Scultura dell'antica Grecia del periodo classico. scultura grecia epoca classica arte scultura grecia antica

Soggetto: Eccezionali scultori dell'antica Grecia.

Bersaglio: Lo studio delle fasi principali dello sviluppo della scultura greca antica.

Nuove parole:

MIMESI"- somiglianza.

Kalokagatiya (gr. kalos- adorabile + agathos Tipo).

Kuros e corteccia - creato nell'era degli uomini arcaici. e femmina figure (fino a 3 m.) Mimesi - somiglianza. Cariatide - (Greco karyatis) - un'immagine scultorea di una figura femminile in piedi che funge da supporto per una trave in un edificio (o esprime figurativamente questa funzione).

germi - calcolo piloni con "mani", posto all'ingresso principale della casa.

Domande.

Canoni scultorei di Policleto e Mirone.

Sculture di Scopa e Prassitele.

Lisippo e Leocar.

Scultura ellenistica.

Durante le lezioni.

1. Attualizzazione delle conoscenze degli studenti sull'architettura dell'antica Grecia.

2. Il messaggio dell'argomento, lo scopo della lezione.

I greci ci hanno sempre creduto che solo in un bel corpo può vivere una bella anima. Pertanto, l'armonia del corpo, la perfezione esterna - una condizione indispensabile e base di una persona ideale. L'ideale greco è definito dal termine kalokagatiya(gr. kalos- adorabile + agathos Tipo). Poiché kalokagatiya include la perfezione sia della costituzione corporea che della disposizione spirituale e morale, insieme alla bellezza e alla forza, l'ideale porta con sé giustizia, castità, coraggio e ragionevolezza. Questo è ciò che rende gli dei greci, scolpiti da antichi scultori, di una bellezza unica.

Nonostante la somiglianza delle sculture dei secoli VI e V. AC, presentano anche differenze caratteristiche:

Non c'è più il torpore, lo schematismo delle sculture arcaiche;

Le statue diventano più realistiche.

Canoni scultorei di Policleto e Miron .

1. Un inno alla grandezza e alla potenza spirituale dell'Uomo;

2. Immagine preferita: un giovane snello con un fisico atletico;

3. L'aspetto spirituale e fisico sono armoniosi, non c'è nulla di superfluo, "niente oltre misura".

Gli scultori più famosi dell'era alta classica sono Policleto e Mirone.

Policleto - Uno scultore e teorico dell'arte greco antico che lavorò ad Argo nella seconda metà del V secolo a.C.

Poliklet amava rappresentare gli atleti a riposo, era specializzato nella raffigurazione di atleti, vincitori olimpici. "Dorifor"("Lanciere") Poliklet fu il primo a pensare di dare alle figure una tale affermazione che poggiassero sulla parte inferiore di una sola gamba. (Un primo esempio di contraposto classico è Doriforo). Policleto sapeva mostrare il corpo umano in uno stato di equilibrio: la sua figura umana a riposo o con un passo lento sembra essere mobile e animata per il fatto che gli assi orizzontali non sono paralleli. Le statue di Policleto sono piene di vita intensa. A Policleto piaceva rappresentare gli atleti a riposo. Prendi lo stesso "Spearman". Quest'uomo potente è pieno di autostima. Resta immobile davanti allo spettatore. Ma questo non è il resto statico delle antiche statue egiziane. Come un uomo che controlla abilmente e facilmente il proprio corpo, il lanciere piegò leggermente una gamba e spostò il peso del suo corpo sull'altra. Sembra che passerà un momento e lui farà un passo avanti, girerà la testa, orgoglioso della sua bellezza e forza. Davanti a noi c'è un uomo forte, bello, libero dalla paura, orgoglioso, sobrio: l'incarnazione degli ideali greci. Opere: 2. "Diadumen" ("Giovane che lega una benda"). "Amazzone ferita" Statua colossale di Era ad Argo. È stato realizzato con la tecnica crisoelefantina ed è stato percepito come un pandano dall'olimpico Zeus Fidia. Le sculture sono andate perdute e sono conosciute grazie alle copie antiche romane sopravvissute.

1. Per ordine dei sacerdoti del Tempio di Artemide di Efeso c. 440 a.C Poliklet ha creato una statua di un'Amazzonia ferita, conquistando il primo posto nella competizione, alla quale, oltre a lui, hanno partecipato Fidia e Cresilao. Un'idea di esso è data dalle copie: un rilievo scoperto a Efeso, così come le statue a Berlino, Copenaghen e al Metropolitan Museum of Art di New York. Le gambe dell'Amazzone sono fissate, proprio come quelle di Doriforo, ma il braccio libero non pende lungo il corpo, ma è gettato dietro la testa; l'altra mano sostiene il corpo, appoggiandosi alla colonna. La posa è armoniosa ed equilibrata, ma Poliklet non ha tenuto conto del fatto che se una ferita si apre sotto il petto destro di una persona, la sua mano destra non può essere sollevata in alto. A quanto pare, la forma bella e armoniosa lo interessava più della trama o della trasmissione dei sentimenti. La stessa cura è impregnata dell'attento sviluppo delle pieghe della corta tunica dell'Amazzonia.

2. Poi Policlet ha lavorato ad Atene, dove ca. 420 a.C creò Diadumen, un giovane con una benda intorno alla testa. In quest'opera, che veniva chiamata un giovane gentile, in contrasto con il coraggioso Doriforo, si sente l'influenza della scuola attica. Anche qui viene utilizzato il motivo del passo, nonostante entrambe le mani siano alzate e reggano la fasciatura, movimento che sarebbe più adatto ad una posizione calma e ferma delle gambe. L'opposto dei lati destro e sinistro non è così pronunciato. I lineamenti del viso e le lussureggianti ciocche di capelli sono molto più morbidi rispetto ai lavori precedenti. Le migliori riproduzioni del Diadumen sono una copia trovata a Delo e ora ad Atene, una statua proveniente da Vezon in Francia, che è conservata al British Museum, e copie a Madrid e al Metropolitan Museum of Art. Sono state conservate anche diverse statuette in terracotta e bronzo. Le migliori copie della testa di Diadumen si trovano a Dresda e Kassel.

3. Intorno al 420 a.C Poliklet creò per il tempio di Argo una colossale statua crisoelefantina (fatta di oro e avorio) di Era, seduta su un trono. Le monete argive possono dare un'idea di come fosse questa antica statua. Accanto ad Era stava Ebe, scolpita da Naucis, uno studente di Policleto. Nella progettazione plastica del tempio si avverte sia l'influenza dei maestri della scuola attica che di Policleto; forse è il lavoro dei suoi studenti. Le creazioni di Policleto mancavano della maestosità delle statue di Fidia, ma molti critici le considerano superiori a Fidia nella loro perfezione accademica e nel perfetto equilibrio di posa. Policleto ebbe numerosi studenti e seguaci fino all'epoca di Lisippo (fine del IV secolo a.C.), il quale affermò che Doriforo era il suo maestro nell'arte, anche se successivamente si allontanò dal canone di Policleto e lo sostituì con il suo.

Mirone ha creato statue di atleti vittoriosi, ha trasmesso in modo corretto e naturale la figura umana, ha scoperto il segreto del concetto plastico di movimento. Ma (!!!) le sue opere hanno un solo punto di vista. Tra le sue opere più famose c'è la composizione scultorea

"Atena e Marsia", così come "Discobolo".

Mirone era un contemporaneo più anziano di Fidia e Policleto ed era considerato uno dei più grandi scultori del suo tempo. Lavorò in bronzo, ma nessuna delle sue opere è sopravvissuta; sono conosciuti principalmente da copie. L'opera più famosa di Miron è il Lanciatore del disco. Il lanciatore del disco è raffigurato in una posa complessa nel momento di massima tensione prima del lancio. Lo scultore era interessato alla forma e alle proporzioni delle figure in movimento. Myron era un maestro nel trasmettere il movimento al culmine, il momento di transizione. In un epigramma elogiativo dedicato alla sua statua in bronzo dell'atleta Ladas, si sottolinea che il corridore ansimante è raffigurato con insolita vividezza. Il gruppo scultoreo di Mirone Atena e Marsia, che si trovava sull'acropoli ateniese, è caratterizzato dalla stessa abilità nel trasmettere il movimento.

2. Creazioni scultoree di Scopa e Prassitele.

IV secolo AVANTI CRISTO.

1. Si è adoperato per il trasferimento di un'azione vigorosa;

2. Hanno trasmesso i sentimenti e le esperienze di una persona:

Passione

fantasticheria

Amore

Furia

Disperazione

Sofferenza

SCOPA (periodo di massimo splendore dell'attività 375–335 a.C.), scultore e architetto greco, nato sull'isola di Paros c. 420 a.C., forse. La prima opera di Scopas a noi nota è il tempio di Atena Alea a Tegea, nel Peloponneso, che dovette essere ricostruito, poiché il primo fu distrutto da un incendio nel 395 a.C. Scopas faceva parte di un gruppo di quattro scultori (e potrebbe essere stato il più anziano tra loro) a cui fu commissionato dalla vedova di Mavsolos Artemisia di creare la parte scultorea del Mausoleo (una delle sette meraviglie del mondo) ad Alicarnasso, il tomba del marito. La passione insita nelle opere di Scopas si realizza principalmente con l'aiuto di una nuova interpretazione degli occhi: sono profondamente piantati e circondati dalle pesanti pieghe delle palpebre. La vivacità dei movimenti e le posizioni audaci del corpo esprimono un'energia intensa e dimostrano l'ingegno del maestro.

