Tinerete până la bătrânețe 

Sculptură a Greciei antice din perioada clasică. sculptura grecia epoca clasica arta grecia antica sculptura

Subiect: Sculptori remarcabili ai Greciei Antice.

Ţintă: Studiul principalelor etape ale dezvoltării sculpturii grecești antice.

Cuvinte noi:

MIMESIS"- similitudine.

Kalokagatiya (gr. kalos- minunat + agathos Drăguț).

Kuros și scoarță - creat în epoca oamenilor arhaici. si femela figuri (până la 3 m.) Mimesis - similitudine. cariatida - (Karyatis greacă) - o imagine sculpturală a unei figuri feminine în picioare care servește ca suport pentru o grindă într-o clădire (sau exprimă în mod figurat această funcție).

germeni – piatră stâlpi cu „mâinile”, plasate la intrarea principală în casă.

Întrebări.

    Canoane sculpturale ale lui Polikleitos și Miron.

    Sculpturi ale lui Scopas și Praxiteles.

    Lisip și Leohar.

    Sculptură elenistică.

În timpul orelor.

1. Actualizarea cunoștințelor studenților despre arhitectura Greciei antice.

2. Mesajul subiectului, scopul lecției.

Grecii au crezut mereu că numai într-un trup frumos poate trăi un suflet frumos. Prin urmare, armonia corpului, perfecțiunea exterioară - o condiție și bază indispensabilă a unei persoane ideale. Idealul grecesc este definit prin termen kalokagatiya(gr. kalos- minunat + agathos Drăguț). Deoarece kalokagatiya include perfecțiunea atât a constituției corporale, cât și a dispoziției spirituale și morale, atunci, împreună cu frumusețea și puterea, idealul poartă dreptate, castitate, curaj și raționalitate. Acesta este ceea ce îi face pe zeii greci, sculptați de sculptori antici, să fie deosebit de frumoși.

În ciuda asemănării sculpturilor din secolele VI și V. BC, au și diferențe caracteristice:

Nu mai există amorțeala, schematismul sculpturilor arhaice;

Statuile devin mai realiste.

    Canoane sculpturale ale lui Polikleitos și Miron .

1. Un imn către măreția și puterea spirituală a Omului;

2. Imagine preferată - un tânăr zvelt, cu un fizic atletic;

3. Aspectul spiritual și fizic sunt armonioase, nu este nimic de prisos, „nimic peste măsură”.

Cei mai cunoscuți sculptori ai epocii înalte clasice sunt Polykleitos și Myron.

Policletos - Un sculptor grec antic și teoretician al artei care a lucrat în Argos în a doua jumătate a secolului al V-lea î.Hr.

Poliklet iubea să înfățișeze sportivi în repaus, s-a specializat în înfățișarea sportivilor, câștigătorilor olimpici.

"Dorifor"("Spearman")

Poliklet a fost primul care s-a gândit să dea figurilor o astfel de afirmație încât să se sprijine pe partea inferioară a unui singur picior. (Un exemplu timpuriu de contraposto clasic este Doryphorus). Policletos a stiut sa arate corpul uman intr-o stare de echilibru – figura lui umana in repaus sau pas lent pare mobila si animata datorita faptului ca axele orizontale nu sunt paralele.

Statuile lui Polykleitos sunt pline de viață intensă. Lui Polikleitos îi plăcea să înfățișeze sportivi în repaus. Luați același „Spearman”. Acest om puternic construit este plin de stima de sine. Stă nemișcat în fața privitorului. Dar acesta nu este restul static al statuilor egiptene antice. Ca un om care își controlează cu pricepere și cu ușurință corpul, lăncierul și-a îndoit ușor un picior și și-a mutat greutatea corpului pe celălalt. Se pare că va trece o clipă și va face un pas înainte, va întoarce capul, mândru de frumusețea și puterea lui. În fața noastră este un om puternic, frumos, lipsit de frică, mândru, reținut - întruchiparea idealurilor grecești.

Opere de arta:

2. „Diadumen” („Tânăr care leagă un bandaj”).

„Amazon rănit”

Statuia colosală a Herei în Argos. A fost realizat în tehnica crisoelefantinei și a fost perceput ca un pandan al lui Zeus olimpic Fidias.

Sculpturile s-au pierdut și sunt cunoscute din copiile romane antice care au supraviețuit.

1. Din ordinul preoților Templului lui Artemis din Efes c. 440 î.Hr Poliklet a creat o statuie a unui Amazon rănit, ocupând primul loc în competiție, la care, pe lângă el, au participat Phidias și Cresilaus. O idee despre aceasta este dată de copii - un relief descoperit la Efes, precum și statui din Berlin, Copenhaga și Muzeul Metropolitan de Artă din New York. Picioarele Amazonului sunt așezate, la fel ca cele ale lui Doryphorus, dar brațul liber nu atârnă de-a lungul corpului, ci este aruncat în spatele capului; cealalta mana sustine corpul, sprijinindu-se pe coloana. Poza este armonioasă și echilibrată, dar Poliklet nu a ținut cont de faptul că, dacă o rană se deschide sub pieptul drept al unei persoane, mâna dreaptă nu poate fi ridicată sus. Aparent, forma frumoasă, armonioasă, îl interesa mai mult decât intriga sau transmiterea sentimentelor. Aceeași grijă este impregnată de dezvoltarea atentă a pliurilor tunicii scurte a Amazonului.

2. Atunci Policlet a lucrat la Atena, unde cca. 420 î.Hr l-a creat pe Diadumen, un tânăr cu un bandaj în jurul capului. În această lucrare, care a fost numită o tinerețe blândă, în contrast cu curajosul Doryphoros, se poate simți influența școlii atice. Aici se folosește din nou motivul pasului, în ciuda faptului că ambele mâini sunt ridicate și țin bandajul, mișcare care ar fi mai potrivită pentru o poziție calmă și stabilă a picioarelor. Opusul părții drepte și stângi nu este atât de pronunțat. Caracteristicile feței și șuvițele luxuriante de păr sunt mult mai moi decât în ​​lucrările anterioare. Cele mai bune reproduceri ale Diadumenului sunt o copie găsită în Delos și acum la Atena, o statuie din Vezon în Franța, care se păstrează la British Museum, și copii la Madrid și la Metropolitan Museum of Art. De asemenea, s-au păstrat câteva figurine de teracotă și bronz. Cele mai bune copii ale șefului lui Diadumen sunt la Dresda și Kassel.

3. În jurul anului 420 î.Hr Poliklet a creat pentru templul din Argos o statuie crizoelefantină colosală (din aur și fildeș) a Herei, așezată pe un tron. Monedele argive pot da o idee despre cum arăta această statuie antică. Lângă Hera stătea Hebe, sculptată de Naucis, un elev al lui Polykleitos. În designul plastic al templului, se poate simți atât influența maeștrilor școlii atice, cât și a Polykleitos; poate este opera elevilor săi. Creațiilor lui Polykleitos le lipsea măreția statuilor lui Phidias, dar mulți critici le consideră superioare lui Phidias prin perfecțiunea lor academică și poziția perfectă. Policleto a avut numeroși studenți și adepți până în epoca lui Lisip (sfârșitul secolului al IV-lea î.Hr.), care spuneau că Doryphoros era profesorul său în artă, deși ulterior s-a îndepărtat de canonul lui Policlet și l-a înlocuit cu al său.

Myron a creat statui ale sportivilor victorioși, a transmis corect și natural figura umană, a descoperit secretul conceptului plastic al mișcării. Dar (!!!) lucrările sale au un singur punct de vedere. Printre cele mai cunoscute lucrări ale sale se numără compoziția sculpturală

„Athena și Marsyas”, precum și „Discobolus”.

Myron a fost un contemporan mai vechi al lui Phidias și Polykleitos și a fost considerat unul dintre cei mai mari sculptori ai timpului său. A lucrat în bronz, dar nici una dintre lucrările sale nu a supraviețuit; sunt cunoscute mai ales din copii. Cea mai faimoasă lucrare a lui Miron este Aruncatorul de discuri. Aruncatorul discului este descris într-o ipostază complexă în momentul celei mai mari tensiuni înainte de aruncare. Sculptorul a fost interesat de forma și proporția figurilor în mișcare. Myron era un maestru în transmiterea mișcării la punctul culminant, momentul de tranziție. Într-o epigramă elogioasă dedicată statuii sale de bronz a atletului Ladas, se subliniază că alergătorul gâfâit este înfățișat cu o intensitate neobișnuită. Grupul sculptural al lui Myron Athena și Marsyas, care stătea pe Acropola ateniană, este marcat de aceeași abilitate în transmiterea mișcării.

2. Creații sculpturale ale lui Scopas și Praxiteles.

secolul al IV-lea î.Hr.

