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Eccezionali scultori dell'antica Grecia presentano caratteristiche dell'antica scultura greca. Eccezionali scultori dell'antica Grecia Figure di dee greche

1.1 La scultura nell'antica Grecia. Prerequisiti per il suo sviluppo

Tra tutte le arti visive delle antiche civiltà, l'arte dell'antica Grecia, in particolare la sua scultura, occupa un posto molto speciale. Il corpo vivo, capace di qualsiasi lavoro muscolare, i Greci lo mettevano soprattutto. La mancanza di vestiti non ha scioccato nessuno. Tutto veniva trattato in modo troppo semplice per vergognarsi di qualcosa. E allo stesso tempo, ovviamente, la castità non ne ha perso.

1.2 Scultura della Grecia in epoca arcaica

Il periodo arcaico è il periodo della formazione dell'antica scultura greca. Il desiderio dello scultore di trasmettere la bellezza del corpo umano ideale, che si manifestò pienamente nelle opere di un'epoca successiva, è già comprensibile, ma era ancora troppo difficile per l'artista allontanarsi dalla forma di un blocco di pietra , e le cifre di questo periodo sono sempre statiche.

I primi monumenti dell'antica scultura greca dell'era arcaica sono determinati dallo stile geometrico (VIII secolo). Queste sono figurine schematiche trovate ad Atene, Olimpia , in Beozia. L'era arcaica della scultura greca antica cade tra il VII e il VI secolo. (primo arcaico - circa 650 - 580 a.C.; alto - 580 - 530; tardi - 530 - 500/480). L'inizio della scultura monumentale in Grecia risale alla metà del VII secolo. AVANTI CRISTO e. ed è caratterizzato da orientalizzante stili, di cui il più importante era il Daedaliano, associato al nome dello scultore semi-mitico Daedalus . Il circolo della scultura "Dedalian" comprende una statua di Artemide di Delos e una statua femminile di opera cretese, conservata al Louvre ("Lady of Oxer"). La metà del VII secolo AVANTI CRISTO e. datato e il primo kuros . Allo stesso periodo risale la prima decorazione scultorea del tempio. - rilievi e statue provenienti da Prinia a Creta. In futuro, la decorazione scultorea riempirà i campi assegnati nel tempio con il suo stesso design: i frontoni e metope V Tempio dorico, fregio continuo (zoforo) - in ionico. Le prime composizioni di frontoni nella scultura greca antica provengono dall'acropoli ateniese. e dal Tempio di Artemide sull'isola di Kerkyra (Corfù). Le lapidi, le statue di dedica e di culto sono rappresentate nell'arcaico dal tipo di kouros e dalla corteccia . Rilievi arcaici adornano le basi di statue, frontoni e metope dei templi (in seguito la scultura rotonda sostituì i rilievi nei frontoni), stele tombali . Tra i famosi monumenti della scultura rotonda arcaica c'è la testa di Era, ritrovata vicino al suo tempio ad Olimpia, la statua di Cleobi e Beaton da Delfo, Moskhofor ("Toro") dall'acropoli ateniese, Era di Samo , statue di Didyma, Nikka Archerma e altri.L'ultima statua mostra uno schema arcaico della cosiddetta "corsa in ginocchio", utilizzato per raffigurare una figura che vola o corre. Nella scultura arcaica vengono adottate numerose altre convenzioni, ad esempio il cosiddetto "sorriso arcaico" sui volti delle sculture arcaiche.

La scultura dell'era arcaica è dominata da statue di snelli giovani nudi e ragazze drappeggiate: kouros e corteccia. Né l'infanzia né la vecchiaia attirarono allora l'attenzione degli artisti, perché solo nella giovinezza matura le forze vitali sono nel loro massimo splendore ed equilibrio. La prima arte greca crea immagini di uomini e donne nella loro forma ideale. In quell'epoca, gli orizzonti spirituali si espandevano in modo straordinario, una persona, per così dire, si sentiva faccia a faccia con l'universo e voleva comprenderne l'armonia, il segreto della sua integrità. I dettagli sfuggivano, le idee sullo specifico "meccanismo" dell'universo erano le più fantastiche, ma il pathos dell'insieme, la coscienza dell'interconnessione universale - questo era ciò che costituiva la forza della filosofia, della poesia e dell'arte della Grecia arcaica *. Proprio come la filosofia, allora ancora vicina alla poesia, intuì astutamente i principi generali dello sviluppo e la poesia - l'essenza delle passioni umane, le belle arti crearono un'apparenza umana generalizzata. Diamo un'occhiata ai kouros o, come talvolta vengono chiamati, agli "Apollo arcaici". Non è così importante se l'artista intendesse davvero ritrarre Apollo, o un eroe, o un atleta: l'uomo è giovane, nudo, e la sua casta nudità non ha bisogno di timide coperture. Sta sempre dritto, il suo corpo è permeato di prontezza a muoversi. La costruzione del corpo è mostrata ed enfatizzata con la massima chiarezza; è subito chiaro che le gambe lunghe e muscolose possono piegarsi alle ginocchia e correre, i muscoli addominali possono irrigidirsi, il torace può gonfiarsi nella respirazione profonda. Il volto non esprime alcuna esperienza specifica o tratti caratteriali individuali, ma in esso sono nascoste le possibilità di varie esperienze. E il "sorriso" condizionale - angoli leggermente rialzati della bocca - è solo la possibilità di un sorriso, un accenno alla gioia di essere inerente a questo, come se una persona appena creata.

Le statue di Kouros furono realizzate principalmente nelle zone dove dominava lo stile dorico, cioè sul territorio della Grecia continentale; statue femminili - kora - principalmente nell'Asia Minore e nelle città insulari, centri dello stile ionico. Bellissime figure femminili furono rinvenute durante gli scavi dell'arcaica Acropoli ateniese, costruita nel VI secolo a.C. e., quando Pisistrato regnava lì, e distrutto durante la guerra con i Persiani. Per venticinque secoli croste di marmo furono sepolte tra i "rifiuti persiani"; infine furono portati fuori di lì, mezzi rotti, ma non avendo perso il loro straordinario fascino. Forse alcuni di essi furono eseguiti da maestri ionici invitati da Pisistrato ad Atene; la loro arte influenzò la scultura attica, che ora combina le caratteristiche dell'austerità dorica con la grazia ionica. Nella corteccia dell'acropoli ateniese l'ideale della femminilità si esprime nella sua purezza incontaminata. Il sorriso è luminoso, lo sguardo fiducioso e, per così dire, gioiosamente stupito dallo spettacolo del mondo, la figura è castamente avvolta da un peplo - un velo, o una veste leggera - un chitone (in epoca arcaica, femminile le figure, a differenza delle figure maschili, non erano ancora raffigurate nude), i capelli scendevano sulle spalle con ciocche ricci. Queste kora stavano su piedistalli davanti al tempio di Atena, tenendo in mano una mela o un fiore.

Le sculture arcaiche (così come quelle classiche, tra l'altro) non erano così uniformemente bianche come le immaginiamo ora. Molti hanno tracce di vernice. I capelli delle ragazze di marmo erano dorati, le loro guance rosa, i loro occhi azzurri. Sullo sfondo del cielo senza nuvole dell'Hellas, tutto ciò avrebbe dovuto apparire molto festoso, ma allo stesso tempo rigoroso, grazie alla chiarezza, compostezza e costruttività di forme e sagome. Non c'era eccessiva appariscenza e variegatura. La ricerca dei fondamenti razionali della bellezza, dell'armonia basata sulla misura e sul numero, è un momento molto importante nell'estetica dei Greci. I filosofi pitagorici cercavano di cogliere i rapporti numerici naturali nelle consonanze musicali e nella disposizione dei corpi celesti, credendo che l'armonia musicale corrisponda alla natura delle cose, all'ordine cosmico, "all'armonia delle sfere". Gli artisti cercavano proporzioni matematicamente corrette del corpo umano e del "corpo" dell'architettura, in questo l'arte greca primitiva è fondamentalmente diversa dall'arte cretese-micenea, che è estranea a qualsiasi matematica.

Scena di genere molto vivace: Così, nell'era arcaica, furono gettate le basi dell'antica scultura greca, le direzioni e le opzioni per il suo sviluppo. Già allora gli obiettivi principali della scultura, gli ideali estetici e le aspirazioni degli antichi greci erano chiari. Nei periodi successivi avviene lo sviluppo e il miglioramento di questi ideali e dell'abilità degli antichi scultori.

