм. Обръщайки се към далечното минало, той не преразказва, а творчески пресъздава и интерпретира добре познати сюжети.

Картина на Н. Пусен "Аркадски овчарки"- един от върховете на творчеството на художника, където идеите на класицизма намериха пълно и ярко въплъщение. В него се усеща желанието на автора за скулптурна яснота на формите, пластична завършеност и точност на рисунката, яснота и баланс на геометричната композиция, използвайки принципа на златното сечение. Строгостта на пропорциите, гладкият, ясен линеен ритъм перфектно предава строгостта и възвишеността на идеите и героите.

Картината се основава на дълбока философска мисъл за крехкостта на земното съществуване и неизбежността на смъртта. Четирима овчари, жители на щастлива Аркадия (регион в южната част на Гърция, който е символ на вечен просперитет, спокоен живот без войни, болести и страдания), случайно намират гробница сред храстите с надпис: „Бях в Аркадия. Но сега аз не съм между живите, както няма да бъдете и вие, които сега четете този надпис. Смисълът на тези думи ги кара да се замислят... Един от овчарите смирено наведе глава, подпрял ръка на надгробния камък. Вторият, коленичил, прокарва пръст по буквите, опитвайки се да разчете полуизтрития надпис.

Третият, без да вдига ръка от тъжните думи, вдига въпросителен поглед към спътника си. Жената, стояща вдясно, също гледа спокойно надписа. Тя сложи ръка на рамото му, сякаш се опитваше да му помогне да се примири с идеята за неизбежния си край. Така фигурата на жената се възприема като средоточие на духовния мир, онзи философски баланс, към който авторът води зрителя.

Пусен ясно се стреми да създаде обобщени образи, близки до каноните на античната красота: те са наистина физически съвършени, млади и пълни със сила. Фигурите, в много отношения напомнящи за антични статуи, са балансирани в пространството. В своето писане художникът използва изразителен chiaroscuro.

Дълбоката философска идея, заложена в картината, е изразена в кристално ясна и класически строга форма. Както в римски релеф, основното действие се развива в сравнително плитка зона на преден план. Композицията на картината е изключително проста и логична: всичко е изградено върху внимателно обмислен ритъм от балансирани движения и е подчинено на най-простите геометрични форми, постигнати благодарение на точността на математическите изчисления. Персонажите са групирани почти симетрично в близост до надгробната плоча, свързани чрез движението на ръцете и усещането за продължаваща пауза. Авторът успява да създаде образ на един идеален и хармоничен свят, организиран според най-висшите закони на разума.

Цветовата система на картините на Пусен обикновено се основава на убеждението на автора, че цветът е най-важното средство за създаване на обем и дълбочина на пространството. Разделянето на равнини обикновено се подчертава от съзвучието на силни цветове. На преден план обикновено преобладават жълти и кафяви цветове, на втория - топъл, зелен, на третия - студен, особено син. В тази картина всичко е подчинено на законите на класическата красота: цветовият сблъсък на студеното небе с топлия преден план и красотата на голото човешко тяло, предадена при равномерно разсеяно осветление, се възприемат особено впечатляващо и възвишено на фона. от тучната зелена зеленина на спокойния пейзаж.

Като цяло картината беше пропита с усещане за скрита тъга, мир и идилично спокойствие. Стоическото примирение със съдбата, мъдрото, достойно приемане на смъртта направи класицизма на Пусен подобен на античния мироглед. Мисълта за смъртта не предизвикваше отчаяние, а се възприемаше като неизбежна проява на законите на съществуването.

Майстори на „галантния жанр“: живопис в стил рококо

Основните теми на рококовата живопис са изящният живот на придворната аристокрация, „галантните празненства“, идиличните картини на „овчарския“ живот на фона на девствената природа, света на сложните любовни отношения и гениални алегории. Човешкият живот е мигновен и мимолетен и затова трябва да уловим „щастливия момент“, да побързаме да живеем и чувстваме. „Духът на очарователни и ефирни малки неща“ (М. Кузмин) се превръща в лайтмотив на творчеството на много художници от „кралския стил“.