1. S-a străduit pentru transferul acțiunii viguroase;

2. Ei au transmis sentimentele și experiențele unei persoane:

Pasiune

reverie

Dragoste

Furie

Disperare

Suferinţă

SCOPAS (apogeul activității 375–335 î.Hr.), sculptor și arhitect grec, născut pe insula Paros c. 420 î.Hr., posibil. Prima lucrare a lui Scopas cunoscută nouă este templul Atenei Alea din Tegea, în Peloponez, care a trebuit să fie refăcut, întrucât primul a ars în anul 395 î.Hr. Scopas făcea parte dintr-un grup de patru sculptori (și poate să fi fost cel mai mare dintre ei) cărora le-a fost comandat de văduva lui Mavsolos Artemisia să creeze partea sculpturală a Mausoleului (una dintre cele șapte minuni ale lumii) din Halicarnas, mormântul soțului ei. Pasiunea inerentă lucrărilor lui Scopas se realizează în primul rând cu ajutorul lui o nouă interpretare a ochilor: sunt profund plantați și înconjurați de pliuri grele ale pleoapelor. Vioicitatea mișcărilor și pozițiile îndrăznețe ale corpului exprimă energie intensă și demonstrează ingeniozitatea maestrului.

Cea mai cunoscută lucrare a lui Scopas au fost:

- Scopas . „Amazonomahia”.

- Bătălia grecilor cu amazoanele. Fragment din friza Mausoleului din Halicarnas. Marmură. În jurul anului 350 î.Hr e. Londra. Muzeu britanic.

Relieful este magnific, care înfățișează un războinic aplecat brusc pe spate, încercând să reziste atacului Amazonului, care și-a apucat scutul cu o mână și a dat o lovitură de moarte cu cealaltă. În stânga acestui grup este un Amazon călare pe un cal fierbinte. Ea stă cu spatele și, se pare, aruncă o săgetă către un inamic care o urmărește. Calul aproape alergă peste războinicul aplecat pe spate. Ciocnirea ascuțită a mișcărilor direcționate opus ale călărețului și războinicului și aterizarea neobișnuită a Amazonului sporesc dramatismul general al compoziției cu contrastele lor.

Scopas. Cap de războinic rănit de pe frontonul vestic al templului Athena-Aleia din Tegea. Marmură. Prima jumătate a secolului al IV-lea. î.Hr e. Atena. Muzeu național.

Scopas. Maenad. Mijlocul secolului al IV-lea. î.Hr e. Copie romană din marmură redusă a unui original pierdut. Dresda. Albertinum.

Marmura „Maenada”, care a ajuns până la noi într-un mic exemplar antic deteriorat, întruchipează imaginea unui om stăpânit de o violentă explozie de pasiune. Nu întruchiparea imaginii unui erou care este capabil să stăpânească cu încredere asupra pasiunilor sale, ci dezvăluirea unei pasiuni extatice extraordinare care îmbrățișează o persoană este caracteristică „Maenadei”. Interesant este că Menada lui Scopas, spre deosebire de sculpturile din secolul al V-lea, este concepută pentru a fi văzută din toate părțile.

PRAXITELE (secolul al IV-lea î.Hr.),

Praxiteles este un sculptor grec antic, unul dintre cei mai mari sculptori atici din secolul al IV-lea î.Hr. e. Autorul celebrelor compoziții „Hermes cu pruncul Dionysus”, „Apollo ucide șopârla”. Majoritatea lucrărilor lui Praxitele sunt cunoscute din copiile romane sau din descrierile autorilor antici. Sculpturile lui Praxiteles au fost pictate de artistul atenian Nikias.

Praxiteles - primul sculptor care a înfățișat o femeie goală cât mai realist posibil: sculptura Afroditei din Cnidus, unde o zeiță goală ține cu mâna o haină căzută.

Praxiteles. Capul Afroditei din Knidos (Afrodita Kaufmann). Până în 360 î.Hr e. Copie romană din marmură a unui original pierdut. Berlin. Sobr. Kaufman.

Statuia Afroditei din Cnidus a fost considerată în antichitate nu numai cea mai bună creație a lui Praxiteles, ci, în general, cea mai bună statuie a tuturor timpurilor. După cum scrie Pliniu cel Bătrân, mulți au venit la Knidos doar pentru a o vedea. A fost prima reprezentare monumentală a unei figuri feminine complet goale în arta greacă și, prin urmare, a fost respinsă de locuitorii din Kos, cărora le-a fost destinată, după care a fost cumpărată de orășenii din vecinul Cnidus. În epoca romană, imaginea acestei statui a Afroditei a fost bătută pe monede din Knidos, din ea s-au făcut numeroase copii (cea mai bună dintre ele se află acum la Vatican, iar cea mai bună copie a capului Afroditei se află în colecția Kaufmann din Berlin. ). În antichitate, se pretindea că modelul lui Praxiteles ar fi fost iubita lui, hetaera Phryne.

Cea mai bună idee a stilului lui Praxiteles dă o statuie a lui Hermes cu pruncul Dionysos (Muzeul din Olympia), care a fost găsit în timpul săpăturilor în templul Herei din Olimpia. În ciuda unor îndoieli, acesta este aproape sigur un original, creat c. 340 î.Hr Silueta flexibilă a lui Hermes s-a sprijinit cu grație pe un trunchi de copac. Maestrul a reușit să îmbunătățească interpretarea motivului unui bărbat cu un copil în brațe: mișcările ambelor mâini ale lui Hermes sunt conectate compozițional cu copilul. Probabil că în mâna dreaptă, neconservată, se afla un ciorchine de struguri, cu care îl tachina pe Dionysos, motiv pentru care bebelușul întindea mâna după el. Figura lui Hermes este construită proporțional și perfect lucrată, chipul zâmbitor este plin de viață, profilul grațios, iar suprafața netedă a pielii contrastează puternic cu părul conturat schematic și cu suprafața lânoasă a mantiei aruncate peste trunchi. . Părul, draperiile, ochii și buzele și curelele pentru sandale au fost vopsite.

Mai rău sunt alte statui ale Afroditei atribuite lui Praxiteles. O copie a statuii alese de locuitorii din Kos nu a fost păstrată. Afrodita din Arles, numită după locul descoperirii și păstrată în Luvru, poate nu o înfățișează pe Afrodita, ci pe Phryne. Picioarele statuii sunt ascunse de draperii, iar trunchiul este complet expus; judecând după postura ei, ținea o oglindă în mâna stângă. Au supraviețuit și câteva statuete frumoase ale unei femei care își punea un colier, dar din nou se pot vedea în ele atât Afrodita, cât și o femeie muritoare.

Praxiteles. Artemis din Gabia. Aproximativ 340-330 de ani. î.Hr e. Copie romană din marmură a unui original pierdut. Paris. Louvre.

În statuia lui Artemis, vedem exemple de rezolvare a motivului unei figuri umane drapate. Artemis este înfățișată aici ca patrona femeilor: ea își aruncă un văl peste umărul drept, adus de o femeie ca dar pentru o eliberare cu succes de o povară.

Praxiteles a fost un maestru de neîntrecut în transmiterea grației trupului și a armoniei subtile a spiritului. Cel mai adesea îi înfățișa pe zei, și chiar pe satiri, ca tineri; în opera sa de a înlocui măreţia şi sublimitatea imaginilor secolului al V-lea. î.Hr. vin grația și tandrețea visătoare.

3. Leohar și Lisip. Arta direcției pseudo-clasice a fost dezvăluită cel mai consecvent în opera lui Leohara, Leohar, un atenian prin naștere, a devenit pictorul de curte al lui Alexandru cel Mare. El a fost cel care a creat o serie de statui crisoelefantine ale regilor dinastiei macedonene pentru Philippeion. Stilul rece și pompos de clasicizare, adică imitând în exterior formele clasice, stilul lucrărilor lui Leochar a îndeplinit nevoile monarhiei emergente a lui Alexandru. O idee despre stilul lucrărilor lui Leohar, dedicat laudei monarhiei macedonene, ne oferă o copie romană a portretului său eroizat al lui Alexandru cel Mare. Figura goală a lui Alexandru avea un caracter abstract și ideal.

Leohar. Apollo Belvedere . În jurul anului 340 î.Hr. e. Copie romană din marmură a unui original din bronz pierdut. Roma. Vatican.

Cea mai semnificativă dintre lucrările lui Leohar a fost statuia lui Apollo - faimosul „Apollo Belvedere” ( „Apollo Belvedere” - numele copiei romane din marmură care a ajuns la noi din originalul din bronz al lui Leochar, care a fost situat la un moment dat în Belvedere de la Vatican (logie deschisă)).

Cu toate acestea, imaginea lui Apollo este mai spectaculoasă în exterior decât semnificativă în interior. Splendoarea coafurii, intoarcerea trufaca a capului, binecunoscuta teatralitate a gestului sunt profund straine de adevaratele traditii ale clasicilor.

Celebra statuie a lui „Artemis de Versailles”, plină de măreție rece, oarecum arogantă, se află și ea aproape de cercul lui Leochar.

Leohar. Artemis de Versailles. Al treilea sfert al secolului al IV-lea. î.Hr e. Copie romană din marmură a unui original pierdut. Paris. Louvre.

Lysippos.. În artă, Lysippe a decis sarcina de a dezvălui lumea interioară a experiențelor umane și o anumită individualizare a imaginii unei persoane. În același timp, Lysippus a introdus noi nuanțe în soluționarea acestor probleme artistice și, cel mai important, a încetat să considere crearea imaginii unei persoane perfecte și frumoase drept sarcina principală a artei. Lisip, ca artist, a simțit că noile condiții ale vieții sociale priveau acest ideal de orice temei vital serios.

in primul rand, Lisip găsește baza pentru imaginea tipicului în imaginea unei persoane nu în acele trăsături care caracterizează o persoană ca membru al unei echipe de cetățeni liberi ai polisului, ca personalitate dezvoltată armonios, ci în caracteristicile vârstei sale, ocupației, aparținând unuia sau altuia temperament psihologic. O trăsătură nouă deosebit de importantă în opera lui Lysippus este interesul de a dezvălui caracterul expresiv și nu ideal perfect în imaginea unei persoane.