1.3 Scultura greca classica

Il periodo classico della scultura greca antica cade tra il V e il IV secolo a.C. (primo classico o "stile rigoroso" - 500/490 - 460/450 a.C.; alto - 450 - 430/420 a.C.; "stile ricco" - 420 - 400/390 a.C., tardo classico - 400/390 - OK. 320 d.C AVANTI CRISTO e.). A cavallo tra due epoche - arcaica e classica - c'è una decorazione scultorea del tempio di Atena Aphaia sull'isola di Egina . Le sculture del frontone occidentale risalgono all'epoca della fondazione del tempio (510 - 500 anni AVANTI CRISTO a.C.), sculture della seconda orientale, in sostituzione delle precedenti, - all'epoca classica (490-480 a.C.). Il monumento centrale della scultura greca antica dei primi classici sono i frontoni e le metope del Tempio di Zeus ad Olimpia (circa 468 - 456 AVANTI CRISTO e.). Un'altra opera significativa dei primi classici - il cosiddetto “Trono di Ludovisi”, decorato con rilievi. Di questo periodo provengono anche numerosi originali in bronzo: l'Auriga delfico, statua di Poseidone da Capo Artemisio, Bronzi di Riace . I più grandi scultori dei primi classici: Pitagora Regian, Calamis e Mirone . Giudichiamo il lavoro dei famosi scultori greci principalmente dalle testimonianze letterarie e dalle copie successive delle loro opere. Gli alti classici sono rappresentati dai nomi di Fidia e Policleto . Il suo periodo di massimo splendore a breve termine è associato ai lavori sull'acropoli ateniese, cioè alla decorazione scultorea del Partenone. (vennero i frontoni, le metope e lo zoforo, 447-432 a.C.). L'apice dell'antica scultura greca era, apparentemente, crisoelefantino statue di Atena Parthenos e Zeus Olympus di Fidia (entrambi non sono stati conservati). Lo "stile ricco" è caratteristico delle opere di Callimaco, Alkamen, Agoracrito e altri scultori del V secolo. AVANTI CRISTO e .. I suoi monumenti caratteristici sono i rilievi della balaustra del tempietto di Nike Apteros sull'acropoli ateniese (410 a.C. circa) e una serie di stele tombali, tra cui la più famosa è la stele di Gegeso . Le opere più importanti della scultura greca antica dei tardi classici sono la decorazione del tempio di Asclepio a Epidauro (circa 400 - 375 a.C.), il tempio di Atena Alei a Tegea (370 - 350 a.C. circa), il Tempio di Artemide a Efeso (355 - 330 a.C. circa) e il Mausoleo ad Alicarnasso (350 a.C. circa), alla decorazione scultorea alla quale lavorarono Skopas, Briaxides, Timoteo e Leohar . A quest'ultimo sono attribuite anche le statue dell'Apollo del Belvedere. e Diana di Versailles . Sono presenti anche numerosi originali in bronzo del IV secolo a.C. AVANTI CRISTO e. I più grandi scultori dei tardi classici sono Praxitel, Skopas e Lisippo, anticipando in gran parte la successiva era dell'ellenismo.

La scultura greca è parzialmente sopravvissuta in frammenti e frammenti. La maggior parte delle statue ci sono note da copie romane, che furono eseguite in molte, ma non trasmettevano la bellezza degli originali. I copisti romani li ruvidino e li seccarono e, trasformando i prodotti di bronzo in marmo, li sfigurarono con goffi oggetti di scena. Le grandi figure di Atena, Afrodite, Hermes, Satiro, che ora vediamo nelle sale dell'Ermitage, sono solo pallide rimaneggiazioni di capolavori greci. Li oltrepassi quasi con indifferenza e all'improvviso ti fermi davanti a qualche testa con il naso rotto, con un occhio danneggiato: questo è un originale greco! E da questo frammento si diffonde improvvisamente la straordinaria forza della vita; il marmo stesso è diverso rispetto alle statue romane: non bianco morto, ma giallastro, trasparente, luminoso (i Greci lo strofinavano ancora con la cera, che conferiva al marmo un tono caldo). Così dolci sono le transizioni fondenti del chiaroscuro, così nobile è il morbido modellamento del viso, che involontariamente ricorda le delizie dei poeti greci: queste sculture respirano davvero, sono davvero vive *. Nella scultura della prima metà del secolo, quando c'erano le guerre con i persiani, prevaleva uno stile coraggioso e rigoroso. Viene quindi creato un gruppo statuario di tirannicidi: un marito maturo e un giovane, in piedi fianco a fianco, fanno un movimento impulsivo in avanti, il più giovane alza la spada, il più vecchio la protegge con un mantello. Questo è un monumento a personaggi storici - Armodio e Aristogitone, che uccisero il tiranno ateniese Ipparco qualche decennio prima - il primo monumento politico nell'arte greca. Allo stesso tempo, esprime l'eroico spirito di resistenza e amore per la libertà che divampò nell'era delle guerre greco-persiane. "Non sono schiavi dei mortali, non sono soggetti a nessuno", dicono gli Ateniesi nella tragedia di Eschilo "Persiani". Battaglie, scaramucce, gesta di eroi... L'arte dei primi classici è piena di queste trame guerresche. Sui frontoni del tempio di Atena ad Egina - la lotta dei Greci con i Troiani. Sul frontone occidentale del tempio di Zeus ad Olimpia - la lotta dei Lapiti con i centauri, sulle metope - tutte e dodici le fatiche di Ercole. Un altro complesso di motivi preferito sono le gare di ginnastica; in quei tempi lontani, la forma fisica, la padronanza dei movimenti del corpo erano di importanza decisiva per l'esito delle battaglie, quindi i giochi atletici erano lontani dal semplice intrattenimento. I temi dei combattimenti corpo a corpo, delle gare equestri, delle gare di corsa, del lancio del disco hanno insegnato agli scultori a rappresentare il corpo umano in dinamica. La rigidità arcaica delle figure è stata superata. Adesso agiscono, si muovono; compaiono pose complesse, angoli audaci e gesti ampi. L'innovatore più brillante fu lo scultore attico Myron. Il compito principale di Miron era esprimere il movimento nel modo più completo e forte possibile. Il metallo non consente un lavoro così preciso e raffinato come il marmo, e forse è per questo che si è dedicato alla ricerca del ritmo del movimento. L'equilibrio, il maestoso "ethos", è preservato nella scultura classica dallo stile rigoroso. Il movimento delle figure non è né caotico, né eccessivamente eccitato, né troppo rapido. Anche nei motivi dinamici di una rissa, corsa, caduta, la sensazione di "calma olimpica", completezza plastica integrale, autoisolamento non si perde.

Atena, da lui realizzata per ordine di Platea e che costò molto caro a questa città, rafforzò la fama del giovane scultore. Gli fu commissionata una statua colossale della protettrice Atena per l'Acropoli. Raggiungeva i 60 piedi di altezza e superava tutti gli edifici vicini; da lontano, dal mare, splendeva come una stella d'oro e regnava su tutta la città. Non era acrolitico (composito), come Plateano, ma tutto fuso in bronzo. Un'altra statua dell'Acropoli, Atena Vergine, realizzata per il Partenone, era realizzata in oro e avorio. Atena era raffigurata in abito da battaglia, con un elmo d'oro con una sfinge in altorilievo e avvoltoi sui lati. In una mano teneva una lancia, nell'altra una figura di vittoria. Ai suoi piedi c'era un serpente, il guardiano dell'Acropoli. Questa statua è considerata la migliore garanzia di Fidia dopo il suo Zeus. È servito come originale per innumerevoli copie. Ma l'apice della perfezione di tutte le opere di Fidia è considerato il suo Zeus Olimpio. Fu l'opera più grande della sua vita: furono gli stessi Greci a donargli la palma. Ha fatto un'impressione irresistibile sui suoi contemporanei.

Zeus era raffigurato su un trono. In una mano teneva uno scettro, nell'altra l'immagine della vittoria. Il corpo era d'avorio, i capelli erano dorati, il mantello era dorato, smaltato. La composizione del trono comprendeva ebano, osso e pietre preziose. Le pareti tra le gambe furono dipinte dal cugino di Fidia, Panen; i piedi del trono erano una meraviglia di scultura. L'ammirazione dei Greci per la bellezza e la sapiente struttura del corpo vivente era così grande che esteticamente lo pensavano solo nella completezza e completezza statuaria, permettendo di apprezzare la maestosità della postura, l'armonia dei movimenti del corpo. Tuttavia, l'espressività non era tanto nelle espressioni facciali quanto nei movimenti del corpo. Guardando la moira misteriosamente serena del Partenone, la veloce e vivace Nika che si slaccia il sandalo, quasi dimentichiamo che le loro teste sono state staccate: la plasticità delle loro figure è così eloquente.

In effetti, i corpi delle statue greche sono insolitamente ispirati. Lo scultore francese Rodin disse di uno di loro: "Questo torso giovanile senza testa sorride alla luce e alla primavera con più gioia di quanto potrebbero fare occhi e labbra". Movimenti e posture sono nella maggior parte dei casi semplici, naturali e non necessariamente associati a qualcosa di sublime. Le teste delle statue greche, di regola, sono impersonali, cioè sono poco individualizzate, ridotte a poche variazioni del tipo generale, ma questo tipo generale ha un'elevata capacità spirituale. Nel tipo di volto greco trionfa l'idea dell'“umano” nella sua versione ideale. Il viso è diviso in tre parti di uguale lunghezza: fronte, naso e parte inferiore. Ovale corretto e gentile. La linea retta del naso continua la linea della fronte e forma una perpendicolare alla linea tracciata dall'inizio del naso all'apertura dell'orecchio (angolo facciale retto). Sezione oblunga degli occhi abbastanza profondi. Una bocca piccola, labbra carnose e sporgenti, il labbro superiore è più sottile di quello inferiore e ha una bella scollatura liscia come l'arco di Cupido. Il mento è grande e rotondo. I capelli ondulati si adattano dolcemente e strettamente alla testa, senza interferire con la forma arrotondata del cranio. Questa bellezza classica può sembrare monotona, ma, essendo un'espressiva "immagine naturale dello spirito", si presta a variazioni ed è in grado di incarnare vari tipi dell'ideale antico. Un po' più di energia nel magazzino delle labbra, nel mento sporgente: abbiamo davanti a noi una severa vergine Atena. C'è più morbidezza nei contorni delle guance, le labbra sono leggermente semiaperte, le orbite sono ombreggiate: abbiamo davanti a noi il volto sensuale di Afrodite. L'ovale del viso è più vicino al quadrato, il collo è più spesso, le labbra sono più grandi: questa è già l'immagine di un giovane atleta. E la base rimane lo stesso aspetto classico rigorosamente proporzionale.

