모나리자 한 여성의 전기. 레오나르도 다빈치의 기술이 공개됐다. 모나리자는 겹겹이 쌓여있습니다. 왕에서 왕으로, 왕국에서 왕국으로
소개..........................................................................................................3
1. 작가 약력 ..............................................................5
2. 모나리자 모델 신원확인의 미스터리..................................................6
3. <모나리자>의 실행기법..........................................................................11
4. 사진의 구성..........................................................................16
5. 궁금한 사실.......................................................................... 18
결론 ..........................................................................................20
출처 및 문헌 목록.......................................................................21
부록 ..........................................................................................22
소개
이탈. 지오콘다; 모나리자)는 1503년경 이탈리아 화가 레오나르도 다 빈치가 그린 피렌체의 실크 상인 프란체스코 델 조콘도의 아내 리사 게라르디니의 초상화이다. 이 그림은 세계에서 가장 유명한 그림 중 하나입니다. 르네상스를 가리킨다. 루브르 박물관(프랑스 파리)에 전시되었습니다.
이탈. 리트라토 디 모나리자 델 지오콘도- 리사 지오콘도 부인의 초상화.
레오나르도 다빈치의 "모나리자"는 인류의 가장 귀중한 그림으로 여겨집니다. 이 작품은 수년에 걸쳐 제작되었으며 독특합니다. 그 그림은 누구에게나 너무나 친숙하고, 사람들의 기억 속에 깊이 각인되어 예전과는 달라 보였다는 사실이 믿기 어려울 정도이다.
그 그림은 너무 자주 복사되었고 예술에 너무 강한(어쩌면 너무 강한) 영향을 미쳤기 때문에 편견 없는 눈으로 보는 것은 매우 어렵습니다. 피곤하거나 피곤하다고 생각하는 사람들. , 모나리자.
네 가지 주요 질문이 있습니다.
그림의 천재 레오나르도 다빈치(1452~1519)
완벽한 연주 테크닉, 아직도 풀리지 않는 비밀
(포즈를 한) 여자의 신비의 후광
· 탐정 이야기만큼 놀라운 그림 이야기.
천재에 대해 오랫동안 이야기할 수 있습니다. 이 사이트에서 전기를 읽는 것이 좋습니다. 예술적 추측없이 객관적으로. 능력은 밝았지만 가장 중요한 것은 일에 대한 엄청난 능력과 주변 세계를 알고 싶은 열망입니다. Leonardo는 수학, 원근법, 기하학, 자연 환경에 대한 관찰 및 연구에 관한 모든 과학 등 예술가에게 필수적이라고 간주되는 주제를 연구했습니다. 그는 또한 건축과 조각을 공부하기 시작했습니다. 학업을 마친 후 그는 부유한 시민이나 수도원의 의뢰를 받아 초상화와 종교화를 그리는 화가로 경력을 시작했습니다. 평생 동안 그는 기술적, 예술적 재능을 발전시켰습니다. 어떤 주제, 어떤 분야에서든 다루는 남다른 능력, 화가라기보다는 재능 있는 기술자로 알려졌어야 했는데, 그는 끊임없이 자연 현상을 연구하는 탐욕스러운 호기심은 물론, 동시대인 모두를 놀라게 했다. : "소변은 어디서 나오나요? ... 그리고 그의 회화 기술 실험이 항상 성공적인 것은 아니었음에도 불구하고.
1. 아티스트 전기
레오나르도는 1452년 4월 15일에 태어났다고 알려진 피렌체 서쪽의 빈치라는 마을에서 그의 성을 따왔습니다. 그는 피렌체 공증인과 농부 소녀의 사생아 였지만 집과 아버지에서 자랐기 때문에 읽기, 쓰기, 계산에 대한 철저한 교육을 받았습니다. 15세에 그는 초기 르네상스의 주요 거장 중 한 명인 안드레아 델 베로키오(Andrea del Verrocchio)의 견습생이 되었고, 5년 후에는 예술가 길드에 가입했습니다. 1482년에 이미 전문 예술가였던 레오나르도는 밀라노로 이주했습니다. 그곳에서 그는 유명한 프레스코화 "최후의 만찬"을 그렸고 그의 독특한 기록을 보관하기 시작했으며, 여기서 그는 건축가 디자이너, 해부학자, 수력학, 메커니즘 발명가, 음악가로 더 많이 활동했습니다. 수년 동안 도시에서 도시로 이동하면서 다빈치는 수학에 너무 매료되어 붓을 집어들 수 없었습니다. 피렌체에서 그는 미켈란젤로와 경쟁 관계를 맺었습니다. 이 경쟁은 두 예술가가 Palazzo della Signoria(또한 Palazzo Vecchio)를 위해 그린 거대한 전투 구성으로 정점에 달했습니다. 처음에는 루이 12세, 그 다음에는 프랑수아 1세가 된 프랑스인들은 이탈리아 르네상스 작품, 특히 레오나르도의 최후의 만찬을 존경했습니다. 따라서 1516년 레오나르도의 다양한 재능을 잘 알고 있던 프란시스 1세가 그를 당시 루아르 계곡의 앙부아즈 성에 있던 법정에 초대한 것은 놀라운 일이 아닙니다. Leonardo는 1519년 5월 2일 Amboise에서 사망했습니다. 이때까지 그의 그림은 주로 개인 소장품에 흩어져 있었고 메모는 수세기 동안 거의 완전히 망각된 상태로 다양한 컬렉션에 놓여있었습니다.
2. 미스터리신원모나리자 모델
초상화에 묘사된 인물은 식별하기 어렵습니다. 오늘날까지 이 주제에 관해 많은 논란의 여지가 있고 때로는 터무니없는 의견이 표명되었습니다.
피렌체 상인 델 조콘도의 아내
에스테의 이사벨라
그냥 완벽한 여자야
여자 옷을 입은 어린 소년
레오나르도의 자화상
오늘날까지도 낯선 사람을 둘러싸고 있는 미스터리는 매년 수백만 명의 방문객을 루브르 박물관으로 끌어들이고 있습니다.
1517년 아라곤의 루이 추기경은 프랑스에 있는 그의 작업실에 있는 레오나르도를 방문했습니다. 안토니오 드 베아티스 추기경의 비서관은 이 방문에 대해 다음과 같이 설명했습니다. “1517년 10월 10일, 몬시뇰과 그와 같은 다른 사람들이 앙부아즈의 외딴 지역 중 한 곳을 방문했고, 회색 피렌체 출신인 레오나르도 다 빈치 경을 방문했습니다. 일흔이 넘은 수염을 기른 노인, 우리 시대 최고의 예술가. 그는 세 장의 그림을 각하에게 보여주었습니다. 하나는 위대한 줄리아노 데 메디치 로렌조 형제의 요청으로 생전에 그린 피렌체 여인을 묘사한 것이었고, 다른 하나는 젊은 시절의 세례 요한을 묘사한 것이고, 세 번째는 마리아와 마리아와 함께 있는 성 안나를 묘사한 것입니다. 아기 그리스도; 모두 정말 아름답습니다. 스승님 자신도 당시 오른손이 마비되었기 때문에 더 이상 새로운 선행을 기대할 수 없었습니다.
일부 연구자들에 따르면 "어떤 피렌체 여인"은 "모나리자"를 의미합니다. 그러나 이것은 증거나 사본이 보존되지 않은 다른 초상화일 가능성이 있으며, 그 결과 Giuliano Medici는 Mona Lisa와 아무 관련이 없을 수 있습니다.
이탈리아 예술가들의 전기 작가인 조르조 바사리(1511-1574)에 따르면, 모나리자(마돈나 리사의 줄임말)는 프란체스코 델 조콘도라는 피렌체 사람의 아내였는데, 그의 초상화는 레오나르도가 4년을 보냈지만 아직 미완성으로 남아있습니다.
Vasari는 이 그림의 품질에 대해 매우 칭찬하는 의견을 표명했습니다. “예술이 자연을 얼마나 잘 모방할 수 있는지 알고 싶은 사람은 누구나 머리의 예를 통해 이를 쉽게 확신할 수 있습니다. 여기 Leonardo가 모든 세부 사항을 재현했기 때문입니다. 살아있는 사람처럼 윤기와 촉촉함이 가득한 눈... 은은한 핑크빛 코가 진짜 같아요. 입의 붉은 톤이 안색과 조화롭게 어울린다 ... 누가 목을 자세히 보면 맥박이 뛰는 것 같았다 ... ". 그는 또한 그녀의 얼굴에 약간의 미소가 떠오른 것에 대해 다음과 같이 설명합니다. "레오나르도는 긴 포즈에 지루해하는 여성을 즐겁게 하기 위해 음악가와 광대를 초대했다고 합니다."
어쩌면 이 이야기가 사실일지도 모르지만, 아마도 Vasari는 독자들의 오락을 위해 Leonardo의 전기에 단순히 그것을 추가했을 것입니다. 바사리의 설명에는 그림에서 빠진 눈썹에 대한 정확한 설명도 포함되어 있습니다. 이러한 부정확성은 저자가 기억이나 다른 사람의 이야기에서 그림을 설명한 경우에만 발생할 수 있습니다. 이 그림은 미술 애호가들 사이에서 잘 알려져 있었지만, 레오나르도는 1516년 이 그림을 가지고 이탈리아를 떠나 프랑스로 향했습니다. 이탈리아 소식통에 따르면 이 작품은 이후 프랑스 국왕 프란시스 1세의 소장품이 되었지만 언제, 어떻게 획득했는지, 레오나르도가 이 작품을 고객에게 돌려주지 않은 이유는 여전히 불분명합니다.
1511년에 태어난 바사리는 모나리자를 자신의 눈으로 볼 수 없었고 레오나르도의 첫 번째 전기의 익명의 저자가 제공한 정보를 참고할 수밖에 없었습니다. 예술가에게 세 번째 부인 리사의 초상화를 의뢰한 영향력 없는 실크 상인 프란체스코 지오콘도에 대해 글을 쓰는 사람이 바로 그 사람입니다. 이 익명의 동시대인의 말에도 불구하고 많은 연구자들은 여전히 모나리자가 피렌체(1500-1505)에서 쓰여졌을 가능성을 의심하고 있습니다. 세련된 기술은 나중에 그림이 만들어졌음을 나타냅니다. 또한 이때 Leonardo는 "Anghiari 전투"작업에 너무 바빠서 Isabella d' Este 공주의 명령 수락을 거부하기도했습니다. 그렇다면 평범한 상인이 유명한 주인을 설득하여 아내의 초상화를 그릴 수 있을까요?
그의 설명에서 Vasari가 모델과 그림의 유사성이 아니라 물리적 현상을 전달하는 Leonardo의 재능을 존경한다는 점도 흥미 롭습니다. 걸작의 이러한 물리적 특징은 화가의 작업실을 방문한 사람들에게 깊은 인상을 남겼으며 거의 50년 후에 바사리에게 도달한 것 같습니다.