Le opere più famose di Scopa furono:

- Scopa . "Amazzonomachia".

- Battaglia dei Greci con le Amazzoni. Frammento del fregio del Mausoleo di Alicarnasso. Marmo. Intorno al 350 a.C e. Londra. Museo britannico.

Magnifico il rilievo, che raffigura un guerriero che si appoggia bruscamente all'indietro, cercando di resistere all'assalto dell'Amazzonia, che con una mano ha afferrato il suo scudo e con l'altra ha inferto un colpo mortale. A sinistra di questo gruppo c'è un'Amazzone che cavalca un cavallo caldo. Si siede girata all'indietro e, a quanto pare, lancia un dardo contro il nemico che la insegue. Il cavallo quasi investe il guerriero appoggiato all'indietro. Il forte scontro dei movimenti opposti del cavaliere e del guerriero e l'insolito sbarco dell'Amazzonia esaltano con i loro contrasti la drammaticità complessiva della composizione.

Scopa. Testa di guerriero ferito dal frontone occidentale del tempio di Atena-Aleia a Tegea. Marmo. Prima metà del IV sec. AVANTI CRISTO e. Atene. Museo Nazionale.

Scopa. Menade. Metà IV sec. AVANTI CRISTO e. Copia romana in marmo ridotta di un originale perduto. Dresda. Albertinum.

La "Menade" in marmo, giunta a noi in una piccola copia antica danneggiata, incarna l'immagine di un uomo posseduto da un violento scoppio di passione. Non l'incarnazione dell'immagine di un eroe che riesce a governare con sicurezza le sue passioni, ma la rivelazione di una straordinaria passione estatica che abbraccia una persona è caratteristica della "Menade". È interessante notare che la Menade di Scopas, a differenza delle sculture del V secolo, è progettata per essere vista da tutti i lati.

PRASSITELI (IV secolo a.C.),

Prassitele è un antico scultore greco, uno dei più grandi scultori attici del IV secolo a.C. e. L'autore delle famose composizioni "Hermes con il piccolo Dioniso", "Apollo che uccide la lucertola". La maggior parte delle opere di Prassitele sono conosciute da copie romane o da descrizioni di autori antichi. Le sculture di Prassitele furono dipinte dall'artista ateniese Nikias. Prassitele - il primo scultore a rappresentare una donna nuda nel modo più realistico possibile: la scultura di Afrodite di Cnido, dove una dea nuda tiene con la mano una veste caduta. Prassitele. Testa di Afrodite di Cnido (Afrodite Kaufmann). Fino al 360 a.C e. Copia romana in marmo di un originale perduto. Berlino. Sobr. Kaufman.

La statua di Afrodite di Cnido era considerata nell'antichità non solo la migliore creazione di Prassitele, ma in generale la migliore statua di tutti i tempi. Come scrive Plinio il Vecchio, molti venivano a Cnido solo per vederla. Fu la prima rappresentazione monumentale di una figura femminile completamente nuda nell'arte greca, e quindi fu rifiutata dagli abitanti di Kos, ai quali era destinata, dopodiché fu acquistata dai cittadini della vicina Cnido. In epoca romana, l'immagine di questa statua di Afrodite fu coniata sulle monete di Cnido, da essa furono realizzate numerose copie (la migliore di queste è ora in Vaticano, e la migliore copia della testa di Afrodite è nella collezione Kaufmann a Berlino ). Nei tempi antichi, si sosteneva che il modello di Prassitele fosse la sua amata, etera Frine.

L'idea migliore dello stile di Prassitele dona una statua di Hermes con il bambino Dioniso (Museo di Olimpia), rinvenuto durante gli scavi nel tempio di Era ad Olimpia. Nonostante alcuni dubbi, si tratta quasi certamente di un originale, creato c. 340 a.C La figura flessibile di Hermes si appoggiava con grazia al tronco di un albero. Il maestro è riuscito a migliorare l'interpretazione del motivo di un uomo con un bambino in braccio: i movimenti di entrambe le mani di Hermes sono compositivamente collegati al bambino. Probabilmente, nella sua mano destra, non conservata, c'era un grappolo d'uva, con il quale prendeva in giro Dioniso, motivo per cui il bambino lo prendeva. La figura di Hermes è costruita proporzionatamente e perfettamente elaborata, il volto sorridente è pieno di vivacità, il profilo è aggraziato e la superficie liscia della pelle contrasta nettamente con i capelli schematizzati e la superficie lanosa del mantello gettato sul tronco . Capelli, panneggi, occhi, labbra e cinturini dei sandali sono stati dipinti.

Peggiori sono altre statue di Afrodite attribuite a Prassitele. Una copia della statua scelta dagli abitanti di Kos non è stata conservata. L'Afrodite di Arles, dal nome del luogo del ritrovamento e conservata al Louvre, potrebbe non raffigurare Afrodite, ma Frine. Le gambe della statua sono nascoste dal drappeggio e il busto è completamente scoperto; a giudicare dalla sua postura, teneva uno specchio nella mano sinistra. Sono sopravvissute anche alcune belle statuette di una donna che indossa una collana, ma ancora una volta in esse si possono vedere sia Afrodite che una donna mortale.

Prassitele. Artemide di Gabia. Circa 340-330 anni. AVANTI CRISTO e. Copia romana in marmo di un originale perduto. Parigi. Louvre.

Nella statua di Artemide vediamo esempi di risoluzione del motivo di una figura umana drappeggiata. Artemide è qui raffigurata come la protettrice delle donne: getta un velo sulla spalla destra, portato da una donna come dono per essersi liberata con successo da un peso.

Prassitele fu un maestro insuperabile nel trasmettere la grazia del corpo e la sottile armonia dello spirito. Molto spesso raffigurava gli dei, e persino i satiri, come giovani; nella sua opera per sostituire la maestosità e la sublimità delle immagini del V secolo. AVANTI CRISTO. vengono la grazia e la tenerezza sognante.

3. Leocar e Lisippo. L'arte della direzione pseudo-classica è stata rivelata in modo più coerente nel lavoro di Leohara, Leohar, ateniese di nascita, divenne il pittore di corte di Alessandro Magno. Fu lui a creare per il Philippeion una serie di statue crisoelefantine dei re della dinastia macedone. Lo stile classico freddo e pomposo, cioè l'imitazione esteriore delle forme classiche, delle opere di Leochar soddisfaceva le esigenze della monarchia emergente di Alessandro. Un'idea dello stile delle opere di Leohar, dedicato all'elogio della monarchia macedone, ci dà una copia romana del suo ritratto eroizzato di Alessandro Magno. La figura nuda di Alessandro aveva un carattere astratto e ideale.

Leohar. Apollo Belvedere . Intorno al 340 a.C e. Copia romana in marmo di un originale in bronzo perduto. Roma. Vaticano.

La più significativa tra le opere di Leohar fu la statua di Apollo - il famoso "Apollo Belvedere" ( "Apollo Belvedere" - il nome della copia romana in marmo giunta fino a noi dall'originale in bronzo di Leochar, che un tempo si trovava nel Belvedere Vaticano (loggia aperta)).

Tuttavia, l'immagine di Apollo è più spettacolare esteriormente che significativa interiormente. Lo splendore dell'acconciatura, l'altezzosa svolta della testa, la nota teatralità del gesto sono profondamente estranei alle vere tradizioni dei classici.

Vicino alla cerchia di Leochar è anche la famosa statua di "Artemide di Versailles", piena di grandezza fredda e un po' arrogante.

Leohar. Artemide di Versailles. Terzo quarto del IV sec. AVANTI CRISTO e. Copia romana in marmo di un originale perduto. Parigi. Louvre.

Lisippo.. Nell'arte, decise Lisippe il compito di rivelare il mondo interiore delle esperienze umane e una certa individualizzazione dell'immagine di una persona. Allo stesso tempo, Lisippo introdusse nuove sfumature nella soluzione di questi problemi artistici e, soprattutto, cessò di considerare la creazione dell'immagine di una persona perfetta e bella come il compito principale dell'arte. Lisippo, come artista, sentiva che le nuove condizioni della vita sociale privavano questo ideale di ogni serio fondamento vitale.

Innanzitutto, Lisippo trova la base per l'immagine del tipico nell'immagine di una persona non in quelle caratteristiche che caratterizzano una persona come membro di una squadra di liberi cittadini della polis, come personalità armoniosamente sviluppata, ma nelle caratteristiche della sua età, occupazione, appartenenza all'uno o all'altro temperamento psicologico. Una novità particolarmente importante nell'opera di Lisippo è l'interesse a rivelare ciò che è tipicamente espressivo e non idealmente perfetto nell'immagine di una persona.