Dopo la guerra.... La postura caratteristica della figura in piedi cambia. In epoca arcaica le statue si presentavano completamente dritte, frontalmente. Un classico maturo li rivitalizza e li anima con movimenti equilibrati e fluidi, mantenendo equilibrio e stabilità. E le statue di Prassitele - il Satiro riposante, Apollo Saurokton - si appoggiano con pigra grazia sui pilastri, senza di loro dovrebbero cadere. L'anca da un lato è fortemente arcuata e la spalla è abbassata in basso verso l'anca: Rodin paragona questa posizione del corpo a un'armonica, quando il mantice è compresso da un lato e allontanato dall'altro. Per l’equilibrio è necessario un supporto esterno. Questa è la posa del relax da sogno. Prassitele segue le tradizioni di Policleto, utilizza i motivi dei movimenti da lui trovati, ma li sviluppa in modo tale che in essi traspare già un diverso contenuto interiore. Anche la “Amazzone ferita” Polikletai si appoggia a una semicolonna, ma potrebbe stare senza di essa, il suo corpo forte ed energico, anche sofferente di una ferita, sta saldamente a terra. Apollo di Prassitele non viene colpito da una freccia, lui stesso mira a una lucertola che corre lungo un tronco d'albero: l'azione, a quanto pare, richiede una compostezza volitiva, tuttavia, il suo corpo è instabile, come uno stelo ondeggiante. E questo non è un dettaglio casuale, non un capriccio dello scultore, ma una sorta di nuovo canone in cui trova espressione la mutata visione del mondo. Tuttavia, non solo la natura dei movimenti e delle posture è cambiata nella scultura del IV secolo a.C. e. La cerchia degli argomenti preferiti di Prassitele diventa diversa, si allontana dalle trame eroiche nel "mondo luminoso di Afrodite ed Eros". Ha scolpito la famosa statua di Afrodite di Cnido. Prassitele e gli artisti della sua cerchia non amavano rappresentare i torsi muscolosi degli atleti, erano attratti dalla delicata bellezza del corpo femminile dai volumi morbidi e fluenti. Preferivano il tipo di gioventù, contraddistinto da "la prima giovinezza dalla bellezza effeminata". Prassitele era famoso per la particolare morbidezza della modellazione e l'abilità nella lavorazione della materia, la capacità di trasmettere nel freddo marmo il calore di un corpo vivo2.

L'unico originale sopravvissuto di Prassitele è la statua in marmo di Hermes con Dioniso, rinvenuta ad Olimpia. Hermes nudo, appoggiato al tronco di un albero, dove il suo mantello è stato gettato con noncuranza, tiene su un braccio piegato il piccolo Dioniso e nell'altro un grappolo d'uva, al quale arriva un bambino (la mano che tiene l'uva è perduta). Tutto il fascino della lavorazione pittorica del marmo è in questa statua, soprattutto nella testa di Hermes: le transizioni di luce e ombra, il più sottile “sfumato” (foschia), che, molti secoli dopo, Leonardo da Vinci raggiunse nella pittura. Tutte le altre opere del maestro sono conosciute solo da riferimenti ad autori antichi e copie successive. Ma lo spirito dell'arte di Prassitele aleggia nel IV secolo a.C. e., e soprattutto si può sentire non nelle copie romane, ma nella piccola plastica greca, nelle figurine di argilla di Tanagra. Venivano prodotti alla fine del secolo in grandi quantità, si trattava di una sorta di produzione di massa con centro principale a Tanagra. (Un'ottima collezione di questi è conservata all'Ermitage di Leningrado.) Alcune figurine riproducono le famose grandi statue, altre danno semplicemente varie variazioni libere della figura femminile drappeggiata. La grazia vivente di queste figure, sognanti, riflessive, giocose, è un'eco dell'arte di Prassitele.

1.4 Scultura della Grecia ellenistica

Il concetto stesso di "ellenismo" contiene un'indicazione indiretta della vittoria del principio ellenico. Anche nelle remote regioni del mondo ellenistico, in Battria e Partia (l'attuale Asia centrale), le forme d'arte antiche appaiono in modo peculiare. E l'Egitto è difficile da riconoscere, la sua nuova città di Alessandria è già un vero centro illuminato di cultura antica, dove fioriscono le scienze esatte, le discipline umanistiche e le scuole filosofiche, originate da Pitagora e Platone. L'Alessandria ellenistica diede al mondo il grande matematico e fisico Archimede, il geometra Euclide, Aristarco di Samo, che diciotto secoli prima di Copernico dimostrò che la Terra gira attorno al Sole. Gli armadietti della famosa Biblioteca di Alessandria, contrassegnati con lettere greche, dall'alfa all'omega, conservavano centinaia di migliaia di rotoli: "scritti che brillavano in tutte le aree della conoscenza". Lì sorgeva il grandioso faro di Pharos, classificato tra le sette meraviglie del mondo; Lì è stato creato il Museyon, il palazzo delle muse, il prototipo di tutti i futuri musei. Rispetto a questa ricca e opulenta città portuale, capitale dell’Egitto tolemaico, città della metropoli greca, anche Atene doveva apparire modesta. Ma queste piccole e modeste città erano le principali fonti dei tesori culturali che Alessandria conservava e venerava, quelle tradizioni che continuavano ad essere seguite. Se la scienza ellenistica doveva molto all'eredità dell'Antico Oriente, le arti plastiche conservavano un carattere prevalentemente greco.

I principali principi formativi provenivano dai classici greci, il contenuto divenne diverso. C’era una demarcazione decisiva tra vita pubblica e privata. Nelle monarchie ellenistiche si afferma il culto dell'unico sovrano, equiparato a una divinità, simile a come avveniva negli antichi dispotismo orientale. Ma la somiglianza è relativa: la “persona privata”, che le tempeste politiche non toccano o toccano solo leggermente, è lungi dall’essere così impersonale come negli antichi Stati orientali. Ha una vita propria: è un commerciante, è un imprenditore, è un funzionario, è uno scienziato. Inoltre, è spesso di origine greca - dopo le conquiste di Alessandro iniziò la migrazione di massa dei greci verso est - non è estraneo ai concetti di dignità umana, allevati dalla cultura greca. Lascialo allontanare dal potere e dagli affari di stato: il suo mondo privato isolato richiede e trova per sé un'espressione artistica, la cui base sono le tradizioni dei tardi classici greci, rielaborate nello spirito di maggiore intimità e genere. E nell'arte dello "stato", ufficiale, nei grandi edifici e monumenti pubblici, le stesse tradizioni vengono elaborate, al contrario, nella direzione della pomposità.

Sfarzo e intimità sono tratti opposti; L'arte ellenistica è piena di contrasti: gigantesco e in miniatura, cerimoniale e domestico, allegorico e naturale. Il mondo è diventato più complesso, le esigenze estetiche più diversificate. La tendenza principale è l'allontanamento da un tipo umano generalizzato verso la comprensione di una persona come essere concreto e individuale, e quindi la crescente attenzione alla sua psicologia, l'interesse per gli eventi e una nuova vigilanza verso i segni nazionali, di età, sociali e di altro tipo. di personalità. Ma poiché tutto ciò era espresso in un linguaggio ereditato dai classici, che non si poneva tali compiti, nelle opere innovative dell'era ellenistica si avverte un certo disorganismo, che non raggiunge l'integrità e l'armonia dei loro grandi precursori. La testa ritratto della statua eroica del Diadoco non si adatta al suo torso nudo, che ripete il tipo di un atleta classico. Il dramma del gruppo scultoreo a più figure "Toro Farnese" è contraddetto dalla rappresentatività "classica" delle figure, le loro pose e movimenti sono troppo belli e fluidi per essere creduti nella verità delle loro esperienze. In numerose sculture di parchi e camere, le tradizioni di Prassitele si riducono: Eros, "il dio grande e potente", si trasforma in un Cupido giocoso e giocoso; Apollo - nell'Apollono civettuolamente coccolato; rafforzare il genere non va a loro vantaggio. E le famose statue ellenistiche di vecchie donne che portano provviste, una vecchia ubriaca, un vecchio pescatore dal corpo flaccido mancano del potere di generalizzazione figurativa; l'arte padroneggia questi tipi, nuovi ad esso, esteriormente, senza penetrare nel profondo - dopo tutto, l'eredità classica non ha dato loro la chiave. La statua di Afrodite, tradizionalmente chiamata Venere di Milo, fu ritrovata nel 1820 sull'isola di Melos e divenne subito famosa in tutto il mondo come perfetta creazione dell'arte greca. Questa alta valutazione non è stata scossa da molti ritrovamenti successivi di originali greci: Afrodite di Milo occupa un posto speciale tra questi. Eseguito, a quanto pare, nel II secolo a.C. e. (dello scultore Agesandro o Alessandro, come dice l'iscrizione semicancellata sul piedistallo), ha poca somiglianza con le statue contemporanee raffiguranti la dea dell'amore. L'Afrodite ellenistica molto spesso ascendeva al tipo di Afrodite di Cnido Prassitele, rendendola sensualmente seducente, anche leggermente leziosa; tale, ad esempio, è la famosa Afrodite dei Medicea. Afrodite di Milo, solo seminuda, drappeggiata fino ai fianchi, è severa e sublimemente calma. Incarna non tanto l'ideale della bellezza femminile, ma l'ideale di una persona in senso generale e superiore. Lo scrittore russo Gleb Uspensky trovò una buona espressione: l'ideale di un “uomo etero”. La statua è ben conservata, ma le sue braccia sono spezzate. Sono state fatte molte speculazioni su cosa stessero facendo queste mani: la dea teneva in mano una mela? o uno specchio? o teneva il lembo della veste? Non è stata trovata una ricostruzione convincente, anzi, non ce n'è bisogno. La "senza mani" di Afrodite di Milo nel tempo è diventata, per così dire, il suo attributo, non interferisce minimamente con la sua bellezza e anzi esalta l'impressione della maestosità della figura. E poiché non è stata conservata una sola statua greca intatta, è in questo stato parzialmente danneggiato che Afrodite appare davanti a noi, come un “enigma di marmo”, concepito dall'antichità come simbolo della lontana Grecia.