În al doilea rând, Lisip subliniază într-o oarecare măsură în lucrările sale momentul percepției personale, caută să transmită atitudinea sa emoțională față de evenimentul înfățișat. Potrivit lui Pliniu, Lisip a spus că, dacă anticii au portretizat oamenii așa cum sunt cu adevărat, atunci el, Lisip, este așa cum par. Lysippos. Apoxyomenos. Cap (vezi fil. 215).

Înțelegerea lui Lisip asupra imaginii unui bărbat a fost întruchipată în mod deosebit în statuia sa de bronz, faimoasă în antichitate. statuia lui Apoxyomenos. Lysippus a înfățișat un tânăr care curăță nisipul arenei cu o racletă, care i s-a lipit de corp în timpul unei competiții sportive. În această statuie, artistul a transmis foarte: expresiv starea de oboseală care l-a cuprins pe tânăr după stresul luptei pe care o trăise.

În Apoxyomeno, Lysippus vrea să arate nu pacea interioară și echilibrul stabil, ci o schimbare complexă și contradictorie a nuanțelor de dispoziție.

Lysippos. Hermes odihnindu-se . Al treilea sfert al secolului al IV-lea. î.Hr e. Copie romană din bronz a unui original pierdut. Napoli. Muzeu național.

Hermes părea să stea o clipă pe marginea unei stânci. Artistul a transmis aici liniște, ușoară oboseală și, în același timp, disponibilitatea lui Hermes de a continua un zbor rapid rapid.

Aceeași serie a inclus și un grup înfățișând lupta lui Hercule cu leul nemean, care a ajuns și la noi într-o copie romană păstrată în Schit.

Lysippos. Hercule cu un leu . A doua jumătate a secolului al IV-lea. î.Hr e. Copie redusă din marmură a perioadei romane dintr-un original din bronz pierdut. Leningrad. Muzeul Ermitaj.

De o importanță deosebită a fost opera lui Lisip pentru evoluția ulterioară a portretului grecesc.


Capul lui Alexandru cel Mare din insula Kos. Marmură.Originalitatea și forța abilității portretistice a lui Lysippos au fost întruchipate cel mai viu în portretele lui Alexandru cel Mare.

O întoarcere puternică, energică a capului, șuvițele de păr aruncate brusc înapoi creează o senzație generală de impuls patetic. Pe de altă parte, pliurile îndurerate de pe frunte, privirea suferindă, gura curbată dau imaginii lui Alexandru trăsăturile de confuzie tragică. În acest portret, pentru prima dată în istoria artei, tensiunea pasiunilor și lupta lor interioară sunt exprimate cu atâta forță.

4. Sculptura elenismului.

1. Excitarea și tensiunea fețelor;

2. Un vârtej de sentimente și experiențe în imagini;

3. Visarea imaginilor;

4. Perfectiunea armonica si solemnitatea

Arta elenistică este plină de contraste - gigantic și miniatural, ceremonial și domestic, alegoric și natural. Tendință principală - abaterea de la tipul uman generalizatla înțelegerea omului ca ființă individuală concretă, si de aici cresterea atenție la psihologia sa, interesul pentru evenimente și noua vigilență față de semnele naționale, de vârstă, sociale și de altă natură ale personalității.

Toate cele de mai sus nu înseamnă că epoca elenistică nu a părăsit marii sculptori și monumentele lor de artă. Mai mult, ea a creat lucrări care, în opinia noastră, sintetizează cele mai înalte realizări ale artelor plastice antice, sunt mostrele ei inaccesibile -

Afrodita din Melos,

Nike din Samotracia , altarul lui Zeus din Pergamon. Aceste sculpturi celebre au fost create în epoca elenistică. Autorii lor, despre care nu se știe nimic sau aproape nimic, au lucrat în conformitate cu tradiția clasică, dezvoltând-o cu adevărat creativ.

Printre sculptorii acestei epoci se pot remarca numele: Apollonius, Taurisk („taur farnesian”), Athenodorus, Polydorus, Agesander („Afrodita din Melos”, „Laocoon”).

Morala și formele de viață, precum și formele de religie au început să se amestece în epoca elenistică, dar prietenia nu a domnit și pacea nu a venit, discordia și războiul nu s-au oprit.

5.Concluzie. Un lucru a unit toate perioadele de dezvoltare a societății și artei grecești: acesta predilecție deosebită pentru artele plastice, pentru artele spațiale.

Am examinat creațiile celor mai mari sculptori ai Greciei Antice de-a lungul întregii perioade a antichității. Am văzut întregul proces de formare, înflorire și declin al stilurilor de sculptură - întreaga tranziție de la forme arhaice stricte, statice și idealizate prin armonia echilibrată a sculpturii clasice la psihologismul dramatic al statuilor elenistice. Creațiile sculptorilor Greciei Antice au fost considerate pe bună dreptate un model, un ideal, un canon timp de multe secole, iar acum nu încetează să fie recunoscută ca o capodopera a clasicilor lumii. Nimic de genul acesta nu a mai fost realizat înainte sau de atunci. Toată sculptura modernă poate fi considerată, într-o măsură sau alta, o continuare a tradițiilor Greciei Antice. Sculptura Greciei Antice în dezvoltarea sa a trecut pe o cale dificilă, deschizând calea pentru dezvoltarea artei plastice din epocile ulterioare în diferite țări.

Se știe că majoritatea vechilor maeștri ai artei plastice nu sculptau în piatră, ci turnau în bronz. În secolele care au urmat epocii civilizației grecești, era de preferat să se păstreze capodoperele din bronz, care au fost topite în cupole sau monede, iar mai târziu în tunuri. Mai târziu, tradițiile stabilite de sculpturile grecești antice s-au îmbogățit cu noi dezvoltări și realizări, în timp ce canoanele antice au servit drept bază necesară, bază pentru dezvoltarea artei plastice în toate epocile ulterioare.

6. Casa. sarcina: cap.8, st.84-91., sarcina st.91.

LISTA SURSELOR UTILIZATE

1. Cultura antică. Dicționar-referință / sub general. ed. V.N. Yarkho - M., 2002

2. Bystrova A. N. „Lumea culturii, fundamentele studiilor culturale”
Polikarpov V.S. Prelegeri de studii culturale - M .: „Gardarika”, „Expert Bureau”, 1997

3. Vipper B.R. Arta Greciei Antice. - M., 1972

4. Gnedich P.P. Istoria mondială a artelor - M., 2000

5. Gribunina N.G. Istoria culturii artistice mondiale, în 4 părți. Părțile 1, 2. - Tver, 1993

6. Dmitrieva, Akimova. Artă antică. eseuri. - M., 1988

sculptură antică

SCHIT

Afrodita


Afrodita

Afrodita (Venus Taurida)
Descriere:
Conform Teogoniei lui Hesiod, Afrodita s-a născut lângă insula Citera din sămânța și sângele lui Uranus castrat de Kronos, care a căzut în mare și a format spumă albă ca zăpada (de unde și porecla „născut din spumă”). Briza a adus-o pe insula Cipru (sau ea însăși a navigat acolo, pentru că nu-i plăcea Kiefera), unde ea, care a ieșit din valurile mării, a fost întâmpinată de Ores.

Statuia Afroditei (Venus Tauride) datează din secolul al III-lea î.Hr. e., acum se află în Schit și este considerată cea mai cunoscută statuie a ei. Sculptura a devenit prima statuie antică a unei femei goale din Rusia. Statuie de marmură în mărime naturală a lui Venus făcând baie (înălțime 167 cm), modelată după Afrodita din Cnidus sau Venus Capitoline. Lipsesc brațele statuii și un fragment din nas. Înainte de a intra în Schitul de Stat, ea a împodobit grădina Palatului Tauride, de unde și numele. În trecut, „Venus Tauride” avea scopul de a decora parcul. Cu toate acestea, statuia a fost livrată Rusiei mult mai devreme, chiar și sub Petru I și datorită eforturilor sale. Inscripția de pe inelul de bronz al piedestalului amintește că Venus a fost prezentată de Clement al XI-lea lui Petru I (ca urmare a unui schimb cu moaștele Sfintei Brigida, trimise papei Petru I). Statuia a fost descoperită în 1718 în timpul săpăturilor din Roma. Sculptor necunoscut al secolului al III-lea. î.Hr. a înfățișat zeița goală a iubirii și a frumuseții Venus. O figură zveltă, linii de siluetă rotunjite, netede, forme ale corpului modelate ușor - totul vorbește despre o percepție sănătoasă și castă a frumuseții feminine. Alături de o reținere calmă (postură, expresie facială), o manieră generalizată, străină de fragmentare și detalii fine, precum și o serie de alte trăsături caracteristice artei clasicilor (secolele V - IV î.Hr.), creatorul lui Venus a întruchipat în ea ideea sa de frumos, asociată cu idealurile secolului al III-lea î.Hr. e. (proporții grațioase - talie înaltă, picioare oarecum alungite, gât subțire, cap mic, înclinare a figurii, rotație a corpului și a capului).

Italia. Sculptură antică în Muzeul Vaticanului.

