로마와 비잔티움의 모자이크 느낌이 다릅니다. 갈라모자이크. 모자이크 워크숍. 사양 비잔틴 회화의 특징
04-04-2015비잔틴 모자이크는 일반적으로 스몰트로 구성됩니다. 몇 세기 전, 스몰트에서 모자이크를 생산하는 방법을 발견한 사람은 비잔티움의 거장들이었습니다. 이 발견으로 예술성이 뛰어난 모자이크 그림을 제작할 때 상당히 저렴하고 작업하기 쉬운 유리를 사용할 수 있게 되었습니다.
비잔틴 모자이크 제조 원리
제조 기술은 다음과 같습니다. 다양한 재료(금, 구리 또는 수은)가 유리 원재료에 필요한 비율로 추가됩니다. 결과적으로 비잔틴 장인들은 100가지가 넘는 다양한 색상의 스몰트를 받았습니다. 간단한 도구를 사용하여 모자이크 요소에 필요한 기하학적 모양을 부여하여 캔버스에 배치하고 필요한 이미지를 만들었습니다. 대부분의 경우 장인은 사각형 요소를 사용했습니다. 이러한 유형의 미술에 대한 가장 큰 명성은 대략 비슷한 크기의 작은 입방체로 배치된 캔버스에서 비롯되었습니다.
로마 모자이크 방향과의 주요 차이점
로마 모자이크는 미학적 문제뿐만 아니라 실용적이고 기능적인 문제도 모두 해결했습니다. 이러한 접근 방식과 달리 비잔티움에서는 모자이크가 순전히 예술적인 해결책이었으며 대성당, 바실리카 및 무덤을 장식했습니다. 비잔틴 모자이크는 주로 시각적 디자인 문제를 다루었습니다.
로마 모자이크의 줄거리는 일상적인 장면부터 신화적인 이미지까지 매우 다양했습니다. 이 장식은 개인 아트리움과 공중 목욕탕은 물론 행정 및 종교 건물에도 사용되었습니다. 비잔티움에서 캔버스는 기념비적이고 규모가 웅장했으며 대부분 종교적인 주제만을 다루었습니다. 기독교 주제는 모자이크 그림 방향의 중심이 되었습니다. 캔버스를 통해 보는 사람에게 가장 강력하고 경건한 인상을 주려는 열망은 새로운 기술, 구성 및 색상 솔루션을 찾는 원동력 중 하나가 되었습니다.
비잔틴 회화의 특징
비잔틴 양식의 종교 모자이크의 주요 특징은 표현적인 황금색 배경을 사용했다는 것입니다. 개별 요소를 배치할 때 직접 설정 기술이 사용되었습니다. 각 요소는 색상과 표면 릴리프, 다른 요소 및 베이스와 관련하여 캔버스에서의 위치에 차이가 있다는 점에 유의해야 합니다. 물체 형태의 기술적 구현에는 비잔틴 보석상 작업의 특징도 있습니다. 물체의 윤곽은 반짝이는 금색 배경에 명확한 이미지를 제공했습니다. 비잔틴 문화에서 모자이크는 서유럽보다 더 중요한 역할을 했습니다. 일반적으로 비잔티움의 교회 장식은 황금 모자이크로 구성됩니다.
모자이크 아트 샘플
모자이크 예술은 6세기부터 15세기까지 비잔틴 제국에서 번성했습니다. 수많은 정복과 전쟁의 과정에서 그림의 대부분이 소실되었습니다. 그러나 오늘날까지 살아남은 사람들은 장식 예술에서 이러한 추세의 위대함에 대한 아이디어를 제공합니다.
오늘날까지 살아남지 못한 비잔틴 모자이크의 유명한 사례 중에서 아야 소피아에 위치한 콘스탄티노플의 유스티니아누스 황제 건물과 베들레헴의 탄생 교회를 볼 수 있습니다.
유스티니아누스 시대에 만들어진 모자이크에서 콘스탄티노플 대궁전의 바닥 조각이 우리에게 전해졌습니다. 식물, 동물, 숫자는 다소 평범하고 신중한 배경에 고전적인 스타일로 묘사됩니다. 같은 시기에 고딕 지도자였을 가능성이 높은 콧수염을 기른 남자의 초상화가 있습니다. 또한 주목할 가치가 있는 것은 6세기에 저스틴 2세에 의해 세워진 궁전의 작은 소위 "비밀"입니다. 여기에는 산타 콘스탄스(Santa Constance)의 작품을 연상시키는 고전적인 덩굴 모티브가 사용되었습니다. 또한 테살로니키의 아케이로포이토스 교회에는 5~6세기에 만들어진 꽃 장식 요소가 보존되어 있습니다. 테살로니키 대성당에 남아 있는 성 데메트리우스의 이미지는 인상적입니다.
6세기에 라벤나는 모자이크 예술 발전의 중심지가 되었습니다. Istria는 또한 이러한 예술 방향의 중요한 중심지였습니다. 6세기 중반에 건축된 파렌티움(Parentium) 대성당에는 솔직한 성인들과 천사들로 둘러싸인 성모의 얼굴이 있는 모자이크가 있습니다. 또한 폴라 산타 마리아 포르모사(Pola Santa Maria Formosa) 교회의 모자이크 요소도 우리에게 전해졌는데, 이 역시 6세기에 제작된 것입니다. 이 캔버스는 콘스탄티노플의 거장들이 고전적인 스타일로 제작했습니다.
8세기에는 성화파괴 운동으로 인해 많은 그림들이 피해를 입었습니다.
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비잔틴 모자이크
4세기 로마제국이 멸망한 후 비잔티움은 전통의 계승자로서 로마 모자이크의 정신과 원칙을 유지했습니다. 그들의 의미론적 의미는 여기에서 더욱 발전되었습니다. 실용적인 장식 예술이 컬트 예술의 범주로 넘어갔습니다.
모자이크 예술은 4~15세기 비잔틴 제국에 남아있습니다. 전례 없는 꽃. 비잔틴 모자이크는 주로 사원을 장식하는 데 사용되었습니다. 여기 사원의 내부는 바닥부터 돔까지 모자이크로 장식되어 있으며 스몰트로 거대한 영역을 배치합니다. 이것이 아마도 이미지 해석이 흥미진진한 사실성을 상실하고 더욱 조건부로 변한 이유일 것입니다. 비잔티움의 모자이크 그림은 기독교 성인들을 묘사했는데, 그 이미지는 그들의 행위에 비해 거의 알려지지 않았고 모호했습니다. 고대의 주인이 주변 현실을 복사했다면 비잔틴 주인은 실제 세계와 유사하게 자신의 세계를 모델링했습니다.
비잔티움에서는 모자이크가 제국의 기술이 되었습니다. 모자이크의 목적에 따라 이미지의 크기, 구성의 기념비성, 벽돌의 성격이 결정되었습니다. 비잔틴 벽돌의 부드럽고 생기 넘치는 요철은 먼 거리에서도 이미지를 인식할 수 있도록 설계되었습니다. 모자이크 예술의 뛰어난 예는 비잔틴 교회에서 볼 수 있습니다.
비잔틴 모자이크는 주로 수백, 수천 평방 미터의 사원 공간을 구성하는 돔, 벽감 및 벽을 장식하는 기념비적인 캔버스입니다. 일부 사원의 벽과 둥근 천장은 거의 완전히 모자이크로 덮여 있었습니다.
아이콘이 출현하기 오래 전에 모자이크 예술이 기독교를 위해 배치되었습니다.
비잔티움을 시작으로 이어지는 모자이크의 발전은 기독교와 밀접한 관련이 있습니다. 사원 벽에 재현된 세계 이미지의 신성에 대한 아이디어도 모자이크 세트에 사용되는 재료를 결정했습니다(그림 3).