모나리자는 누구입니까?많은 버전이 있습니다. 그 중 가장 그럴듯한 사람은 피렌체의 실크 상인 프란체스코 델 조콘도(Francesco del Giocondo)의 두 번째 아내이자 다섯 자녀의 어머니입니다. 다양한 출처에 따르면 그림을 그릴 당시(약 1503-1506) 소녀는 24세에서 30세 사이였습니다. 현재 이 그림이 두 가지 이름으로 알려진 것은 남편의 성 때문이다.
두 번째 버전에 따르면 신비한 소녀는 전혀 천사 같은 청순한 아름다움이 아니 었습니다. 글을 쓰는 시점에서 그녀는 이미 40세였습니다. 공작부인은 이탈리아 르네상스의 전설적인 영웅인 스포르차 공작의 사생아였으며, 난잡함으로 악명이 높았습니다. 그녀는 15세부터 세 번 결혼하여 11명의 자녀를 낳았습니다. 공작 부인은 그림 작업을 시작한 지 6년 후인 1509년에 사망했습니다. 이 버전은 모나리자와 매우 흡사한 25세 공작부인의 초상화로 뒷받침됩니다.
레오나르도 다빈치가 자신의 걸작 모델을 찾기 위해 멀리 가지 않고 단순히 여성복에 자화상을 그렸다는 버전을 자주들을 수 있습니다. 이 버전은 거부하기 어렵습니다. 왜냐하면 모나리자와 이후의 주인의 자화상 사이에는 명백한 유사성이 있기 때문입니다. 또한 이러한 유사성은 주요 인체 측정 지표에 대한 컴퓨터 분석을 통해 확인되었습니다.
가장 추악한 버전은 주인의 개인 생활에 영향을 미칩니다. 일부 학자들은 이 그림의 모델이 다빈치의 제자이자 조수였던 지안 지아코모(Gian Giacomo)라고 주장하는데, 그는 26년 동안 그의 곁에 있었고 그의 연인이었을 수도 있습니다. 이 버전은 레오나르도가 1519년에 사망했을 때 이 그림을 그에게 유산으로 남겼다는 사실에 의해 뒷받침됩니다.
그러나 아무리 스승의 퍼즐을 풀어도 여전히 답보다 질문이 더 많습니다. 그림 이름의 모호함은 진위 여부에 대한 많은 추측을 불러일으켰습니다. 동시대 사람들이 그림이 주인에 의해 완성되지 않았다고 반복적으로 언급한 버전이 있습니다. 더욱이 작가의 작업실을 방문한 라파엘은 아직 완성되지 않은 그림을 스케치했습니다. 스케치는 그리스 기둥이 양쪽에 위치한 잘 알려진 여성으로 밝혀졌습니다. 또한 동시대 사람들에 따르면 그림은 더 크고 Mona Lisa의 남편 Francesco del Giocondo를 위해 주문하도록 제작되었습니다. 작가는 미완성 그림을 고객에게 넘겨주었고, 이 그림은 수세기 동안 가족 기록 보관소에 보관되었습니다.
그러나 루브르 박물관은 전혀 다른 캔버스를 전시했다. 크기가 더 작고(77 x 53cm) 기둥 없이도 꽤 완성된 것처럼 보입니다. 따라서 역사가들에 따르면 루브르 그림은 Giuliano Medici의 여주인 Constanza D' Avalos를 묘사합니다. 화가가 1516년에 프랑스로 가져온 것이 바로 이 그림이었습니다. 그는 죽을 때까지 앙부아즈 시 근처에 있는 자신의 방에 그녀를 두었습니다. 그곳에서 이 그림은 1517년 프란시스 1세의 소장품으로 들어왔습니다. 바로 이 그림이 “모나리자”라고 불립니다.
그녀의 수수께끼 같은 미소가 매혹적이다. 어떤 사람들은 그것을 신성한 아름다움으로 보고, 다른 사람들은 비밀 표시로 보고, 다른 사람들은 규범과 사회에 대한 도전으로 봅니다. 그러나 모두가 한 가지에 동의합니다. 거기에는 신비하고 매력적인 것이 있습니다.
모나리자의 비밀은 무엇입니까? 버전은 셀 수 없이 많습니다. 가장 일반적이고 흥미로운 내용은 다음과 같습니다.
이 수수께끼의 걸작은 수세기 동안 연구자와 미술사학자들을 당황하게 했습니다. 이제 이탈리아 과학자들은 다빈치가 그림에 일련의 아주 작은 글자와 숫자를 남겼다고 주장함으로써 음모의 또 다른 측면을 추가했습니다. 현미경으로 보면 모나리자의 오른쪽 눈에 LV라는 글자가 보입니다.
그리고 왼쪽 눈에도 몇 가지 기호가 있지만 다른 기호만큼 눈에 띄지는 않습니다. CE나 B와 비슷합니다.
다리의 아치에는 그림 배경에 "72", "L2"또는 문자 L과 숫자 2가 새겨 져 있습니다. 또한 그림에는 숫자 149와 네 번째가 지워졌습니다. 그 뒤에 번호를 매기세요.
현재 77x53cm 크기의 이 그림은 루브르 박물관의 두꺼운 방탄 유리 뒤에 보관되어 있습니다. 포플러 판 위에 만들어진 이미지는 격자무늬의 균열로 덮여 있습니다. 그것은 그다지 성공적이지 않은 여러 번의 복원에서 살아남았으며 5세기에 걸쳐 눈에 띄게 어두워졌습니다. 그러나 그림이 오래될수록 더 많은 사람들의 관심을 끌고 있습니다. 루브르 박물관은 매년 800만~900만 명이 방문합니다.
예, Leonardo 자신은 Mona Lisa와 헤어지고 싶지 않았으며 아마도 작가가 수수료를 받았다는 사실에도 불구하고 고객에게 작품을 제공하지 않은 것은 역사상 처음 일 것입니다. 작가 다음으로 그림의 첫 번째 소유자인 프랑스의 프란시스 1세 왕도 이 초상화에 기뻐했습니다. 그는 당시 엄청난 돈인 금화 4000개를 다빈치에게서 사서 퐁텐블로에 두었습니다.
나폴레옹은 또한 마담 리사(그는 조콘다라고 불렀음)에게 매료되어 그녀를 튀일리 궁전에 있는 그의 방으로 옮겼습니다. 그리고 1911년 이탈리아인 빈첸초 페루자(Vincenzo Peruggia)는 루브르 박물관의 걸작을 훔쳐 고국으로 가져가서 우피치 갤러리 관장에게 그림을 옮기려다 구금될 때까지 2년 동안 그녀와 함께 숨었습니다. , 피렌체 여인의 초상화는 항상 매력을 느끼고, 최면에 걸리고, 기뻐했습니다. ..
그녀의 매력 비결은 무엇일까?
버전 #1: 클래식
모나리자에 대한 첫 번째 언급은 유명한 "전기"Giorgio Vasari의 저자에게서 찾을 수 있습니다. 그의 작품에서 우리는 레오나르도가 "프란체스코 델 지오콘도를 위해 그의 아내인 모나리자의 초상화를 완성하는 일을 맡았으나 4년 동안 작업한 끝에 미완성 상태로 남겨두었다"는 것을 알게 됩니다.
작가는 작가의 솜씨, "그림의 미묘함이 전달할 수 있는 가장 작은 디테일"을 보여주는 그의 능력, 그리고 가장 중요하게는 "너무 기분 좋아서 마치 신이 아닌 신을 생각하는 것 같은 미소"에 감탄했다. 인간." 미술사학자는 “초상화를 그리는 동안 그(레오나르도)는 거문고를 치거나 노래하는 사람들을 지켜줬고, 그녀의 쾌활함을 지지하고 그림이 주는 우울함을 없애주는 광대들도 늘 있었다”고 그녀의 매력 비결을 설명한다. 초상화가 공연되었습니다.” 의심의 여지가 없습니다. 레오나르도는 탁월한 대가이며 그의 기술의 정점은 바로 이 신성한 초상화입니다. 그의여 주인공의 이미지에는 삶 자체에 내재 된 이중성이 있습니다. 포즈의 겸손은 대담한 미소와 결합되어 사회, 표준, 예술에 대한 일종의 도전이됩니다 ...
하지만 이 신비한 여인의 두 번째 이름이 된 비단 상인 프란체스코 델 조콘도의 아내가 정말일까요? 우리여 주인공에게 딱 맞는 분위기를 조성한 뮤지션들의 이야기가 사실인가요? 회의론자들은 Leonardo가 사망했을 때 Vasari가 8세 소년이었다는 사실을 언급하면서 이 모든 것에 대해 이의를 제기합니다. 그는 예술가나 그의 모델을 개인적으로 알 수 없었기 때문에 레오나르도의 첫 번째 전기의 익명의 저자가 제공한 정보만 제시했습니다. 한편 작가와 다른 전기에는 논란의 여지가 있습니다. 예를 들어, 미켈란젤로의 부러진 코 이야기를 들어보세요. Vasari는 Pietro Torrigiani가 자신의 재능 때문에 동급생을 때렸다고 썼고 Benvenuto Cellini는 그의 오만함과 오만함으로 부상을 설명합니다. 수업에서 Masaccio의 프레스코화를 복사하여 Torrigiani의 코에 들어간 모든 이미지를 조롱했습니다. Cellini 버전에 찬성하는 것은 전설이 있었던 Buonarroti의 복잡한 캐릭터입니다.
버전 #2: 중국인 어머니
Lisa del Giocondo(nee Gherardini)는 실제로 존재했습니다. 이탈리아 고고학자들은 피렌체의 성 우르술라 수도원에서 그녀의 무덤을 발견했다고 주장하기도 합니다. 그런데 사진 속에 그녀가 있나요? 많은 연구자들은 Leonardo가 여러 모델의 초상화를 그렸다고 주장합니다. 왜냐하면 그가 Giocondo 천 상인에게 그림을 주기를 거부했을 때 그 그림은 미완성 상태로 남아 있었기 때문입니다. 주인은 평생 동안 자신의 작업을 개선하고 기능과 기타 모델을 추가하여 그 시대의 이상적인 여성에 대한 집단적 초상화를 받았습니다.
이탈리아 과학자 Angelo Paratico는 더 나아갔습니다. 그는 모나리자가 실제로 중국인이었던 레오나르도의 어머니라고 확신합니다. 연구자는 동부에서 20년을 보내며 지역 전통과 이탈리아 르네상스의 연관성을 연구했고, 레오나르도의 아버지인 공증인 피에로에게 부유한 고객이 있었고, 그가 중국에서 데려온 노예가 있다는 것을 보여주는 문서를 발견했습니다. 그녀의 이름은 카테리나였습니다. 그녀는 르네상스 천재의 어머니가 되었습니다. 연구원이 유명한 "레오나르도의 손글씨", 즉 오른쪽에서 왼쪽으로 쓰는 주인의 능력을 설명하는 것은 바로 레오나르도의 정맥에 동양의 피가 흘렀다는 사실입니다 (이것이 그의 일기에 항목이 작성된 방식입니다). 연구원은 또한 모델의 얼굴과 모델 뒤의 풍경에서 동양적인 특징을 보았습니다. Paratico는 그의 이론을 확인하기 위해 Leonardo의 유해를 발굴하고 그의 DNA를 분석할 것을 제안합니다.