Un altro notevole monumento dell'ellenismo (di quelli che sono giunti fino a noi, e quanti sono scomparsi!) È l'altare di Zeus a Pergamo. La scuola di Pergamo più di altre gravitava verso il pathos e il dramma, continuando le tradizioni di Scopas. I suoi artisti non sempre ricorrevano a soggetti mitologici, come facevano in epoca classica. Sulla piazza dell'acropoli di Pergamo si trovavano gruppi scultorei che perpetuavano un vero evento storico: la vittoria sui "barbari", le tribù galliche che assediavano il Regno di Pergamo. Pieni di espressione e dinamismo, questi gruppi si distinguono anche per il fatto che gli artisti rendono omaggio agli sconfitti, mostrandoli sia valorosi che sofferenti. Raffigurano un Gallo che uccide se stesso e sua moglie per evitare la prigionia e la schiavitù; raffigurano un Gallo ferito a morte, sdraiato a terra con la testa chinata. Dal suo volto e dalla sua figura risulta subito chiaro che è un “barbaro”, uno straniero, ma muore di morte eroica, e questo si vede. Nella loro arte i Greci non si abbassarono al punto di umiliare i loro avversari; questa caratteristica dell'umanesimo etico emerge con particolare chiarezza quando gli avversari - i Galli - sono rappresentati realisticamente. Dopo le campagne di Alessandro, in generale, molto è cambiato rispetto agli stranieri. Come scrive Plutarco, Alessandro si considerava il riconciliatore dell'universo, "facendo bere tutti... dalla stessa coppa dell'amicizia e mescolando insieme vite, morali, matrimoni e forme di vita". La morale e le forme di vita, così come le forme di religione, iniziarono davvero a mescolarsi nell'era dell'ellenismo, ma l'amicizia non regnò e la pace non arrivò, i conflitti e le guerre non si fermarono. Le guerre di Pergamo con i Galli sono solo uno degli episodi. Quando finalmente la vittoria sui Galli fu finalmente ottenuta, in suo onore fu eretto l'altare di Zeus, completato nel 180 a.C. e. Questa volta, la guerra a lungo termine con i "barbari" apparve come una gigantomachia: la lotta degli dei olimpici con i giganti. Secondo l'antico mito, i giganti - giganti che vivevano lontano a ovest, i figli di Gaia (Terra) e Urano (Cielo) - si ribellarono agli dei dell'Olimpo, ma furono sconfitti da loro dopo una feroce battaglia e sepolti sotto i vulcani, nelle profondità viscere della madre terra, da lì ricordano eruzioni vulcaniche e terremoti. Un grandioso fregio marmoreo, lungo circa 120 metri, realizzato con la tecnica dell'altorilievo, circondava la base dell'altare. I resti di questa struttura furono scavati negli anni '70 dell'Ottocento; grazie al minuzioso lavoro dei restauratori è stato possibile collegare migliaia di frammenti e ottenere un quadro abbastanza completo della composizione complessiva del fregio. Corpi potenti si accumulano, si intrecciano, come una palla di serpenti, i giganti sconfitti sono tormentati da leoni dalla criniera ispida, i cani scavano tra i denti, i cavalli calpestano, ma i giganti combattono ferocemente, il loro capo Porfirion non si ritira davanti al Tuono Zeus. La madre dei giganti, Gaia, implora pietà per i suoi figli, ma non viene ascoltata. La battaglia è terribile. C'è qualcosa che prefigura Michelangelo negli angoli tesi dei corpi, nella loro potenza titanica e nel loro tragico pathos. Sebbene le battaglie e le scaramucce siano state un tema frequente nei rilievi antichi fin dall'epoca arcaica, non sono mai state raffigurate allo stesso modo dell'altare di Pergamo - con un così tremendo senso di cataclisma, battaglie all'ultimo sangue, dove tutte le forze cosmiche , sono coinvolti tutti i demoni, terra e cielo. La struttura della composizione è cambiata, ha perso la sua chiarezza classica, è diventata vorticosa, confusa. Ricordiamo le figure di Scopas sul rilievo del Mausoleo di Alicarnasso. Essi, con tutto il loro dinamismo, si trovano sullo stesso piano spaziale, sono separati da intervalli ritmici, ogni figura ha una certa indipendenza, le masse e lo spazio sono in equilibrio. Il fregio di Pergamo è diverso: per coloro che combattono da vicino qui, la massa ha soppresso lo spazio e tutte le figure sono così intrecciate da formare un turbolento disordine di corpi. E i corpi sono ancora classicamente belli, "figure a volte radiose, a volte formidabili, viventi, morte, trionfanti, morenti", come ha detto di loro I. S. Turgenev *. Bellissimi gli olimpionici, belli i loro nemici. Ma l'armonia dello spirito oscilla. Volti distorti dalla sofferenza, ombre profonde nelle orbite degli occhi, capelli serpentini... Gli dei dell'Olimpo trionfano ancora sulle forze degli elementi sotterranei, ma questa vittoria non durerà a lungo: i principi elementali minacciano di far saltare in aria un mondo armonioso e armonioso. mondo. Così come l'arte dei greci arcaici non va valutata solo come prima anticipatrice dei classici, e L'arte ellenistica nel suo insieme non può essere considerata un'eco tardiva dei classici, sottovalutando il fondamentalmente nuovo che portava. Questa novità era associata all'espansione degli orizzonti dell'arte e al suo interesse curioso per la persona umana e le condizioni specifiche e reali della sua vita. Da qui, prima di tutto, lo sviluppo del ritratto, del ritratto individuale, che era quasi sconosciuto agli alti classici, e i tardi classici ne erano solo alla periferia. Gli artisti ellenistici, anche realizzando ritratti di persone che non erano vive da molto tempo, diedero loro un'interpretazione psicologica e cercarono di rivelare l'unicità dell'aspetto sia esterno che interno. Non contemporanei, ma discendenti ci hanno lasciato i volti di Socrate, Aristotele, Euripide, Demostene e persino del leggendario Omero, un ispirato narratore cieco. Il ritratto di un vecchio filosofo sconosciuto è sorprendente nel suo realismo ed espressione - apparentemente, un polemista appassionato e inconciliabile, il cui viso rugoso dai lineamenti taglienti non ha nulla a che fare con il tipo classico. In precedenza era considerato un ritratto di Seneca, ma il famoso stoico visse più tardi di quanto fu scolpito questo busto in bronzo.

Per la prima volta, un bambino con tutte le caratteristiche anatomiche dell'infanzia e con tutto il fascino insito in lui diventa oggetto di chirurgia plastica. Nell'era classica, i bambini piccoli venivano raffigurati, se non del tutto, come adulti in miniatura. Anche in Prassitele, nel gruppo Hermes con Dioniso, Dioniso ha poca somiglianza con un bambino nella sua anatomia e proporzioni. Sembra che solo adesso si siano accorti che il bambino è una creatura davvero speciale, vivace e furba, con le sue abitudini particolari; notato e talmente affascinato da lui che lo stesso dio dell'amore Eros cominciò ad essere rappresentato come un bambino, ponendo le basi per una tradizione che si è affermata nei secoli. I bambini ricci e paffuti di scultori ellenistici sono impegnati con tutti i tipi di trucchi: cavalcano un delfino, giocherellano con gli uccelli, persino strangolano i serpenti (questo è il piccolo Ercole). Particolarmente apprezzata era la statua di un ragazzo che combatte con un'oca. Tali statue venivano collocate nei parchi, decoravano le fontane, venivano collocate nei santuari di Asclepio, il dio della guarigione, e talvolta venivano usate per le lapidi.