그림 3. 비잔틴 모자이크 조각
비잔틴 모자이크는 로마와 달리 불투명하고 불투명한 유리로 만들어졌습니다. Smalt는 노화와 자연 파괴의 영향을 거의 받지 않기 때문에 비잔틴인들은 이를 "부패하지 않는 영원한 물질"로 간주했습니다. 그들은 스몰트가 재료로서 천상세계와 하나님 나라의 성격을 재현하고, 기술적인 수단으로서 모자이크가 이 나라를 영화롭게 하여야 한다고 확신하였다. 비잔틴 모자이크는 종종 "영원한 그림"이라고 불렸습니다. 이 기간 동안 모자이크 그림은 Nicaea의 Assumption 교회 (1067), Constantinople의 Kahriy Jami (1316) 및 기타 여러 곳의 모자이크를 포함하여 복잡한 다중 그림 구성, 삽입물, 장식품으로 만들어졌습니다.
비잔틴 제국 시대는 모자이크 예술이 가장 꽃피웠던 시기였습니다. 비잔틴 모자이크는 시간이 지남에 따라 더욱 세련된 특성을 갖게 되며, 더 작은 모듈로 구성되어 우아한 석조 공사가 가능해집니다. 이미지의 배경은 주로 황금색을 띠며 신성한 빛과 설명할 수 없는 신비를 상징합니다.
잃어버린 폼페이의 집에 있는 모자이크는 시인 요한 괴테를 놀라게 하고 흥분시켰습니다. 그는 우리가 그녀를 볼 때마다 "우리 모두는 다시 단순하고 순수한 기쁨의 놀라움으로 돌아간다"고 썼습니다.
기독교가 채택됨에 따라 × 세기에 Kievan Rus에도 모자이크와 모자이크 예술이 나타났습니다. 그러나 이러한 유형의 예술과 공예는 콘스탄티노플에서 가져온 재료의 가격이 너무 비싸기 때문에 널리 사용되지 않았습니다. 비잔티움은 스몰트 수출에 대한 국가 독점권을 확립했습니다. 따라서 Rus의 모자이크는 사치와 왕권의 상징으로 사용되었습니다. 2세기 동안 사원의 주요 건물은 모자이크로 장식되었습니다.
Rus의 모자이크 출현에 대한 첫 번째 경험은 Hagia Sophia 교회 장식이었습니다 (1043-1046). 역사 연대기는 비잔틴 대가들이 소피아 모자이크를 모집했다고 증언합니다. 이 기념비적인 캔버스는 제작된 지 거의 1000년이 지났음에도 불구하고 여전히 깨끗하고 다채롭습니다.
반세기 후, 키예프의 또 다른 대성당인 키예프의 대천사 미카엘(1108-1113)의 경우 키예프 마스터들은 이미 모자이크를 모집하고 있었습니다. Kiev-Pechersk Lavra 영토에서 본격적인 스몰트 생산이 조직된 이유는 이제 콘스탄티노플에서 너무 높은 가격으로 배송될 필요가 없었습니다. 사원의 모자이크 장식은 자체 제작한 귀중한 재료로 만들어졌습니다. 그러나 타타르-몽골 침략과 관련된 비극적 사건이 뒤따르고 비잔티움과의 관계가 중단되었으므로 Rus에서 이 예술의 발전에 역사적 중단이 발생했습니다. 오랫동안 잊혀졌다가 18세기 중반에야 부활하게 되었습니다.
피렌체 모자이크
중세 서유럽에서는 모자이크가 주로 교회 장식에 사용되었습니다. 이슬람 세계의 거장들도 모자이크 기술을 능숙하게 익혔습니다.
유럽의 르네상스 시대에는 피렌체라고 불리는 또 다른 모자이크 세트 기술이 형성되었습니다. 그것은 피렌체에서 개발되었고 여기에서 나중에 유럽 전역으로 퍼졌습니다.
이 기술의 원리는 다양한 크기의 자연석 조각을 선택하는 것입니다. 그들은 서로 꼭 맞아야 하고 구조를 통해 그려지는 대상의 성격을 강조해야 했습니다. 모자이크를 구성하는 조각의 다양한 크기와 실루엣은 이미지의 성격에 따라 결정되었습니다.
피렌체 기법은 돌에 자연적인 패턴을 사용하는 데 기반을 두었습니다. 이러한 유형의 모자이크의 예술적 재료인 돌은 다른 방법으로는 얻을 수 없는 특정 품종 고유의 색상과 특정 질감을 모두 부여했습니다. 이 특정 유형의 모자이크의 특별한 특징은 연마로, 이는 고유 구조를 지닌 돌의 색상을 최대한 깊고 윤기나게 표현하는 데 도움이 되었습니다.
이탈리아 르네상스 시대에는 대규모 사원의 특별 작업장에서 모자이크 작품이 만들어졌습니다. 특히 이러한 워크숍은 베니스의 산 마르코 대성당과 로마의 성 베드로 대성당에서 있었습니다.
처음에 장인들은 피렌체 기술을 사용하여 모자이크를 만들 때 남부 유럽에서 채굴된 부드럽고 작업하기 쉬운 대리석을 사용했습니다. 그러나 점차적으로 기술의 지리가 확장되었습니다.
이러한 상황으로 인해 사용되는 소재도 점점 다양해졌습니다. 이제 소모성 색상 재료인 석재가 모든 대륙에서 공급되어 이 기술의 색상 및 질감 잠재력이 확장되었습니다(그림 4).
그림 4. 피렌체 모자이크
1775년경 로마의 장인들은 다양한 색조의 녹은 유리를 미세한 조각으로 자르는 방법을 배웠습니다. 이를 통해 유명한 그림을 미니어처 모자이크 형태로 복사할 수 있었습니다.
러시아 모자이크
13세기경의 러시아 거장들. 이러한 유형의 예술 발전에 무관심했고 타타르-몽골 침략의 비극적 사건과 비잔티움 자체의 죽음으로 인해 러시아 공국은 유럽에서 고립되어 생존 위기에 놓였습니다.
17세기에만 M. V. Lomonosov는 모자이크 예술을 되살리려 고 시도했습니다. 경험적으로 빌릴 수 없었던 그는 스몰트 요리 기술을 개발하여 실제로 산업 기반으로 생산했습니다. 그는 새로 만든 자료를 사용하여 학생들과 함께 캔버스 "Poltava"와 일련의 초상화를 입력했습니다. 그들은 그들의 시간뿐만 아니라 드물다.
19세기 후반~20세기 초 상트페테르부르크의 성 이삭 대성당. 작은 모자이크 제조에 많은 노력이 이루어졌습니다. 이 기간 동안 높은 장인정신이 돋보이는 모자이크 그림과 장식품의 앙상블이 이곳에서 탄생했습니다.
그러나 M. V. Lomonosov의 모자이크 이니셔티브는 역사적 발전을 얻지 못했습니다. 러시아에 새롭고 이미 마지막으로 모자이크가 도착하는 것은 19세기 중반 상트페테르부르크에 성 이삭 대성당이 건설되던 때였습니다. 대성당의 벽은 러시아 예술가들이 그림을 그린 모자이크로 장식되어야했습니다. 그런 다음 이탈리아 거장들을 초대하여 유화 기법의 이미지를 스몰트 모자이크 기법으로 변환하는 데 도움을 주었습니다.
재료 생산을 위해 예술 아카데미에 특별한 모자이크 워크샵이 형성되었으며, 특히 M.V. Lomonosov가 개발한 스몰트 제조법을 사용했습니다. 그 이후로 스몰트의 예술적 생산이 본격화되었습니다. 덕분에 러시아의 모자이크 예술은 상당히 역동적인 발전을 이루었고 고유한 학문적 스타일을 획득했습니다. 특히 피의 구세주 교회로 알려진 그리스도 부활 교회는 유럽 최대 규모의 모자이크 예술 작품이다. 동시에 그것은 의심할 여지없이 세계에서 모자이크와 건축의 결합의 가장 밝은 예입니다.