In secondo luogo, Lisippo in una certa misura enfatizza nelle sue opere il momento della percezione personale, cerca di trasmettere il suo atteggiamento emotivo nei confronti dell'evento rappresentato. Secondo Plinio, Lisippo disse che se gli antichi rappresentavano le persone come realmente erano, allora lui, Lisippo, è come sembrano. Lisippo. Apoxyomenos. Testa (vedi fig. 215).

La comprensione di Lisippo dell'immagine di un uomo era particolarmente vividamente incarnata nella sua statua di bronzo, famosa nell'antichità. la statua dell'Apoxyomenos. Lisippo ha raffigurato un giovane che pulisce la sabbia dell'arena con un raschietto rimasto attaccato al suo corpo durante una competizione sportiva. In questa statua, l'artista ha trasmesso in modo molto espressivo lo stato di stanchezza che ha colto il giovane dopo lo stress della lotta vissuta.

In Apoxyomeno, Lisippo vuole mostrare non la pace interiore e l'equilibrio stabile, ma un cambiamento complesso e contraddittorio di sfumature di umore.

Lisippo. Hermes in riposo . Terzo quarto del IV sec. AVANTI CRISTO e. Copia romana in bronzo di un originale perduto. Napoli. Museo Nazionale.

Hermes sembrò sedersi per un momento sull'orlo di una scogliera. L'artista ha trasmesso qui la pace, la leggera stanchezza e allo stesso tempo la prontezza di Hermes a continuare un volo veloce e veloce.

Della stessa serie faceva parte anche un gruppo raffigurante la lotta di Ercole con il leone di Nemea, giunto fino a noi anche in una copia romana conservata all'Ermitage.

Lisippo. Ercole con un leone . Seconda metà del IV sec. AVANTI CRISTO e. Copia ridotta in marmo di epoca romana da originale in bronzo perduto. Leningrado. Museo dell'Ermitage.

Di particolare importanza fu l'opera di Lisippo per l'ulteriore evoluzione del ritratto greco.

Testa di Alessandro Magno dall'isola di Kos. Marmo L'originalità e la forza dell'abilità ritrattistica di Lisippo erano incarnate in modo più vivido nei suoi ritratti di Alessandro Magno.

Una svolta volitiva ed energica della testa, ciocche di capelli gettate indietro bruscamente creano una sensazione generale di un impulso patetico. D'altra parte, le pieghe dolorose sulla fronte, lo sguardo sofferente, la bocca curva conferiscono all'immagine di Alessandro i tratti di una tragica confusione. In questo ritratto, per la prima volta nella storia dell'arte, la tensione delle passioni e la loro lotta interiore si esprimono con tanta forza.

4. Scultura dell'ellenismo.

1. Eccitazione e tensione dei volti;

2. Un vortice di sentimenti ed esperienze in immagini;

3. Sogno delle immagini;

4. Perfezione armonica e solennità

L'arte ellenistica è piena di contrasti: gigantesco e in miniatura, cerimoniale e domestico, allegorico e naturale. Tendenza principale - allontanamento dal tipo umano generalizzatoalla comprensione dell’uomo come essere concreto e individuale, e quindi in aumento attenzione alla sua psicologia, interesse per gli eventi e nuova vigilanza ai segni nazionali, di età, sociali e di altra personalità.

Tutto quanto sopra non significa che l'era ellenistica non abbia lasciato i grandi scultori e i loro monumenti d'arte. Inoltre, ha creato opere che, a nostro avviso, sintetizzano i più alti risultati delle antiche arti plastiche, sono i suoi campioni inaccessibili -

Afrodite di Melo,

Nike di Samotracia , l'altare di Zeus a Pergamo. Queste famose sculture furono create durante l'era ellenistica. I loro autori, di cui non si sa nulla o quasi, hanno lavorato in linea con la tradizione classica, sviluppandola in modo davvero creativo.

Tra gli scultori di quest'epoca si possono notare i seguenti nomi: Apollonio, Taurisco ("toro Farnesiano"), Atenodoro, Polidoro, Agesandro ("Afrodite di Melo", "Laocoonte").

Morali e forme di vita, così come forme di religione, cominciarono a mescolarsi in epoca ellenistica, ma l'amicizia non regnava e la pace non veniva, la discordia e la guerra non si fermavano.

5.Conclusione. Una cosa ha unito tutti i periodi dello sviluppo della società e dell'arte greca: questo predilezione speciale per le arti plastiche, per le arti spaziali.

Abbiamo esaminato le creazioni dei più grandi scultori dell'antica Grecia durante l'intero periodo dell'antichità. Abbiamo visto l'intero processo di formazione, fioritura e declino degli stili scultorei - l'intera transizione da forme arcaiche rigorose, statiche e idealizzate attraverso l'armonia equilibrata della scultura classica al drammatico psicologismo delle statue ellenistiche. Le creazioni degli scultori dell'antica Grecia furono giustamente considerate un modello, un ideale, un canone per molti secoli, e ora non cessa di essere riconosciuta come un capolavoro dei classici mondiali. Niente di simile è stato ottenuto prima o dopo. Tutta la scultura moderna può essere considerata, in un modo o nell'altro, una continuazione delle tradizioni dell'antica Grecia. La scultura dell'antica Grecia nel suo sviluppo ha attraversato un percorso difficile, aprendo la strada allo sviluppo dell'arte plastica delle epoche successive in vari paesi.

È noto che i più antichi maestri dell'arte plastica non scolpivano nella pietra, ma fondevano nel bronzo. Nei secoli successivi all'epoca della civiltà greca, era preferibile conservare i capolavori in bronzo che venivano fusi in cupole o monete, e successivamente in cannoni. In un secondo momento, le tradizioni stabilite dalle antiche sculture greche furono arricchite con nuovi sviluppi e conquiste, mentre gli antichi canoni servirono come base necessaria, base per lo sviluppo dell'arte plastica in tutte le epoche successive.

6. Casa. compito: cap.8, st.84-91., compito st.91.

ELENCO DELLE FONTI UTILIZZATE

1. Cultura antica. Riferimento al dizionario / sotto il generale. ed. V.N. Yarkho-M., 2002

2. Bystrova A. N. "Il mondo della cultura, i fondamenti degli studi culturali"
Polikarpov V.S. Lezioni di studi culturali - M.: "Gardarika", "Expert Bureau", 1997

3. Vipper B.R. Arte dell'antica Grecia. - M., 1972

4. Gnedich P.P. Storia mondiale delle arti - M., 2000

5. Gribunina N.G. Storia della cultura artistica mondiale, in 4 parti. Parti 1, 2. - Tver', 1993

6. Dmitrieva, Akimova. Arte antica. Saggi. - M., 1988

scultura antica

EREMO

Afrodite

Afrodite

Afrodite (Venere Taurida)
Descrizione:
Secondo la Teogonia di Esiodo, Afrodite nacque nei pressi dell'isola di Citera dal seme e dal sangue di Urano castrato da Crono, che cadde in mare e formò una schiuma bianca come la neve (da qui il soprannome di "nato dalla schiuma"). La brezza la portò sull'isola di Cipro (o lei stessa navigò lì, perché non le piaceva Kiefera), dove lei, emersa dalle onde del mare, fu accolta da Ores.

La statua di Afrodite (Venere Tauride) risale al III secolo a.C. e., ora è all'Ermitage ed è considerata la sua statua più famosa. La scultura divenne la prima statua antica di una donna nuda in Russia. Statua in marmo a grandezza naturale di Venere al bagno (altezza 167 cm), sul modello di Afrodite di Cnido o Venere Capitolina. Mancano le braccia della statua e un frammento del naso. Prima di entrare allo Stato dell'Ermitage, decorò il giardino del Palazzo Tauride, da cui il nome. In passato la "Venere Tauride" doveva decorare il parco. Tuttavia, la statua fu consegnata in Russia molto prima, anche sotto Pietro I e grazie ai suoi sforzi. L'iscrizione sull'anello bronzeo del piedistallo ricorda che Venere fu donata da Clemente XI a Pietro I (a seguito di uno scambio con le reliquie di Santa Brigida, inviate a papa Pietro I). La statua fu scoperta nel 1718 durante gli scavi a Roma. Scultore sconosciuto del III secolo. AVANTI CRISTO. raffigurava la dea nuda dell'amore e della bellezza Venere. Una figura snella, linee arrotondate e morbide, forme del corpo morbidamente modellate: tutto parla di una percezione sana e casta della bellezza femminile. Insieme a una calma moderazione (postura, espressione facciale), un modo generalizzato, estraneo alla frammentazione e ai dettagli fini, nonché una serie di altre caratteristiche caratteristiche dell'arte dei classici (V-IV secolo a.C.), il creatore di Venere incarnò in lei la sua idea di bellezza, associata agli ideali del III secolo a.C. e. (proporzioni aggraziate: vita alta, gambe leggermente allungate, collo sottile, testa piccola, inclinazione della figura, rotazione del corpo e della testa).

Italia. Scultura antica nei Musei Vaticani.