Conclusione

Abbiamo esaminato la scultura dell'antica Grecia durante l'intero periodo del suo sviluppo. Abbiamo visto l'intero processo della sua formazione, fioritura e declino - l'intera transizione da forme arcaiche rigorose, statiche e idealizzate attraverso l'armonia equilibrata della scultura classica al drammatico psicologismo delle statue ellenistiche. La scultura dell'antica Grecia è stata giustamente considerata un modello, un ideale, un canone per molti secoli, e ora non smette di essere riconosciuta come un capolavoro dei classici mondiali. Niente di simile è stato ottenuto prima o dopo. Tutta la scultura moderna può essere considerata, in un modo o nell'altro, una continuazione delle tradizioni dell'antica Grecia. La scultura dell'antica Grecia nel suo sviluppo ha attraversato un percorso difficile, aprendo la strada allo sviluppo dell'arte plastica delle epoche successive in vari paesi. In un secondo momento, le tradizioni dell'antica scultura greca furono arricchite con nuovi sviluppi e conquiste, mentre gli antichi canoni servirono come base necessaria, base per lo sviluppo dell'arte plastica in tutte le epoche successive.

Ho trovato una curiosa ipotesi riguardante l'antico miracolo greco nel blog dello scultore Nigel Konstam: egli ritiene che le statue antiche fossero calchi di persone viventi, poiché altrimenti non si spiegherebbe un passaggio così rapido dalla fabbricazione di statue statiche di tipo egiziano statue all'arte perfettamente realistica di trasferire il movimento, che si verifica nell'intervallo dal 500 al 450 a.C.

Nigel conferma la sua ipotesi esaminando i piedi di statue antiche, confrontandoli con stampe in gesso e calchi in cera realizzati da modelli moderni in piedi in una determinata posa. La deformazione del materiale sui piedi conferma la sua ipotesi che i Greci non realizzassero statue, come prima, ma cominciassero invece ad utilizzare calchi di persone viventi.
Per la prima volta, Konstama ha appreso di questa ipotesi dal film "Atene. La verità sulla democrazia", ​​ha cercato materiale su Internet e l'ha trovato.

Nigel ha realizzato un video in cui spiega la sua ipotesi sui calchi antichi e può essere visualizzato qui http://youtu.be/7fe6PL7yTck in inglese.
Ma diamo prima un'occhiata alle statue stesse.

Un'antica statua di un kouros di epoca arcaica, circa 530 a.C. sembra costretto e teso, quindi non era ancora noto il contrapposto: la posizione libera della figura, quando l'equilibrio del riposo è creato da movimenti opposti l'uno all'altro.


Kouros, figura di giovane, inizi del V secolo a.C sembra un po' più dinamico.

Guerrieri di Riace, statue del secondo quarto del V secolo a.C 197 cm di altezza - il ritrovamento più raro di scultura greca originale del periodo classico, la maggior parte della quale ci è nota da copie romane. Nel 1972, l'ingegnere romano di snorkeling Stefano Mariottini li trovò sul fondo del mare al largo delle coste italiane.

Queste figure in bronzo non sono interamente fuse, le loro parti sono state fissate come un designer, il che consente di imparare molto di più sulla tecnica di creazione delle sculture di quel tempo. Le loro pupille sono fatte di pasta d'oro, le ciglia e i denti sono d'argento, le labbra e i capezzoli sono di rame e i loro occhi sono realizzati utilizzando tecniche di intarsio di ossa e vetro.
Cioè, in linea di principio, come hanno scoperto gli scienziati, alcune parti delle statue sono state modificate più volte da calchi di modelli viventi, anche se ingrandite e migliorate, avrebbero potuto benissimo esserlo.

Fu durante lo studio dei piedi dei Guerrieri di Riace deformati dalla gravità che lo scultore Konstam ebbe l'idea dei calchi, che potrebbero essere stati utilizzati da scultori antichi.

Guardando il film "Atene. La verità sulla democrazia", ​​ero interessato a come si sentiva la modella piuttosto soffice, da cui è stato rimosso lo stampo in gesso, perché molti di coloro che hanno dovuto indossare il cerotto si sono lamentati che era doloroso rimuoverlo, perché loro hanno dovuto strappargli i capelli.

Da un lato, ci sono fonti da cui è noto che nell'antica Grecia non solo le donne, ma anche gli atleti maschi si toglievano i peli del corpo.
D'altronde era la pelosità a distinguerli dalle donne. Non per niente nella commedia di Aristofane "Le donne nell'assemblea popolare" una delle eroine che decisero di togliere il potere agli uomini dice:
- E così per prima cosa ho lanciato un rasoio
Via, per diventare ruvido e irsuto,
Non assomigliare per niente ad una donna.

Si scopre che se i capelli degli uomini venivano rimossi, molto probabilmente quelli che erano coinvolti professionalmente nello sport, ed erano proprio questi modelli di cui avevano bisogno gli scultori.

Tuttavia, ho letto del gesso e ho scoperto che anche nell'antichità esistevano modi per combattere questo fenomeno: quando venivano realizzate maschere e calchi, il corpo dei modelli veniva imbrattato con speciali unguenti oleosi, grazie ai quali il gesso veniva rimosso senza dolore, anche se ci fossero peli sul corpo. Cioè, la tecnica di realizzare calchi non solo da una persona morta, ma anche da una persona viva nei tempi antichi era infatti ben nota in Egitto, tuttavia, era proprio il trasferimento del movimento e la copia di una persona che non era considerata bello lì.

Ma per gli Elleni il bellissimo corpo umano, perfetto nella sua nudità, sembrava essere il valore più grande e oggetto di culto. Forse è per questo che non vedevano nulla di riprovevole nell'utilizzare i calchi di un simile corpo per realizzare opere d'arte.


Frine davanti all'Areopago. JL Gerome. 1861, Amburgo, Germania.
D'altra parte, avrebbero potuto benissimo accusare lo scultore di empietà e di insulto agli dei perché aveva usato un'etera come modello per la statua della dea. Nel caso di Prassitele, Frine fu accusata di empietà. Ma una non etera accetterebbe di posare per lui?
L'Areopago la assolse nel 340 a.C., tuttavia, dopo che, durante un discorso in sua difesa, l'oratore Iperide presentò l'originale Frine nuda, togliendosi la tunica e chiedendo retoricamente come tanta bellezza potesse essere colpevole. Dopotutto, i greci credevano che un bel corpo avesse un'anima altrettanto bella.
È possibile che anche prima di lui Prassitele delle dee fosse raffigurato nudo, e i giudici potessero considerare empio il fatto che la dea fosse troppo simile a Frine, come se fosse uno a uno, e l'accusa di empietà della stessa getter fosse solo un pretesto? Forse sapevano o intuivano le possibilità di lavorare con calchi in gesso di una persona vivente? E poi potrebbe sorgere una domanda inutile: chi adorano nel tempio: Frine o la dea.

Con l'aiuto della fotografia, un moderno artista informatico ha "fatto rivivere" Frine, cioè, ovviamente, la statua di Afrodite di Cnido, e più precisamente, la sua copia, poiché l'originale non ci è pervenuto.
E, come sappiamo, gli antichi greci dipingevano le statue, quindi può darsi che la getter potesse assomigliare a questa se la sua pelle fosse leggermente giallastra, per cui, secondo alcune fonti, era soprannominata Frine.
Anche se in questo caso il nostro contemporaneo compete con Nicias, artista, ovviamente, e non comandante, a cui Wikipedia fa un errato riferimento. Dopotutto, quando gli è stato chiesto quale delle sue opere Prassitele considera la migliore, secondo la leggenda, ha risposto che quelle dipinte da Nicia.
A proposito, questa frase è rimasta misteriosa per molti secoli per coloro che non sapevano o non credevano che le sculture greche finite non fossero bianche.
Ma mi sembra che la stessa statua di Afrodite difficilmente sia stata dipinta in quel modo, perché gli scienziati dicono che i Greci le dipingevano in modo piuttosto colorato.

Piuttosto, qualcosa come la colorazione di Apollo della mostra Motley Gods "Bunte Götter".

E immagina quanto si sia sentito strano il soggetto quando ha visto come le persone lo adorano sotto forma di un dio.
O non a lui, ma alla sua copia, che l'artista ha ingrandito proporzionalmente, colorato in modo vivace e corretto piccole incongruenze fisiche e difetti secondo il canone di Poliklet? Questo è il tuo corpo, ma più grande e migliore. O non è più tuo? Potrebbe credere che la statua fatta di lui sia la statua di un dio?

In uno degli articoli ho anche letto di un numero enorme di grezzi di gesso nell'antica officina greca per copie preparate per la spedizione a Roma, che furono scoperte dagli archeologi. Forse includevano calchi di persone e non solo di statue?

Non insisterò sull'ipotesi di Konstam, che mi interessava: certo gli specialisti lo sanno meglio, ma non c'è dubbio che gli scultori antichi, come quelli moderni, utilizzassero calchi di persone viventi e parti dei loro corpi. È davvero possibile pensare che gli antichi greci fossero così stupidi che, sapendo cos'è il gesso, non avrebbero indovinato?
Ma pensi che fare copie di persone viventi sia arte o una bufala?

pianificazione viaggio in Grecia, molte persone sono interessate non solo agli hotel confortevoli, ma anche all'affascinante storia di questo antico paese, parte integrante del quale sono oggetti d'arte.