1911년에 열린 세계 파리 박람회에서는 러시아 거장의 가장 흥미로운 제품이 선보였습니다. 그들은 모자이크 제조에 다양한 우랄 보석 팔레트를 사용했습니다. 정교한 유럽 대중은 체적 꽃병 제조에 사용되는 준 보석 및 보석 색상의 육즙에 놀랐습니다. 전문가들은 그 이후로 러시아 모자이크라고 불리는 특정 종류의 피렌체 모자이크에 주목했습니다.
클래식 모자이크
로마, 비잔틴, 피렌체 모자이크의 역사적 기술이 존재했고 현재까지 계속 발전했습니다. 예술 발전의 객관적인 과정에서 일반적으로 전통적인 고전 모자이크라고 불리는 특정 일반 원칙이 개발되었습니다. 이것은 모듈러 벽돌의 보편적이고 일반화된 방법입니다. 특정 미술 학교의 목표와 우선 순위에 따라 달라질 수 있습니다. 이 원칙은 집단적 성격과 미술사에서 볼 수 있는 전통 모자이크 예술의 전형적인 예에 초점을 맞추기 때문에 고전적이라고 불립니다. 모듈식 모자이크의 기본 조항을 개별적으로 개인적으로 준비하더라도 주요 원칙은 변경되지 않습니다. 그들은 고전적인 모자이크의 일반적인 이름에 별 어려움 없이 들어맞습니다. 예술 형식으로서의 현대 모자이크는 여전히 엘리트주의적입니다. 그녀는 물질적, 영적 본성의 필요를 모두 충족시킬 수 있습니다. 다양한 현대 재료는 장인들에게 모자이크 제작 시 다양한 기술과 스타일을 선택할 수 있는 기회를 제공했습니다(그림 5).
그림 5. 고전 모자이크 조각
내부에 대한 모자이크 패널 및 모자이크
매우 특이한 예술 형태로서 모자이크의 출현과 발전의 역사는 매우 흥미롭습니다. 그녀의 놀랍도록 표현적인 기술 덕분에 항상 놀라운 아름다움을 지닌 장식적인 이미지를 만들 수 있었습니다. 이를 베이스에 적용하는 재료와 기술은 모자이크를 고대부터 우리에게 내려온 가장 지속적인 예술 및 공예 형태로 만들었습니다. 15세기 이탈리아 화가. Domenico Ghirlandaio는 이 모자이크를 "영원한 그림"이라고 불렀습니다. 때로는 돌이 무너져도 모자이크가 살아남았습니다.
현대 해석은 미술 측면에서 "모자이크"의 개념을 다양한 장르의 장식, 응용 및 기념비적 예술로 간주합니다. 이러한 작품은 표면, 대부분 평면, 다색 돌, 스몰트, 세라믹 타일 및 기타 때로는 매우 특이한 재료를 배열, 설정 및 고정하여 이미지를 형성합니다. 오늘날 모자이크는 건물 및 외부 표면의 장식 및 실내 장식에 대한 귀중한 예술적 수단으로 계속 사용되고 있습니다.
모자이크의 예술적 가능성은 정말 끝이 없습니다. 도움을 받으면 패턴, 카펫, 깃발, 장식의 단일 요소와 같은 간단한 모자이크 패턴의 형태로 내부에 악센트를 만들고 복잡한 구성 및 그림의 형태로 장식 이미지를 만들 수 있습니다. .
예술적 모자이크를 만드는 과정은 이전과 마찬가지로 땅에 눌러 요소를 배치하는 것뿐만 아니라 프라이밍된 표면으로 추가 전송하여 판지나 천에 이미지를 입력하는 것으로 구성됩니다.
역사는 모자이크 패널 제작을 처음 생각한 주인의 이름이나 이 발견이 발생한 국가조차 보존하지 못했습니다. 그럼에도 불구하고 그러한 패널은 고대 이집트, 그리스, 로마의 유적지에서 발견됩니다. 유럽의 사회 구성 변화로 인해 잘 확립된 모자이크 그림 생산이 일부 감소했습니다. 노예 제도가 파괴되면서 거친 작업을 하고 자연석, 대리석, 화강암을 작은 모듈로 자르는 사람이 아무도 없었습니다. 작은 유리와 돌 조각으로 모자이크 패널을 만드는 데 필요한 매우 힘든 수작업은 매우 부유한 사람들과 왕족의 소유를 특권으로 만들었습니다. 모자이크 구성은 영원히 과거의 일이 될 수도 있는 것 같았습니다. 그러나 모자이크는 인기를 잃지 않았습니다. 모자이크 패널은 내부에 완전히 특이한 모양을 부여했습니다.
시간이 지남에 따라 잃어버린 고대 비밀은 모자이크 구성의 생산 및 배치를 위한 새로운 산업 기술로 대체되었습니다. 점차적으로 러시아에서는 로마 또는 비잔틴 기술의 모자이크 벽 패널이 많이 만들어졌습니다(그림 6).
그림 6. M. V. Lomonosov의 Peter I 모자이크 초상화
유리 또는 오히려 작은 모자이크가 수세기에 걸쳐 유럽 시장으로 반환되면서 모자이크 패널 제작 분야에 일종의 혁명이 일어났습니다.
Smalt 모자이크는 동일한 원료로 만들어졌지만 유리 모자이크라고만 부를 수 있습니다. 작은 모자이크 조각은 일반 유리보다 훨씬 강합니다. 생산 과정에서 용융된 유리 덩어리는 1200°C 온도의 특수 용광로에서 연소됩니다. 소성된 유리 덩어리는 고대 스몰트와 매우 유사합니다.
우랄 지역에서 자연석 추출이 확대되면서 자체 러시아 모자이크가 나타났습니다. 그녀는 대리석과 벽옥, 공작석, 청금석을 사용하여 피렌체 모자이크 아이디어를 발전시켰습니다. 돌의 색상과 자연스러운 패턴 모두에서 러시아 모자이크 거장의 작품에 뛰어난 표현력이 부여되었습니다.
이제 매끄러운 벽과 둥근 천장뿐만 아니라 기둥과 기둥과 같은 모든 종류의 건축 세부 사항도 모자이크로 배치되기 시작했습니다. 또한 모자이크는 꽃병, 그릇, 관, 가구 조각, 램프 다리 등 복잡한 모양과 모양의 표면을 가진 다양한 장식 개체에 나타났습니다. 이것은 모자이크를 만드는 새로운 기술에 의해 부분적으로 촉진되었습니다.
유럽에서는 소위 역 다이얼링 기술이 발명되었습니다. XIX 세기에 이 기술로 만들어진 모자이크의 도움으로. 수많은 시청, 극장, 교회 및 기타 건물이 장식되었습니다. 이 기술은 다음과 같습니다. 작업장에서 모듈은 미래 모자이크의 실물 크기 패턴으로 종이(트레이싱 페이퍼)에 뒷면이 위로 향하도록 접착됩니다. 조각별로 조각난 모자이크가 의도한 위치로 옮겨져 고정 구성 요소의 뒷면과 함께 눌러집니다.
구성이 건조되면 종이와 접착제가 씻어집니다. 데칼처럼 모자이크의 앞면이 보이게 됩니다.
역세트 기법을 사용하면 패널 제작 시 시간과 노력이 크게 절약되지만 평평한 표면은 중세 모자이크에 생명력을 불어넣은 빛의 유희가 다소 부족합니다. 리버스 세트 기술 덕분에 오늘날 모자이크 패널과 그림은 캘리포니아에서 모스크바, 이스라엘에서 일본까지 전 세계의 박물관, 지하철역, 쇼핑 아케이드, 공원 및 놀이터 건물을 장식하고 있습니다.
마노, 흑요석, 벽옥 및 암석 크리스탈이 박혀 있는 아즈텍 상감 마스크는 가장 내구성이 뛰어난 천연 재료를 사용하여 고대 모자이크 장인이 놀랍도록 힘든 작업을 한 예입니다.