За повечето рококо художници Венера, Диана, нимфите и купидоните засенчват всички други божества. Всички видове „къпане“, „сутрешни тоалетни“ и незабавни удоволствия вече са почти основната тема на изображението. Екзотичните имена на цветове са на мода: „цветът на бедрото на уплашена нимфа“ (плът), „цветът на роза, плаваща в мляко“ (бледо розово), „цветът на изгубеното време“ (синьо). Ясно обмислени, хармонични композиции на класицизма отстъпват място на елегантни и изискани дизайни.

Антоан Вато(1684-1721) е наричан от съвременниците си „поетът на безгрижното свободно време“, „певецът на изяществото и красотата“. В творбите си той е запечатал пикници във вечнозелени паркове, музикални и театрални концерти в скута на природата, страстни изповеди и кавги на влюбени, идилични срещи, балове и маскаради. В същото време неговите картини съдържат болезнена тъга, усещане за преходността на красотата и ефимерността на случващото се.

Една от известните картини на художника - „Поклонение до остров Китера“, благодарение на което е приет в Кралската академия по живопис и скулптура и получава титлата „майстор на галантни празненства“. Мили дами и галантни господа се събраха на обсипания с цветя бряг на морския залив. Те отплавали до остров Китера - островът на богинята на любовта и красотата Венера (отъждествявана с гръцката богиня на любовта Афродита), където според легендата тя изплувала от морската пяна. Фестивалът на любовта започва при статуя на Венера и купидони, единият от които се протяга, за да постави лавров венец върху най-красивата от богините. В подножието на статуята са подредени оръжия, доспехи, лира и книги – символи на войната, изкуствата и науките. Е, любовта наистина може да победи всичко!

Действието се развива като филм, разказващ последователно за походката на всяка от влюбените двойки. В отношенията между героите цари езикът на намеците: изведнъж

погледи, подканящ жест на ветрило в ръцете на момичето, прекъсната реч по средата на изречението... Във всичко се усеща хармонията на човека и природата. Но вече е вечер, златният залез оцветява небето. Празникът на любовта отминава, изпълвайки с тъга безгрижното забавление на влюбените двойки. Съвсем скоро те ще се върнат на своя кораб, който ще ги отведе от нереалния свят в света на ежедневната реалност. Един прекрасен ветроход - корабът на любовта - е готов да отплава. Топли, меки бои, приглушени цветове, леки движения на четката, които едва докосват платното - всичко това създава специална атмосфера на чар и любов.

И отново обичам земята, защото

Защо лъчите на залеза са толкова тържествени,

Какво с лека четка Антоан Вато

Докосна сърцето ми веднъж.

Г. Иванов

Картината на Вато принадлежи към истинските шедьоври "Жил" (Пиеро), създаден като знак за изявите на пътуващи комедианти. Жил е главният и любим герой на френската комедия на маските, подобно на Пиеро, героят на италианската комедия дел арте. Непохватното, наивно създание сякаш е специално създадено за постоянните подигравки и номера на умния и хитър Арлекин. Жил е изобразен в традиционен бял костюм с пелерина и кръгла шапка. Той стои неподвижен и изгубен пред зрителя, докато другите комедианти се настаняват да си починат. Изглежда, че търси събеседник, който да го изслуша и разбере. Има нещо трогателно и уязвимо в абсурдната поза на комика с отпуснати ръце и прикован поглед. В уморения и тъжен вид на клоуна се крие мисълта за самотата на човек, принуден да забавлява и забавлява отегчена публика. Емоционалната откритост на героя го прави един от най-дълбоките и смислени образи в историята на световната живопис.