Numerosi trattati di noti storici dell'arte sono dedicati specificamente alla scultura greca antica, come ramo fondamentale della cultura mondiale. Sfortunatamente, molti monumenti di quel tempo non sono sopravvissuti nella loro forma originale e sono conosciuti da copie successive. Studiandoli, è possibile ripercorrere la storia dello sviluppo dell'arte greca dal periodo omerico all'era ellenistica ed evidenziare le creazioni più sorprendenti e famose di ciascun periodo.

Afrodite di Milo

La famosa Afrodite dell'isola di Milos appartiene al periodo ellenistico dell'arte greca. In questo momento, grazie alle forze di Alessandro Magno, la cultura dell'Hellas iniziò a diffondersi ben oltre la penisola balcanica, il che si rifletteva notevolmente nelle arti visive: sculture, dipinti e affreschi divennero più realistici, i volti degli dei su di essi avere caratteristiche umane: posture rilassate, uno sguardo astratto, un sorriso dolce.

Statua di Afrodite, o come la chiamavano i romani, Venere, è fatta di marmo bianco come la neve. La sua altezza è leggermente superiore a quella umana ed è di 2,03 metri. La statua fu scoperta per caso da un normale marinaio francese, che nel 1820, insieme a un contadino locale, dissotterrò Afrodite vicino ai resti di un antico anfiteatro sull'isola di Milos. Durante il trasporto e le controversie doganali, la statua perse le braccia e il piedistallo, ma è stata conservata una traccia dell'autore del capolavoro indicato su di essa: Agesandro, figlio di un residente di Antiochia Menida.

Oggi, dopo un accurato restauro, Afrodite è esposta al Louvre di Parigi, attirando ogni anno milioni di turisti con la sua bellezza naturale.

Nike di Samotracia

L'epoca della creazione della statua della dea della vittoria Nike risale al II secolo a.C. Gli studi hanno dimostrato che Nika era installata sopra la costa del mare su una scogliera a picco: i suoi vestiti di marmo svolazzano come dal vento e la pendenza del corpo rappresenta un movimento costante in avanti. Le pieghe più sottili degli abiti coprono il forte corpo della dea e le ali potenti sono spiegate nella gioia e nel trionfo della vittoria.

La testa e le mani della statua non sono state conservate, anche se durante gli scavi nel 1950 furono scoperti singoli frammenti. In particolare Karl Lehmann con un gruppo di archeologi rinvenne la mano destra della dea. La Nike di Samotracia è oggi una delle opere più importanti del Louvre. La sua mano non è mai stata aggiunta all'esposizione generale, solo l'ala destra, che era in gesso, è stata restaurata.

Laocoonte e i suoi figli

Una composizione scultorea raffigurante la lotta mortale di Laocoonte, sacerdote del dio Apollo, e dei suoi figli con due serpenti inviati da Apollo come rappresaglia per il fatto che Laocoonte non ascoltò la sua volontà e cercò di impedire al cavallo di Troia di entrare in città .

La statua era in bronzo, ma il suo originale non è sopravvissuto fino ad oggi. Nel XV secolo, una copia in marmo della scultura fu ritrovata sul territorio della "casa d'oro" di Nerone e, per ordine di papa Giulio II, fu installata in una nicchia separata del Belvedere Vaticano. Nel 1798, la statua di Laocoonte fu trasferita a Parigi, ma dopo la caduta del dominio di Napoleone, gli inglesi la riportarono al suo posto originale, dove è conservata fino ad oggi.

La composizione, raffigurante la disperata lotta mortale di Laocoonte con la punizione divina, ispirò molti scultori del tardo Medioevo e del Rinascimento e diede origine a una moda per rappresentare movimenti complessi, simili a vortici, del corpo umano nelle belle arti.

Zeus da Capo Artemision

La statua, trovata dai sommozzatori vicino a Capo Artemision, è in bronzo ed è una delle poche opere d'arte di questo tipo che sono sopravvissute fino ad oggi nella sua forma originale. I ricercatori non sono d'accordo sul fatto che la scultura appartenga specificamente a Zeus, ritenendo che possa raffigurare anche il dio dei mari, Poseidone.

La statua ha un'altezza di 2,09 m e raffigura il dio greco supremo, che alzò la mano destra per scagliare un fulmine con giusta rabbia. Il fulmine stesso non è stato conservato, ma numerose figurine più piccole mostrano che sembrava un disco di bronzo piatto e fortemente allungato.

Da quasi duemila anni sott'acqua, la statua quasi non ha sofferto. Scomparvero solo gli occhi, che presumibilmente erano d'avorio e tempestati di pietre preziose. Puoi vedere quest'opera d'arte nel Museo Archeologico Nazionale, che si trova ad Atene.

Statua del Diadumen

Una copia in marmo di una statua in bronzo di un giovane che si incorona lui stesso con un diadema - un simbolo di vittoria sportiva, probabilmente adornava la sede delle gare di Olimpia o Delfi. Il diadema a quel tempo era una benda di lana rossa che, insieme alle corone di alloro, veniva assegnata ai vincitori dei Giochi Olimpici. L'autore dell'opera, Poliklet, l'ha eseguita nel suo stile preferito: il giovane si muove facilmente, il suo viso mostra completa calma e concentrazione. L'atleta si comporta come un meritato vincitore: non mostra stanchezza, anche se il suo corpo ha bisogno di riposo dopo il combattimento. Nella scultura, l'autore è riuscito a trasmettere in modo molto naturale non solo piccoli elementi, ma anche la posizione generale del corpo, distribuendo correttamente la massa della figura. La piena proporzionalità del corpo è l'apice dello sviluppo di questo periodo: il classicismo del V secolo.

Sebbene l'originale in bronzo non sia sopravvissuto fino ai nostri giorni, le sue copie possono essere viste in molti musei in tutto il mondo: il Museo Archeologico Nazionale di Atene, il Louvre, il Metropolitan, il British Museum.

Afrodite Braschi

Una statua in marmo di Afrodite raffigura la dea dell'amore, che era nuda prima di prendere il suo leggendario, spesso descritto nei miti, bagno, restituendo la sua verginità. Afrodite tiene nella mano sinistra i vestiti tolti, che cadono dolcemente su una brocca vicina. Da un punto di vista ingegneristico, questa decisione ha reso la fragile statua più stabile e ha dato la possibilità allo scultore di darle una posa più rilassata. L'unicità di Afrodite Brasca è che questa è la prima statua conosciuta della dea, l'autore della quale decise di ritrarla nuda, cosa che un tempo era considerata un'insolenza inaudita.

Ci sono leggende secondo le quali lo scultore Prassitele creò Afrodite a immagine della sua amata, etera Frine. Quando il suo ex ammiratore, l'oratore Eutia, lo venne a sapere, suscitò uno scandalo, a seguito del quale Prassitele fu accusato di imperdonabile blasfemia. Al processo, l'avvocato, vedendo che le sue argomentazioni non impressionavano il giudice, tolse i vestiti a Phryne per mostrare ai presenti che un corpo così perfetto della modella semplicemente non può ospitare un'anima oscura. I giudici, essendo aderenti al concetto di kalokagatiya, sono stati costretti ad assolvere integralmente gli imputati.

La statua originale fu portata a Costantinopoli, dove morì in un incendio. Molte copie di Afrodite sono sopravvissute fino ai nostri giorni, ma tutte presentano le loro differenze, poiché sono state restaurate secondo descrizioni e immagini verbali e scritte sulle monete.

maratona giovanile

La statua di un giovane è in bronzo e raffigura presumibilmente il dio greco Hermes, sebbene non ci siano prerequisiti o suoi attributi nelle mani o negli abiti del giovane. La scultura fu sollevata dal fondo del Golfo di Maratona nel 1925 e da allora ha riempito l'esposizione del Museo Archeologico Nazionale di Atene. A causa del fatto che la statua è rimasta a lungo sott'acqua, tutte le sue caratteristiche sono molto ben conservate.

Lo stile con cui è realizzata la statua tradisce lo stile del famoso scultore Prassitele. Il giovane sta in una posa rilassata, la sua mano poggia sul muro, vicino al quale è stata installata la figura.

Discobolo

La statua dell'antico scultore greco Mirone non è stata conservata nella sua forma originale, ma è ampiamente conosciuta in tutto il mondo grazie alle copie in bronzo e marmo. La scultura è unica in quanto per la prima volta raffigurava una persona in un movimento complesso e dinamico. Una decisione così coraggiosa dell'autore è servita da vivido esempio per i suoi seguaci, che con non meno successo hanno creato oggetti d'arte nello stile di "Figura serpentinata" - una tecnica speciale che raffigura una persona o un animale in un modo spesso innaturale, teso, ma posa molto espressiva, dal punto di vista dell'osservatore.

Auriga delfico

La scultura in bronzo di un auriga fu scoperta durante gli scavi del 1896 presso il Santuario di Apollo a Delfi ed è un classico esempio di arte antica. La figura raffigura un giovane greco antico che guida un carro durante Giochi pitici.

L'unicità della scultura sta nel fatto che è stato conservato l'intarsio degli occhi con pietre preziose. Le ciglia e le labbra del giovane sono decorate con rame, e la fascia è d'argento e presumibilmente aveva anche un intarsio.