공식 버전에 따르면 Leonardo는 공증인 Piero와 "지역 농민 여성"Katerina의 아들이었습니다. 그는 뿌리 없는 여자와 결혼할 수 없었고, 지참금을 가지고 귀족 가문의 소녀와 결혼했지만 그녀는 불임으로 판명되었습니다. Katerina는 생애 처음 몇 년 동안 아이를 키웠고 그 후 아버지는 아들을 집으로 데려갔습니다. Leonardo의 어머니에 대해서는 알려진 바가 거의 없습니다. 그러나 실제로 작가는 어린 시절 어머니와 헤어진 채 어머니의 모습과 미소를 그림에 재현하기 위해 평생을 노력했다는 의견이있다. 이 가정은 지그문트 프로이트(Sigmund Freud)가 “어린 시절의 추억(Childhood Memories)”이라는 책에서 제시한 것입니다. 레오나르도 다빈치'는 미술사가들 사이에서 많은 지지를 얻었습니다.
버전 #3: 모나리자는 남자입니다
시청자들은 모나리자의 이미지에 모든 부드러움과 겸손에도 불구하고 일종의 남성 성이 있고 눈썹과 속눈썹이 거의없는 젊은 모델의 얼굴이 보이시 해 보인다는 점을 종종 지적합니다. Mona Lisa Silvano Vincenti의 유명한 연구원은 이것이 우연이 아니라고 믿습니다. 그는 레오나르도가 여자 드레스를 입은 청년의 포즈를 취했다고 확신합니다. 그리고 이것은 다름 아닌 다빈치의 학생인 살라이입니다. 그는 그림 "세례자 요한"과 "육체의 천사"에서 그 젊은이에게 모나리자와 같은 미소를 부여했습니다. 그러나 미술사가는 모델의 외부 유사성뿐만 아니라 고해상도 사진을 연구 한 결과 모델 L과 S의 눈에서 Vincenti를 식별 할 수있게 된 후 이러한 결론을 내 렸습니다. 전문가에 따르면 그림의 작가와 그 그림에 묘사된 청년의 이름 .
'세례자 요한' 레오나르도 다빈치(루브르 박물관)
이 버전은 또한 특별한 관계에 의해 지원됩니다. Vasari는 아마도 Leonardo와 Salai를 연결하는 모델과 예술가를 암시했습니다. 다빈치는 미혼이었고 자녀도 없었습니다. 동시에 익명의 사람이 특정 17세 소년 야코포 살타렐리(Jacopo Saltarelli)에 대한 남색 예술가를 비난하는 비난 문서가 있습니다.
많은 연구자들에 따르면 레오나르도에게는 여러 명의 학생이 있었고 그 중 일부는 그와 매우 친했다고 합니다. 프로이트는 또한 르네상스 천재의 전기와 일기에 대한 정신과 분석을 통해 이 버전을 뒷받침하는 레오나르도의 동성애에 대해 이야기합니다. 살라이에 대한 다빈치의 메모도 유리한 주장으로 간주됩니다. 다빈치가 살라이의 초상화를 남긴 버전도 있는데(그림은 석사 학생의 유언장에 언급되어 있기 때문에) 그 그림은 프란시스 1세에게 전해졌습니다.
그건 그렇고, 동일한 Silvano Vincenti는 또 다른 가정을 제시했습니다. 마치 그림이 밀라노 Leonardo의 법원에서 1482-1499 년에 건축가 및 엔지니어로 일했던 Ludovik Sforza의 후계자 중 특정 여성을 묘사하는 것처럼 보입니다. 이 버전은 빈센티가 캔버스 뒷면에 있는 숫자 149를 본 후에 등장했는데, 연구원에 따르면 이 날짜가 그림이 그려진 날짜이고 마지막 숫자만 지워졌다고 한다. 전통적으로 주인은 1503년부터 지오콘다를 그리기 시작했다고 믿어집니다.
그러나 Salai와 경쟁하는 Mona Lisa라는 제목에 대한 다른 후보가 많이 있습니다. 이들은 Isabella Gualandi, Ginevra Benci, Constanta d' Avalos, 창녀 Caterina Sforza, Lorenzo Medici의 특정 비밀 여주인, 심지어 Leonardo의 간호사입니다.
버전 번호 4: Gioconda는 Leonardo입니다.
프로이트가 암시한 또 다른 예상치 못한 이론은 미국의 릴리안 슈워츠(Lillian Schwartz)의 연구에서 확인되었습니다. 모나리자는 자화상이라고 릴리안은 확신합니다. 1980년대 뉴욕 School of Visual Arts의 예술가이자 그래픽 컨설턴트는 이제는 꽤 나이가 많은 예술가의 유명한 "Turin Self-Portrait"와 모나리자의 초상화를 비교한 결과 얼굴의 비율(머리 모양, 눈 사이의 거리, 이마 높이)는 동일합니다.
그리고 2009년에 Lillian은 아마추어 역사가 Lynn Picknett와 함께 대중에게 또 다른 놀라운 센세이션을 일으켰습니다. 그녀는 Turin의 수의가 카메라 옵스큐라의 원리에 따라 황산은을 사용하여 만든 Leonardo의 얼굴 인쇄물에 지나지 않는다고 주장합니다.
그러나 Lillian의 연구를 지지하는 사람은 많지 않았습니다. 이러한 이론은 다음 가정과 달리 가장 인기 있는 이론이 아닙니다.
버전 #5: 다운증후군 걸작
Gioconda는 다운병을 앓고 있었습니다. 이는 1970년대 영국 사진작가 Leo Vala가 모나리자의 옆모습을 "뒤집을" 수 있는 방법을 생각해낸 후 내린 결론이었습니다.
동시에 덴마크 의사 Finn Becker-Christianson은 선천성 안면 마비라는 진단으로 Gioconda를 진단했습니다. 그의 의견으로는 비대칭 미소는 바보 같은 정신 장애를 말합니다.
1991년 프랑스 조각가 알랭 로슈(Alain Roche)는 모나리자를 대리석으로 구현하기로 결정했지만 아무 성과도 얻지 못했습니다. 생리학적 관점에서 보면 모델의 모든 부분, 즉 얼굴, 팔, 어깨가 잘못된 것으로 나타났습니다. 그런 다음 조각가는 생리학자인 Henri Greppo 교수에게 눈을 돌렸고, 그는 손 미세 수술 전문가인 Jean-Jacques Conte의 관심을 끌었습니다. 그들은 함께 신비한 여인의 오른손이 왼쪽에 있지 않다는 결론에 도달했습니다. 그 이유는 그 손이 더 짧을 수 있고 경련을 일으키기 쉽기 때문입니다. 결론: 모델의 몸 오른쪽 절반이 마비되어 신비한 미소도 경련일 뿐이라는 뜻입니다.
산부인과 전문의 Julio Cruz와 Ermida는 그의 저서 "의사의 눈을 통해 본 Gioconda"에서 Gioconda의 완전한 "의료 기록"을 수집했습니다. 결과는 이 여자가 어떻게 살았는지 전혀 명확하지 않을 정도로 끔찍한 그림입니다. 여러 연구자들에 따르면, 그녀는 탈모증(탈모), 높은 혈중 콜레스테롤, 치아 목의 노출, 풀림 및 탈락, 심지어 알코올 중독으로 고통 받았습니다. 그녀는 파킨슨병, 지방종(오른쪽 팔의 양성 지방 종양), 사시, 백내장, 홍채 이색증(다른 눈 색깔), 천식을 앓고 있었습니다.
그러나 레오나르도가 해부학적으로 정확하다고 누가 말했습니까? 천재의 비밀이 바로 이러한 불균형에 있다면 어떨까요?
버전 번호 6: 마음속의 아이
또 다른 극지 "의료" 버전인 임신이 있습니다. 미국 산부인과 의사 Kenneth D. Keel은 모나리자가 반사적으로 배 위로 팔짱을 끼고 태어나지 않은 아기를 보호하려고 했다고 확신합니다. Lisa Gherardini에게는 다섯 명의 자녀가 있었기 때문에 확률이 높습니다 (그런데 첫 번째 태어난 이름은 Piero였습니다). 이 버전의 적법성에 대한 힌트는 초상화 제목 Ritratto di Monna Lisa del Giocondo(이탈리아어) - "Lisa Giocondo 부인의 초상화"에서 찾을 수 있습니다. Monna는 ma donna의 약어입니다 - 신의 어머니인 Madonna("나의 아가씨"를 의미하기도 하지만, 아가씨). 미술 평론가들은 이 그림이 하나님의 어머니의 형상으로 지상의 여성을 묘사하고 있다는 사실만으로 그림의 천재성을 종종 설명합니다.
버전 #7: 도상학적
그러나 모나리자는 지상의 여성이 신의 어머니를 대신한 아이콘이라는 이론 자체가 대중적이다. 이것은 작품의 천재성이므로 예술의 새로운 시대가 시작되는 상징이되었습니다. 이전에는 예술이 교회, 권력, 귀족을 위해 봉사했습니다. 레오나르도는 무엇보다도 예술가가 가장 가치 있는 것은 주인의 창의적인 아이디어라는 것을 증명합니다. 그리고 좋은 아이디어는 세상의 이중성을 보여주는 것이며, 신성한 아름다움과 세속적인 아름다움을 결합한 모나리자의 이미지가 이를 위한 수단으로 작용합니다.
버전 #8: Leonardo는 3D의 창시자입니다.
이 조합은 Leonardo가 발명한 특수 기술인 스푸마토(이탈리아어 - "연기처럼 사라지다")를 사용하여 달성되었습니다. Leonardo가 그림에서 공중 관점을 만들 수 있었던 것은 페인트를 층별로 적용할 때 이러한 그림 기법이었습니다. 작가는 이 레이어들을 셀 수 없이 겹겹이 적용했는데, 각각은 거의 투명했다. 이 기술 덕분에 빛은 화각과 빛의 입사각에 따라 다양한 방식으로 캔버스 전체에 반사되고 흩어집니다. 따라서 모델의 표정은 끊임없이 변화하고 있습니다.
연구자들은 모나리자가 역사상 최초의 3D 그림이라고 결론지었습니다. 수세기 후에 구체화된 많은 발명품(항공기, 탱크, 잠수복 등)을 예견하고 구현하려고 노력한 천재의 또 다른 기술적 혁신입니다. 이는 다빈치 자신이나 그의 학생이 쓴 마드리드 프라도 미술관에 보관된 초상화 버전에서도 입증됩니다. 동일한 모델을 묘사하며 각도만 69cm 이동하므로 전문가들은 이미지에서 3D 효과를 줄 올바른 지점을 찾고 있다고 믿습니다.
버전 번호 9: 비밀 표지판
비밀 표지판은 모나리자 연구자들이 가장 좋아하는 주제입니다. 레오나르도는 단순한 예술가가 아니라 엔지니어, 발명가, 과학자, 작가이며 아마도 그의 최고의 그림 창작에 보편적인 비밀을 인코딩했을 것입니다. 가장 대담하고 놀라운 버전이 책과 영화 다빈치 코드에서 만들어졌습니다. 물론 이것은 허구의 소설이다. 그러나 연구자들은 그림에서 발견된 특정 기호를 기반으로 환상적인 가정을 지속적으로 구축하고 있습니다.