Iosif Brodskij

Torso

Se all'improvviso vaghi nell'erba di pietra,
sembrando meglio nel marmo che nella realtà,
Oppure noti un fauno che si abbandona a una festa
con una ninfa, ed entrambi in bronzo sono più felici che in sogno,
potrai liberare il bastone dalle tue mani stanche:
sei nell'Impero, amico.

Aria, fuoco, acqua, fauni, naiadi, leoni,
presi dalla natura o dalla testa, -
tutto ciò che Dio ha inventato e continua a stancarsi
cervello, trasformato in pietra o metallo.
Questa è la fine delle cose, questa è la fine della strada
specchio per entrare.

Mettiti in una nicchia libera e, alzando gli occhi al cielo,
guarda i secoli che passano, scomparendo dietro
angolo e come cresce il muschio all'inguine
e la polvere cade sulle spalle: questa abbronzatura delle epoche.
Qualcuno taglierà la mano e la testa dalla spalla
rotola giù, bussando.

E ci sarà un torso, una somma senza nome di muscoli.
Mille anni dopo, un topo viveva in una nicchia con
con l'artiglio rotto, senza aver superato il granito,
uscire una sera, cigolare, tritare
dall'altra parte della strada per non entrare nella buca
a mezzanotte. Non la mattina.

10 segreti di sculture famose

Il silenzio delle grandi statue racchiude molti segreti. Quando ad Auguste Rodin è stato chiesto come realizza le sue statue, lo scultore ha ripetuto le parole del grande Michelangelo: "Prendo un blocco di marmo e ne taglio tutto il superfluo". Questo è probabilmente il motivo per cui la scultura di un vero maestro crea sempre la sensazione di un miracolo: sembra che solo un genio sia in grado di vedere la bellezza nascosta in un pezzo di pietra.

Siamo sicuri che in quasi ogni opera d'arte significativa si nasconde un mistero, un “doppio fondo” o una storia segreta che si desidera scoprire. Oggi ne condivideremo alcuni.

1. Mosè cornuto

Michelangelo Buanarotti, Mosè, 1513-1515

Michelangelo raffigurò Mosè con le corna sulla sua scultura. Molti storici dell’arte attribuiscono questo ad un’errata interpretazione della Bibbia. Il Libro dell'Esodo dice che quando Mosè scese dal monte Sinai con le tavolette, era difficile per gli ebrei guardarlo in faccia. A questo punto della Bibbia viene usata una parola che può essere tradotta dall'ebraico sia come “raggi” che come “corna”. Tuttavia, dal contesto possiamo sicuramente dire che stiamo parlando di raggi di luce: che il volto di Mosè era splendente e non cornuto.

2. Antichità del colore

"Agosto da Prima Porta", statua antica.

Per molto tempo si è creduto che le antiche sculture greche e romane realizzate in marmo bianco fossero originariamente incolori. Tuttavia, recenti studi condotti da scienziati hanno confermato l'ipotesi che le statue fossero dipinte in un'ampia gamma di colori, che alla fine scomparivano se esposte prolungatamente alla luce e all'aria.

3. La sofferenza della Sirenetta

Edvard Eriksen, La Sirenetta, 1913

La statua della Sirenetta di Copenaghen è una delle più longeve del mondo: è lei la più amata dai vandali. La sua storia è stata molto turbolenta. È stato rotto e fatto a pezzi molte volte. E ora si possono ancora trovare "cicatrici" appena percettibili sul collo, apparse a causa della necessità di sostituire la testa della scultura. La Sirenetta venne decapitata due volte: nel 1964 e nel 1998. Nel 1984, la sua mano destra fu segata. L'8 marzo 2006, un vibratore è stato posto sulla mano della sirena e la sfortunata donna stessa è stata spruzzata di vernice verde. Inoltre, sul retro c'era la scritta scarabocchiata “Dall'8 marzo!”. Nel 2007, le autorità di Copenaghen hanno annunciato che la statua avrebbe potuto essere spostata più all'interno del porto per evitare ulteriori atti vandalici e per impedire ai turisti di tentare costantemente di scalarla.

4. "Bacio" senza bacio

Auguste Rodin, Il bacio, 1882

La celebre scultura di Auguste Rodin "Il Bacio" era originariamente chiamata "Francesca da Rimini", in onore della nobile dama italiana del XIII secolo su di essa raffigurata, il cui nome fu immortalato dalla Divina Commedia di Dante (Secondo Cerchio, Quinto Canto). La signora si innamorò del fratello minore del marito Giovanni Malatesta, Paolo. Mentre leggevano la storia di Lancillotto e Ginevra, furono scoperti e poi uccisi dal marito di lei. Sulla scultura si vede Paolo che tiene un libro in mano. Ma in realtà gli innamorati non si toccano con le labbra, come se suggerissero che sono stati uccisi senza commettere peccato.
La ridenominazione della scultura in una più astratta - Kiss (Le Baiser) - fu fatta dai critici che la videro per la prima volta nel 1887.

5. Il segreto del velo di marmo

Raffaello Monti, "Velo di marmo", metà del XIX secolo

Quando guardi le statue ricoperte da un velo di marmo traslucido, pensi involontariamente a come sia possibile realizzarlo anche dalla pietra. Riguarda la speciale struttura del marmo utilizzato per queste sculture. Il blocco, che doveva diventare una statua, doveva avere due strati: uno più trasparente, l'altro più denso. Tali pietre naturali sono difficili da trovare, ma esistono. Il maestro aveva una trama in testa, sapeva che tipo di blocco stava cercando. La lavorò, osservando la struttura di una superficie normale, e camminò lungo il confine che separa la parte più densa e trasparente della pietra. Di conseguenza, i resti di questa parte trasparente "risplendevano", dando l'effetto di un velo.

6Il David perfetto realizzato in marmo danneggiato

Michelangelo Buanarotti, "Davide", 1501-1504

La famosa statua del David fu realizzata da Michelangelo con un pezzo di marmo bianco avanzato da un altro scultore, Agostino di Duccio, che tentò senza successo di lavorare con questo pezzo e poi lo abbandonò.

A proposito, David, che per secoli è stato considerato un modello di bellezza maschile, non è così perfetto. Il fatto è che è un idiota. Questa conclusione è stata raggiunta dallo scienziato americano Mark Levoy dell'Università di Stanford, che ha esaminato la statua utilizzando la tecnologia laser-computer. Il “difetto visivo” della scultura alta più di cinque metri è impercettibile, poiché è posta su un alto piedistallo. Secondo gli esperti, Michelangelo ha deliberatamente dotato la sua prole di questo difetto, perché voleva che il profilo del David fosse perfetto da qualsiasi angolazione.
La morte ha ispirato la creatività

7. Il bacio della morte, 1930

La statua più misteriosa del cimitero catalano di Poblenou si chiama "Il bacio della morte". Lo scultore che lo realizzò è ancora sconosciuto. Di solito la paternità del Bacio viene attribuita a Jaume Barba, ma c'è chi è sicuro che il monumento sia stato scolpito da Joan Fonbernat. La scultura si trova in uno degli angoli più remoti del cimitero di Poblenou. È stata lei a ispirare il regista Bergman a creare il film "Il settimo sigillo" - sulla comunicazione tra il Cavaliere e la Morte.

8. Mani di Venere di Milo

Agesandro (?), Venere di Milo, c. 130-100 a.C
La figura di Venere occupa un posto d'onore al Louvre di Parigi. Un certo contadino greco la trovò nel 1820 sull'isola di Milos. Al momento del ritrovamento la figura era spezzata in due grandi frammenti. Nella mano sinistra, la dea teneva una mela e con la mano destra teneva una veste cadente. Comprendendo il significato storico di questa antica scultura, gli ufficiali della marina francese ordinarono che la statua di marmo fosse portata via dall'isola. Mentre Venere veniva trascinata sulle rocce verso la nave in attesa, scoppiò uno scontro tra i portatori ed entrambe le braccia si spezzarono. I marinai stanchi si rifiutarono categoricamente di tornare e cercare le parti rimanenti.

9. Bella imperfezione della Nike di Samotracia

Nika di Samotracia, II sec. AVANTI CRISTO.
La statua di Nike fu ritrovata sull'isola di Samotracia nel 1863 da Charles Champoiseau, console e archeologo francese. Scolpita in marmo pario dorato, una statua sull'isola incoronava l'altare delle divinità marine. I ricercatori ritengono che uno scultore sconosciuto abbia creato la Nike nel II secolo a.C. come segno delle vittorie navali greche. Le mani e la testa della dea sono irrimediabilmente perdute. Fatto e tentato ripetutamente di ripristinare la posizione originale delle mani della dea. Si presume che la mano destra, sollevata, reggesse un calice, una ghirlanda o una tromba. È interessante notare che i ripetuti tentativi di ripristinare le mani della statua non hanno avuto successo: hanno tutti rovinato il capolavoro. Questi fallimenti ci costringono ad ammettere: Nika è bella proprio così, perfetta nella sua imperfezione.