매끄럽지만 다면적인 표면 덕분에 모자이크 패널은 현대 건물의 크고 단조로운 외관을 위한 이상적인 마감재로 간주됩니다. 건축가는 프로젝트에서 이러한 특이한 장식을 적극적으로 사용하므로 이러한 모자이크 그림의 공간적 및 선형 치수는 수십 미터, 심지어 수백 미터에 이를 수 있습니다.
모자이크를 만드는 과정에서 두 가지 주요 단계, 즉 컬러 그래픽 그림을 만들고 이후 천연 및 인공 재료의 페인트로 채우는 단계를 구분할 수 있습니다. 현대 모자이크 그림의 그림은 다양한 색상의 나무, 유리, 돌 또는 자개 조각으로 구성될 수 있습니다. 같은 크기의 큐브, 기둥 또는 판은 시멘트, 왁스 또는 접착제로 평면에 고정됩니다.
더 자주, 마스터는 다색 모자이크를 수행하지만 때로는 2가지 다른 색상(반드시 흑백 조합일 필요는 없음) 또는 동일한 색상의 2가지 음영만을 기반으로 모자이크 패턴이 생성되는 경우도 있습니다.
크고 단단한 브러시 스트로크의 효과는 놓을 때 상대적으로 큰 재료 조각을 사용하여 달성됩니다. 이 기술을 사용하여 만든 패널은 거실, 벽 또는 수영장 바닥 장식에 적합하여 건물 외관에 독점적인 느낌을 줍니다.
매우 작은 조각을 사용하여 미묘한 디테일과 부드러운 색상 전환을 재현할 수 있습니다. 이를 통해 모자이크 패널의 무결성 효과를 얻을 수 있습니다.
모자이크 패널은 벽, 천장 또는 바닥에 배치할 때 방의 중심 디자인 요소가 될 수도 있고 다른 장식 요소에 초점을 맞출 수도 있습니다.
숙련된 장인이 만든 모자이크 패널은 실제 그림과 구별하기 어렵고 어떤 인테리어에도 예상치 못한 화려한 액센트가 될 수 있습니다. 이러한 패널은 그 아름다움을 완전히 감상하기 위해 먼 거리가 필요하지 않습니다.
예술은 언제나 저작권입니다. 재능 있는 예술가가 만든 모자이크에는 스몰트, 돌, 대리석 또는 기타 재료로 구현된 그들의 재능, 천재의 각인이 찍혀 있습니다. 예술가나 장인은 자신의 작품에서 자신의 영적 세계, 사고방식, 세계관을 재현합니다. 그는 왜 특정 학교의 이런 저런 방향, 다양한 기술과 스타일을 사용합니까? 따라서 모든 그림과 마찬가지로 각 모자이크 그림이나 패널에는 고유한 스타일이 있어야 합니다. 그리스, 로마 또는 피렌체 스타일로 만들어진 패널은 항상 매우 인기가 있습니다. 많은 고전적인 모자이크 그림은 자연의 모티프를 반영합니다.
Smalt는 호기심 많은 사람의 기술 검색 결과로 만들어진 인공 재료입니다. 냉동된 스몰트를 필요한 크기의 모듈에 찔러서 모자이크를 조립합니다. 각 모듈의 크기는 예술적 작업의 요구 사항에 따라 결정됩니다.
소비에트 시대에 모자이크는 이전 엘리트와 사원 소속을 잃었습니다. 사회주의 현실주의 스타일의 모자이크 패널은 역, 문화 센터 및 지하철과 같은 사람들을위한 궁전을 장식하도록 설계되었습니다. 매우 귀중하고 값비싼 재료인 Smalt는 사실상 벽과 정면의 거대한 영역을 덮는 건축 자재로 바뀌었습니다. 물론 이 건물들은 다른 건물들 사이에서도 눈에 띄었습니다. 비록 모자이크의 새로운 역할이 그 신성한 가치를 경시하기는 했지만 그것은 일종의 고전적인 스타일이었다(그림 7).
그림 7. 소련 시대의 고전 모자이크
모자이크 예술의 고전주의는 고전주의 그 자체, 제국, 바로크, 신고전주의, 절충주의라고 부를 수 있습니다. 클래식은 현대가 도래하기 이전에 존재했던 모든 스타일을 말합니다.
모던은 이전 세대의 경험을 완전히 거부하는 문턱 스타일입니다. 그는 문제아로 등장했다. 아르누보는 종종 예술의 진화적이고 점진적인 발전에서 부르주아 혁명으로 간주됩니다. 아르누보 스타일은 너무 특징적이며 미술사가들이 집합적으로 고전으로 정의하는 다른 모든 스타일과 근본적으로 다릅니다. 아르누보 스타일은 모든 예술 형식에 많은 새로운 것을 가져왔습니다(그림 8).
그림 8. 모자이크의 아르누보
이 스타일은 모자이크에 도자기, 유리, 도자기와 같은 새로운 재료를 사용하게 했습니다. 자갈이 다시 돌아왔습니다. 이러한 재료는 전통적인 스몰트 및 석재와 동일하게 구성의 별도 요소 및 세부 사항으로 순전히 조판 재료로 사용되기 시작했습니다.
그러나 모자이크 예술에 도입된 스타일로서 아르누보의 주요 특성은 전통적인 기술 경계를 무너뜨리고 석공법을 혼합하는 것입니다. 아르누보 스타일은 크기의 차이가 나타나는 새로운 "변칙적" 유형의 석조물을 가져왔습니다. 그는 모자이크 구성 생성 원리의 모듈 적 편의성과 통일성을 위반했습니다. 모든 전통과 고정관념을 깨고, 이 스타일은 고전적인 기술과 피렌체의 기술을 넘나들기 시작했습니다.
이제 하나의 모자이크 구성에서 성격과 크기가 다른 석조 모듈을 찾을 수 있습니다. 모듈러 피규어의 본질은 이미지에 따라 달라지기 시작했습니다. 고전적인 모자이크에서 특정 크기와 유형의 모듈만 사용된 경우 아르누보 스타일은 전통을 깨고 동일한 구성에서 과장되고 기하학적으로 잘못 절단된 모듈과 전통적인 직사각형 모듈을 결합했습니다.
아르누보 시대의 가장 다채로운 인물은 스페인 건축가 가우디라고 할 수 있습니다. 이 작가의 환상적인 건축 구조는 아르누보 스타일에서도 이례적입니다. 가우디의 독창적이고 유기적인 모자이크는 건축 환경에 자연스럽게 들어맞고, 형태의 이국적인 가소성을 매우 생생하게 강조하므로 누군가가 이를 대체할 것을 찾고자 한다면 건축 자체를 반드시 변경해야 할 것입니다.
아르누보 시대 이후에는 고전적인 모자이크라는 개념조차 훨씬 더 광범위해지고 더 유연해졌습니다(그림 9).
현대 모자이크는 다양한 재료로 구성됩니다. 현재 상당수의 모자이크 유형이 있습니다. 그중에서도 광택, 유약, 세라믹, 프레스, 유리 및 에나멜 모자이크가 점점 인기를 얻고 있습니다.
그러나 가장 유명한 유형은 베네치아 유리를 사용하여 만든 유리 모자이크입니다. 타일은 1 x 1 ~ 5 x 5cm의 표준 크기로 생산되며 유리 모자이크의 색상 범위는 풍부하고 다양하며 150개 이상의 색조를 갖습니다.
그림 9. 고전적인 포스트모던 모자이크
Smalt 모자이크는 또한 천연 화합물로 만들어진 유리를 기반으로 합니다. 무광택 불투명 표면이 유리 모자이크와 다릅니다. 이 품질은 스몰트 모자이크의 독특한 매력을 빼앗지 않습니다. 이 모자이크의 각 모듈은 색상이 독특하기 때문에 내부에서 빛나는 것처럼 보입니다.