Joseph Brodsky

trunchi

Dacă rătăciți brusc în iarba de piatră,
arată mai bine în marmură decât în ​​realitate,
Sau observi un faun care se răsfăț la un ospăț
cu o nimfă și amândoi în bronz sunt mai fericiți decât în ​​vis,
poți elibera toiagul din mâinile tale obosite:
ești în Imperiu, prietene.

Aer, foc, apă, fauni, naiade, lei,
luate din natură sau din cap, -
tot ceea ce a venit Dumnezeu și obosește
creier, transformat în piatră sau metal.
Acesta este sfârșitul lucrurilor, acesta este sfârșitul drumului
oglinda pentru a intra.

Stai într-o nișă liberă și, dând ochii peste cap,
vezi cum trec secolele, dispărând în urmă
colț și cum crește mușchiul în zona inghinală
iar praful cade pe umeri – acest bronz al epocilor.
Cineva va tăia mâna și capul de pe umăr
se rostogolește, bătând.

Și va fi un trunchi, o sumă nenumită de mușchi.
O mie de ani mai târziu, un șoarece trăiește într-o nișă cu
cu gheara spartă, nefiind biruit granitul,
ieșind într-o seară, scârțâit, toca
peste drum ca să nu intre în groapă
la miezul nopții. Nu dimineata.

10 secrete ale sculpturilor celebre

Tăcerea marilor statui deține multe secrete. Când Auguste Rodin a fost întrebat cum își creează statuile, sculptorul a repetat cuvintele marelui Michelangelo: „Iau un bloc de marmură și tai din el tot ce este de prisos”. Acesta este, probabil, motivul pentru care sculptura unui adevărat maestru creează întotdeauna un sentiment de miracol: se pare că doar un geniu este capabil să vadă frumusețea care este ascunsă într-o bucată de piatră.

Suntem siguri că în aproape fiecare operă de artă semnificativă există un mister, un „fund dublu” sau o poveste secretă pe care doriți să o descoperiți. Astăzi vom împărtăși câteva dintre ele.

1. Moise cornut

Michelangelo Buanarotti, Moise, 1513-1515

Michelangelo l-a înfățișat pe Moise cu coarne pe sculptura sa. Mulți istorici de artă atribuie acest lucru unei interpretări greșite a Bibliei. Cartea Ieșirii spune că, atunci când Moise a coborât de pe Muntele Sinai cu tablele, evreilor le-a fost greu să-l privească în față. În acest moment al Bibliei, este folosit un cuvânt care poate fi tradus din ebraică atât ca „raze” cât și „coarne”. Totuși, din context, putem spune cu siguranță că vorbim despre raze de lumină - că fața lui Moise strălucea, și nu cornuta.

2. Culoare Antichitate

„August din Prima Port”, statuie antică.

Multă vreme s-a crezut că sculpturile antice grecești și romane din marmură albă erau inițial incolore. Cu toate acestea, studii recente ale oamenilor de știință au confirmat ipoteza că statuile au fost pictate într-o gamă largă de culori, care au dispărut în cele din urmă la expunerea prelungită la lumină și aer.

3. Suferința Micii Sirene

Edvard Eriksen, Mica Sirenă, 1913

Statuia Micii Sirene din Copenhaga este una dintre cele mai răbdătoare din lume: ea este cea mai iubită de vandali. Istoria sa a fost foarte tulbure. A fost rupt și tăiat în bucăți de multe ori. Și acum puteți găsi în continuare „cicatrici” abia vizibile pe gât, care au apărut din necesitatea înlocuirii capului sculpturii. Mica Sirenă a fost decapitată de două ori: în 1964 și 1998. În 1984, mâna dreaptă a fost tăiată. Pe 8 martie 2006, pe mâna sirenei i-a fost pus un vibrator, iar nefericita femeie însăși a fost stropită cu vopsea verde. În plus, pe spate era o inscripție mâzgălită „Din 8 martie!”. În 2007, autoritățile din Copenhaga au anunțat că statuia ar putea fi mutată mai mult în port pentru a evita noi acte de vandalism și pentru a împiedica turiștii să încerce constant să urce pe ea.

4. „Sărut” fără sărut

Auguste Rodin, Sărutul, 1882

Celebra sculptură a lui Auguste Rodin „Sărutul” a fost inițial numită „Francesca da Rimini”, în onoarea nobilei doamne italiene din secolul al XIII-lea înfățișată pe ea, al cărei nume a fost imortalizat de Divina Comedie a lui Dante (Al Doilea Cerc, Cântul al V-lea). Doamna s-a îndrăgostit de fratele mai mic al soțului ei, Giovanni Malatesta, Paolo. În timp ce au citit povestea lui Lancelot și Guinevere, au fost descoperiți și apoi uciși de soțul ei. Pe sculptură, Paolo poate fi văzut ținând o carte în mână. Dar, de fapt, îndrăgostiții nu se ating cu buzele, ca și cum ar sugera că au fost uciși fără să comită vreun păcat.
Redenumirea sculpturii într-una mai abstractă - Kiss (Le Baiser) - a fost făcută de critici care au văzut-o pentru prima dată în 1887.

5. Secretul vălului de marmură

Raphael Monti, „Valul de marmură”, mijlocul secolului al XIX-lea

Când te uiți la statuile acoperite cu un văl translucid de marmură, te gândești involuntar la cum este posibil chiar să faci asta din piatră. Totul ține de structura specială a marmurei folosită pentru aceste sculpturi. Blocul, care urma să devină statuie, trebuia să aibă două straturi – unul mai transparent, celălalt mai dens. Astfel de pietre naturale sunt greu de găsit, dar există. Stăpânul avea un complot în cap, știa ce fel de bloc caută. A lucrat cu ea, observând textura unei suprafețe normale și a mers de-a lungul graniței care separă partea mai densă și mai transparentă a pietrei. Drept urmare, rămășițele acestei părți transparente „au strălucit”, ceea ce a dat efectul unui văl.

6Davidul perfect din marmură deteriorată

Michelangelo Buanarotti, „David”, 1501-1504

Celebra statuie a lui David a fost realizată de Michelangelo dintr-o bucată de marmură albă rămasă de la un alt sculptor, Agostino di Duccio, care a încercat fără succes să lucreze cu această piesă și apoi a abandonat-o.

Apropo, David, care de secole a fost considerat un model de frumusețe masculină, nu este atât de perfect. Chestia e că e un nenorocit. La această concluzie a ajuns omul de știință american Mark Levoy de la Universitatea Stanford, care a examinat statuia folosind tehnologia laser-computer. „Defectul de vedere” al sculpturii de peste cinci metri este imperceptibil, deoarece este așezat pe un piedestal înalt. Potrivit experților, Michelangelo și-a înzestrat în mod deliberat descendenții cu acest defect, deoarece dorea ca profilul lui David să arate perfect din orice unghi.
Moartea a inspirat creativitatea

7. Sărutul morții, 1930

Cea mai misterioasă statuie din cimitirul catalan din Poblenou se numește „Sărutul morții”. Sculptorul care a creat-o este încă necunoscut. De obicei, autorul Sărutului este atribuit lui Jaume Barba, dar există cei care sunt siguri că monumentul a fost sculptat de Joan Fonbernat. Sculptura este situată într-unul dintre colțurile îndepărtate ale cimitirului Poblenou. Ea a fost cea care l-a inspirat pe regizorul de film Bergman să creeze filmul „The Seventh Seal” - despre comunicarea dintre Cavaler și Moarte.

8. Mâinile lui Venus de Milo

Agesander (?), Venus de Milo, c. 130-100 î.Hr
Figura lui Venus ocupă locul de mândrie în Luvru din Paris. Un anumit țăran grec a găsit-o în 1820 pe insula Milos. În momentul descoperirii, figura a fost ruptă în două fragmente mari. În mâna stângă, zeița ținea un măr, iar cu mâna dreaptă ținea o haină care cădea. Dându-și seama de semnificația istorică a acestei sculpturi antice, ofițerii marinei franceze au ordonat ca statuia de marmură să fie luată de pe insulă. În timp ce Venus era târâtă peste stânci până la nava care aștepta, o luptă a izbucnit între purtători și ambele brațe s-au rupt. Marinarii obosiți au refuzat categoric să se întoarcă și să caute părțile rămase.

9. Frumoasa imperfecțiune a lui Nike din Samothrace

Nika din Samotracia, secolul al II-lea. î.Hr.
Statuia lui Nike a fost găsită pe insula Samothrace în 1863 de Charles Champoiseau, consul și arheolog francez. Sculptată din marmură Parian aurie, o statuie de pe insulă a încoronat altarul zeităților mării. Cercetătorii cred că un sculptor necunoscut a creat Nike în secolul al II-lea î.Hr. ca semn al victoriilor navale grecești. Mâinile și capul zeiței sunt pierdute iremediabil. A făcut în mod repetat și încearcă să restabilească poziția inițială a mâinilor zeiței. Se presupune că mâna dreaptă, ridicată în sus, ținea un pahar, o coroană sau o coroană. În mod interesant, încercările repetate de a restabili mâinile statuii nu au avut succes - toate au stricat capodopera. Aceste eșecuri ne obligă să recunoaștem: Nika este frumoasă așa, perfectă în imperfecțiunea ei.