10. Mistico Cavaliere di Bronzo

Etienne Falcone, Monumento a Pietro I, 1768-1770
Il Cavaliere di Bronzo è un monumento circondato da storie mistiche e ultraterrene. Una delle leggende a lui associate dice che durante la guerra patriottica del 1812, Alessandro I ordinò che opere d'arte particolarmente preziose fossero portate fuori dalla città, incluso un monumento a Pietro I. In questo momento, un certo maggiore Baturin ottenne un incontro con l'amico personale dello zar, il principe Golitsyn, e gli disse che lui, Baturin, era perseguitato dallo stesso sogno. Si vede in Piazza del Senato. Il volto di Peter si volta. Il cavaliere lascia la sua roccia e si dirige lungo le strade di San Pietroburgo fino a Kamenny Ostrov, dove visse allora Alessandro I. Il cavaliere entra nel cortile del Palazzo Kamenoostrovsky, da cui esce per incontrarlo il sovrano. "Giovanotto, a cosa hai portato la mia Russia", gli dice Pietro il Grande, "ma finché sono sul posto, la mia città non ha nulla da temere!" Quindi il cavaliere si volta indietro e si sente di nuovo il "galoppo dalla voce pesante". Colpito dalla storia di Baturin, il principe Golitsyn trasmise il sogno al sovrano. Di conseguenza, Alessandro I annullò la sua decisione di evacuare il monumento. Il monumento è rimasto al suo posto.

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La Grecia e l'arte sono concetti inseparabili. In numerosi musei archeologici si possono vedere sculture antiche e statue in bronzo, molte delle quali furono sollevate dal fondo del Mar Egeo. I musei di storia locale espongono oggetti di artigianato e tessuti, e i migliori musei di Atene sono alla pari con le gallerie d'arte di altre parti d'Europa.

Atene, Museo Archeologico del Pireo.
Origine: La statua fu scoperta tra le altre nel 1959 al Pireo, all'incrocio tra le vie Georgiou e Filona, ​​in un magazzino vicino all'antico porto. La scultura fu nascosta in questa stanza dalle truppe di Silla nell'86 a.C. e.
Descrizione: Statua in bronzo di Artemide
Questo tipo di potente figura femminile era originariamente identificata come una poetessa o musa dalle composizioni scultoree di Silanion. Questa statua è identificata come immagine di Artemide dalla presenza di una fionda per faretra sul dorso, nonché dalla posizione delle dita della mano in cui si trovava l'arco. Quest'opera cleissicizzante è attribuita a Eufranore sulla base della sua somiglianza con Apollo Patros sull'Agorà.

La scultura dell'antica Grecia occupava un posto importante nell'arte greca antica ed era il risultato più alto nella cultura del mondo antico.

La scultura dell'antica Grecia in tutte le sue manifestazioni è sempre rimasta profondamente antropocentrica, esprimendo la religiosità e il mondo spirituale di una persona o di un atto sacro che lo scultore ha cercato di catturare e trasmettere.

La maggior parte delle sculture furono realizzate per essere offerte ai santuari o come monumenti funerari. La particolarità dell'arte greca era che il maestro, creando opere, cercava di trasmettere la bellezza e la perfezione del corpo umano.

Nelle forme delle prime statue si cerca di equilibrare la divinità e l'uomo, nell'espressione delle loro emozioni. La scultura dell'antica Grecia raggiunse la sua massima fioritura nel V secolo a.C. e, mentre l'origine della scultura dell'Antica Grecia è da attribuire ai secoli XII-VIII a.C. e.

Inizialmente, gli artigiani greci utilizzavano materiali morbidi nel loro lavoro: legno e pietra calcarea porosa, successivamente marmo. La fusione del bronzo fu la prima ad essere utilizzata dai maestri dell'isola di Samos.

Le figurine del periodo omerico raffiguravano dei o eroi, nell'opera dei maestri l'interesse per la plasticità del corpo è solo delineato.

Durante il periodo arcaico scultura dell'antica Grecia, acquista un sorriso arcaico, trasformando sempre di più i volti delle sculture per assumere l'immagine di una persona, il corpo acquisisce un armonioso equilibrio di forme. Gli uomini erano raffigurati nudi, mentre la donna era vestita.

A quel tempo, nell'arte scultorea dell'antica Grecia, erano diffusi i kouros: giovani ragazzi, realizzati principalmente per rituali commemorativi. I maestri raffiguravano il kuros sobrio, con una buona postura, un sorriso, con i pugni chiusi, l'acconciatura del kuros somigliava a una parrucca. Una delle sculture di kouros più famose è "Kouros di Tenea" (κούρος της Τενέας). La scultura è stata ritrovata nei pressi di Corinto, a Tenea, nel tempio di Apollo. Ora è conservato nel Museo di Monaco.

Giovani ragazze o kors, i greci raffiguravano in abiti tradizionali, con una tunica o un peplo. Kora (κόρη) - un tipo specifico di statua con forme femminili di epoca arcaica, vale a dire della seconda metà del VII secolo a.C. Una ricca acconciatura, gioielli alla moda e ornamenti colorati di vestiti: ecco come li raffiguravano gli scultori dell'antica Grecia.

L'età classica è ciò che chiamiamo il periodo che inizia nel 480 a.C. e termina nel 323 a.C., cioè dalla fine delle guerre greco-persiane alla morte di Alessandro Magno. Durante questo periodo ci furono importanti cambiamenti sociali e innovazioni parallele nella scultura dell'antica Grecia. Gli antichi greci concentravano la loro attenzione nel trasmettere spirito e passione. Gli artisti studiano il linguaggio del corpo per rivelare i loro pensieri più intimi, per mostrare il movimento del corpo: la posizione degli arti, della testa e del torace.

La prima statua, che raffigura essenzialmente la fine di un'epoca e l'inizio di un'altra, è il "Ragazzo di Crizia" (Κριτίου παίς), conservato nel Museo dell'Acropoli. Questa statua di un adolescente nudo alta 1,67 m è uno degli esempi più belli e perfetti della prima arte classica. La scultura unisce movimento, plasticità, la serietà appare nell'espressione del viso.

La famosa scultura dell'auriga (conduttore del carro) appartiene al periodo dei primi classici, è conservata nel Museo di Delfi. La statua di un giovane è in bronzo, ha un'altezza di 1,8 m, indossa un chitone con maniche, mostra il braccio muscoloso del giovane, in mano tiene frammenti delle redini. Ben trasmesso il drappeggio delle pieghe degli abiti, che corrispondono ai movimenti.

Tra 450-420 anni. AVANTI CRISTO e. periodo classico, la scultura dell'antica Grecia viene modificata. Ora le sculture hanno più morbidezza, plasticità e maturità. Caratteristiche dell'arte classica erano rappresentate da Fidia nelle sculture del Partenone.

In questo momento apparvero altri degni scultori: Agoracritos, Alkamen, Kolot, esperti nella realizzazione di statue in oro e avorio. Callimaco, fu uno degli inventori dell'ordine corinzio, Policleto, che raffigurava gli atleti, fu il primo a scrivere un testo teorico sulla scultura, e altri.

Durante il periodo tardo classico, nella scultura dell'antica Grecia, compaiono tendenze nello studio della forma umana nello spazio tridimensionale, c'è più bellezza sensuale e drammaticità.

I grandi scultori di questo periodo sono: Kefisodot ("Eirena con un bambino in braccio"), Πρaxiteles, che creò il giovane Maratona e Afrodite di Cnido, Efranore, Silanion, Leocharus, Scopa e Lisippo, gli ultimi scultori del tardo classico periodo che aprì la strada all'era dell'arte ellenistica.

L'era ellenistica nella scultura dell'antica Grecia si rifletteva in un'interpretazione più differenziata delle forme plastiche, nella complicazione degli angoli e nei più piccoli dettagli. Si sviluppa la scultura monumentale, compaiono enormi composizioni in rilievo, gruppi multifigura, rilievi, che sono parte integrante dell'espressione dell'arte scultorea, la piccola plasticità è complicata dalla vitalità delle immagini.

Le opere più famose di questo periodo: la Nika di Samotracia di Pythokrit, alta 3,28 m, la Venere di Milo, alta 2,02 m, realizzata dallo scultore Alessandro di Antiochia, è conservata al Louvre, Laocoonte e i suoi figli degli scultori di Rodi Agesandro di Rodi , Polidoro e Atenodoro, si trova in Vaticano.

La scultura dell'antica Grecia è lo standard principale nel mondo dell'arte scultorea, che continua a ispirare gli scultori moderni a creare capolavori artistici. Temi frequenti di sculture e composizioni in stucco degli antichi scultori greci erano le battaglie di grandi eroi, mitologia e leggende, sovrani e antichi dei greci.

La scultura greca ebbe uno sviluppo particolare nel periodo che va dall'800 al 300 a.C. e. Quest'area della scultura trasse ispirazione iniziale dall'arte monumentale egiziana e del Vicino Oriente e si sviluppò nel corso dei secoli in una visione greca unica della forma e della dinamica del corpo umano.