모나리자의 이미지 아래에 또 다른 가정이 숨겨져 있다는 사실과 관련하여 많은 가정이 연결되어 있습니다. 예를 들어, 천사의 모습이나 모델의 손에 있는 깃털 등이 있습니다. Mona Lisa에서 러시아 이교도 여신의 이름인 Yara Mara라는 단어를 발견한 Valery Chudinov의 호기심 많은 버전도 있습니다.
버전 #10: 잘린 풍경
많은 버전이 모나리자가 묘사되는 풍경과 연결되어 있습니다. 연구원 Igor Ladov는 그 안에서 순환성을 발견했습니다. 풍경의 가장자리를 연결하기 위해 여러 선을 그리는 것이 가치가 있는 것 같습니다. 모든 것이 서로 맞물리려면 단 몇 센티미터만으로는 충분하지 않습니다. 그러나 결국 프라도 미술관의 그림 버전에는 원본에 있었던 기둥이 있습니다. 누가 그림을 잘라냈는지 아무도 모릅니다. 만약 그것들이 반환된다면, 이미지는 순환적인 풍경이 되며, 이는 인간의 삶(세계적인 의미에서)이 자연의 다른 모든 것과 마찬가지로 매혹적이라는 것을 상징합니다...
모나리자의 미스터리에는 걸작을 탐구하려는 사람들의 수만큼 다양한 버전이 있는 것 같습니다. 소름 끼치는 아름다움에 대한 감탄부터 완전한 병리 인식에 이르기까지 모든 것을위한 장소가있었습니다. 모든 사람은 Gioconda에서 자신만의 무언가를 발견하며, 아마도 이곳에서 캔버스의 다차원성과 의미론적 레이어가 나타나 모든 사람에게 상상력을 켤 수 있는 기회를 제공합니다. 한편, 모나리자의 비밀은 입가에 옅은 미소를 머금고 있는 이 신비한 여인의 소유로 남아 있는데…
오늘날 전문가들은 Gioconda의 눈에 띄지 않는 반 미소는 Leonardo da Vinci가 두 번 이상 사용한 의도적으로 만들어진 효과라고 말합니다. 이 버전은 작가가 비슷한 착시 현상을 사용한 초기 작품 La Bella Principessa(The Beautiful Princess)가 최근 발견된 이후에 탄생했습니다.
모나리자의 미소의 미스터리는 초상화 속 여인의 입 위쪽을 바라볼 때만 눈에 띄지만 일단 미소 자체를 보면 사라진다는 점이다. 과학자들은 색상과 음영의 복잡한 조합으로 생성되는 착시현상을 통해 이를 설명합니다. 이것은 사람의 주변 시력의 특징에 의해 촉진됩니다.
Da Vinci는 소위 "스푸마토"("모호한", "무한한") 기법을 사용하여 포착하기 어려운 미소 효과를 만들어냈습니다. 흐릿한 윤곽선과 입술과 눈 주위에 특별히 적용된 그림자는 보는 각도에 따라 시각적으로 변합니다. 한 사람이 그림을 본다. 그래서 미소가 왔다 갔다 합니다.
오랫동안 과학자들은 이 효과가 의식적으로나 의도적으로 생성되었는지에 대해 논쟁을 벌였습니다. 2009년에 발견된 라 벨라 프린시페사(La Bella Principessa)의 초상화는 다빈치가 모나리자를 만들기 오래 전에 이 기법을 사용했음을 증명합니다. 소녀의 얼굴에는 모나리자처럼 거의 눈에 띄지 않는 반 미소가 있습니다.
두 그림을 비교하면서 과학자들은 다빈치가 주변 시야의 효과도 적용했다고 결론지었습니다. 입술의 모양은 화각에 따라 시각적으로 변합니다. 입술을 똑바로 보면 미소가 눈에 띄지 않지만, 더 높이 보면 입가가 올라가는 것처럼 보이고 미소가 다시 나타납니다.
심리학 교수이자 시지각 전문가인 Alessandro Soranzo(영국)는 다음과 같이 썼습니다. "시청자가 미소를 잡으려고 하면 미소가 사라집니다." 그의 지도력 아래 과학자들은 일련의 실험을 수행했습니다.
실제 착시 현상을 보여주기 위해 자원 봉사자들은 다빈치의 캔버스를 다양한 거리에서 보도록 요청받았으며, 비교를 위해 동시대 폴라이올로가 그린 "소녀의 초상화"를 비교했습니다. 보는 각도에 따라 다빈치의 그림에서만 미소가 눈에 띄었습니다. 이미지를 흐리게 할 때에도 동일한 효과가 관찰되었습니다. 소란조 교수는 이것이 다빈치가 의도적으로 만들어낸 착시 현상이라는 데 의심의 여지가 없으며, 수년에 걸쳐 이 기술을 개발했습니다.
출처
로스앤젤레스 레오나르도 다빈치 연구소의 프랑스 연구자이자 컨설턴트인 장 프랑크(Jean Franck)는 최근 거장의 독특한 기술을 재현할 수 있었다고 발표했는데, 덕분에 지오콘다가 살아있는 것 같습니다.
"기술적인 측면에서 모나리자는 항상 설명할 수 없는 것으로 여겨졌습니다. 이제 나는 이 질문에 대한 답을 얻은 것 같습니다"라고 Frank는 말합니다.
참조: 스푸마토 기법은 레오나르도 다 빈치가 창안한 회화 기법이다. 그림 속의 사물은 명확한 경계를 가져서는 안된다는 사실로 구성됩니다. 모든 것이 인생과 같아야합니다. 흐릿하고, 서로 침투하고, 숨을 쉬십시오. 다빈치는 벽, 재, 구름, 흙 등의 젖은 얼룩을 관찰하면서 이 기술을 실천했습니다. 그는 클럽에서 이미지를 찾기 위해 자신이 일하는 방에서 의도적으로 담배를 피웠습니다.
Jean Franck에 따르면 이 기술의 가장 큰 어려움은 현미경이나 X-레이를 사용하여 인식할 수 없는 가장 작은 스트로크(약 1/4밀리미터)에 있습니다. 따라서 다빈치의 그림을 그리는 데는 수백 번의 세션이 걸렸습니다. 모나리자의 이미지는 약 30겹의 거의 투명한 액체 유성 페인트로 구성되어 있습니다. 이러한 보석 작업을 위해 다빈치는 붓과 동시에 돋보기를 사용해야 했던 것 같습니다.
연구원에 따르면 그는 대가의 초기 작품 수준에만 도달했습니다. 그러나 지금도 그의 연구는 위대한 레오나르도 다빈치의 캔버스 옆에 있는 영광을 누리고 있습니다. 피렌체의 우피치 박물관은 다빈치가 모나리자의 눈을 어떻게 그렸는지 단계별로 설명하는 프랭크의 거장 6개의 테이블과 그에 의해 재현된 레오나르도의 두 그림의 걸작 옆에 배치되었습니다.
"모나리자"의 구성은 "황금 삼각형"을 기반으로 한 것으로 알려져 있습니다. 이 삼각형은 차례로 정오각형의 조각입니다. 그러나 연구자들은 이것에서 어떤 비밀스러운 의미도 보지 못하고 오히려 공간적 관점의 기법으로 모나리자의 표현력을 설명하려는 경향이 있다.
Da Vinci는 이 기술을 사용한 최초의 사람 중 한 명으로 그림의 배경을 불분명하고 약간 흐리게 만들어 전경의 윤곽을 강조했습니다.
모나리자의 수수께끼
독특한 기술을 통해 다빈치는 사람들이 그를 바라볼 때 그녀의 감정을 다르게 인식할 정도로 생생한 여성 초상화를 만들 수 있었습니다. 그녀는 슬프나요, 아니면 웃고 있나요? 과학자들은 이 수수께끼를 풀었습니다. 네덜란드와 미국의 과학자들이 만든 Urbana-Champaign 컴퓨터 프로그램을 사용하면 모나리자의 미소가 행복 83%, 혐오감 9%, 두려움 6%, 분노 2%라는 계산이 가능해졌습니다. 프로그램은 얼굴의 주요 특징과 입술의 곡선, 눈가의 주름 등을 분석한 뒤, 얼굴을 6가지 주요 감정 그룹으로 분류했다.
루브르 박물관의 모나리자(지오콘다) 그림
루브르 박물관의 모나리자(Gioconda) 그림은 의심할 여지없이 정말 아름답고 귀중한 예술 작품이지만, 그 놀라운 인기에 대한 이유는 설명되어야 합니다.
이 캔버스가 세계적인 명성을 얻은 것은 예술적 장점 때문이 아니라 그림에 수반된 논쟁과 비밀, 그리고 남성에 대한 특별한 영향 때문인 것 같습니다.
그 당시 그녀는 그것을 너무 좋아했습니다. 나폴레옹 보나파르트그는 그것을 루브르 박물관에서 뛸르리 궁전으로 옮겨 자신의 침실에 걸었다고 합니다.
Mona Lisa는 "Mona Lisa"라는 이름의 철자를 단순화한 버전으로, 이는 Madonna("my Lady")라는 단어의 약어입니다. 이것이 바로 16세기의 유명한 역사가 Giorgio Vasari가 Lisa에 대해 경의를 표하는 방식으로 말한 것입니다. Gherardini는 자신의 저서 "이탈리아의 저명한 건축가, 조각가 및 화가의 삶"에서 초상화에 묘사했습니다.
이 여성은 특정 Francesco del Gioconda와 결혼했습니다. 이 요인 덕분에 이탈리아 인과 프랑스 인이 그림을 "Gioconda"라고 부르기 시작했습니다. 그러나 캔버스에 그려진 것이 모나리자 조콘다라는 완전한 확실성은 없습니다. Vasari가 묘사한 초상화에서(그 자신은 그를 본 적이 없지만) 그 여자는 "어떤 곳에서는 더 두꺼운 눈썹"을 가지고 있고(모나리자는 눈썹이 전혀 없습니다) "입이 약간 벌려져 있습니다"(모나리자는 미소를 지지만 그녀의 입은 닫혀 있다).
또 다른 증언은 프랑스에서 레오나르도 다빈치를 마지막으로 만난 아라곤의 루이 추기경의 비서에게서 나온 것입니다. 그는 프랑스에서 말년을 앙부아즈에 있는 군주 프란시스 1세의 궁정에서 보냈습니다.
레오나르도는 추기경에게 "실생활에서 그린 피렌체 여성의 초상화"를 포함하여 이탈리아에서 가져온 여러 그림을 보여준 것으로 보입니다. 이것이 모나리자(La Gioconda) 그림을 식별하는 데 사용할 수 있는 모든 정보입니다.
이는 모든 종류의 대체 버전, 아마추어 추측 및 Leonardo da Vinci의 그림 및 기타 작품의 가능한 사본에 대한 저작자 도전에 대한 상당히 광범위한 가능성을 나타냅니다.