Il momento della creazione della scultura, teoricamente, è all'incrocio tra l'arcaico e i primi classici: la sua posa è caratterizzata dalla rigidità e dall'assenza di qualsiasi accenno di movimento, ma la testa e il viso sono realizzati con un realismo piuttosto grande. Come nelle sculture successive.

Atena Parteno

Maestoso statua della dea Atena non è sopravvissuto fino ai nostri giorni, ma ne esistono molte copie, restaurate secondo antiche descrizioni. La scultura era completamente realizzata in avorio e oro, senza l'uso di pietra o bronzo, e si trovava nel tempio principale di Atene: il Partenone. Una caratteristica distintiva della dea è un elmo alto, decorato con tre stemmi.

La storia della creazione della statua non è stata priva di momenti fatali: sullo scudo della dea, lo scultore Fidia, oltre all'immagine della battaglia con le Amazzoni, ha posto il suo ritratto sotto forma di un vecchio debole che solleva una pietra pesante con entrambe le mani. Il pubblico di quel tempo considerava ambiguamente l'atto di Fidia, che gli costò la vita: lo scultore fu imprigionato, dove si suicidò con l'aiuto del veleno.

La cultura greca è diventata la fondatrice dello sviluppo delle belle arti in tutto il mondo. Ancora oggi, guardando alcuni dipinti e statue moderne, si può rilevare l'influenza di questa antica cultura.

Antica Grecia divenne la culla in cui fu attivamente allevato il culto della bellezza umana nella sua manifestazione fisica, morale e intellettuale. Abitanti della Grecia di quel tempo, non solo adoravano molti dei olimpici, ma cercavano anche di somigliargli il più possibile. Tutto questo è mostrato in statue di bronzo e marmo: non solo trasmettono l'immagine di una persona o divinità, ma le avvicinano anche l'una all'altra.

Sebbene molte statue non siano sopravvissute fino ai giorni nostri, le loro copie esatte possono essere viste in molti musei di tutto il mondo.

    Isola di Simi

    L'isola di Symi è una delle più belle e visitate del Dodecaneso. Innanzitutto colpisce per la sua bellezza il porto, definito il più bello della Grecia. La città si arrampica a terrazze sui pendii delle colline prospicienti la riva. Fu costruito principalmente nel XIX secolo. Case con balconi e tetti di tegole, dipinte in vari colori caldi. La città è dichiarata monumento architettonico ed è severamente vietata la ricostruzione di vecchi edifici e la costruzione di nuovi.

    Nikos Kazantzakis

    Nikos Kazantzakis, filosofo e scrittore greco, visse e lavorò a cavallo tra il XIX e il XX secolo, un punto di svolta nella storia dell'Hellas. Ha guadagnato fama mondiale grazie al romanzo "La vita e le opere di Alexis Zorbas", dal quale è stato girato negli anni '60 il lungometraggio "Zorba il greco", che ha ricevuto recensioni positive dalla critica e tre importanti premi dall'American Film Academy - un Oscar per la migliore fotografia, il miglior lavoro di un artista e la migliore attrice non protagonista.

    Kalambaka e Meteora: luoghi d'interesse e passato storico

    Kalambaka si trova a 20 km. dalla città di Trikala e 6 km. dai monasteri di Meteor, fu costruito sulla riva sinistra del fiume Piney, ai piedi meridionali dei Monti Meteor, e ad un'altitudine di 240 metri sul livello del mare. Non lontano da Kalambaka, secondo i ricercatori, si trovava l'antica città di Eginio, menzionata dallo storico Strabone. Sottolinea anche che era la città di Timfeev, al confine con Trikka ed Efikia, e fu costruita alla confluenza dei fiumi Iona e Peneia.

    Litochoro in Pieria

    Monastero di Giovanni Battista

    Nel libro degli Atti dei Santi Apostoli si trova la prova che a Veria, nella regione di Imathia, l'apostolo Paolo predicò il santo Vangelo. Dopo la prima visita dell'apostolo ai pagani, rimasero a Veria i santi Sila e Timoteo, che continuarono a predicare il santo Vangelo. A giudicare dall'accuratezza delle descrizioni, qui ha visitato anche il discepolo dell'apostolo Paolo, l'apostolo Luca.

Di norma, le statue a quel tempo venivano scolpite in pietra calcarea o pietra, dopo di che venivano ricoperte di vernice e decorate con bellissime pietre preziose, elementi in oro, bronzo o argento. Se le figurine sono piccole, erano realizzate in terracotta, legno o bronzo.

antica scultura greca

La scultura dell'antica Grecia nei primi secoli della sua esistenza fu seriamente influenzata dall'arte egiziana. Quasi tutte le opere dell'antica scultura greca erano uomini seminudi con le braccia abbassate. Dopo un po ', le sculture greche iniziarono a sperimentare un po' con abiti, pose e gli individui iniziarono a dare caratteristiche individuali.

Nel periodo classico la scultura raggiunse il suo apice. I maestri hanno imparato non solo a dare alle statue pose naturali, ma anche a ritrarre le emozioni che una persona presumibilmente prova. Potrebbe essere premurosità, distacco, gioia o severità, oltre che divertimento.

Durante questo periodo, divenne di moda raffigurare eroi e dei mitici, nonché persone reali che ricoprivano posizioni di responsabilità: statisti, generali, scienziati, atleti o semplicemente persone ricche che volevano perpetuarsi per secoli.

A quel tempo si prestava molta attenzione al corpo nudo, poiché il concetto di bene e male che esisteva in quel tempo e in quella zona interpretava la bellezza esteriore come un riflesso della perfezione spirituale di una persona.

Lo sviluppo della scultura, di regola, era determinato dai bisogni e dalle esigenze estetiche della società che esisteva in quel momento. Basta guardare le statue di quel tempo e puoi capire quanto fosse colorata e vibrante l'arte a quel tempo.

Grande scultore Miron creò una statua che ebbe un enorme impatto sullo sviluppo delle belle arti. Questa è la famosa statua di Discobolo, il lanciatore del disco. L'uomo viene catturato nel momento in cui la sua mano viene leggermente tirata indietro, dentro c'è un disco pesante, che è pronto a lanciare lontano.

Lo scultore è riuscito a catturare l'atleta proprio nel momento culminante, che prefigura quello successivo, quando il proiettile viene lanciato in aria e l'atleta si raddrizza. In questa scultura, Mirone padroneggia il movimento.

Popolare altre volte maestro - Policleto, Quale stabilito l’equilibrio della figura umana nel passo lento e in riposo. Lo scultore si sforza di trovare le proporzioni ideali su cui può essere costruito il corpo umano durante la creazione di una scultura. Alla fine è stata creata un'immagine che è diventata una certa norma e, soprattutto, un esempio da seguire.

Policlet, nel processo di creazione delle sue opere, ha calcolato matematicamente i parametri di tutte le parti del corpo, nonché la loro relazione tra loro. L'altezza umana è stata presa come un'unità, dove la testa era un settimo, le mani e il viso un decimo e i piedi un sesto.

Policleto incarnò il suo ideale di atleta nella statua di un giovane con una lancia. L'immagine combina in modo molto armonioso la bellezza fisica ideale e la spiritualità. Lo scultore espresse molto chiaramente in questa composizione l'ideale di quell'epoca: una personalità sana, versatile e integrale.

La statua di Atena di dodici metri è stata creata da Fidia. Inoltre, ha creato una statua colossale del dio Zeus per il tempio, che si trova ad Olimpia.

Impulso e passione, lotta e ansia, così come eventi profondi respirano nell'arte del Maestro Scopas. La migliore opera d'arte di questo scultore è la statua di Menade. Allo stesso tempo lavorava Prassitele, che nelle sue creazioni cantava la gioia della vita, così come la bellezza sensuale del corpo umano.

Lissip ha creato circa 1.500 statue in bronzo, tra cui ci sono semplicemente immagini colossali degli dei. Inoltre, ci sono gruppi che mostrano tutte le gesta di Ercole. Insieme alle immagini mitologiche, le sculture del maestro raffiguravano anche gli eventi di quel tempo, passati poi alla storia.

La scultura dell'antica Grecia, come tutta l'arte antica, è un modello speciale, un artigianato esemplare e una sorta di ideale. L'arte dell'antica Grecia, e in particolare la scultura dell'antica Grecia, ha avuto un impatto molto significativo sullo sviluppo della cultura mondiale. Fu la base su cui in seguito crebbe la civiltà europea. Bellissime statue di scultori greci erano realizzate in pietra, pietra calcarea, bronzo, marmo, legno e decorate con magnifici oggetti realizzati con metalli preziosi e pietre. Furono installati nelle piazze principali delle città, sulle tombe di famosi greci, nei templi e persino nelle ricche case greche. Il principio fondamentale della scultura dell'antica Grecia era la combinazione di bellezza e forza, l'idealizzazione dell'uomo e del suo corpo. Gli antichi greci credevano che solo un'anima perfetta potesse trovarsi in un corpo perfetto e ideale.