Художествено картината е изпълнена брилянтно. Изключителната простота на мотива и композицията тук е съчетана с прецизен дизайн и внимателно обмислени цветове. Призрачно бялата роба е нарисувана с внимателни и същевременно смели движения на четката. Блестящи бледосребристи, пепеляво-люлякови, сивкаво-охра тонове преливат и преливат, разпадайки се на стотици трептящи отблясъци. Всичко това създава невероятна атмосфера за възприемане на дълбокия философски смисъл на картината. Как да не се съгласим с твърдението на един от неговите съвременници: „Вато рисува не с бои, а с мед, разтопен кехлибар.“

Франсоа Буше(1703-1770) се смята за верен ученик на Вато. Някои го наричаха „художник на грациите“, „Анакреон на живописта“, „кралски художник“. Последният видя в него „художник лицемер“, „който има всичко, но не и истината“. Трети отбелязват скептично: „Ръката му събира рози там, където другите намират само тръни.“

Художникът рисува редица церемониални портрети на фаворитката на крал Луи XV, маркиза дьо Помпадур. Известно е, че тя е покровителствала Буше и многократно му е поръчвала картини на религиозни теми за селски резиденции и парижки имения. На снимката "Мадам дьо Помпадур"героинята е представена заобиколена от разпръснати цветя и луксозни предмети, напомнящи за нейните артистични вкусове и хобита. Тя се е излегнала царствено на фона на пищни, тържествени драперии. Книгата в ръката й е ясен намек за просветление и отдаденост на интелектуалните занимания. Маркиза дьо Помпадур щедро благодари на художника, като го назначава първо за директор на фабриката за гобелени, а след това за президент на Академията на изкуствата, давайки му титлата „първият художник на краля“.

Франсоа Буше повече от веднъж се обръщаше към изобразяването на фриволни сцени, главните герои на които бяха сладки, срамежливи овчарки или пълни голи красавици под формата на митологични Венери и Диани. Картините му са пълни с двусмислени намеци, пикантни детайли (повдигнатият подгъв на сатенена пола на овчарка, кокетно вдигнатият крак на къпещата се Диана, пръст, притиснат към устните й, красноречив, подканващ поглед, агнета, сгушени в краката на влюбени, целуващи се гълъби и др.). Е, художникът много добре познаваше модата и вкусовете на своята епоха!

В историята на световната живопис Франсоа Буше остава великолепен майстор на цвета и изящния дизайн. Гениално замислени композиции, необичайни ъгли на героите, богати цветови акценти, ярки отблясъци от прозрачни бои, нанесени с малки леки щрихи, плавни, плавни ритми – всичко това прави Ф. Буше ненадминат художник. Картините му се превръщат в декоративни пана, украсяват пищните интериори на антрета и всекидневните, призовават към света на щастието, любовта и красивите мечти.

През 18 век западноевропейското изкуство става може би основният обект на разгорещен дебат, точка на сблъсък между различни светогледи, отразяващи общата картина на смесица и разнообразие от форми на неговото съществуване. Съвременниците спорят за връзката между изкуството и природата, за ролята и предназначението на художника и зрителя, за връзката между истината и измислицата. Характерна черта на това време е безспорният факт не на постепенната промяна, а на едновременното съществуване на барок, класицизъм, рококо и сантиментализъм.

Как класицизмът и идеалите на барока, толкова различни и в много отношения дори противоположни по същество, „съжителстват“ в тази трудна ситуация?

Класицизмът беше първото ясно дефинирано направление в европейското изкуство, което създаде своя собствена естетическа програма, разработи строги правила на художественото творчество и собствена идеологическа ориентация (Ако в началото изкуството на класицизма беше неделимо от идеята за абсолютна монархия и беше въплъщение на почтеност, величие и ред, а по-късно, под формата на така наречения революционен класицизъм, родното място на който е Франция, той служи на противоречивите идеали на борбата срещу тиранията и отстояването на гражданските права на индивида. Но в последния етап от своето развитие класицизмът започва активно да изразява идеалите на Наполеоновата империя - не без причина той намира своето художествено продължение в стила ампир).