"모나리자"가 화장실에서 발견되었다는 것만 확실하게 말할 수 있습니다. 퐁텐블로 궁전헨리 4세가 1590년대에 복원할 계획을 세웠던 곳입니다. 오랫동안 아무도 그 그림에 관심을 기울이지 않았습니다. 대중도 예술 감정가도 마침내 파리 루브르 박물관에서 70년을 보낸 후 당시 유명한 작가이자 시인 테오필 고티에(Theophile Gautier)가 편집하고 있었습니다. 루브르 가이드가 그녀를 봤어요.
Gauthier는 이 사진을 높이 평가하며 “유쾌한 Gioconda”라고 불렀습니다. “이 여성의 입술에는 항상 관능적인 미소가 떠오릅니다. 그녀는 많은 추종자들을 조롱하는 것 같습니다. 그녀의 고요한 얼굴은 그녀가 언제나 놀랍고 아름다울 것이라는 자신감을 표현합니다.
몇 년 후, Gauthier에 그려진 Gioconda 그림이 더욱 깊어졌다는 지울 수 없는 인상을 받았으며 마침내 이 걸작의 특징을 공식화할 수 있었습니다. , 그런 우아함, 부드러움, 우월함으로 당신을 비웃습니다. 그녀를 보면 우리는 고귀한 여인 앞에서 학생처럼 수줍어합니다.
영국에서는 산문 작가 월터 페이터(Walter Pater) 덕분에 이 그림이 1869년에 알려지게 되었습니다. 그는 다음과 같이 썼습니다. 물 근처에서 이상한 방식으로 발생하는 이 느낌은 사람들이 수천 년 동안 노력해 왔던 것을 표현합니다.
이 여자는 가까이 있는 바위보다 나이가 많습니다. 뱀파이어처럼 그녀는 이미 여러 번 죽어 지하 세계의 비밀을 배웠고 바다 심연에 뛰어 들어 그 기억을 간직했습니다. 동부 상인들과 함께 그녀는 가장 놀라운 직물을 찾았습니다. 그녀는 아름다운 엘레나의 어머니 레다와 마리아의 어머니 성 안나였으며이 모든 일이 그녀에게 일어 났지만 소리로만 보존되었습니다. 거문고나 피리는 얼굴의 절묘한 타원형, 눈꺼풀 윤곽과 손 위치에 반영되었습니다.
1911년 8월 21일 모나리자 그림이 이탈리아 경비병에 의해 도난당했고, 곧 1913년 12월 발견되었으며, "프리마돈나" 르네상스루브르 박물관에 별도의 장소가 주어졌습니다.
캔버스 모나리자(라 조콘다)에 대한 비판과 단점
조금 후인 1919년에 다다이스트 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)은 캔버스를 복제한 값싼 엽서를 구입하고 그 위에 염소수염을 그린 다음 하단에 "L.H.O.O.Q"라는 글자에 서명했습니다. 프랑스어로는 elle a chaud au cul과 거의 비슷합니다. "그녀는 섹시한 여자야" 같은 뜻이에요. 그 이후로 레오나르도 다빈치 그림의 영광은 분노한 미술 평론가들의 수많은 항의에도 불구하고 그 자체의 삶을 살아왔습니다.
예를 들어, 버나드 베렌슨(Bernard Berenson)은 한때 다음과 같은 의견을 표현했습니다. “... (그녀는) 내가 알고 있거나 꿈꿔왔던 모든 여성들과는 불쾌한 방식으로, 이해하기 어렵고 교활하고 경계심이 깊은 외국인입니다. 자신감 있고 적대적인 우월감으로 가득 차 있으며 즐거움에 대한 기대를 표현하는 미소가 있습니다.
로베르토 롱기(Roberto Longhi)는 이 "설명할 수 없는 긴장한 여성"보다 르누아르의 그림에 나오는 여성을 더 좋아한다고 말했습니다. 그러나 이 모든 것에도 불구하고, 연례 오스카 시상식에서 가장 유명한 영화배우 근처에 모이는 것보다 매일 모나리자의 초상화 근처에 모이는 사진작가의 수가 더 많습니다. 또한 모나리자는 댄 브라운(Dan Brown)의 화제작 『다빈치 코드(The Da Vinci Code)』에 에피소드 캐릭터로 등장한 이후부터 눈에 띄게 높아졌다.
그러나 "모나리자"라는 이름은 고대 이집트의 다산의 신인 아몬(Amon)과 이시스(Isis)의 이름을 합친 "아몬 L(Amon L)" 이자(Iza)의 코드화된 버전이 아니라는 점에 유의해야 한다. 즉, 모나리자(Gioconda) '모나리자'라는 이름은 결국 레오나르도 다 빈치의 그림에 대한 영어 이름일 뿐, 이 그림이 제작될 당시에는 존재하지 않았던 이름일 뿐입니다.
아마도 모나리자가 여성복을 입은 레오나르도의 자화상일 뿐이라는 사실에는 어느 정도 진실이 있을 것입니다. 전문가들은 화가가 양성애 인물을 그리는 것을 정말 좋아했다는 것을 알고 있습니다. 그래서 일부 미술 평론가는 그림 속 얼굴 비율과 레오나르도 다빈치의 자화상 스케치 사이의 유사성을 보았습니다.
요즘 레오나르도 다빈치의 그림은 많은 방문객들에게 전혀 인상을 남기지 않습니다. 루브르 박물관, Roberto Longhi 또는 Dan Brown의 저서 Sophie Neve의 여주인공은 일반적으로 이 그림이 "너무 작고" "어둡다"고 믿었습니다.
Leonardo의 캔버스는 실제로 크기가 53 x 76cm로 매우 작으며 일반적으로 상당히 어둡게 보입니다. 사실, 그것은 단순히 더러운 것입니다. 왜냐하면 대부분의 복제품이 그림의 원래 색상을 "수정"했지만 단 한 명의 복원가도 감히 원본을 "수정"하겠다고 제안하지 않았기 때문입니다.
그러나 조만간 파리의 루브르 박물관은 여전히 모나리자(La Gioconda)의 복원을 처리해야 할 것입니다. 왜냐하면 복원자에 따르면 그것이 칠해진 포플러 나무의 얇은 바닥은 시간이 지남에 따라 변형될 것이기 때문입니다. 오래 가지 못할 것입니다.
동시에 밀라노 회사가 디자인한 그림의 유리 프레임은 캔버스를 보존하는 데 도움이 됩니다. 수많은 방문객뿐만 아니라 영광의 명판, 수세기의 흙, 그림에 대한 잘못된 기대를 통과한다면 결국 아름답고 독특한 그림의 창조를 얻게 될 것입니다.
리트라토 디 모나리자 델 지오콘도- "리사 지오콘도 부인의 초상." 이탈리아어로 엄마도나"나의 여주인"을 의미합니다 (참조, 영어. 마님그리고 fr. "madam"), 축약 버전에서는 이 표현이 다음과 같이 변형되었습니다. 모나또는 모나. 남편의 이름으로 간주되는 모델 이름의 두 번째 부분 - 델 지오콘도, 이탈리아어에서도 직접적인 의미를 가지며 "즐거운, 놀다"로 번역됩니다. 라 조콘다- "쾌활하고 놀다"(영어 농담 참조)."La Joconda"라는 이름은 1525년 다빈치의 상속자이자 학생인 예술가 Salai의 유산 목록에서 처음 언급되었으며, 그는 밀라노에 있는 그의 자매들에게 그림을 남겼습니다. 비문에는 이 그림이 La Gioconda라는 여인의 초상화로 묘사되어 있습니다.
그림의 역사
레오나르도 다빈치의 최초 이탈리아 전기 작가들조차도 이 그림이 예술가의 작품에서 차지하는 위치에 대해 썼습니다. Leonardo는 다른 많은 주문의 경우와 마찬가지로 Mona Lisa 작업을 주저하지 않았지만 반대로 일종의 열정으로 그녀에게 자신을 바쳤습니다. 앙기아리 전투에서 그와 함께 남은 모든 시간은 그녀에게 바쳐졌습니다. 그는 그것에 상당한 시간을 보냈고 성인이 되어 이탈리아를 떠나 다른 선택된 그림들과 함께 프랑스로 데려갔습니다. 다빈치는 이 초상화에 특별한 애착을 가지고 있었고, 창작 과정에서 "회화에 관한 논문"과 거기에 포함되지 않은 회화 기술에 대한 노트에서 많은 생각을 했으며 의심할 여지 없이 다음과 같은 많은 징후를 찾을 수 있습니다. "Gioconda"를 참조하세요.
바사리의 메시지
아마도 Vasari는 독자의 즐거움을 위해 광대에 대한 이야기를 추가했을 것입니다. Vasari의 텍스트에는 그림에서 누락된 눈썹에 대한 정확한 설명도 포함되어 있습니다. 이러한 부정확성은 저자가 기억이나 다른 사람의 이야기에서 그림을 설명한 경우에만 발생할 수 있습니다. Aleksey Dzhivelegov는 "4년 동안 지속된 초상화 작업은 분명히 과장된 것입니다. Leonardo는 Caesar Borgia에서 돌아온 후 오랫동안 피렌체에 머물지 않았으며 만약 그가 Caesar로 떠나기 전에 초상화를 그리기 시작했다면 Vasari는 아마도 아마, 나는 그가 그것을 5년 동안 썼다고 말하고 싶습니다. 과학자는 또한 초상화의 불완전성에 대한 잘못된 표시에 대해 썼습니다. “의심 할 여지없이 초상화는 오랫동안 그려졌고 Vasari가 말한 것과 상관없이 끝까지 가져 왔습니다. Leonardo의 전기에서 그를 양식화 한 사람은 누구입니까? 원칙적으로 주요 작업을 완료하지 못한 예술가. 그리고 그것은 완성되었을 뿐만 아니라 레오나르도의 가장 세심하게 완성된 작품 중 하나입니다.
흥미로운 사실은 그의 설명에서 Vasari가 모델과 그림의 유사성이 아니라 물리적 현상을 전달하는 Leonardo의 재능을 존경한다는 것입니다. 걸작의 이러한 "물리적" 특징은 예술가 작업실을 방문한 사람들에게 깊은 인상을 남겼고 거의 50년 후에 바사리에 도달한 것 같습니다.
이 그림은 미술 애호가들 사이에서 잘 알려져 있었지만, 레오나르도는 1516년 이 그림을 가지고 이탈리아를 떠나 프랑스로 향했습니다. 이탈리아 소식통에 따르면 이 작품은 이후 프랑스 국왕 프란시스 1세의 소장품이 되었지만 언제, 어떻게 획득했는지, 레오나르도가 이 작품을 고객에게 돌려주지 않은 이유는 여전히 불분명합니다.
다른
아마도 예술가는 실제로 피렌체에서 그림을 완성하지 않았지만 1516년에 떠날 때 그 그림을 가지고 가서 Vasari에게 이에 대해 말할 수 있는 증인이 없을 때 마지막 스트로크를 적용했을 것입니다. 그렇다면 그는 1519년에 죽기 직전에 이 작품을 완성한 것입니다. (프랑스에서는 Amboise 왕성 근처의 Clos-Luce에 살았습니다.)