I pittori e gli scultori greci raggiunsero l'apice dell'eccellenza artistica catturando i tratti sfuggenti di una persona e mostrandoli in un modo che nessun altro avrebbe mai potuto mostrare. Gli scultori greci erano particolarmente interessati alle proporzioni, all'equilibrio e alla perfezione idealizzata del corpo umano, e le loro figure in pietra e bronzo sono diventate alcune delle opere d'arte più riconoscibili mai create da qualsiasi civiltà.

L'origine della scultura nell'antica Grecia

A partire dall'VIII secolo aC, la Grecia arcaica vide un incremento della produzione di piccole figure solide in argilla, avorio e bronzo. Indubbiamente, anche il legno era un materiale ampiamente utilizzato, ma la sua suscettibilità all'erosione non consentiva la produzione in serie di prodotti in legno, poiché non mostravano la necessaria durabilità. Figure in bronzo, teste umane, mostri mitici e in particolare grifoni venivano usati come decorazioni e manici per vasi, calderoni e ciotole di bronzo.

Nello stile, le figure umane greche hanno linee geometriche espressive, che spesso si possono trovare sulla ceramica di quel tempo. I corpi di guerrieri e dei sono raffigurati con arti allungati e busto triangolare. Spesso anche le creazioni dell'antica Grecia sono decorate con figure di animali. Molti sono stati ritrovati in tutta la Grecia in luoghi di rifugio come Olimpia e Delfi, indicando la loro funzione comune come amuleti e oggetti di culto.

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Le più antiche sculture greche in pietra calcarea risalgono alla metà del VII secolo a.C. e furono trovate a Thera. In questo periodo compaiono sempre più spesso anche figure in bronzo. Dal punto di vista delle intenzioni dell'autore, le trame delle composizioni scultoree diventavano sempre più complesse e ambiziose e potevano già raffigurare guerrieri, scene di battaglia, atleti, carri e persino musicisti con strumenti dell'epoca.

La scultura in marmo appare all'inizio del VI secolo a.C. Le prime statue monumentali in marmo a grandezza naturale servivano come monumenti dedicati a eroi e personaggi nobili, oppure erano collocate in santuari in cui si svolgeva il servizio simbolico agli dei.

Le prime grandi figure in pietra trovate in Grecia raffiguravano giovani uomini vestiti con abiti femminili, accompagnati da una mucca. Le sculture erano statiche e rozze, come nelle statue monumentali egiziane, le braccia erano poste diritte lungo i fianchi, le gambe erano quasi unite e gli occhi guardavano dritto davanti a sé senza alcuna particolare espressione facciale. Queste figure piuttosto statiche si sono evolute lentamente attraverso i dettagli dell'immagine. Maestri di talento si sono concentrati sui più piccoli dettagli dell'immagine, come capelli e muscoli, grazie ai quali le figure hanno cominciato a prendere vita.

Una posa caratteristica delle statue greche era la posizione in cui le braccia sono leggermente piegate, il che conferisce loro tensione nei muscoli e nelle vene, e una gamba (solitamente quella destra) è leggermente avanzata in avanti, dando il senso del movimento dinamico delle statue greche. statua. È così che sono apparse le prime immagini realistiche del corpo umano in dinamica.

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Pittura e colorazione dell'antica scultura greca

All'inizio del XIX secolo, scavi sistematici di antichi siti greci avevano portato alla luce molte sculture con tracce di superfici multicolori, alcune delle quali erano ancora visibili. Nonostante ciò, influenti storici dell’arte come Johann Joachim Winckelmann si opposero così fortemente all’idea della scultura greca dipinta che i sostenitori delle statue dipinte furono etichettati come eccentrici e le loro opinioni furono in gran parte soppresse per oltre un secolo.

Solo gli articoli scientifici pubblicati dall'archeologo tedesco Vindzenik Brinkmann tra la fine del XX e l'inizio del XXI secolo descrivono la scoperta di una serie di famose sculture dell'antica Grecia. Utilizzando lampade ad alta intensità, luce ultravioletta, camere appositamente progettate, calchi in gesso e alcuni minerali in polvere, Brinkmann dimostrò che l'intero Partenone, compreso il suo corpo principale, così come le statue, erano dipinti in diversi colori. Successivamente, ha analizzato chimicamente e fisicamente i pigmenti della vernice originale per determinarne la composizione.

Brinkmann creò diverse repliche dipinte a colori di statue greche che andarono in tournée in tutto il mondo. La collezione comprendeva copie di molte opere di scultura greca e romana, dimostrando così che la pratica della pittura scultorea era la norma e non l'eccezione nell'arte greca e romana.

I musei in cui sono stati esposti i reperti hanno notato il grande successo della mostra tra i visitatori, dovuto a una certa discrepanza tra i soliti atleti greci bianchi come la neve e quelle statue luminose che erano realmente. Le sedi includono il Museo Gliptoteca di Monaco, i Musei Vaticani e il Museo Archeologico Nazionale di Atene. La collezione ha fatto il suo debutto americano all'Università di Harvard nell'autunno del 2007.

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Fasi della formazione della scultura greca

Lo sviluppo dell'arte scultorea in Grecia ha attraversato diverse fasi significative. Ognuno di loro si rifletteva nella scultura con i suoi tratti caratteristici, evidenti anche ai non professionisti.

fase geometrica

Si ritiene che la prima incarnazione della scultura greca fosse sotto forma di statue di culto in legno, descritte per la prima volta da Pausania. Nessuna prova di ciò è sopravvissuta e le loro descrizioni sono vaghe, nonostante siano stati probabilmente oggetti di venerazione per centinaia di anni.

La prima vera testimonianza di scultura greca fu trovata sull'isola di Eubea e datata al 920 a.C. Era una statua di un centauro di Lefkandi di mano di una scultura in terracotta sconosciuta. La statua è stata ricostruita poiché è stata deliberatamente fracassata e sepolta in due tombe separate. Il centauro ha un segno distinto (ferita) sul ginocchio. Ciò ha permesso ai ricercatori di suggerire che la statua potrebbe raffigurare Chirone, ferito dalla freccia di Ercole. Se fosse vera, questa potrebbe essere considerata la prima descrizione conosciuta del mito nella storia della scultura greca.

Le sculture del periodo geometrico (dal 900 al 700 a.C. circa) erano piccole figurine di terracotta, bronzo e avorio. Le opere scultoree tipiche di quest'epoca sono rappresentate da numerosi esempi di statue equestri. Tuttavia, il repertorio della trama non si limita a uomini e cavalli, poiché alcuni esempi di statue e stucchi rinvenuti di quel periodo raffigurano immagini di cervi, uccelli, scarafaggi, lepri, grifoni e leoni.

Non ci sono iscrizioni sulla scultura geometrica del primo periodo fino all'apparizione della statua di Manticolo "Apollo" dell'inizio del VII secolo a.C., rinvenuta a Tebe. La scultura rappresenta la figura di un uomo in piedi con un'iscrizione ai suoi piedi. Questa iscrizione è una sorta di istruzione per aiutarsi a vicenda e ricambiare gentilezza per gentilezza.

periodo arcaico

Ispirati dalla monumentale scultura in pietra dell'Egitto e della Mesopotamia, i greci iniziarono di nuovo a scolpire la pietra. Le singole figure condividono la durezza e la postura frontale caratteristiche dei modelli orientali, ma le loro forme sono più dinamiche di quelle della scultura egiziana. Un esempio delle sculture di questo periodo sono le statue di Lady Auxerre e il torso di Era (primo periodo arcaico - 660-580 a.C., esposte al Louvre, Parigi).

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Tali figure avevano una caratteristica nell'espressione facciale: un sorriso arcaico. Questa espressione, che non ha alcuna attinenza specifica con la persona o la situazione raffigurata, potrebbe essere stata uno strumento dell'artista per dare animazione e "vivacità" alle figure.

Durante questo periodo, la scultura era dominata da tre tipi di figure: un giovane nudo in piedi, una ragazza in piedi vestita con abiti tradizionali greci e una donna seduta. Sottolineano e generalizzano le caratteristiche principali della figura umana e mostrano una comprensione e una conoscenza sempre più accurata dell'anatomia umana.

Le statue dell'antica Grecia di giovani nudi, in particolare il famoso Apollo, erano spesso presentate in dimensioni enormi, che avrebbero dovuto mostrare potere e forza maschile. In queste statue i dettagli della muscolatura e della struttura scheletrica sono molto più visibili che nelle prime opere geometriche. Le ragazze vestite hanno una vasta gamma di espressioni facciali e posture, come nelle sculture dell'acropoli ateniese. Il loro panneggio è scolpito e dipinto con la delicatezza e la meticolosità caratteristiche dei dettagli della scultura di questo periodo.

I Greci decisero molto presto che la figura umana era il soggetto più importante dell'attività artistica. Basti ricordare che i loro dei hanno un aspetto umano, il che significa che non c'era differenza tra sacro e secolare nell'arte: il corpo umano era allo stesso tempo secolare e sacro. Una figura maschile nuda, senza riferimento a un personaggio, potrebbe facilmente diventare Apollo o Ercole, o rappresentare un potente olimpionico.