10. Călăreț mistic de bronz

Etienne Falcone, Monumentul lui Petru I, 1768-1770
Călărețul de bronz este un monument înconjurat de povești mistice și de altă lume. Una dintre legendele asociate cu el spune că, în timpul Războiului Patriotic din 1812, Alexandru I a ordonat ca opere de artă deosebit de valoroase să fie scoase din oraș, inclusiv un monument al lui Petru I. În acest moment, un anume maior Baturin a realizat o întâlnire. cu prietenul personal al țarului, prințul Golitsyn și i-a spus că el, Baturin, este bântuit de același vis. Se vede în Piața Senatului. Fața lui Peter se întoarce. Călărețul își părăsește stânca și se îndreaptă pe străzile din Sankt Petersburg către Kamenny Ostrov, unde locuia atunci Alexandru I. Călărețul intră în curtea Palatului Kamenoostrovsky, din care suveranul iese în întâmpinarea lui. „Tinere, la ce mi-ai adus Rusia”, îi spune Petru cel Mare, „dar atâta timp cât sunt pe loc, orașul meu nu are de ce să se teamă!” Apoi călărețul se întoarce și se aude din nou „galopul cu voce grea”. Uimit de povestea lui Baturin, prințul Golitsyn i-a transmis suveranului visul. Drept urmare, Alexandru I și-a anulat decizia de a evacua monumentul. Monumentul a rămas pe loc.

*****

Grecia și arta sunt concepte inseparabile. În numeroase muzee arheologice puteți vedea sculpturi antice și statui de bronz, multe dintre ele ridicate de pe fundul Mării Egee. Muzeele de istorie locală prezintă obiecte de artizanat și textile, iar cele mai bune muzee din Atena sunt la egalitate cu galeriile de artă din alte părți ale Europei.

Atena, Muzeul Arheologic din Pireu.
Origine: Statuia a fost descoperită printre altele în 1959 în Pireu, la intersecția străzilor Georgiou și Filona într-o cameră de depozitare din apropierea portului antic. Sculptura a fost ascunsă în această cameră de trupele lui Sulla în anul 86 î.Hr. e.
Descriere: Statuie din bronz a lui Artemis
Acest tip de figură feminină puternică a fost inițial identificat ca poetesă sau muză din compozițiile sculpturale ale lui Silanion. Această statuie este identificată ca o imagine a lui Artemis prin prezența unei praștii pentru o tolbă pe spate, precum și prin locația degetelor mâinii în care era amplasat arcul. Această lucrare de cleisicizare este atribuită lui Euphranor pe baza asemănării sale cu Apollo Patros de pe Agora.

Sculptura Greciei antice a ocupat un loc important în arta greacă antică și a fost cea mai mare realizare în cultura lumii antice.

Sculptura greacă antică în toate manifestările sale a rămas întotdeauna profund antropocentrică, exprimând religiozitatea și lumea spirituală a unei persoane sau a unui act sacru pe care sculptorul a încercat să-l surprindă și să-l transmită.

Majoritatea sculpturilor au fost realizate pentru a fi oferite la sanctuare sau ca monumente funerare. Particularitatea artei grecești a fost că maestrul, creând lucrări, a încercat să transmită frumusețea și perfecțiunea corpului uman.

În formele primelor statui se încearcă echilibrarea divinității și a omului, în exprimarea emoțiilor lor. Sculptura Greciei Antice a atins cea mai mare înflorire în secolul al V-lea î.Hr. e, în timp ce originea sculpturii Greciei Antice poate fi atribuită secolelor XII-VIII î.Hr. e.

Inițial, meșterii greci au folosit materiale moi în munca lor - lemn și calcar poros, mai târziu marmură. Turnarea din bronz a fost prima folosită de stăpânii insulei Samos.

Figurinele din perioada homerică au reprezentat zei sau eroi; în opera maeștrilor, interesul pentru plasticitatea corpului este doar subliniat.

În perioada arhaică sculptura din Grecia antică, capătă un zâmbet arhaic, întorcând chipurile sculpturilor din ce în ce mai mult pentru a prelua imaginea unei persoane, corpul capătă un echilibru armonios al formelor. Bărbații erau înfățișați goi, în timp ce femeia era îmbrăcată.

În acest moment, în arta sculpturală a Greciei antice, kourosul erau răspândiți - băieți tineri, care erau făcuți în principal pentru ritualuri memoriale. Maeștrii i-au înfățișat pe kuros ca fiind reținut, cu o postură bună, un zâmbet, cu pumnii strânși, coafura kuros semăna cu o perucă. Una dintre cele mai cunoscute sculpturi kouros este „Kouros din Tenea” (κούρος της Τενέας). Sculptura a fost găsită lângă Corint, în Tenea, în templul lui Apollo. Acum este păstrat la Muzeul din München.

Fete tinere sau kors, grecii reprezentați în haine tradiționale, în tunică sau peplos. Kora (κόρη) - un tip specific de statuie cu forme feminine din epoca arhaică și anume din a doua jumătate a secolului al VII-lea î.Hr. O coafură bogată, bijuterii la modă și ornamente colorate de haine - așa le-au descris sculptorii din Grecia Antică.

Epoca clasică este ceea ce numim perioada care începe în anul 480 î.Hr. și se încheie în anul 323 î.Hr., adică de la sfârșitul războaielor greco-persane până la moartea lui Alexandru cel Mare. În această perioadă au avut loc schimbări sociale importante și inovații paralele în sculptura Greciei antice. Grecii antici își concentrează atenția asupra transmiterii spiritului și pasiunii. Artiștii studiază limbajul corpului pentru a-și dezvălui gândurile cele mai intime, pentru a arăta mișcarea corpului: poziționarea membrelor, a capului și a pieptului.

Prima statuie, care înfățișează în esență sfârșitul unei epoci și începutul alteia, este „Băiatul lui Critias” (Κριτίου παίς), păstrat în Muzeul Acropolei. Această statuie înaltă de 1,67 m a unui adolescent gol este unul dintre cele mai frumoase și perfecte exemple de artă clasică timpurie. Sculptura combină mișcarea, plasticitatea, seriozitatea apare în expresia feței.

Celebra sculptură a carului (conducătorul de care) aparține perioadei clasicilor timpurii, este păstrată în Muzeul Delphi. Statuia unui tânăr este realizată din bronz, are o înălțime de 1,8 m, purtând un chiton cu mâneci, arată brațul musculos al tânărului, în mână el ține fragmente din hăițe. Draperia pliurilor de pe haine, care corespund mișcărilor, este bine transmisă.

În 450-420 de ani. î.Hr e. perioada clasică, sculptura Greciei antice este modificată. Acum sculpturile au mai multă moliciune, plasticitate și maturitate. Trăsăturile artei clasice au fost reprezentate de Fidias în sculpturile din Partenon.

În acest moment, au apărut și alți sculptori demni: Agoracritos, Alkamen, Kolot, care erau experți în realizarea statuilor din aur și fildeș. Callimachus, a fost unul dintre inventatorii ordinului corintian, Policlet, care a descris atleți, a fost primul care a scris un text teoretic despre sculptură și altele.

În perioada clasică târzie, în sculptura Greciei antice, apar tendințe în studiul formei umane în spațiul tridimensional, există mai multă frumusețe și dramatism senzual.

Marii sculptori ai acestui timp sunt: ​​Kefisodot („Eirena cu un prunc în brațe”), Πρaxiteles, care a creat tinerii maraton și Afrodita din Cnidus, Efranor, Silanion, Leocharus, Scopas și Lysippus, ultimii sculptori ai clasicului târziu. perioadă care a deschis calea către epoca artei elenistice.

Epoca elenistică în sculptura Greciei Antice s-a reflectat într-o interpretare mai diferențiată a formelor plastice, complicarea unghiurilor și a celor mai mici detalii. Se dezvoltă sculptura monumentală, apar compoziții uriașe în relief, grupuri multi-figure, reliefuri, care sunt parte integrantă a expresiei artei sculpturale, plasticitatea mică este complicată de vitalitatea imaginilor.

Cele mai cunoscute lucrări ale acestui timp: Nika lui Pythokrit din Samotracia, înaltă de 3,28 m, Venus de Milo, înălțime de 2,02 m, realizată de sculptorul Alexandru din Antiohia, este păstrată la Luvru, Laocoon și fiii săi de sculptorii rodosi Agesander din Rhodos. , Polidor și Athenodor, se află în Vatican.

Sculptura greacă antică este standardul principal în lumea artei sculpturale, care continuă să inspire sculptorii moderni să creeze capodopere artistice. Temele frecvente ale sculpturilor și compozițiilor din stuc ale sculptorilor greci antici au fost bătăliile marilor eroi, mitologia și legende, conducătorii și zeii greci antici.

Sculptura greacă a primit o dezvoltare deosebită în perioada 800-300 î.Hr. e. Această zonă de sculptură s-a inspirat timpuriu din arta monumentală egipteană și din Orientul Apropiat și s-a dezvoltat de-a lungul secolelor într-o viziune greacă unică a formei și dinamicii corpului uman.

Pictorii și sculptorii greci au atins punctul culminant al excelenței artistice care a surprins trăsăturile evazive ale unei persoane și le-a afișat într-un mod pe care nimeni altcineva nu l-ar putea arăta vreodată. Sculptorii greci au fost deosebit de interesați de proporție, echilibru și perfecțiunea idealizată a corpului uman, iar figurile lor din piatră și bronz au devenit unele dintre cele mai recunoscute opere de artă create vreodată de orice civilizație.