세라믹 모자이크는 모듈로 구성되며 색상 구성은 일반 세라믹 타일과 유사합니다. 모듈은 유약으로 덮일 수 있으며 다양한 균열, 즉 작은 균열, 얼룩 및 색상 얼룩을 포함할 수 있습니다.
특이한 작품의 경우 어벤츄린 준보석 효과와 "금" 및 "은" 모자이크를 적용한 특별 컬렉션이 제작됩니다. 금이나 백금을 첨가한 정교한 모자이크는 처음부터 끝까지 장인의 손으로 만들어집니다. 금세공인의 손에 의해 만들어진 이러한 특이한 모자이크는 값비싼 장식의 요소로 사용됩니다.
현재까지, 이전과 마찬가지로 스몰트 모자이크의 고전적인 실행은 특별한 경우의 인테리어 디자인을 위한 가장 정교한 옵션으로 간주됩니다. 돌 모자이크는 주로 바닥이나 테라스에 이미지를 만드는 데 사용됩니다. 공공 건물 마감에는 대리석 모자이크와 도자기 타일이 사용됩니다.
광범위한 기술적 특성, 가용성, 다양성, 높은 예술적 잠재력 및 즉흥적 가능성으로 인해 유리, 유리 혼합물 및 세라믹으로 만든 모자이크는 다양한 건물 장식에 특히 인기가 있습니다. 마스터의 창의적인 아이디어를 실현하는 데 도움이 되는 것은 현대 모자이크 재료 중에서 확실한 리더인 재료입니다.
지난 반세기 동안 예술가들의 눈은 이전에 완전히 다른 목적으로 사용되었던 또 다른 유형의 모자이크 재료로 바뀌었습니다. 이들은 다양한 식물의 씨앗입니다. 특이한 패널과 상대적으로 작은 크기의 그림이 만들어집니다. 가장 세련된 인테리어를 꾸밀 수 있을 만큼 가치가 높습니다.
모자이크 재료 선택의 중요성은 논쟁의 여지가 있지만 인테리어의 독특한 모습을 만드는 데 가장 중요한 것은 아닙니다. 모자이크 패턴을 생성하기 위해 하나 또는 다른 기술을 선호하는 것이 훨씬 더 중요합니다.
나중에 비잔티움이 된 동부 로마 또는 로마 제국의 주요 미술 유형은 그림이었습니다 (조각 / 조각을 거의 완전히 거부했습니다).
로마-비잔틴 정교회 회화의 주요 형태는 기념비적인 사원 회화(모자이크와 프레스코), 도상학(에나멜과 금 자수로 만든 작품 포함), 책 미니어처입니다. 대부분의 미술사가에 따르면 이 시대의 가장 주목할만한 예술 작품은 모자이크입니다.
이미지가 배치되고 깜박이고 깜박이고 빛을 반사하는 스몰트(유리와 미네랄 페인트의 합금)의 작은 다색 큐브입니다. 모자이크 마스터는 빛의 입사각을 매우 정확하게 계산하고 모자이크 표면을 매끄럽지 않고 다소 거칠게 만드는 스몰트의 특징을 통해 웅장한 그림 같은 효과를 만들 수 있었습니다. 때때로 스몰트 입방체의 표면은 예를 들어 11세기 초에 만들어진 그리스 호시오스 루카스 수도원의 카톨리콘(본당)에 있는 모자이크에서와 같이 각면 처리되었습니다.
그리스 포키스에 있는 호시오스/호시오스 루카스 수도원의 캔들마스, 모자이크, 카톨리콘
제작 시기는 거의 동일하지만 보는 사람에게 미치는 영향의 강도와 모자이크의 안전성은 프레스코화보다 훨씬 높습니다.
주님의 예루살렘 입성, 프레스코화, 수도원 호시오스/호시오스 루카스,그리스, XI v.
모자이크 제작자들은 먼 거리에서 모자이크를 바라보는 관람객의 눈에 나타나는 색상의 광학적 융합을 고려했습니다. 우리 시대에도 오래된 먼지와 그을음이 제거되어 여전히 빛나고 울창한 색상을 유지합니다.
정교한 장식 도구인 모자이크와 프레스코화는 고대부터 알려져 왔습니다. 예를 들어, 영국 런던에 있는 대영 박물관은 기원전 2600년경 아시리아의 유명한 "우르 표준"을 소장하고 있습니다.
"표준"의 모자이크는 UR (a)의 결과 (군사 캠페인, 적에 대한 승리, 트로피 및 왕과 그의 수행원의 궁정 생활의 특징)에 대해 설명합니다. 이는 모자이크의 주요 주제입니다. 고대 수메르인의 삶의 장면을 포함한 고대 메소포타미아.
그리스 크레타 섬 헤라클리온에 있는 고고학 박물관에는 크노소스 궁전의 프레스코화가 보관되어 있습니다. 예를 들어 컬트 미스터리인 “미노타우로스 황소와 놀기. 타우로마키아, 그녀의 나이
기원전 1500년경 - 왼쪽;
전설에 따르면 오른쪽에는 미노스 왕의 왕좌인 궁전 영토의 남쪽 경계에 있는 신성한 뿔이 있습니다.
게임 - 동물과의 경쟁.
돌고래 게임, 모자이크 Tauromachia - 황소 게임, 모자이크
그림 같은 고대 예술(고대 그리스와 고대 로마)은 웅장한 프레스코화와 모자이크로도 표현됩니다.
유명한 프레스코화는 폼페이 교외에 있는 신비의 별장(Villa of the Mysteries)에 보존되어 있습니다. 사람의 자연스러운 성장에 따른 벽의 빨간색 배경에는 Bacchus / Dionysus 신에게 바쳐진 휴일 참가자가 표시됩니다.
폼페이. 신비의 빌라. 100~15년
이탈리아 폼페이 근처 스타비아에 시의 프레스코화 "봄"에서 봄을 상징하는 소녀(여신 플로라?)가 보는 사람에게서 멀어져 꽃이 만발한 초원 깊은 곳으로 이동합니다. 왼손에는 풍요의 뿔을 들고 있고, 오른손으로는 꽃을 부드럽게 만지고 있습니다. 밤색 머리카락, 황금색 망토, 맨 어깨의 핑크 톤이 밝은 녹색 배경과 조화를 이루며 마치 공중에 떠있는 것처럼 소녀의 가벼움이 프레스코 화의 그림 같은 구성의 기초를 형성합니다.
봄, Stabiae, 폼페이, 프레스코
풍경화는 공원, 정원, 항구, 구불구불한 강둑 등 프레스코화에서 자주 발견됩니다. 작은 앨범에 들어갈 만큼 좋은 프레스코화가 충분했기 때문에 친구 여러분, 꼭 게시하겠습니다. 하지만 조금 후에 게시하겠습니다.
그리스인들은 뮤즈에게 헌정된 모자이크 이미지를 모자이크라고 불렀습니다. 뮤즈는 영원합니다. 이 그림은 영원해야 하므로 처음에는 유색 돌 조각에서 수집한 다음 헬레니즘 및 로마 시대에는 특별히 용접된 유리 조각인 스몰트에서 수집했습니다.
고대 로마 귀족의 궁전과 빌라 장식 장식의 기초가 된 것은 모자이크였습니다. 로마, 폼페이, 스타비아, 헤르쿨라네움의 모자이크는 특히 잘 보존되어 있습니다. 그건 그렇고, 유명한 황금 스몰트가 이교도 로마의 그리스 모자이크 예술가에 의해 만들어지고 유명한 네로의 황금 궁전을 장식하는 데 사용되었다는 전설이 있습니다. 그 후 수세기 동안 제조 방법이 잊혀지거나 손실되어 19세기에만 재개되었습니다. 서력.
어떤 식 으로든 고대의 회화 예술은 장식 구성의 훌륭함, 주제의 풍부함, 다양한 예술적 기술, 직접 공중 원근법에 대한 지식 및 사용, 즉 "발명"된 많은 것으로 인해 여전히 놀랐습니다. 르네상스 예술가.