Come nel caso della ceramica, i greci non producevano sculture solo per esposizione artistica. Le statue venivano realizzate su ordinazione sia da aristocratici e nobili, sia dallo stato, e venivano utilizzate per commemorazioni pubbliche, per la decorazione di templi, oracoli e santuari (come spesso dimostrano antiche iscrizioni sulle statue). I greci usavano le sculture anche come monumenti per le tombe. Le statue del periodo arcaico non dovevano rappresentare persone specifiche. Queste erano immagini di bellezza ideale, pietà, onore o sacrificio. Ecco perché gli scultori hanno sempre creato sculture di giovani, dall'adolescenza alla prima età adulta, anche quando venivano collocate sulle tombe di (presumibilmente) cittadini anziani.

periodo classico

Il periodo classico fece una rivoluzione nella scultura greca, a volte associata dagli storici a cambiamenti radicali nella vita sociale e politica: l'introduzione della democrazia e la fine dell'era aristocratica. Il periodo classico portò con sé cambiamenti nello stile e nella funzione della scultura, nonché un drammatico aumento dell'abilità tecnica degli scultori greci nel rappresentare forme umane realistiche.

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Anche le pose divennero più naturali e dinamiche, soprattutto all'inizio del periodo. Fu durante questo periodo che le statue greche iniziarono a raffigurare sempre più persone reali, piuttosto che vaghe interpretazioni di miti o personaggi del tutto immaginari. Sebbene lo stile in cui sono stati presentati non si sia ancora sviluppato in una forma realistica di ritrattistica. Le statue di Armodio e Aristogitone, create ad Atene, simboleggiano il rovesciamento della tirannia aristocratica e, secondo gli storici, diventano i primi monumenti pubblici che mostrano le figure di persone reali.

Il periodo classico vide anche il fiorire dell'arte dello stucco e dell'uso delle sculture come decorazioni per gli edifici. Templi caratteristici dell'era classica, come il Partenone di Atene e il Tempio di Zeus ad Olimpia, utilizzavano modanature in rilievo per fregi decorativi, decorazioni di pareti e soffitti. La complessa sfida estetica e tecnica affrontata dagli scultori di quel periodo contribuì alla creazione di innovazioni scultoree. La maggior parte delle opere di quel periodo sono sopravvissute solo sotto forma di frammenti separati, ad esempio la decorazione in stucco del Partenone si trova oggi in parte al British Museum.

In questo periodo la scultura funeraria fece un grande salto, passando dalle statue rigide e impersonali del periodo arcaico ai personalissimi gruppi familiari dell'epoca classica. Questi monumenti si trovano solitamente nei sobborghi di Atene, che anticamente erano cimiteri alla periferia della città. Sebbene alcuni di loro rappresentino tipi di persone "ideali" (una madre desiderosa, un figlio obbediente), stanno diventando sempre più la personificazione di persone reali e, di regola, mostrano che il defunto lascia questo mondo con dignità, lasciando la sua famiglia. Si tratta di un notevole aumento del livello delle emozioni rispetto alle epoche arcaica e geometrica.

Un altro cambiamento notevole è il fiorire del lavoro creativo di scultori di talento i cui nomi sono passati alla storia. Tutte le informazioni conosciute sulle sculture dei periodi arcaico e geometrico si concentrano sulle opere stesse, con poca attenzione ai loro autori.

Periodo ellenistico

Il passaggio dal periodo classico a quello ellenistico (o greco) avvenne nel IV secolo a.C. L'arte greca si diversificò sempre più sotto l'influenza delle culture dei popoli coinvolti nell'orbita greca, le conquiste di Alessandro Magno (336-332 a.C.). Secondo alcuni storici dell'arte, ciò portò ad una diminuzione della qualità e dell'originalità della scultura, tuttavia, le persone di quel tempo potrebbero non condividere questa opinione.

È noto che molte sculture, precedentemente considerate geni dell'era classica, furono effettivamente create nel periodo ellenistico. L'abilità tecnica e il talento degli scultori ellenistici sono evidenti in opere importanti come la Vittoria Alata di Samotracia e l'Altare di Pergamo. Nuovi centri della cultura greca, soprattutto nella scultura, si svilupparono ad Alessandria, Antiochia, Pergamo e in altre città. Nel II secolo a.C., la crescente potenza di Roma aveva fagocitato anche gran parte della tradizione greca.

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Durante questo periodo, la scultura conobbe nuovamente uno spostamento verso il naturalismo. Gli eroi per la creazione di sculture ora sono diventati persone comuni: uomini, donne con bambini, animali e scene domestiche. Molte delle creazioni di quel periodo furono commissionate da famiglie benestanti per decorare le proprie case e i propri giardini. Furono create figure realistiche di uomini e donne di tutte le età e gli scultori non si sentirono più obbligati a rappresentare le persone come ideali di bellezza o perfezione fisica.

Allo stesso tempo, le nuove città ellenistiche che sorsero in Egitto, Siria e Anatolia avevano bisogno di statue raffiguranti gli dei e gli eroi della Grecia per i loro templi e spazi pubblici. Ciò ha portato al fatto che la scultura, come la produzione di ceramica, è diventata un'industria con successiva standardizzazione e qualche diminuzione della qualità. Ecco perché fino ad oggi sono sopravvissute molte più creazioni ellenistiche rispetto alle epoche del periodo classico.

Insieme allo spostamento naturale verso il naturalismo, ci fu anche un cambiamento nell’espressione e nell’incarnazione emotiva delle sculture. Gli eroi delle statue iniziarono ad esprimere più energia, coraggio e forza. Un modo semplice per apprezzare questo cambiamento di espressione è confrontare le creazioni più note del periodo ellenistico con quelle del periodo classico. Uno dei capolavori più famosi del periodo classico è la scultura Delphi Carrier, che esprime umiltà e umiltà. Allo stesso tempo, le sculture del periodo ellenistico riflettono forza ed energia, particolarmente pronunciate nell'opera "Il fantino di Artemisia".

Le sculture ellenistiche più famose al mondo sono la Vittoria Alata di Samotracia (I secolo a.C.) e la statua di Afrodite proveniente dall'isola di Melos, meglio conosciuta come Venere di Milo (metà del II secolo a.C.). Queste statue raffigurano soggetti e temi classici, ma la loro esecuzione è molto più sensuale ed emotiva di quanto consentisse il duro spirito del periodo classico e le sue capacità tecniche.

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Anche la scultura ellenistica subì un aumento di scala, culminato nel Colosso di Rodi (fine del III secolo), che gli storici ritengono fosse paragonabile per dimensioni alla Statua della Libertà. Una serie di terremoti e saccheggi distrussero questa eredità dell'antica Grecia, come molte altre importanti opere di questo periodo, la cui esistenza è descritta nelle opere letterarie dei contemporanei.

Dopo le conquiste di Alessandro Magno, la cultura greca si diffuse in India, come testimoniano gli scavi di Ai-Khanoum nell'Afghanistan orientale. L'arte greco-buddista rappresentava uno stadio intermedio tra l'arte greca e l'espressione visiva del buddismo. Scoperte effettuate a partire dalla fine del XIX secolo riguardanti l'antica città egiziana di Eracle hanno rivelato i resti di una statua di Iside risalente al IV secolo a.C.

La statua raffigura una dea egizia in modo insolitamente sensuale e sottile. Questo non è tipico per gli scultori di quella zona, perché l'immagine è dettagliata e femminile, il che simboleggia la combinazione di forme egiziane ed ellenistiche durante la conquista dell'Egitto da parte di Alessandro Magno.

La scultura dell'antica Grecia è la progenitrice di tutta l'arte mondiale! Fino ad ora, i capolavori dell'antica Grecia attirano milioni di turisti e amanti dell'arte che cercano di toccare con mano la bellezza e il talento che non sono soggetti al tempo.

Delle ORIGINI abbiamo già parlato. La linea tratteggiata prevista è stata interrotta per ragioni oggettive, ma voglio comunque continuare. Ti ricordo che ci siamo fermati nella storia profonda - nell'arte dell'antica Grecia. Cosa ricordiamo del curriculum scolastico? Di norma, tre nomi sono saldamente radicati nella nostra memoria: Miron, Phidias, Poliklet. Poi ricordiamo che c'erano anche Lisippo, Skopa, Prassitele e Leocar ... Quindi vediamo cosa è cosa, quindi il tempo dell'azione è 4-5 secoli aC, la scena è l'antica Grecia.

PITAGORA REGIA
Pitagora Regius (V secolo a.C.) è uno scultore greco antico del primo periodo classico, le cui opere sono conosciute solo da menzioni di autori antichi. Sono sopravvissute diverse copie romane delle sue opere, inclusa la mia preferita, Il ragazzo che tira fuori una scheggia. Quest'opera ha dato origine alla cosiddetta scultura del giardinaggio paesaggistico.