Originea sculpturii în Grecia antică

Din secolul al VIII-lea î.Hr., Grecia arhaică a cunoscut o creștere a producției de figuri solide mici din lut, fildeș și bronz. Fără îndoială, lemnul a fost și un material utilizat pe scară largă, dar susceptibilitatea lui la eroziune nu a permis producerea în masă a produselor din lemn, deoarece acestea nu prezentau durabilitatea necesară. Figurine de bronz, capete umane, monștri mitici și, în special, grifoni, au fost folosite ca decorațiuni și mânere pentru vasele, cazanele și bolurile din bronz.

În stil, figurile umane grecești au linii geometrice expresive, care pot fi găsite adesea pe ceramica din acea vreme. Corpurile războinicilor și ale zeilor sunt reprezentate cu membre alungite și un trunchi triunghiular. De asemenea, adesea creațiile grecești antice sunt decorate cu figuri de animale. Multe au fost găsite în toată Grecia în locuri de refugiu precum Olimpia și Delphi, ceea ce indică funcția lor comună ca amulete și obiecte de cult.


Fotografie:

Cele mai vechi sculpturi grecești din piatră din calcar datează de la mijlocul secolului al VII-lea î.Hr. și au fost găsite în Thera. În această perioadă apar tot mai des și figurile din bronz. Din punctul de vedere al intenției autorului, intrigile compozițiilor sculpturale au devenit din ce în ce mai complexe și ambițioase și puteau deja înfățișa războinici, scene de luptă, sportivi, care și chiar muzicieni cu instrumente din acea perioadă.

Sculptura în marmură apare la începutul secolului al VI-lea î.Hr. Primele statui monumentale de marmură în mărime naturală au servit ca monumente dedicate eroilor și nobililor sau au fost amplasate în sanctuare în care se ținea serviciul simbolic zeilor.

Cele mai vechi figuri mari de piatră găsite în Grecia înfățișau bărbați tineri îmbrăcați în haine de femei, care erau însoțiți de o vacă. Sculpturile erau statice și brute, ca în statuile monumentale egiptene, brațele erau așezate drept în lateral, picioarele erau aproape împreună, iar ochii priveau drept înainte fără nicio expresie facială anume. Aceste figuri destul de statice au evoluat încet prin detalierea imaginii. Maeștrii talentați s-au concentrat pe cele mai mici detalii ale imaginii, cum ar fi părul și mușchii, datorită cărora figurile au început să prindă viață.

O poziție caracteristică pentru statuile grecești a fost poziția în care brațele sunt ușor îndoite, ceea ce le dă tensiune în mușchi și vene, iar un picior (de obicei cel drept) este ușor avansat înainte, dând o senzație a mișcării dinamice a statuie. Așa au apărut primele imagini realiste ale corpului uman în dinamică.


Fotografie:

Pictura și colorarea sculpturii grecești antice

Până la începutul secolului al XIX-lea, săpăturile sistematice ale site-urilor grecești antice au scos la iveală multe sculpturi cu urme de suprafețe multicolore, dintre care unele erau încă vizibile. În ciuda acestui fapt, istorici de artă influenți precum Johann Joachim Winckelmann s-au opus ideii sculpturii grecești pictate atât de puternic încât susținătorii statuilor pictate au fost etichetați ca excentrici, iar opiniile lor au fost în mare măsură suprimate timp de peste un secol.

Doar lucrările științifice publicate de arheologul german Vindzenik Brinkmann la sfârșitul secolului XX și începutul secolului XXI au descris descoperirea unui număr de sculpturi grecești antice celebre. Folosind lămpi de mare intensitate, lumină ultravioletă, camere special concepute, gips-uri și câteva minerale sub formă de pulbere, Brinkmann a demonstrat că întreg Partenonul, inclusiv corpul său principal, precum și statuile, au fost pictate în culori diferite. Apoi, a analizat chimic și fizic pigmenții vopselei originale pentru a determina compoziția acesteia.

Brinkmann a creat mai multe replici pictate color ale statuilor grecești care au plecat în turneu în jurul lumii. Colecția a inclus copii ale multor lucrări de sculptură grecească și romană, demonstrând astfel că practica picturii sculpturii a fost norma și nu excepția în arta greacă și romană.

Muzeele în care au fost expuse exponatele au remarcat marele succes al expoziției în rândul vizitatorilor, care se datorează unei anumite discrepanțe între obișnuiții sportivi greci albi ca zăpada și acele statui strălucitoare care au fost cu adevărat. Locațiile includ Muzeul Glyptotek din München, Muzeul Vatican și Muzeul Național de Arheologie din Atena. Colecția și-a făcut debutul american la Universitatea Harvard în toamna anului 2007.


Fotografie:

Etapele formării sculpturii grecești

Dezvoltarea artei sculpturale în Grecia a trecut prin mai multe etape semnificative. Fiecare dintre ele s-a reflectat în sculptura cu trăsăturile sale caracteristice, vizibile chiar și pentru neprofesioniști.

etapă geometrică

Se crede că cea mai veche încarnare a sculpturii grecești a fost sub forma unor statui de cult din lemn, descrise pentru prima dată de Pausanias. Nu a supraviețuit nicio dovadă în acest sens, iar descrierile lor sunt vagi, în ciuda faptului că au fost probabil obiecte de venerare timp de sute de ani.

Prima dovadă reală a sculpturii grecești a fost găsită pe insula Eubea și datează din anul 920 î.Hr. Era o statuie a unui centaur Lefkandi de mâna unei sculpturi necunoscute din teracotă. Statuia a fost pusă împreună, deoarece a fost zdrobită în mod deliberat și îngropată în două morminte separate. Centaurul are un semn distinct (rana) pe genunchi. Acest lucru a permis cercetătorilor să sugereze că statuia îl poate înfățișa pe Chiron, rănit de săgeata lui Hercule. Dacă este adevărată, aceasta ar putea fi considerată cea mai veche descriere cunoscută a mitului din istoria sculpturii grecești.

Sculpturile din perioada geometrică (aproximativ 900-700 î.Hr.) erau mici figurine realizate din teracotă, bronz și fildeș. Lucrările sculpturale tipice ale acestei epoci sunt reprezentate de multe exemple de statui ecvestre. Cu toate acestea, repertoriul complotului nu se limitează la bărbați și cai, deoarece unele exemple de statui și stuc găsite din acea vreme înfățișează imagini cu căprioare, păsări, gândaci, iepuri de câmp, grifoni și lei.

Pe sculptura geometrică din perioada timpurie nu există inscripții până la apariția statuii lui Manticlos „Apollo” de la începutul secolului al VII-lea î.Hr., găsită la Teba. Sculptura este o figură a unui bărbat în picioare, cu o inscripție la picioare. Această inscripție este un fel de instrucțiune de a se ajuta reciproc și de a returna bunătate pentru bunătate.

perioada arhaică

Inspirați de sculptura monumentală din piatră a Egiptului și Mesopotamiei, grecii au început să sculpteze din nou în piatră. Figurile individuale împărtășesc duritatea și poziția frontală caracteristice modelelor orientale, dar formele lor sunt mai dinamice decât cele ale sculpturii egiptene. Un exemplu de sculpturi din această perioadă sunt statuile Doamnei Auxerre și trunchiul Herei (perioada arhaică timpurie - 660-580 î.Hr., expuse la Luvru, Paris).


Fotografie:

Astfel de figuri aveau o trăsătură caracteristică în expresia feței - un zâmbet arhaic. Această expresie, care nu are nicio relevanță specifică pentru persoana sau situația descrisă, poate să fi fost instrumentul unui artist pentru a da animație și „viețuire” figurilor.

În această perioadă, sculptura era dominată de trei tipuri de figuri: un tânăr dezbrăcat în picioare, o fată în picioare îmbrăcată în ținute tradiționale grecești și o femeie așezată. Ele subliniază și generalizează principalele trăsături ale figurii umane și arată o înțelegere și cunoaștere din ce în ce mai exactă a anatomiei umane.

Statuile grecești antice ale tinerilor goi, în special faimosul Apollo, erau adesea prezentate în dimensiuni uriașe, care trebuia să arate puterea și puterea masculină. În aceste statui, detaliile musculaturii și structurii scheletice sunt mult mai vizibile decât în ​​lucrările geometrice timpurii. Fetele îmbrăcate au o gamă largă de expresii faciale și posturi, ca în sculpturile Acropolei Ateniene. Draperiile lor sunt sculptate și pictate cu delicatețea și meticulozitatea caracteristice detaliilor sculpturii din această perioadă.

Grecii au decis foarte devreme că figura umană este cel mai important subiect al efortului artistic. Este suficient să ne amintim că zeii lor au o înfățișare umană, ceea ce înseamnă că nu a existat nicio diferență între sacru și secular în artă - corpul uman era și secular și sacru în același timp. O figură masculină nud, fără referire la un personaj, ar putea la fel de ușor să devină Apollo sau Hercule, sau să înfățișeze un puternic olimpic.