Lo sviluppo della scultura nell'antica Grecia può essere suddiviso in tre fasi significative. Questo è arcaico - VI-VII secolo a.C. Classici, che, a loro volta, possono essere suddivisi in periodi iniziali - l'inizio del V secolo a.C., alti classici - questa è la fine del V secolo a.C. e fine - VI secolo a.C. E l'ultima fase è l'ellenismo. Inoltre, dalle descrizioni degli storici antichi, si può capire che esisteva una scultura della Grecia omerica, ma ai nostri tempi sono sopravvissute solo piccole figurine e vasi decorati con dipinti. Ognuna di queste fasi della cultura greca ha le sue caratteristiche uniche.

periodo arcaico
Durante questo periodo, gli antichi artisti greci cercarono di creare un'immagine ideale di un uomo e di una donna. La scultura era dominata dalle figure di giovani guerrieri nudi, chiamati kouros. Dovevano mostrare il valore, la salute fisica e la forza di una persona, acquisite negli sport di quel tempo. Il secondo esempio d'arte di questo periodo fu la corteccia. Si tratta di ragazze avvolte in abiti lunghi, in cui si esprimeva l'ideale della femminilità e della purezza incontaminata. In questo momento apparve il cosiddetto "sorriso arcaico", che spiritualizzò i volti delle statue.

Esempi eccezionali di sculture sopravvissute del periodo arcaico sono il Kouros del Pireo, che oggi adorna il Museo di Atene, e la Dea con una melagrana e la Dea con una lepre, conservate nel Museo di Stato di Berlino. Molto famosa è la scultura dei fratelli Cleobis e Byton di Argo, che deliziano gli occhi degli amanti dell'arte greca nel Museo Delfico.

In epoca arcaica, anche la scultura monumentale occupa un posto importante, in cui il rilievo gioca il ruolo principale. Si tratta di composizioni scultoree piuttosto grandi, spesso raffiguranti eventi descritti nei miti dell'antica Grecia. Ad esempio, sul frontone del tempio di Artemide, sono state raffigurate le azioni che si svolgono nella storia di Medusa la Gorgone e del coraggioso Perseo, noto a tutti fin dall'infanzia.

primo classico
Con il passaggio al periodo classico, l'immobilità, si potrebbe dire, la staticità delle sculture arcaiche, viene gradualmente sostituita da figure emozionali colte in movimento. C'è un cosiddetto movimento spaziale. Le pose delle figure sono ancora semplici e naturali, ad esempio quella di una ragazza che si slaccia un sandalo o di un corridore che si prepara a partire.
Forse una delle statue più famose di quel periodo è il "Lanciatore di discoteche" dell'autore Mirone, che diede un contributo molto significativo all'arte dei primi classici della Grecia. La figura fu fusa in bronzo nel 470 a.C. e raffigura un atleta che si prepara a lanciare un disco. Il suo corpo è perfetto e armonioso, pronto a lanciarsi nel secondo successivo.

Un altro grande scultore di quel tempo fu Policleto. La più famosa oggi è la sua opera chiamata "Dorifor", creata tra il 450 e il 440 a.C. Questo è un lanciere, potente, sobrio e pieno di dignità. È pieno di forza interiore e, per così dire, mostra il desiderio del popolo greco di quei tempi per la sublimità, l'armonia e la pace. Fino ad oggi, purtroppo, gli originali di queste sculture dell'antica Grecia, fuse in bronzo, non sono stati conservati. Non possiamo che ammirare le loro copie realizzate con materiali diversi.

All'inizio del XX secolo, una statua in bronzo del dio Poseidone fu ritrovata sul fondo del mare vicino a Capo Artemision. È raffigurato come maestoso, formidabile, mentre alza la mano, nella quale una volta teneva un tridente. Questa statua, per così dire, segna il passaggio dal periodo dei primi classici a quello alto.

alto classico
La direzione degli alti classici perseguiva un doppio obiettivo. Da un lato, per mostrare tutta la bellezza del movimento nella scultura e, dall'altro, per coniugare l'immobilità esterna della figura con il respiro interiore della vita. La combinazione di queste due aspirazioni nel suo lavoro è stata raggiunta dal grande scultore Fidia. È noto, in particolare, per aver decorato l'antico Partenone con bellissime sculture in marmo.

Ha anche creato un magnifico capolavoro "Athena Parthenos", che purtroppo è morto in tempi antichi. Nel Museo Nazionale di Archeologia della città di Atene puoi vedere solo una piccola copia di questa statua.
Il grande artista ha creato molti altri capolavori durante la sua vita creativa. Questa è la statua di Atena Promachos sull'Acropoli, che colpisce per le sue enormi dimensioni e imponenza, e, non meno colossale, la figura di Zeus nel tempio di Olimpia, che in seguito fu classificata tra una delle incredibili sette meraviglie del mondo .
Con amarezza possiamo ammettere che la nostra visione della scultura greca antica è lontana dalla verità. È quasi impossibile vedere le statue originali di quell'epoca. Molti di loro furono distrutti durante la ridistribuzione del mondo mediterraneo. E un altro motivo per la distruzione di questi più grandi monumenti d'arte è stata la loro distruzione da parte di cristiani credenti fanaticamente. Abbiamo solo le loro copie dei maestri romani dei secoli I-II della nostra era e descrizioni di storici antichi.

tardo classico
Nei tempi legati ai tardi classici, la scultura dell'antica Grecia cominciò a caratterizzarsi per la plasticità dei movimenti e l'elaborazione dei più piccoli dettagli. Le figure cominciarono a differire per grazia, flessibilità, cominciarono ad apparire i primi corpi femminili nudi. Uno degli esempi più luminosi di questo splendore è la statua di Afrodite di Cnido dello scultore Prassitele.

L'antico scrittore romano Plinio disse che questa statua era considerata la statua più bella di quei tempi, e molti pellegrini accorrevano a Cnido per vederla. Questa è la prima opera in cui Prassitele raffigura un corpo femminile nudo. Una storia interessante di questa statua è che le sculture sono state create da due figure: nude e vestite. Gli abitanti di Kos, che ordinarono la statua di Afrodite, scelsero la dea vestita, avendo paura di correre rischi, nonostante la bellezza di questo capolavoro. E la scultura nuda fu acquistata dagli abitanti della città di Cnido, situata in Asia Minore, e grazie a ciò divenne famosa.

Un altro rappresentante di spicco della direzione dei tardi classici fu Scopas. Ha cercato di esprimere passioni ed emozioni violente nelle sue sculture. Tra le sue opere famose ricordiamo la statua di Apollo Kifared, anche Ares della Villa Ludovisi, e la scultura chiamata Niobidi morenti attorno alla madre.

Periodo ellenistico
Il tempo dell'ellenismo è caratterizzato da un'influenza piuttosto potente dell'Oriente su tutta l'arte della Grecia. Questo destino non è passato e la scultura. Sensualità, temperamento orientale ed emotività cominciarono a penetrare nelle pose maestose e nella sublimità dei classici. Gli artisti iniziarono a complicare gli angoli, ad applicare tendaggi lussuosi. La bellezza femminile nuda ha cessato di essere qualcosa di insolito, blasfemo e provocatorio.

In questo momento apparve un numero enorme di statue diverse della dea nuda Afrodite o Venere. Una delle statue più famose fino ad oggi rimane la Venere di Milo, creata dal maestro Alessandro intorno al 120 a.C. Siamo tutti abituati a vedere le sue immagini senza mani, ma si ritiene che inizialmente la dea tenesse i suoi vestiti cadenti con una mano e nell'altra tenesse una mela. La sua immagine unisce tenerezza, forza e bellezza del corpo fisico.

Anche statue molto famose di questo periodo sono Afrodite di Cirene e Laocoonte e i suoi figli. L'ultima opera è piena di forti emozioni, drammaticità e straordinario realismo.
Il tema principale dell'arte scultorea dell'antica Grecia, a quanto pare, era un uomo. In effetti, da nessun'altra parte una persona era più apprezzata che nella stessa antica civiltà greca.

Con lo sviluppo della cultura, gli scultori hanno cercato di trasmettere sempre più sentimenti ed emozioni umane attraverso le loro opere. Tutti questi maestosi capolavori, creati decine di centinaia di anni fa, attirano ancora l'attenzione delle persone e hanno un effetto affascinante e incredibilmente impressionante sugli amanti dell'arte moderna.

Conclusione
È difficile individuare un periodo qualsiasi nello sviluppo dell'antica cultura greca e non trovare in esso una rapida fioritura della scultura. Questo tipo di arte si è sviluppato e migliorato costantemente, raggiungendo una bellezza speciale nell'era classica, ma non estinguendosi dopo, rimanendo comunque quello principale. Certo, è possibile correlare la scultura e l'architettura dell'antica Grecia, ma identificarle solo a confronto è inaccettabile. Sì, questo è impossibile, perché la scultura non è una struttura monumentale, ma un capolavoro abilmente modellato. Molto spesso, gli antichi scultori si rivolgevano all'immagine di una persona.

Nelle loro opere prestavano particolare attenzione alle posture, alla presenza di movimento. Hanno cercato di creare immagini viventi, come se davanti a noi non fosse una pietra, ma carne e sangue vivi. E lo hanno fatto molto bene, soprattutto grazie ad un approccio responsabile al business. La conoscenza dell'anatomia e le idee generali sul carattere umano hanno permesso agli antichi maestri greci di ottenere ciò che molti scultori del nostro tempo ancora non riescono a comprendere.