Vasari는 여성의 신원에 대한 정보를 제공했지만 오랫동안 그녀에 대해 불확실했으며 다음과 같은 다양한 버전이 표현되었습니다.
그러나 2005 년 일반적으로 통용되는 그림 이름과 모델의 성격이 일치하는 버전이 최종 확인 된 것으로 간주됩니다. 하이델베르그 대학교의 과학자들은 예술가 아고스티노 베스푸치(Agostino Vespucci)와 개인적으로 아는 사이인 피렌체 관리가 소유한 책 여백에 적힌 메모를 연구했습니다. 책의 여백에 있는 메모에서 그는 레오나르도를 유명한 고대 그리스 화가 아펠레스와 비교하며 다음과 같이 기록합니다. "다빈치는 현재 세 개의 그림을 작업 중이며 그 중 하나는 리사 게라르디니(Lisa Gherardini)의 초상화입니다.". 따라서 Mona Lisa는 실제로 피렌체 상인 Francesco del Giocondo-Lisa Gherardini의 아내로 밝혀졌습니다. 이 사례에서 과학자들이 입증한 것처럼, 이 그림은 젊은 가족의 새 집과 안드레아라는 이름의 둘째 아들의 탄생을 기념하기 위해 레오나르도가 의뢰한 것입니다.
그림의 아래쪽 가장자리가 신체의 후반부를 잘라내어 초상화의 길이가 거의 절반이 되었습니다. 모델이 앉은 안락의자는 발코니나 로지아 위에 서 있으며, 모델의 팔꿈치 뒤에 난간 선이 보입니다. 이전에는 그림이 더 넓어서 로지아의 두 개의 측면 기둥을 수용할 수 있었으며 현재는 난간 가장자리를 따라 조각이 보이는 두 개의 기둥 베이스가 있습니다.
로지아에서는 구불구불한 시냇물이 있는 황량한 황야와 인물 뒤의 높은 스카이라인까지 뻗어 있는 눈 덮인 산으로 둘러싸인 호수가 내려다보입니다. “모나리자는 풍경을 배경으로 안락의자에 앉아 있는 모습으로 표현되는데, 보는 사람에게 매우 가까이 있는 그녀의 모습과 멀리서 보이는 풍경, 마치 거대한 산과 같은 모습을 비교하는 것 자체가 이미지에 남다른 웅장함을 선사합니다. 기괴한 바위와 그 사이에 구불 구불 한 수로가있는 환상처럼 안개가 자욱한 거리로 들어가는 풍경과 그림의 증가 된 소성 유형성과 매끄럽고 일반화 된 실루엣의 대조로 인해 동일한 인상이 촉진됩니다.
구성
보리스 비퍼(Boris Vipper)는 콰트로센토의 흔적에도 불구하고 "가슴에 작은 컷아웃이 있고 소매가 자유롭게 접힌 옷을 입고 마치 곧은 자세, 몸을 약간 돌리고 부드러운 손짓을 한 것처럼"이라고 썼습니다. , 모나리자는 전적으로 고전 양식 시대에 속합니다." Mikhail Alpatov는 다음과 같이 지적합니다. “La Gioconda는 엄격하게 비례하는 직사각형에 완벽하게 새겨져 있으며, 반쪽 모양은 전체를 형성하고 접힌 손이 이미지를 완성합니다. 물론, 초기 수태고지의 기발한 컬에 대해서는 의문의 여지가 없습니다. 그러나 모든 윤곽이 아무리 부드러워도 Gioconda 머리카락의 물결 모양 자물쇠는 투명한 베일과 조화를 이루고 어깨 너머로 던져진 천은 먼 길의 부드러운 구불 구불 한 곳에서 메아리를 찾습니다. 이 모든 것에서 Leonardo는 리듬과 조화의 법칙에 따라 창조하는 능력을 보여줍니다.
현재 상태
"모나리자"는 매우 어두워졌고 이는 작가가 페인트를 실험하려는 경향의 결과로 간주되며 그로 인해 프레스코 "최후의 만찬"은 일반적으로 거의 죽었습니다. 그러나 예술가의 동시대 사람들은 명암대비의 구성, 그림, 연극뿐만 아니라 작품의 색상에 대한 열정을 표현했습니다. 예를 들어, Prado의 그림 사본에서 볼 수 있듯이 처음에는 드레스의 소매가 빨간색일 수 있다고 가정합니다.
현재 그림의 상태는 매우 좋지 않기 때문에 루브르 박물관 직원은 "그림에 균열이 생겼고 그 중 하나가 모나리자의 머리 몇 밀리미터 위에서 멈췄습니다."라고 더 이상 전시회에 제공하지 않을 것이라고 발표했습니다.
분석
기술
Dzhivelegov가 지적했듯이 Mona Lisa가 만들어질 때 Leonardo의 기술은 “구성 및 기타 성격의 모든 형식적 작업이 설정되고 해결되었을 때 이미 그러한 성숙 단계에 들어섰습니다. 마지막으로 예술적 기술의 가장 어려운 작업은 이를 처리하는 것입니다. 그리고 모나리자의 얼굴에서 자신의 필요를 충족시키는 모델을 발견했을 때, 그는 아직 해결하지 못한 회화 기법의 가장 높고 가장 어려운 작업 중 일부를 해결하려고 노력했습니다. 그는 이전에 이미 개발하고 테스트한 기술의 도움으로, 특히 그의 유명한 기술의 도움으로 원했습니다. 스푸마토이전에 놀라운 효과를 주었던 , 이전보다 더 많은 작업을 수행합니다. 살아있는 사람의 살아있는 얼굴을 만들고이 얼굴의 특징과 표현을 재현하여 사람의 내면 세계를 끝까지 드러내는 것입니다. 보리스 위퍼(Boris Whipper)는 “이 영성은 어떤 수단으로 성취되는가, 모나리자의 이미지에서 이 불멸의 의식의 불꽃은 무엇을 통해 달성되는가, 그렇다면 두 가지 주요 수단이 명명되어야 한다”고 질문합니다. 하나는 놀라운 레너드의 스푸마토입니다. Leonardo가 "모델링은 회화의 영혼"이라고 즐겨 말한 것은 당연합니다. 지오콘다의 젖은 표정, 그녀의 미소, 바람처럼 가벼운 손길, 비교할 수 없을 만큼 애무하는 부드러움을 만들어내는 것은 바로 스푸마토입니다. 스푸마토(Sfumato)는 얼굴과 체형을 감싸고 윤곽과 그림자를 부드럽게 만드는 미묘한 안개입니다. Leonardo는 이러한 목적을 위해 광원과 몸체 사이에 "일종의 안개"를 놓을 것을 권장했습니다.
Alpatov는 “얼굴과 인물을 부드럽게 녹는 안개 속에서 Leonardo는 인간 얼굴 표정의 무한한 가변성을 느끼게 만들었습니다. 모나리자의 눈은 보는 사람을 세심하고 차분하게 바라보고 있지만 눈구멍의 음영으로 인해 약간 눈살을 찌푸리고 있다고 생각할 수도 있습니다. 그녀의 입술은 압축되어 있지만 모서리 근처에는 거의 눈에 띄지 않는 그림자가 표시되어 매 순간 열리고 웃고 말할 것이라고 믿게 만듭니다. 그녀의 시선과 입술의 반쯤 미소 사이의 바로 그 대조는 그녀의 경험의 불일치에 대한 아이디어를 제공합니다. (...) Leonardo는 몇 년 동안 작업하여 그림에 단 하나의 날카로운 획이나 단일 각도 윤곽이 남지 않도록 보장했습니다. 그 안에 있는 물체의 가장자리는 명확하게 인식될 수 있지만 반그림자에서 반광으로의 가장 미묘한 전환에서 모두 용해됩니다.
경치
미술 평론가들은 작가가 인물의 초상화 특성과 특별한 분위기가 가득한 풍경을 결합한 유기체가 초상화의 품격을 얼마나 높였는지 강조합니다.
Vipper는 풍경을 그림의 영성을 생성하는 두 번째 수단으로 간주합니다. “두 번째 수단은 인물과 배경 간의 관계입니다. 모나리자의 초상화에서 바닷물 풍경을 통해 보이는 것처럼 환상적이고 바위 같은 것은 그녀의 모습과는 다른 현실을 가지고 있습니다. 모나리자에는 삶의 현실이 있고, 풍경에는 꿈의 현실이 있습니다. 이러한 대비 덕분에 모나리자는 믿을 수 없을 정도로 가깝고 만질 수 있는 것처럼 보이며 우리는 그 풍경을 그녀 자신의 꿈의 빛으로 인식합니다.
르네상스 미술 연구원 Viktor Grashchenkov는 풍경 덕분에 Leonardo가 특정 사람의 초상화가 아니라 보편적인 이미지를 만들 수 있었다고 썼습니다. “이 신비한 그림에서 그는 알려지지 않은 피렌체 모나의 초상화 이미지 이상의 것을 만들었습니다. 프란체스코 델 지오콘도의 세 번째 부인 리사. 특정 인물의 외모와 정신적 구조가 전례 없는 종합성으로 전달됩니다. 이 비인격적인 심리학은 풍경의 우주적 추상화에 해당하며 인간 존재의 흔적이 거의 전혀 없습니다. 연기가 자욱한 명암대비에서는 인물과 풍경의 모든 윤곽선과 모든 색조가 부드러워집니다. 눈에 거의 감지되지 않는 빛에서 그림자로의 가장 미묘한 전환에서 Leonard의 "스푸마토"의 진동 속에서 개성과 그 심리적 상태의 모든 명확성은 한계까지 부드러워지고 녹아 사라질 준비가 되어 있습니다. (...) "La Gioconda"는 초상화가 아닙니다. 이것은 인간과 자연의 생명 자체를 눈으로 볼 수 있는 상징으로, 하나의 전체로 통합되어 개별적인 구체적 형태에서 추상적으로 표현됩니다. 그러나 가벼운 잔물결처럼이 조화로운 세계의 움직이지 않는 표면을 따라 흐르는 거의 눈에 띄지 않는 움직임 뒤에는 육체적, 정신적 존재 가능성의 모든 풍부함을 짐작할 수 있습니다.
"모나리자"는 전경의 황금빛 갈색과 붉은 톤, 원거리의 에메랄드 그린 톤으로 유지됩니다. "유리처럼 투명한 페인트는 마치 인간의 손이 아니라 용액에서 완벽한 모양의 결정을 생성하는 물질의 내부 힘에 의해 만들어진 것처럼 합금을 형성합니다." 레오나르도의 많은 작품과 마찬가지로 이 작품은 시간이 지남에 따라 어두워지고 색상 비율이 다소 변경되었지만 지금도 카네이션과 옷의 색조에 대한 사려 깊은 비교와 청록색과의 일반적인 대비가 명확하게 인식됩니다. 풍경의 "수중" 톤 .