나폴리 국립 고고학 박물관에는 모자이크 그림 "페르시아 왕 다리우스 3세와 알렉산더 대왕의 전투"의 사본이 보존되어 있습니다.
이수스(Issus)에서 페르시아와 전투
폼페이의 고대 로마 모자이크 조각에 있는 알렉산더 대왕.
기원전 2세기의 모자이크
모자이크와 프레스코화는 서기 1세기에 기독교 교회의 재산이 되었는데, 그 때 신자들은 숨어 지내야 했고 그림 같은 골동품 장면과 지하 미로의 이미지, 즉 죽은 자의 매장을 위해 사용된 카타콤바를 사용하기 시작했습니다. 기독교인들은 이러한 이미지에 새로운 상징적 내용을 부여했습니다. 종려나무 가지 - 제국의 승리에 없어서는 안될 속성 - 천상의 행복의 상징, 포도나무 - 성찬례의 성사, 빵과 포도주 - 그리스도 오르페우스의 살과 피로의 화체 - 그리스도와 프시케 - 기독교 영혼의 상징.
서로마 제국의 폐허 위에 생겨나고 위대한 로마의 문화를 숭배한 새로운 야만인 국가들에게는 모자이크가 사원에서 그것을 묘사하는 지배적인 방식으로 남아 있다는 것이 매우 중요했습니다. 동로마 제국의 상속인 지위 보존. 또한 당시 로마인들은 벽의 대부분, 돔과 금고의 내부 표면, 웅장한 모자이크로 기둥과 기둥을 덮을 여유가 있었고 (모자이크는 매우 값 비싼 즐거움입니다) 다른 사람들에게 큰 인상을 남겼습니다. 사람들.
수많은 기독교 모자이크가 사원과 무덤에 보존되어 있는 로마 제국의 대규모 문화 중심지는 큰 그림자의 거처인 라벤나입니다.
순간적인 모든 것, 사라지는 모든 것,
당신은 수세기 동안 묻혔습니다.
당신은 아기처럼 자요, 라벤나,
졸린 영원을 손에.
A. Blok의 이탈리아 시집에서.
라벤나는 고대이고 아름답습니다.
라벤나에는 로마와 비잔티움, 고대와 중세가 만나는 전환점인 5~7세기의 독특한 기념물 단지가 있습니다.
그들의 만남과 단기 결합의 표시는 5세기 전반 이탈리아 라벤나에 있는 테오도시우스 대왕의 딸인 갈라 플라치디아의 영묘입니다.
갈라 플라키디아 영묘: 외부에서 본 전체적인 모습, 내부의 전체적인 모습
가깝고 희미한 조명으로 내부는 놀라운 모자이크로 장식되어 있는데, 그것이 로마-헬레니즘 과거에 속하는지 비잔틴-중세 미래에 속하는지 말하기 어렵습니다.
기독교 가르침에 따르면 성전과 영묘의 디자인은 실제 세계와 다른 세계, 하늘과 땅의 두 세계를 연결해야 합니다. 여기서 미술은 신성한 이미지를 창조하고, 구원의 길을 가르치고 열어주며, 신자를 현실 세계에서 초감각적인 세계로 이끄는 첫 번째 역할을 했습니다. 이것은 Galla Placidia 영묘 내부의 예술적 디자인을 결정하고 결정했습니다.
그리고 모자이크 마스터는 "5 플러스"로 작업을 완료했습니다. 영묘의 내부는 현실에 반대되는 변형된 세계로 인식됩니다. 벽의 아래쪽 부분에는 대리석이 늘어서 있었고 둥근 천장, 돛 및 돔에는 진한 파란색 모자이크가 늘어서 있습니다.
영묘의 모자이크에는 황금색이 없지만 파란색 배경이 있습니다. 골동품 흰색으로 뒤덮인 기독교 순교자와 성도의 모습이 촘촘하게 반짝이는 파란색에서 나오고 황금빛 별이 번쩍이고 주홍색 양귀비가 퍼진 멋진 낙원 풍경, 황금 사슴 아치가 황금빛 덩굴과 얽혀 있고, 돔에는 십자가와 별이 빛나는 하늘이 있는 새들이 있습니다. 이 모자이크는 죽음에 대한 그리스도의 승리, 창조된 세계에 대한 그분의 절대적인 권세를 상징합니다.
Gala Placidia 영묘의 천국, 모자이크, 십자가 및 별이 빛나는 하늘 - 돔의 모자이크.
환상과 신비로움은 루넷과 아치형 천장에 위치한 창문에서 나오는 자연광에 의해 더욱 강화됩니다.
루네트(lunette)는 위는 아치볼트(archivolt)로, 아래는 수평 처마 장식으로 둘러싸인 벽의 반달 모양 부분입니다. 의미가 가까운 개념 : desudeport, zakomara, kokoshnik, pediment.
갈라 플라키디아 영묘의 루네트에 있는 빛의 창
그리고 입구 위의 루네트에서만 안쪽에서 사라진 창문의 자리가 선한 목자의 모자이크로 채워져 조명이 켜진 창문처럼 반짝입니다.
그리스도의 이미지는 "에덴동산의 선한 목자"의 세련된 헬레니즘 버전입니다. 완전히 세상적인 풍경을 배경으로 반짝이는 푸른 하늘 아래 수염이없는 젊고 목자 인 그리스도는 고대 신화의 온유 한 오르페우스를 연상시키지만 황금빛 옷을 입고 실제로 언덕 위에 앉아 다리를 꼬고 땅에 닿고 샌들을 신은 발의 그림자가 선명하게 보입니다.
그 주위에는 양들이 푸른 풀 위를 걷고 있습니다 (흰 양은 의인의 영혼을 상징합니다). 그는 그들 중 하나에게 손을 뻗습니다. 그리스도의 머리 위에는 후광이 있지만 골동품 헤어 스타일, 분명히 가발, 일반화되고 다소 작은 얼굴 특징-모든 요소는 고대로부터 분명히 물려 받았습니다.
복잡한 포즈의 생동감이 중요합니다. 그리스도는 얼굴 전체가 아닌 반쯤 돌아서 묘사되며 그의 관심의 일부는 청중이 아니라 영적 무리 인 "양"에게로 향합니다. 그리스도께서는 목자의 지팡이가 아니라 십자가에 기대어 계십니다. 이것은 세상에 기독교가 성공적으로 전파되었다는 표시입니다 (그런데 십자가의 그림자도 땅에서 분명하게 보입니다).
선한 목자, 모자이크
그리고 한 가지 더, 지상/지상 세계의 경계가 명확하게 보입니다(점선으로 표시). 밝은 푸른 하늘과 모자이크 상단 부분의 산이 많은 진한 파란색입니다. 하강하는 하늘 하늘의 "혀"는 그리스도의 머리와 어깨만을 "감싸"며, 오직 그분만이 두 세계에 속합니다.
어린 그리스도(“그리스도 임마누엘”)의 유형은 도상학에서 드물다. 이것은 신의 속성으로서 영원한 젊음에 대한 고대 사상이 아직 대체되지 않았던 기독교의 1세기에 그가 묘사된 방식이다. "스타성"에 대한 가혹한 숭배.
또 다른 주목할만한 모자이크 세트는 6세기에 테오도리크 왕이 지은 산 아폴리나레 누오보(San Apollinare Nuovo) 교회에 있습니다. 라벤나에서.
San Apollinare Nuovo의 외관 및 내부.
산 아폴리나레 누오보(San Apollinare Nuovo) 교회에 있는 선한 목자의 또 다른 이미지: 흰 양이 그리스도를 둘러싸고 있지만, 그분의 손은 축복의 몸짓으로 들려지고 그분의 눈은 먼 곳을 바라보고 있습니다.