Ca și în cazul ceramicii, grecii nu au produs sculptură doar pentru expoziție artistică. Statuile erau realizate la comandă fie de către aristocrați și nobili, fie de către stat și erau folosite pentru memoriale publice, pentru decorarea templelor, oracolelor și sanctuarelor (ceea ce inscripțiile antice de pe statui dovedesc adesea). De asemenea, grecii foloseau sculpturile ca monumente pentru morminte. Statuile din perioada arhaică nu erau menite să reprezinte anumite persoane. Acestea erau imagini de frumusețe ideală, evlavie, onoare sau sacrificiu. De aceea, sculptorii au creat întotdeauna sculpturi ale tinerilor, mergând de la adolescență până la vârsta adultă timpurie, chiar și atunci când acestea au fost așezate pe mormintele cetățenilor (probabil) în vârstă.

perioada clasica

Perioada clasică a făcut o revoluție în sculptura greacă, uneori asociată de istorici cu schimbări radicale în viața socială și politică - introducerea democrației și sfârșitul erei aristocratice. Perioada clasică a adus cu ea schimbări în stilul și funcția sculpturii, precum și o creștere dramatică a abilității tehnice a sculptorilor greci în a descrie forme umane realiste.


Fotografie:

Pozele au devenit, de asemenea, mai naturale și mai dinamice, mai ales la începutul perioadei. În această perioadă statuile grecești au început să înfățișeze din ce în ce mai mult oameni reali, mai degrabă decât interpretări vagi ale miturilor sau personaje complet fictive. Deși stilul în care au fost prezentate nu s-a dezvoltat încă într-o formă realistă de portretizare. Statuile lui Harmodius și Aristogeiton, create la Atena, simbolizează răsturnarea tiraniei aristocratice și, potrivit istoricilor, devin primele monumente publice care arată figurile unor oameni reali.

Perioada clasică a văzut, de asemenea, înflorirea artei stuc și utilizarea sculpturilor ca decorațiuni pentru clădiri. Templele caracteristice ale epocii clasice, cum ar fi Partenonul din Atena și Templul lui Zeus din Olimpia, foloseau mulaje în relief pentru frize decorative, decorarea pereților și a tavanului. Provocarea estetică și tehnică complexă cu care se confruntă sculptorii din acea perioadă a contribuit la crearea inovațiilor sculpturale. Majoritatea lucrărilor din acea perioadă au supraviețuit doar sub formă de fragmente separate, de exemplu, decorația din stuc a Partenonului se află astăzi parțial în British Museum.

Sculptura funerară a făcut un salt uriaș în această perioadă, de la statuile rigide și impersonale ale perioadei arhaice până la grupurile familiale foarte personale ale epocii clasice. Aceste monumente se găsesc de obicei în suburbiile Atenei, care în antichitate erau cimitire la periferia orașului. Deși unii dintre ei descriu tipuri „ideale” de oameni (o mamă dornică, un fiu ascultător), ei devin din ce în ce mai mult personificarea unor oameni adevărați și, de regulă, arată că decedatul părăsește această lume cu demnitate, părăsindu-și familia. Aceasta este o creștere vizibilă a nivelului emoțiilor în raport cu erele arhaice și geometrice.

O altă schimbare notabilă este înflorirea muncii creative a sculptorilor talentați ale căror nume au rămas în istorie. Toate informațiile cunoscute despre sculpturile din perioadele arhaică și geometrică sunt concentrate asupra lucrărilor în sine, cu puțină atenție acordată autorilor lor.

perioada elenistică

Trecerea de la perioada clasică la cea elenistică (sau greacă) a avut loc în secolul al IV-lea î.Hr. Arta greacă a devenit din ce în ce mai diversificată sub influența culturilor popoarelor implicate în orbita grecească, cuceririle lui Alexandru cel Mare (336-332 î.Hr.). Potrivit unor istorici de artă, acest lucru a dus la o scădere a calității și originalității sculpturii, totuși, oamenii din acea vreme s-ar putea să nu fi împărtășit această opinie.

Se știe că multe sculpturi, considerate anterior genii ale epocii clasice, au fost create de fapt în perioada elenistică. Abilitatea tehnică și talentul sculptorilor elenistici sunt evidente în lucrări importante precum Victoria înaripată din Samotracia și Altarul din Pergamon. Noi centre ale culturii grecești, în special în sculptură, s-au dezvoltat în Alexandria, Antiohia, Pergamon și alte orașe. Până în secolul al II-lea î.Hr., puterea în creștere a Romei a înghițit, de asemenea, o mare parte din tradiția greacă.


Fotografie:

În această perioadă, sculptura a cunoscut din nou o schimbare către naturalism. Eroii pentru crearea sculpturilor au devenit acum oameni obișnuiți - bărbați, femei cu copii, animale și scene domestice. Multe dintre creațiile din acea perioadă au fost comandate de familii bogate pentru a-și decora casele și grădinile. Au fost create figuri realiste ale bărbaților și femeilor de toate vârstele, iar sculptorii nu se mai simțeau obligați să descrie oamenii ca idealuri de frumusețe sau perfecțiune fizică.

În același timp, noile orașe elenistice care au apărut în Egipt, Siria și Anatolia aveau nevoie de statui care să-i înfățișeze pe zei și eroi ai Greciei pentru templele și spațiile lor publice. Acest lucru a condus la faptul că sculptura, la fel ca producția de ceramică, a devenit o industrie cu standardizare ulterioară și o oarecare scădere a calității. De aceea au supraviețuit până astăzi mult mai multe creații elenistice decât epocile perioadei clasice.

Odată cu trecerea naturală către naturalism, a existat și o schimbare în expresia și întruchiparea emoțională a sculpturilor. Eroii statuilor au început să exprime mai multă energie, curaj și putere. O modalitate ușoară de a aprecia această schimbare a expresiei este de a compara cele mai cunoscute creații ale perioadei elenistice cu cele din perioada clasică. Una dintre cele mai cunoscute capodopere ale perioadei clasice este sculptura Delphi Carrier, care exprimă smerenie și smerenie. În același timp, sculpturile din perioada elenistică reflectă forță și energie, care se remarcă mai ales în lucrarea „Jocheul Artemisiei”.

Cele mai cunoscute sculpturi elenistice din lume sunt Victoria înaripată de la Samotracia (secolul I î.Hr.) și statuia Afroditei din insula Melos, mai cunoscută ca Venus de Milo (mijlocul secolului 2 î.Hr.). Aceste statui înfățișează subiecte și teme clasice, dar execuția lor este mult mai senzuală și mai emoționantă decât a permis spiritul dur al perioadei clasice și abilitățile sale tehnice.


Fotografie:

Sculptura elenistică a fost, de asemenea, supusă unei creșteri de scară, culminând cu Colosul din Rodos (sfârșitul secolului al III-lea), despre care istoricii cred că era comparabil ca mărime cu Statuia Libertății. O serie de cutremure și jaf au distrus această moștenire a Greciei antice, la fel ca multe alte lucrări majore ale acestei perioade, a căror existență este descrisă în operele literare ale contemporanilor.

După cuceririle lui Alexandru cel Mare, cultura greacă s-a răspândit în India, dovadă fiind săpăturile de la Ai-Khanoum din estul Afganistanului. Arta greco-budistă a reprezentat o etapă intermediară între arta greacă și expresia vizuală a budismului. Descoperirile făcute încă de la sfârșitul secolului al XIX-lea cu privire la orașul egiptean antic Heracles au scos la iveală rămășițele unei statui a lui Isis datând din secolul al IV-lea î.Hr.

Statuia înfățișează o zeiță egipteană într-un mod neobișnuit de senzual și subtil. Acest lucru nu este tipic pentru sculptorii din acea zonă, deoarece imaginea este detaliată și feminină, ceea ce simbolizează combinația de forme egiptene și elenistice în timpul cuceririi Egiptului de către Alexandru cel Mare.

Sculptura greacă antică este precursorul artei lumii! Până acum, capodoperele Greciei Antice atrag milioane de turiști și iubitori de artă care caută să atingă frumusețea și talentul care nu este supus timpului.

Am vorbit deja despre ORIGINI. Linia punctată planificată a fost întreruptă din motive obiective, dar tot vreau să continui. Vă reamintesc că ne-am oprit în istoria profundă - în arta Greciei antice. Ce ne amintim din programa școlară? De regulă, trei nume sunt așezate ferm în memoria noastră - Miron, Phidias, Poliklet. Apoi ne amintim ca au mai fost Lysip, Skopas, Praxiteles si Leohar... Deci sa vedem ce este. Deci, timpul actiunii este de 4-5 secole i.Hr., scena este Grecia Antica.

PYTHAGORAS REGIA
Pythagoras Regius (sec. V î.Hr.) este un sculptor grec antic din perioada clasică timpurie, ale cărui lucrări sunt cunoscute doar din mențiunile autorilor antici. Au supraviețuit mai multe copii romane ale operelor sale, inclusiv preferatul meu, Băiatul scot o așchie. Această lucrare a dat naștere așa-numitei sculpturi de grădinărit peisagistic.


Pythagoras Rhegian Boy îndepărtând o așchie c. mijlocul secolului al V-lea î.Hr br.copie romana a muzeului Capitolin

MIRON
Myron (Μύρων) - sculptor de la mijlocul secolului al V-lea. î.Hr e. Sculptor al epocii imediat premergătoare celei mai înalte înfloriri a artei grecești (sfârșitul secolului al VI-lea - începutul secolului al V-lea). Anticii îl caracterizează drept cel mai mare realist și expert în anatomie, care însă nu știa să dea viață și expresie chipurilor. A portretizat zei, eroi și animale și, cu o dragoste deosebită, a reprodus ipostaze dificile, trecătoare. Cea mai cunoscută lucrare a sa, „Discobolus”, un atlet care intenționează să înceapă un disc, este o statuie care a ajuns până în zilele noastre în mai multe exemplare, dintre care cel mai bun este din marmură și se află în Palatul Massimi din Roma.