지오콘다의 미소
미술사학자 로텐베르크는 “인격과 지성의 통일성으로 구현된 인간의 개성을 표현하는 힘 측면에서 모나리자와 동등한 초상화는 세계 미술에서 거의 없다”고 믿습니다. Quattrocento의 초상화 이미지와 구별되는 것은 Leonard 초상화의 탁월한 지적 강렬함입니다. 그의 이러한 특징은 모델의 성격이 이전에 완전히 다른 주로 서정적 비유적인 톤으로 드러난 여성 초상화를 의미하기 때문에 더욱 예리하게 인식됩니다. "모나리자"에서 나오는 힘의 느낌은 내면의 평정과 개인의 자유감, 자신의 중요성에 대한 의식을 바탕으로 한 사람의 영적 조화의 유기적 결합입니다. 그리고 그녀의 미소 자체는 우월감이나 경멸을 전혀 표현하지 않습니다. 그것은 차분한 자신감과 완전한 자제력의 결과로 인식됩니다.
보리스 위퍼(Boris Whipper)는 위에서 언급한 눈썹이 없고 이마를 깎은 것이 아마도 자신도 모르게 그녀의 표정에 이상한 미스터리를 더 돋보이게 한다고 지적합니다. 또한 그는 그림의 영향력에 대해 다음과 같이 썼습니다. “모나리자의 가장 큰 매력, 즉 진정으로 비교할 수 없는 최면 효과가 무엇인지 자문해 보면 그 영성에 대한 대답은 단 하나뿐입니다. 모나리자의 미소에는 가장 독창적이고 가장 반대되는 해석이 담겨 있습니다. 그들은 그 속에서 자부심과 부드러움, 관능미와 요염함, 잔인함과 겸손함을 읽고 싶었습니다. 실수는 첫째, 그들이 모나리자의 이미지에서 어떤 대가를 치르더라도 개인적이고 주관적인 영적 속성을 찾고 있었던 반면, 레오나르도가 정확하게 전형적인 영성을 달성했다는 것은 의심의 여지가 없다는 것입니다. 둘째, 그리고 이것은 아마도 훨씬 더 중요할 것입니다. 그들은 감정적인 내용을 모나리자의 영성에 귀속시키려고 노력했지만 사실 그녀는 지적 뿌리를 가지고 있습니다. 모나리자의 기적은 바로 그녀가 생각한다는 사실에 있습니다. 누렇고 갈라진 판자 앞에서 우리는 이성을 부여받은 존재, 말할 수 있고 대답을 기대할 수 있는 존재의 존재를 거부할 수 없이 느낀다.
Lazarev는 이를 예술 과학자로서 분석했습니다. “이 미소는 Mona Lisa의 개별적인 특징이 아니라 심리적 부활의 전형적인 공식, 즉 Leonardo의 모든 젊은 이미지를 붉은 실처럼 관통하는 공식입니다. 그의 제자들과 추종자들의 손에 의해 전통적인 우표로 바뀌었습니다. Leonard의 인물 비율과 마찬가지로 얼굴의 개별 부분의 표현 가치를 엄격하게 고려하여 최고의 수학적 측정을 기반으로 제작되었습니다. 그럼에도 불구하고 이 미소는 매우 자연스럽고 이것이 바로 그 매력의 강점입니다. 그것은 얼굴에서 단단하고 긴장되고 얼어 붙은 모든 것을 가져와 모호하고 무한한 감정적 경험의 거울로 바꾸며, 그 이해하기 어려운 가벼움은 물을 흐르는 파도와 만 비교할 수 있습니다.
그녀의 분석은 미술사가뿐만 아니라 심리학자들의 관심을 끌었습니다. 지그문트 프로이트는 다음과 같이 썼습니다. “레오나르도의 그림을 제시하는 사람은 누구든지 그의 여성 이미지의 입술에 숨어 있는 이상하고 매혹적이며 신비로운 미소에 대한 기억이 그에게서 떠오릅니다. 길고 떨리는 입술에 얼어 붙은 미소는 그의 특징이되었으며 가장 자주 "레너드"라고 불립니다. 피렌체의 모나리자 델 조콘다(Mona Lisa del Gioconda)의 유난히 아름다운 모습에서 그녀는 무엇보다도 보는 사람을 사로잡고 혼란스럽게 합니다. 이 미소는 한 가지 해석을 요구했지만 가장 다양한 해석을 찾았고 그중 어느 것도 만족하지 못했습니다. (…) 모나리자의 미소에는 두 가지 다른 요소가 결합되어 있다는 추측이 많은 비평가들에 의해 탄생했습니다. 그러므로 아름다운 피렌체의 얼굴 표현에서 그들은 여성의 연애 생활을 지배하는 적대감, 구속과 유혹, 희생적인 부드러움, 무모하게 요구하는 관능미, 남성을 이질적인 것으로 흡수하는 가장 완벽한 이미지를 보았습니다. (...) 모나리자 앞에서 레오나르도는 그녀의 미소의 이중 의미, 무한한 부드러움과 불길한 위협에 대한 약속을 재현했습니다.
특히 이 미소의 악마적인 매력은 보는 이들을 매료시킨다. 수백 명의 시인과 작가들이 매혹적인 미소를 지었다가 얼어붙고 차갑고 영혼 없이 우주를 바라보고 있는 이 여성에 대해 썼고, 아무도 그녀의 미소를 추측하지 못했고 아무도 그녀의 생각을 해석하지 않았습니다. 모든 것, 심지어 풍경조차도 꿈처럼 신비롭고, 폭풍우 전 관능의 안개처럼 떨립니다(Muter).
장르 발전의 장소
"모나리자"는 초상화 장르의 최고의 작품 중 하나로 간주되며, 이는 전성기 르네상스 작품에 간접적으로 영향을 미쳤으며, 이후 초상화 장르의 전체 발전에 영향을 미쳤습니다. 달성할 수 없지만 의무적인 모델" .
미술사학자들은 모나리자 초상화가 르네상스 초상화 예술 발전의 결정적인 단계였다고 지적합니다. Rotenberg는 다음과 같이 썼습니다. “Quattrocento 화가들이 이 장르의 중요한 작품을 많이 남겼음에도 불구하고 초상화에서의 그들의 업적은 말하자면 주요 그림 장르의 업적, 즉 종교 및 신화 주제에 대한 구성의 업적에 비해 불균형했습니다. 초상화 장르의 불평등은 초상화 이미지의 "아이콘" 자체에서 이미 분명했습니다. 실제로 15세기의 초상화 작품은 부인할 수 없는 생리학적 유사성과 내면의 힘을 발산하면서 여전히 외적, 내적 제약으로 구별되었습니다. 15세기 화가들의 성서적, 신화적 이미지를 특징짓는 인간의 감정과 경험의 풍부함은 일반적으로 그들의 초상화 작품의 재산이 아니었습니다. 이에 대한 반향은 레오나르도가 밀라노에 머무른 첫해에 만든 초기 초상화에서 볼 수 있습니다. (...) 그들에 비해 모나리자의 초상화는 엄청난 질적 변화의 결과로 인식됩니다. 처음으로 인물 이미지는 그 의미가 다른 화보 장르의 가장 생생한 이미지와 동등한 수준이되었습니다.
그의 선구적인 작업에서 Leonardo는 주요 무게 중심을 초상화의 얼굴로 옮겼습니다. 동시에 그는 손을 심리적 특성화의 강력한 수단으로 사용했습니다. 초상화를 세대별로 포맷화함으로써 작가는 더욱 폭넓은 회화기법을 선보일 수 있게 되었다. 그리고 초상화의 형상 구조에서 가장 중요한 것은 모든 세부 사항을 안내 아이디어에 종속시키는 것입니다. “머리와 손은 나머지 요소가 희생되는 그림의 중심입니다. 동화 속 풍경은 그대로 바닷물을 통해 빛나고 너무 멀고 무형인 것 같습니다. 주요 목적은 시청자의 관심을 얼굴에서 멀어지게 하는 것이 아닙니다. 그리고 가장 작은 주름으로 나누어진 옷을 완성하기 위해 동일한 역할이 요구됩니다. Leonardo는 손과 얼굴의 표현력을 가릴 수 있는 무거운 휘장을 의식적으로 피합니다. 따라서 그는 후자가 특별한 힘으로 수행할수록 풍경과 복장이 더 겸손하고 중립적이며 조용하고 거의 눈에 띄지 않는 반주에 동화됩니다.
Leonardo의 학생과 추종자들은 모나리자의 수많은 복제품을 만들었습니다. 그 중 일부(미국 버논 컬렉션, 미국 볼티모어 월터 컬렉션, 한동안 스위스 아일워스 모나리자)는 소유자에 의해 진품으로 간주되며 루브르 박물관에 있는 그림은 사본입니다. 또한 여러 가지 옵션(“아름다운 가브리엘”, “모나 반나”, 에르미타주 “도나 누다”)으로 대표되는 “누드 모나리자”의 도상학도 있는데, 이는 예술가 자신의 학생들이 만든 것으로 보입니다. 그들 중 다수는 주인이 직접 쓴 누드 모나리자의 버전이 있다는 증명할 수 없는 버전을 만들어냈습니다.
모나리자가 1911년 도난 사건으로 엄청난 인기를 얻은 후(아래 섹션 참조), 예술가들은 이를 주목하여 실험의 대상으로 삼고 인기에 추가적인 자극을 주었습니다. “말레비치와 뒤샹은 모든 “부르주아적” 가치를 지닌 전통 예술에 대한 반 실험 예술에 반대했습니다. 대중은 속까지 불쾌감을 느꼈고, 모나리자는 더욱 유명해졌습니다.
- 1914년 카지미르 말레비치(Kazimir Malevich)는 "모나리자와 함께 작곡"이라는 콜라주를 만들었고, 그곳에서 그는 그녀의 재현 이미지를 두 번 지우고 맨 위에 "부분 일식"을 썼습니다.
- 1919년 다다이스트 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)은 L.H.O.O.Q를 창안했습니다. , 유명한 콧수염 그림을 재현 한 것입니다. 그 이름은 밋밋함을 숨겼습니다. 빠르게 "L.H.O.O.Q."라고 말하면 프랑스어로 다음과 같은 문구가 나타납니다. "엘르 아 쇼 오 쿨"(“그녀는 엉덩이가 뜨겁다”, 즉 “그 소녀는 매우 흥분되어 있다”).
- 1930년 페르낭 레제(Fernand Léger)는 열쇠가 달린 모나리자를 그렸습니다.
- 1960년 르네 마그리트(Rene Magritte)는 모나리자는 없지만 창문이 있는 그림 "La Gioconda"를 만들었습니다.
- 살바도르 달리는 1964년에 '모나리자'로 '자화상'을 그렸습니다.
1960년대 모나리자의 세계 순회 전시는 그 명성의 세계화에 기여했습니다(아래 참조). 이것은 예술에 반영되었습니다. “미국 아방가르드 예술가들은 한때 유럽 예술가들이 그랬던 것처럼 모나리자를 받침대에서 전복시키지 않았습니다. 반대로 Andy Warhol, Jasper Johns, Robert Rauschenberg 및 기타 팝 아트 스타들은 Campbell 수프 캔에서 Marilyn Monroe에 이르기까지 다른 대중 문화 제품과 동일한 방식으로 모나리자의 이미지를 활용하기 시작했습니다.