선한 목자, 모자이크
504년에 제작된 라벤나의 산 아폴리나레 누오보(San Apollinare Nuovo) 교회에서 나온 또 다른 모자이크 "빵과 물고기의 기적"도 그다지 흥미롭지 않습니다. 그것은 또한 수염이 없는 젊은 예수 그리스도를 묘사하고 있으며, 그의 머리 주위의 후광, 즉 녹색과 금색의 후광의 색깔을 확인시켜 줍니다.
녹색은 발달과 변형의 불완전함을 상징하고, 금색은 착용자에게 또 다른 영적 세계의 이미지와 정보를 전달합니다. 그러나 그리스도께서는 금줄이 있는 자색 옷을 입고 계십니다. 보라색은 초월적인 세계, 다른 세상의 공간에 대한 깊은 몰입을 상징합니다.
정경에 따라 그분이 호수에서 부르신 두 쌍의 형제는 그리스도의 양쪽에 대칭으로 묘사되어 있습니다. 야고보와 요한, 베드로와 안드레이입니다(이것이 바로 이 모자이크가 때때로 "기적의 잡기"라고 불리는 이유입니다). 흰색과 파란색 옷으로 부름-영적 순결, 거룩함, 세상과의 분리를 상징하는 색상; 그들은 그리스도께서 사도들을 받아들이고 축복하시는 거룩한 선물로서 손을 가린 채 빵과 생선을 받습니다.
빵과 물고기의 기적 또는 기적의 물고기 잡기
그리스도는 얼굴 전체로 묘사되고 그의 팔은 뻗은 상태로 한 덩어리, 다른 덩어리에서는 물고기이며 추종자들에게 선물을줍니다. 그들의 모습은 1/4바퀴 반 회전으로 묘사되지만, 그들의 얼굴은 청중을 향하고 있습니다. 묘사된 모든 인물의 눈은 확대되어 관객을 직접 향하고 있습니다. 모든 이미지는 도식화되었지만 지상의 풍경으로 표시됩니다. 실제로는 지구의 꽃이 만발한 녹색 표면에 서 있으며, 이 그룹의 오른쪽과 왼쪽에는 언덕과 푸른 나무와 관목이 있습니다. 모자이크의 배경은 부드럽고 혼합되어 있으며 부드러운 녹갈색이며 황금색 얼룩이 있습니다.
그리고 또 하나의 모자이크 또는 오히려 그것의 일부이지만 포함할 수밖에 없었습니다. 친구 여러분, 특히 기이함을 사랑하고 감사하는 사람들도 좋아하길 바랍니다.
동방 박사의 숭배는 동방 박사입니다. 친구 여러분, 저도 믿을 수는 없습니다.
6세기 유스티니아누스 황제가 지은 이탈리아 라벤나의 산 비탈레 교회에는 모자이크가 가장 많이 남아 있다. 그것은 묘사되는 다양한 주제와 배경을 설명하는 궁정 제국 교회였습니다. 또한 몇 가지 흥미로운 특징이 있습니다. 녹색, 청청색 및 희귀 흰색 배경의 플롯은 순전히 기독교적이며 배경 색상은 고대 후기에 속합니다. 일반적으로 녹색 배경이 우세한 반면, 황금색 배경은 주로 제단 모자이크와 관련이 있습니다.
산 비탈레 대성당, 일반 전경, 정면, 중앙 본당 및 후진 내부
산 비탈레 대성당, 수랑과 둥근 천장 내부, 기둥과 아치의 밴드 모자이크
제단 측벽에 두 개의 모자이크가 있습니다. 두 개의 행렬이 있습니다. 하나는 유스티니아누스 황제가, 다른 하나는 테오도라 황후가 이끄는 것입니다. 모든 인물의 키는 동일하며 황제는 보라색 옷, 왕관 및 후광으로 구별됩니다. 황실부부와 막시밀리안 주교의 얼굴 묘사에서는 초상화의 유사성을 전달하려는 작가의 염원이 짐작되지만, 얼어붙은 포즈, 얼굴의 무심한 표정, 망토의 주름에 가려진 인물의 윤곽이 시선을 빼앗긴다. 개성의 이미지 - 이것은 실제 사람이 아닌 이상적인 통치자의 이상적인 이미지입니다. 그러나 모자이크는 초자연적인 지위로 승격된 공식적인 화려함인 로마 의식의 정신을 정확하게 전달합니다.
수행원과 함께 있는 유스티니아누스 황제, 모자이크, 수행원과 함께 있는 테오도라 황후, 모자이크
묘사 된 모든 사람들은 너무 크고 움직이지 않는 눈을 가지고 있으며 유스티니아누스와 테오도라의 머리 주위에 후광이있어 신성한 힘을 부여 받았음에도 불구하고이 살아있는 사람들을 성인의 계급으로 끌어 올립니다. 성상 파괴의 출현 이유 중 하나가 된 것은 바로 이러한 전통이었습니다. 동시대 사람들에 따르면 교회의 모든 황제, 황후 및 족장들이 특히 평생 동안 그렇게 높은 지위에 합당한 것은 아닙니다.
아래층에서는 유스티니아누스와 테오도라가 수행원과 함께 성전에 선물을 바쳤습니다. 이 모자이크는 황제와 황후에 대한 로마 정교회의 태도에 분명한 차이가 있음을 보여준다는 점에서 흥미롭습니다. 그들의 머리는 후광으로 덮여 있지만 테오도라의 머리 위에는 녹색 캐노피가 있고 그녀와 유스티니아누스 사이에 서있는 총 대주교가 있으며 녹색은 영적 발전의 불완전 함, 더 큰 "인류"를 상징합니다.
유스티니아누스와 테오도라
두 번째 계층 수준의 세 개의 아치에 위치한 루넷에는 조합 또는 결합과 같은 매우 흥미로운 모자이크가 있습니다. 그 내용에는 밀접하게 관련된 두 가지 주요 플롯이 포함되어 있습니다. 삼위일체는 그것들을 하나로 연결합니다. 그들의 일관된 "읽기"는 신자들에게 구약의 중요한 성경 사건을 상기시킵니다.
아브라함의 환대와 희생, 모자이크
7세기에는 비잔틴 회화가 최고 수준으로 올라갔습니다. 같은 세기에 건축되어 1917~22년 그리스-터키 전쟁 중에 파괴된 터키 니케아의 성모 승천 교회에는 사진과 모자이크 조각만 남아 있습니다. 살아남은 조각 중 하나는 법원 경호원의 호화로운 옷을 입고 배너와 힘을 손에 들고 날개 달린 인물입니다.
이 전투적인 천사들의 얼굴은 놀랍습니다. 그들은 고대의 아름다움 이상을 연상시킵니다. 섬세한 타원형, 고전적인 비율과 특징, 작은 관능적 인 입, 얇은 코, 매혹적인 시선. 인상주의를 연상시키는 부드러운 그림 같은 방식으로 실행됩니다. 올리브, 핑크, 옅은 라일락 및 흰색 스몰트 큐브가 "무질서하게" 배열되어 있는데, 이는 사실 뛰어난 모자이크 예술가들의 이상적으로 정확한 계산입니다. 멀리서 보면 그것들이 합쳐져 섬세한 살아있는 얼굴의 환상을 만들어냅니다.
천사 두나미스, 터키 니케에 있는 성모승천교회 제단 금고의 모자이크 조각
이것은 "영적인 관능"의 완벽한 예이지만 실제 인간의 감정이나 경험과 관련된 구체적인 내용을 표현하지는 않습니다. 그들의 영성은 열정이 없고 관능은 천상의 것입니다.
구형 곡선 표면을 모자이크로 덮은 모자이크 전문가들은 조명 장식과 그림이 시각적으로 실내의 실제 공간으로 밀려나는 것을 발견했습니다. 깊이가없고 허용되지 않는 황금색 배경으로 효과가 강화되었습니다. 오목한 표면과 결합하여 배경의 금은 말하자면 기도하는 사람들과 동일한 공간 환경에 성자의 이미지를 "가져옵니다".