Pitagora Ragazzo regio rimuove una scheggia intorno alla metà del V secolo a.C br.copia romana del Museo Capitolino

MIRON
Mirone (Μύρων) - scultore della metà del V secolo. AVANTI CRISTO e. Scultore dell'epoca immediatamente precedente la massima fioritura dell'arte greca (fine VI – inizi V secolo). Gli antichi lo caratterizzano come il più grande realista ed esperto di anatomia, il quale però non sapeva dare vita ed espressione ai volti. Ha ritratto divinità, eroi e animali e con amore speciale ha riprodotto pose difficili e fugaci. La sua opera più famosa, "Discobolo", un atleta che intende iniziare un disco, è una statua giunta fino ai nostri giorni in più copie, di cui la migliore è in marmo e si trova nel Palazzo Massimi a Roma.

Discobolo.
FIDIO.
Uno dei fondatori dello stile classico è l'antico scultore greco Fidia, che decorò con le sue sculture sia il tempio di Zeus ad Olimpia che il tempio di Atena (Partenone) sull'acropoli di Atene. Frammenti del fregio scultoreo del Partenone si trovano ora al British Museum (Londra).




Frammenti del fregio e del frontone del Partenone. British Museum, Londra.

Le principali opere scultoree di Fidia (Atena e Zeus) sono andate perdute da tempo, i templi sono stati distrutti e saccheggiati.


Partenone.

Esistono molti tentativi di ricostruire i templi di Atena e Zeus. Puoi leggerlo qui:
Le informazioni sullo stesso Fidia e sulla sua eredità sono relativamente scarse. Tra le statue esistenti oggi, non ce n'è una che appartenga senza dubbio a Fidia. Tutta la conoscenza della sua opera si basa sulle descrizioni di autori antichi, sullo studio di copie successive, nonché sulle opere sopravvissute, che sono attribuite con più o meno certezza a Fidia.

Maggiori informazioni su Fidia http://biography-peoples.ru/index.php/f/item/750-fidij
http://art.1september.ru/article.php?ID=200901207
http://www.liveinternet.ru/users/3155073/post207627184/

Bene, riguardo al resto dei rappresentanti dell'antica cultura greca.

POLICLETO
Scultore greco della seconda metà del V sec. AVANTI CRISTO e. Autore di numerose statue, tra cui quelle dei vincitori di giochi sportivi, per i centri sportivi cult di Argo, Olimpia, Tebe e Megalopoli. L'autore del canone dell'immagine del corpo umano nella scultura, noto come "canone di Policleto", secondo il quale la testa è 1/8 della lunghezza del corpo, il viso e le palme sono 1/10, il il piede è 1/6. Il canone è stato osservato fino alla fine nella scultura greca, la cosiddetta. epoca classica, cioè fino alla fine del IV secolo. AVANTI CRISTO e., quando Lisippo stabilì nuovi principi. La sua opera più famosa è "Dorifor" (Lanciere). Viene da un'enciclopedia.

Policleto. Doriforo. Museo Puškin. Copia in gesso.

PRASSITELI

AFRODITE DEI CNIDI (copia romana da originale IV secolo a.C.) Roma, Musei Nazionali (testa, braccia, gambe, panneggio restaurati)
Una delle opere più famose della scultura antica è Afrodite di Cnido, la prima scultura greca antica (altezza - 2 m.), raffigurante una donna nuda prima del bagno.

Afrodite di Cnido, (Afrodite di Braschi) copia romana, I sec. AVANTI CRISTO. Gliptoteca, Monaco

Afrodite di Cnido. Marmo a grana media. Torso - Copia romana del II secolo. N. copia in gesso del Museo Pushkin
Secondo Plinio gli abitanti dell'isola di Kos ordinarono la statua di Afrodite per il santuario locale. Prassitele eseguiva due opzioni: una dea nuda e una dea vestita. Per entrambe le statue Prassitele stabilì lo stesso compenso. I clienti non hanno rischiato e hanno scelto la versione tradizionale, con la figura drappeggiata. Le sue copie e descrizioni non sono state conservate ed è caduto nell'oblio. E Afrodite di Cnido, rimasta nella bottega dello scultore, fu acquistata dagli abitanti della città di Cnido, il che favorì lo sviluppo della città: i pellegrini iniziarono ad affluire a Cnido, attratti dalla famosa scultura. Afrodite si trovava in un tempio a cielo aperto, visibile da tutti i lati.
Afrodite di Cnido godeva di tale fama e veniva copiata così spesso che su di lei raccontarono persino un aneddoto, che costituì la base dell'epigramma: “Vedendo Ciprida su Knida, Ciprida disse timidamente: “Guai a me, dove Prassitele mi ha visto nudo? "
Prassitele creò la dea dell'amore e della bellezza come personificazione della femminilità terrena, ispirandosi all'immagine della sua amata, la bella Frine. In effetti, il volto di Afrodite, sebbene creato secondo il canone, con uno sguardo sognante di languidi occhi sfumati, porta una sfumatura di individualità, indicando un originale specifico. Avendo creato un'immagine quasi ritratto, Prassitele guardò al futuro.
È stata conservata una leggenda romantica sulla relazione tra Prassitele e Frine. Si dice che Frine chiese a Prassitele di regalarle la sua opera migliore in segno d'amore. Accettò, ma si rifiutò di dire quale delle statue considerasse la migliore. Quindi Frine ordinò al servitore di informare Prassitele dell'incendio nell'officina. Il maestro spaventato esclamò: "Se la fiamma ha distrutto sia Eros che Satiro, allora tutto è morto!" Così Frine scoprì che tipo di lavoro poteva chiedere a Prassitele.

Prassitele (presumibilmente). Hermes con il bambino Dioniso IV ca. AVANTI CRISTO. Museo di Olimpia
La scultura "Hermes con il bambino Dioniso" è tipica del periodo tardo classico. Personifica non la forza fisica, come era consuetudine prima, ma la bellezza e l'armonia, la comunicazione umana sobria e lirica. La rappresentazione dei sentimenti, la vita interiore dei personaggi è un fenomeno nuovo nell'arte antica, non caratteristico degli alti classici. La mascolinità di Hermes è enfatizzata dall'aspetto infantile di Dioniso. Le linee curve della figura di Hermes sono aggraziate. Il suo corpo forte e sviluppato è privo dell'atletismo caratteristico delle opere di Policleto. L'espressione del viso, sebbene priva di tratti individuali, è dolce e pensosa. I suoi capelli erano dipinti e legati con una fascia d'argento.
Prassitele ottenne la sensazione di calore del corpo modellando finemente la superficie del marmo e con grande abilità trasmise nella pietra il tessuto del mantello di Hermes e degli abiti di Dioniso.

SCOPA

Museo di Olimpia, Skopas Menada Copia romana in marmo ridotta dell'originale del 1° terzo del IV sec
Skopas - antico scultore e architetto greco del IV secolo. AVANTI CRISTO e., rappresentante degli ultimi classici. Nato sull'isola di Paros, lavorò a Teges (ora Piali), Alicarnasso (ora Bodrum) e in altre città della Grecia e dell'Asia Minore. Come architetto partecipò alla costruzione del tempio di Atena Alei a Tegea (350-340 a.C.) e del mausoleo di Alicarnasso (metà del IV secolo a.C.). Tra le opere originali di S. giunte fino a noi, la più importante è il fregio del mausoleo di Alicarnasso raffigurante l'Amazzonomachia (metà del IV secolo aC; insieme a Briaxis, Leoharomi Timothy; frammenti - al British Museum, Londra; vedere l'illustrazione). Numerose opere di S. sono note da copie romane (“Potos”, “Giovane Ercole”, “Meleagr”, “Menade”, vedi illustrazione). Rifiutando l'arte intrinseca del V secolo. calma armoniosa dell'immagine, S. si è rivolto al trasferimento di forti esperienze emotive, alla lotta delle passioni. Per realizzarli, S. ha utilizzato una composizione dinamica e nuove tecniche per interpretare i dettagli, in particolare i tratti del viso: occhi infossati, rughe sulla fronte e bocca socchiusa. L'opera di S., satura di pathos drammatico, ebbe una grande influenza sugli scultori della cultura ellenistica (vedi Cultura ellenistica), in particolare sulle opere dei maestri del III e II secolo che lavorarono nella città di Pergamo.

LISIPP
Lisippo nacque intorno al 390 a Sicione nel Peloponneso e la sua opera rappresenta già la parte successiva, ellenica, dell'arte dell'antica Grecia.

Lisippo. Ercole con un leone. Seconda metà del IV sec. AVANTI CRISTO e. Copia romana in marmo di un originale in bronzo. San Pietroburgo, Ermitage.

LEOHAR
Leohar - antico scultore greco del IV secolo. AVANTI CRISTO e., che negli anni '50 lavorò con Scopa alla decorazione scultorea del Mausoleo di Alicarnasso.

Leohar Artemis di Versailles (copia romana di 1-2 secoli dall'originale del 330 a.C. circa) Parigi, Louvre

Leohar. Apollo Belvedere Questo sono io con lui in Vaticano. Perdona le libertà, ma è più facile non caricare una copia in gesso in questo modo.

Bene, allora c'era l'ellenismo. Lo conosciamo bene dalla Venere (in greco Afrodite) di Milo e dalla Nike di Samotracia, conservate al Louvre.

Venere di Milo. Intorno al 120 a.C Louvre.

Nike di Samotracia. OK. 190 a.C e. Louvre