- 앤디 워홀은 1963년과 1978년에 <네 개의 모나리자>와 <서른이 한 명보다 낫다>(1963), <모나리자(두 번)>() 등의 작곡을 했다.
- 구상미술의 대표 페르난도 보테로는 1959년에 <12세의 모나리자>를 썼고, 1963년에는 평소와 같이 모나리자의 무게를 과장하여 이미지를 그렸다.
- Jasper Johns는 1968년 그림 7에 그녀의 초상을 사용했습니다.
- 로버트 라우센버그(Robert Rauschenberg)는 1982년에 폐렴 리사(Pneumonia Lisa)를 만들었습니다.
- 유명한 그래피티 아티스트 뱅크시(Banksy)는 완전히 성장한 모나리자의 그림을 그렸는데, 그녀는 보는 사람에게 등을 돌리고 옷자락을 올리고 벌거벗은 엉덩이를 보여주었습니다. 그는 또한 수류탄 발사기가 장착된 "Mona Lisa Mujaheddin"(Gioconda)을 소유하고 있습니다.
새로운 시간에
위치
1525년 그가 사망할 때까지 Salai라는 이름의 레오나르도의 조수(그리고 아마도 연인)는 그의 개인 문서에 언급된 내용으로 판단할 때 "La Gioconda"라는 여성의 초상화를 소유했습니다. 콰드로 데 우나 도나 아레타타) 선생님이 그에게 물려 주신 것입니다. 살라이는 밀라노에 사는 여동생들에게 그림을 남겼습니다. 이 경우 초상화가 어떻게 밀라노에서 프랑스로 돌아왔는지는 미스터리로 남아 있습니다. 대부분의 연구자들에 따르면 다른 초상화와의 비교를 바탕으로 원본 버전에 존재했던 기둥이 있는 그림의 가장자리를 누가 언제 정확히 잘라냈는지도 알려져 있지 않습니다. Leonardo의 또 다른 잘린 작품인 "Portrait Ginevra Benchi"와는 달리, 물이나 불로 인해 아래쪽 부분이 잘렸는데, 이 경우 그 이유는 아마도 구성적인 성격 때문일 가능성이 큽니다. Leonardo da Vinci가 직접 만든 버전이 있습니다.
프란시스 1세 왕은 살라이의 상속자들로부터 이 그림을 4,000에쿠스에 구입하여 루이 14세 시대까지 그의 퐁텐블로 성에 보관했다고 알려져 있습니다. 후자는 그녀를 베르사유 궁전으로 옮겼고, 프랑스 혁명 이후 1793년 루브르 박물관에 가게 되었습니다. 나폴레옹은 초상화를 튀일리 궁전 침실에 걸었고, 그녀는 다시 박물관으로 돌아왔습니다. 제2차 세계 대전 중 보안상의 이유로 이 그림은 루브르 박물관에서 앙부아즈 성(레오나르도의 죽음과 매장지)으로 옮겨진 다음 록디외 수도원, 마지막으로 몽토방의 앵그르 박물관으로 옮겨졌습니다. 승리 후 무사히 제자리로 돌아왔습니다.
그 미스터리 중 하나는 작가가 이 작품에 대해 느꼈던 깊은 애정과 관련이 있다. 예를 들어 낭만적인 설명과 같은 다양한 설명이 제공되었습니다. 레오나르도는 모나리자와 사랑에 빠졌고 그녀와 더 오래 머물기 위해 고의적으로 작품을 끌어냈고, 그녀는 신비한 미소로 그를 놀리고 그를 최고의 창조적 황홀경에 빠뜨렸습니다. 이 버전은 단순한 추측으로 간주됩니다. Dzhivelegov는 이 첨부 파일이 그의 많은 창의적인 검색의 적용 지점을 발견했기 때문이라고 믿습니다(기술 섹션 참조). "모나리자"는 동시대 예술가들로부터 높은 평가를 받았음에도 불구하고 미래에 그녀의 명성은 사라졌습니다. 이 그림은 상징주의 운동에 가까운 예술가들이 여성 신비에 관한 그들의 생각과 연관시켜 칭찬하기 시작한 19세기 중반까지 특별히 기억되지 않았습니다. 비평가 월터 페이터(Walter Pater)는 1867년 다빈치에 대한 에세이에서 그림 속 인물을 "그녀가 앉아 있는 바위보다 나이가 많고" "죽은" 영원한 여성의 일종의 신화적 구현으로 묘사함으로써 자신의 의견을 표명했습니다. 여러 번이고 사후 세계의 비밀을 배웠습니다."
그림의 명성이 더욱 높아지는 것은 20세기 초에 그림이 신비롭게 사라지고 몇 년 후 신문 페이지를 떠나지 않은 덕분에 박물관으로 행복하게 돌아온 것과 관련이 있습니다. 미술 평론가 Grigory Kozlov는 "La Gioconda" 장의 "예술에 대한 시도" 연구에서 스타가 되는 방법은 그녀가 여러 시대에 걸쳐 명성을 얻는 과정을 자세히 설명합니다. 그는 그녀의 명성을 떨어진 돌로 인해 물 위에 원이 퍼지는 것과 비교하고, 수세기에 걸쳐 이 영광이 여러 단계를 거쳤음을 지적합니다.
- 첫 번째 서클: 예술가와 비평가(16세기).예술에 종사했던 동시대 레오나르도 사람들은 이 작품을 높이 평가했습니다. "모나리자"의 추종자 중에는 Raphael, Vasari 등이 있습니다.
- 두 번째 원: 왕(XVI-XVIII 세기).프랑스의 프랑수아 1세(그가 가장 좋아하는 방인 욕조에 걸어두었던) 컬렉션의 위치와 왕궁(퐁텐블로, 루브르 박물관, 베르사유, 튀일리 궁)을 통과하는 여행. 그러나 18세기에 이르러 어두워지고 완전히 잊혀졌으나 프랑스 혁명으로 모든 것이 바뀌었습니다. 이 그림은 루브르 박물관에 있는 세계 최초의 공공 박물관에 압수되었으며, 그곳에서 프라고나르는 이 그림을 보고 평가했으며 가장 가치 있는 그림 중 하나로 평가했습니다. 박물관의. 권력을 잡은 나폴레옹은 그녀를 자신의 침실로 데려갔고, 이는 그녀에게 "영광의 발판"이 되었지만, 황제가 된 후 3년 후 그는 그녀를 자신의 이름을 딴 루브르 박물관으로 돌려보냈습니다. 그러나 그 그림은 감정가들에게만 잘 알려져 있었고 결코 작가의 최고의 작품으로 간주되지 않았습니다.
- 세 번째 원: 지식인(19세기).루브르 박물관에서 "모나리자"는 즉시 선두 자리를 차지하지 않았습니다. 박물관의 "프리마돈나"는 Murillo (현재 Prado에 있음)의 "성모 마리아의 승천"이었습니다. 루브르 박물관 내부를 묘사한 사진에서 처음으로 그녀는 1833년에 등장했습니다(art. S. Morse). 이 단계에서 결정적인 역할은 그들이 숭배했던 레오나르도가 창조한 팜므파탈의 이상을 그녀에게서 발견한 낭만적인 작가들에 의해 수행되었습니다(Walter Pater, Theophile Gaultier - 미소를 "발명"한 사람, Jules Verne - 작가의 미소를 발명한 사람) 모델에 대한 러브 스토리와 남편과의 삼각 관계). 지식인에게는 미소의 '발견'이 그림의 '발견'이 되었다. 사진의 발명은 복제품의 확산에 기여했습니다. “빅토리아 시대 지식인들은 미스터리하고 치명적인 여인을 숭배하는 사이비 종교가 되었고, 그 여인의 사진을 책상 위에 올려두었습니다. Walter Pater의 말 : "바위보다 나이가 많은 그녀 ..."- 그들의 비밀번호가되었습니다. Merezhkovsky의 유럽 베스트셀러 Leonardo에 관한 부활 된 신들이 주제를 선택했습니다.
- 4번째 서클: 군중(1911년부터). 그림의 명성이 질적으로 높아지는 것은 그림의 도난 및 반환과 관련이 있습니다(아래 섹션 참조). 그런 다음 아방가르드 예술가들은 그녀를 실험 대상으로 선택하여 한 걸음 나아갔습니다.
- 5원 : 세계화시대(20세기 후반). 1962년에 "외교관"으로 미국에 사진을 보낸 드골은 더욱 명성을 얻는 데 기여했습니다. Jacqueline Kennedy는 "Mona Lisa"를 방문하는 동안 Leonardo의 유명한 작품의 개인 후원자였으며 언론은 두 번째 현대 미국-프랑스 모나리자를 부르는 Gioconda와 Jacqueline 두 여성을 비교했습니다. 미국은 지오콘도마니아(Giocondomania)에 의해 포용되었고, 그 후 그 그림은 광고에 등장하여 상표가 되었습니다. 그리고 미국 예술가들(워홀, 라우센버그 등)은 마릴린 먼로처럼 그녀에게 팝아트를 소개했습니다. 언론에 의해 자세히 다루어진 사진을 추가로 둘러보는 동안 수백만 명이 그것을 보았습니다. 예를 들어 소련에서는 하루에 4,600명이 그것을 보았습니다. 그녀는 반복적으로 시도를 당했고(아래 기물 파손 섹션 참조), 각 사건은 명성의 플라이휠을 더욱 많이 회전시켰습니다.
훔침
모나리자는 그녀의 세계적인 명성을 보장한 그녀의 뛰어난 역사 때문에 오랫동안 미술 감정가들에게만 알려졌을 것입니다.
그녀의 모험에 대해 동시대인인 평론가인 Abram Efros는 다음과 같이 썼습니다. 지오콘도의 아내는 웃고 있거나 우울하거나 뒤에 펼쳐진 차갑고 헐벗은 바위 공간을 지배하고 있는 일종의 반인반뱀의 이미지입니다.
공공 기물 파손
- 1956년에는 방문객이 그림 위에 염산을 쏟았을 때 그림의 아래쪽 부분이 손상되었습니다.
- 같은 해 12월 30일, 젊은 볼리비아의 휴고 웅가자 비예가스(Hugo Ungaza Villegas)가 그녀에게 돌을 던져 팔꿈치의 페인트 층을 손상시켰습니다(손실은 나중에 기록되었습니다). 그 후 모나리자는 방탄 유리로 보호되어 더 심각한 공격으로부터 그녀를 보호했습니다.
- 1974년 4월, 도쿄의 한 전시회에서 한 여성이 장애인에 대한 박물관의 정책(홀의 수용 인원을 늘리기 위해 전시회에 입장할 수 없음)에 화가 나서 캔에서 빨간색 페인트를 뿌리려고 했습니다.
- 2009년 4월 2일, 프랑스 시민권을 취득하지 못한 러시아 여성이 유리잔에 점토컵을 던졌습니다. 이 두 경우 모두 그림에 해를 끼치 지 않았습니다.
문화에서
- 금성의 모나리자 분화구는 그녀의 이름을 따서 명명되었습니다.
- 모나리자의 도난은 Georg Game "The Thief"()의 단편 소설에 헌정되었으며, 같은 이름의 단편 소설 모음집에 이름이 붙었습니다.