동시에 숭배자들 앞에 움직이지 않고 서서 큰 눈으로 그들을 열심히 바라보는 성도들의 모습은 사람들에게 의미 있고 소름 끼치는 것처럼 보였습니다.
성전에 오는 사람들은 거룩함 그 자체 안에 있다는 느낌을 갖고 있었는데, 이는 어느 기독교 중심 교회의 주된 이념이기도 했습니다.
이러한 목표 달성은 대칭 원리(인물의 위치는 그리스도를 기준으로 대칭이어야 함), 구성의 평탄성, 인물의 다양한 크기, 정면 설정과 같은 기술에 의해 촉진되었습니다. 이집트 샘플.
모자이크 - 특별한 광학 효과를 제공하는 "반짝이는 귀중한 그림"은 추상적 이미지, 숭고하고 초현실적인 이미지를 만드는 데 매우 적합했습니다.
다음 섹션에서는 로마/비잔틴 아이콘에 대해 다룰 것입니다. 그것이 없으면 러시아 아이콘도 없을 것입니다. 이는 우리 민족의 영혼이 달라질 것임을 의미합니다.
비잔틴 모자이크는 오늘날까지 살아남은 가장 오래된 예술 유형 중 하나입니다. 녹은 유리에 다양한 금속을 첨가하면 그 성질을 얻는 물질인 스몰트를 만든 사람은 비잔틴인이라고 믿어집니다. 비잔틴 모자이크를 배치할 때 사용되는 것은 스몰트입니다.
다양한 비율의 금, 구리 및 수은 불순물은 개별 요소와 모자이크 블록에 특정 색조를 부여합니다. 이전에 배치에 필요한 기하학적 모양을 제공한 이 블록의 도움으로 끝없이 감탄할 수 있는 놀라운 인공 캔버스와 패널이 만들어집니다.
비잔틴 모자이크의 주요 특징 중 하나는 대부분의 내부 패널에 나타나는 황금색 배경입니다. 비잔틴 스타일의 두 번째 특징은 모든 물체의 명확한 윤곽입니다. 모자이크 큐브를 연속으로 배치하여 얻습니다. 이 스타일로 만든 패널은 멀리서 볼 때 가장 잘 보입니다. 이 경우 모든 개체가 황금색 배경에 대해 더 잘 보이고 어느 정도 볼륨을 얻습니다. 동시에 패널 표면은 멀리서 보면 약간 벨벳처럼 보입니다. 이 스타일에서 확인할 수 있는 또 다른 특징은 정확한 비율입니다. 비잔틴 모자이크 기술에 대해 이야기하면 직접 세트가 주로 사용됩니다. 즉, 모자이크 블록은 서로 가깝게 연속적으로 엄격하게 배치되고 윤곽은 명확하게 배치됩니다. 한편으로 이 기술은 패널에 약간의 건조함을 주지만 이는 언뜻 보기에 불과합니다. 실제로 사진의 무결성과 생동감이 더 잘 인식됩니다.
내부의 현대 비잔틴 모자이크
비잔틴 모자이크는 높은 평가를 받고 있으며 오늘날까지도 인기를 잃지 않고 있습니다. 매력적인 모자이크 구성은 현대 주택과 아파트의 인테리어 디자인에 점점 더 많이 사용되고 있습니다. 물론 오늘날 실제 비잔틴 스몰트를 찾는 것은 어렵습니다. 모자이크는 오랫동안 산업적으로 생산되어 왔으며 새로운 기술 덕분에 전체 모자이크 구성이 생산되었습니다. 오늘날 순수한 스몰트가 실제로 사용되지 않고 대신 유리 모자이크가 자주 사용되기 때문에 이로 인해 재료 비용을 줄일 수 있었습니다.
비잔틴 모자이크 기술에는 복잡한 것이 없으며 주요 요구 사항은 미래의 걸작을 위한 완벽하게 평평한 표면이며 균열이 없어야 합니다. 약간의 인내심, 특정 상상력의 존재, 그리고 거의 모든 사람이 웅장한 예술 작품으로 집을 독립적으로 꾸밀 수 있습니다. 벽에 걸린 그림일 수도 있고, 바닥에 깔린 시크한 동양풍 양탄자일 수도 있습니다. 비잔틴 모자이크는 항상 유행하며 거의 2000년에 달하는 모자이크의 역사는 이에 대한 강력한 확인입니다.
비잔틴 모자이크는 더 현대적이고 고품질이며 물론 더 저렴한 재료(컬렉션의 모자이크 같은 세라믹 타일)로 대체될 수 있습니다. "테마리"케라마 마라찌(Kerama Marazzi). 다양한 색상, 풍부한 색조가 서로 완벽하게 결합되어 모든 디자인 아이디어를 실현할 수 있습니다. Temari 모자이크 컬렉션은 인테리어를 장식하고 개성 있고 독창적으로 만듭니다.
비잔틴 모자이크의 다른 특징
나중에 연구자들은 큐브가 서로 촘촘하게 쌓여 있고 윤곽의 선명도가 계속 추적된다는 사실에 주목했습니다. 또한 비잔틴 모자이크의 후기 사례의 특징 중에는 인체의 정확한 비율이 있습니다. 종종 그들은 움직이는 마스터에 의해 묘사되거나 차례로 묘사됩니다. 이미지의 볼륨이 보이도록 이미지가 전송되는 경우가 많습니다. 이렇게 하면 이미지가 어느 정도 생생해 지지만 가장자리가 선명하면 여전히 건조해 보입니다.
비잔틴 모자이크란 무엇인가? 이것은 작고 동일한 입자로 일종의 이미지나 그림을 구성하는 고대 기술입니다. 일반적으로 큰 그림은 이런 방식으로 만들어지며 먼 거리에서 볼 수 있도록 고안되었습니다. 이 경우 그림은 이미지를 활기차게 만드는 요철로 구별되며 멀리서 보면 그림의 표면이 벨벳처럼 보입니다.
비잔틴 모자이크 재료
비잔티움에서는 고대부터 비잔틴 모자이크 그림을 만들기 위해 우수한 재료인 스몰트가 발명되었습니다. 사실, 이 재료는 유리였는데, 여기에 금속 입자를 첨가하여 특정한 색조를 부여했습니다. 그래서 금을 첨가하면 유리가 황금빛 광택을 얻었습니다. 많은 장인들이 그림의 배경으로 금 모자이크를 선택하게 된 것은 바로 이러한 광채입니다. 용융된 스몰트 덩어리에도 구리와 수은이 서로 다른 비율로 첨가되었습니다. 그래서 고대 거장은 모자이크 입자가 구성을 만드는 데 필요한 다양한 색조를 얻도록 보장했습니다.
비잔틴 모자이크의 유래
비잔틴 모자이크의 역사는 서기 3~4세기로 거슬러 올라갑니다. 이것은 모자이크의 가장 오래된 사례 중 일부가 거슬러 올라가는 시기입니다. 흥미롭게도 이 예술은 6세기와 7세기에 절정에 이르렀고, 그 후 9세기부터 14세기까지 계속해서 부활하여 지속적으로 사용되었습니다. 기본적으로 이 예술의 샘플은 성경적 주제에 대한 플롯을 나타내므로 그 중 다수는 다양한 종교 건물에 위치해 있습니다.
비잔틴 양식의 특징
위에서 언급했듯이 비잔틴 양식의 주요 특징은 대부분의 그림에 내재된 황금색 배경이었습니다. 다이렉트 다이얼링은 일반적으로 다이얼링 기술로 사용됩니다. 비잔틴 양식으로 만들어진 모자이크 패널의 또 다른 특징은 그림에 표시된 각 물체의 윤곽이 명확하다는 것입니다. 일반적으로 이를 달성하기 위해 연속적으로 배치된 모자이크 큐브가 윤곽선으로 사용되었습니다. 사진을 먼 거리에서 보면 이러한 윤곽으로 인해 황금빛 반짝이는 배경에 연기 캐릭터가 더 잘 보입니다.