Aruncător de disc.
PHIDIUS.
Unul dintre fondatorii stilului clasic este sculptorul grec antic Phidias, care a decorat cu sculpturile sale atât templul lui Zeus din Olimpia, cât și templul Atenei (Parthenon) din Acropola Atenei. Fragmente din friza sculpturală a Partenonului se află acum la British Museum (Londra).




Fragmente din friza și frontonul Partenonului. British Museum, Londra.

Principalele lucrări de sculptură ale lui Fidias (Athena și Zeus) s-au pierdut de mult, templele au fost distruse și jefuite.


Partenonul.

Există multe încercări de a reconstrui templele lui Athena și Zeus. Puteți citi despre asta aici:
Informațiile despre Phidias însuși și moștenirea sa sunt relativ puține. Printre statuile care există astăzi, nu există nici una care să aparțină, fără îndoială, lui Fidias. Toate cunoștințele despre opera sa se bazează pe descrierile autorilor antici, pe studiul unor copii ulterioare, precum și pe lucrările supraviețuitoare, care sunt atribuite cu mai mult sau mai puțină certitudine lui Fidias.

Mai multe despre Fidias http://biography-peoples.ru/index.php/f/item/750-fidij
http://art.1september.ru/article.php?ID=200901207
http://www.liveinternet.ru/users/3155073/post207627184/

Ei bine, despre restul reprezentanților culturii grecești antice.

POLICLET
Sculptor grec din a doua jumătate a secolului al V-lea. î.Hr e. Creatorul multor statui, inclusiv câștigătorii jocurilor sportive, pentru centrele sportive de cult din Argos, Olympia, Teba și Megalopolis. Autorul canonului imaginii corpului uman în sculptură, cunoscut sub numele de „canonul lui Polykleitos”, conform căruia capul este 1/8 din lungimea corpului, fața și palmele sunt 1/10, piciorul este 1/6. Canonul a fost respectat în sculptura greacă până la sfârșit, așa-numitul. epoca clasică, adică până la sfârșitul secolului al IV-lea. î.Hr e., când Lisip a stabilit noi principii. Cea mai cunoscută lucrare a sa este „Dorifor” (Lăniera). Este dintr-o enciclopedie.

Policletos. Dorifor. Muzeul Pușkin. Copie din gips.

PRAXITELE


Afrodita din CNIDS (copie romană din originalul secolului al IV-lea î.Hr.) Roma, Muzee Naționale (cap, brațe, picioare, draperii restaurate)
Una dintre cele mai faimoase lucrări din sculptura antică este Afrodita din Knidos, prima sculptură greacă antică (înălțime - 2 m.), înfățișând o femeie goală înainte de baie.

Afrodita de Cnidus, (Afrodita de Braschi) copie romană, sec. I. î.Hr. Glyptothek, München


Afrodita din Knidos. Marmură cu granulație medie. Torso - copie romană din secolul al II-lea. n. copie din gips a Muzeului Pușkin
Potrivit lui Pliniu, locuitorii insulei Kos au comandat statuia Afroditei pentru sanctuarul local. Praxiteles a efectuat două opțiuni: o zeiță goală și o zeiță îmbrăcată. Pentru ambele statui, Praxiteles a stabilit același onorariu. Clienții nu au riscat și au ales varianta tradițională, cu o siluetă drapată. Copiile și descrierile sale nu au fost păstrate și s-a scufundat în uitare. Iar Afrodita din Knidos, care a rămas în atelierul sculptorului, a fost cumpărată de locuitorii orașului Knidos, ceea ce a favorizat dezvoltarea orașului: pelerinii au început să se înghesuie în Knidos, atrași de celebra sculptură. Afrodita stătea într-un templu în aer liber, vizibil din toate părțile.
Afrodita din Cnidus s-a bucurat de o asemenea faimă și a fost copiată atât de des, încât au povestit chiar și o anecdotă despre ea, care a stat la baza epigramei: „Văzând pe Cyprida pe Knida, Cyprida a spus cu sfârșit: „Vai de mine, unde m-a văzut Praxiteles gol? ”
Praxiteles a creat zeița iubirii și a frumuseții ca personificare a feminității pământești, inspirată de imaginea iubitei sale, frumoasa Phryne. Într-adevăr, chipul Afroditei, deși creat conform canonului, cu o înfățișare visătoare de ochi umbriți languri, poartă un indiciu de individualitate, indicând un original specific. După ce a creat o imagine aproape portret, Praxiteles a privit în viitor.
S-a păstrat o legendă romantică despre relația dintre Praxiteles și Phryne. Se spune că Phryne i-a cerut lui Praxiteles să-i dea cea mai bună lucrare a lui ca semn de dragoste. A fost de acord, dar a refuzat să spună care dintre statui o considera cea mai bună. Atunci Phryne i-a ordonat servitorului să-l informeze pe Praxiteles despre incendiul din atelier. Maestrul înspăimântat a exclamat: „Dacă flacăra a distrus atât Eros, cât și Satyr, atunci totul a murit!” Așa că Phryne a aflat ce fel de muncă i-ar putea cere lui Praxiteles.

Praxiteles (probabil). Hermes cu pruncul Dionysos al IV-lea sec. î.Hr. Muzeul de la Olympia
Sculptura „Hermes cu pruncul Dionysos” este tipică perioadei clasice târzii. Ea personifică nu puterea fizică, așa cum se obișnuia înainte, ci frumusețea și armonia, comunicarea umană restrânsă și lirică. Reprezentarea sentimentelor, viața interioară a personajelor este un fenomen nou în arta antică, care nu este caracteristic înalților clasici. Masculinitatea lui Hermes este subliniată de aspectul infantil al lui Dionysos. Liniile curbe ale figurii lui Hermes sunt grațioase. Corpul său puternic și dezvoltat este lipsit de atletismul caracteristic operelor lui Polykleitos. Expresia facială, deși lipsită de trăsături individuale, este moale și grijulie. Părul ei era vopsit și legat cu o bentiță argintie.
Praxiteles a obținut senzația de căldură a corpului prin modelarea fină a suprafeței de marmură și cu mare pricepere a transmis în piatră țesătura mantiei lui Hermes și hainele lui Dionysos.

SCOPAS



Muzeul din Olympia, Skopas Menada Copie romană din marmură redusă a primei treimi originale a sec.
Skopas - sculptor și arhitect grec antic al secolului al IV-lea. î.Hr e., reprezentativ al clasicilor târzii. Născut pe insula Paros, a lucrat în Teges (acum Piali), Halicarnas (azi Bodrum) și în alte orașe din Grecia și Asia Mică. În calitate de arhitect, a participat la construcția templului Atenei Alei din Tegea (350-340 î.Hr.) și a mausoleului din Halicarnas (mijlocul secolului al IV-lea î.Hr.). Dintre lucrările originale ale lui S. care au ajuns până la noi, cea mai importantă este friza mausoleului din Halicarnas înfățișând Amazonomachia (mijlocul secolului al IV-lea î.Hr.; împreună cu Briaxis, Leoharomi Timothy; fragmente - în British Museum, Londra; vezi ilustrația). Din copii romane se cunosc numeroase lucrări ale lui S. („Potos”, „Tânărul Hercule”, „Meleagr”, „Maenad”, vezi ilustrația). Respingând arta inerentă a secolului al V-lea. calmul armonios al imaginii, S. a apelat la transferul de experiențe emoționale puternice, lupta pasiunilor. Pentru a le implementa, S. a folosit o compoziție dinamică și noi tehnici de interpretare a detaliilor, în special a trăsăturilor faciale: ochi adânci, riduri pe frunte și gura întredeschisă. Opera lui S., saturată de patos dramatic, a avut o mare influență asupra sculptorilor culturii elenistice (vezi cultura elenistică), în special asupra lucrărilor maeștrilor secolelor III și II care au lucrat în orașul Pergamon.

LYSIPP
Lisip s-a născut în jurul anului 390 în Sicione, în Peloponez, iar opera sa reprezintă deja partea ulterioară, elenă, a artei Greciei Antice.

Lysippos. Hercule cu un leu. A doua jumătate a secolului al IV-lea. î.Hr e. Copie romană din marmură a unui original din bronz. Sankt Petersburg, Schitul.

LEOHAR
Leohar - sculptor grec antic din secolul al IV-lea. î.Hr e., care în anii 350 a lucrat cu Scopas la decorarea sculpturală a Mausoleului din Halicarnas.

Leohar Artemis de Versailles (Dl. copie romană de 1-2 secole din originalul c. 330 î.Hr.) Paris, Luvru

Leohar. Apollo Belvedere Sunt eu cu el în Vatican. Iertați libertățile, dar este mai ușor să nu încărcați o copie în ipsos în acest fel.

Ei bine, apoi a fost elenismul. Îl cunoaștem bine de la Venus (în „greacă” Afrodita) din Milos și Nike din Samotracia, care sunt păstrate la Luvru.


Venus de Milo. În jurul anului 120 î.Hr Louvre.


Nike din Samotracia. BINE. 190 î.Hr e. Louvre