Бароковото изкуство, което беше описано достатъчно подробно в предишни публикации (ако някой се интересува, може да ги намери чрез съответния етикет), разчиташе повече на интуицията, отколкото на рационалните принципи и следователно не създаде никаква теория. Класицизмът изостави фундаменталната непоследователност на барока и отхвърли основния му девиз: „Който не нарушава правилата, не е поет“. Признавайки само хармония и ред, класицизмът „изправи“ странните форми на бароковото изкуство, престана да възприема духовния свят на човека като трагичен и прехвърли основния конфликт в сферата на отношенията между индивида и държавата.

Барокът, след като почти напълно изживя своята полезност и стигна до своя логичен завършек, отстъпи място на класицизма. Но истинският наследник на барока не беше класицизмът, а друг стил - рококо.

Рококо в изобразителното изкуство:
Жан Оноре Фрагонар "Щастливите възможности на една люлка" (1766)

През 20-те години на 18 век във Франция се развива нов стил в изкуството - рококо (от френския rocaille - мивка). Самото име разкри основната, характерна черта на този стил - пристрастието към изискани и сложни форми, причудливи линии, в много отношения напомнящи силуета на мида.

Черупката се превърна или в сложна къдрица с някакви странни процепи, или в декорация под формата на щит или полуразвит свитък, изобразяващ герб или емблема.

Във Франция интересът към стила рококо намаля до края на 1760-те години, но в страните от Централна Европа влиянието му беше забележимо до края на 18 век.

Изкуството на рококо се формира в ерата на духовната криза на абсолютистката власт във Франция. Отразявайки идеалите и чувствата на висшите слоеве на френското общество, той няма как да не бъде повлиян от аристократичните клиенти.

Основната цел на рококо изкуството абсолютно хедонистичен - доставят чувствено удоволствие. Изкуството трябваше да радва, докосва и забавлява, превръщайки живота в изтънчен маскарад и „градини на любовта“. Сложни любовни връзки, мимолетни хобита, смели, рисковани действия на герои, които предизвикват обществото, приключения и фантазии, галантни забавления и празници определят съдържанието на произведенията на изкуството.

Характеристики на рококо които могат да бъдат идентифицирани в произведения на изкуството от този стил, могат да бъдат разпознати, както следва:

1. Грациозност и лекота, сложност, декоративна изтънченост и импровизация, пасторализъм (овчарска идилия), жажда за екзотика.

2. Орнамент под формата на стилизирани миди и къдрици, арабески, цветни гирлянди, фигурки на купидон и др.
3. Комбинация от пастелни светли и нежни цветове с много бели детайли и златно.
4. Култът към красивата голота, датираща от древната традиция, изтънчена чувственост, еротика.
5. Култът към малките форми, интимността, миниатюрността (особено в скулптурата и архитектурата), любовта към малките неща и дрънкулките („очарователни дреболии“), които изпълват живота на галантен човек от „галантната епоха“.
6. Естетика на нюанси и намеци, интригуваща двойственост на образите, предадена с помощта на леки жестове, полузавъртания, едва забележими движения на лицето, полуусмивки, замъглени очи или мокър блясък в очите.

Стилът рококо достига най-голям разцвет в произведенията на декоративното и приложното изкуство във Франция (интериори на дворци и костюми на аристокрацията).

В Русия тя се проявява предимно в архитектурна украса - под формата на свитъци, щитове и сложни черупки - рокайл(декоративни орнаменти, имитиращи съчетанието на изящни миди и странни растения), както и маскарони(лети или резбовани маски под формата на човешко лице или глава на животно, поставени над прозорци, врати, арки, върху фонтани, вази и мебели).

Стилът рококо бързо излезе от мода.

Но влиянието му например върху импресионисти няма съмнение. А влиянието на рококо се проявява най-ясно в произведенията на художници и архитекти на стила.

Благодаря ви за вниманието.
Сергей Воробиев.