O deťoch 

Hudobná tvorivosť Prokofieva. Školská encyklopédia. Nová melódia pre starú rozprávku

Publikácie hudobnej sekcie

7 diel Prokofieva

Sergey Prokofiev je skladateľ, klavirista a dirigent, autor opier, baletov, symfónií a mnohých ďalších diel, známych a populárnych po celom svete aj v našej dobe. Prečítajte si príbehy o siedmich dôležitých dielach Prokofieva a vypočujte si hudobné ilustrácie z Melodije.

Opera "The Giant" (1900)

Hudobné schopnosti budúceho klasika ruskej hudby Sergeja Prokofieva sa prejavili už v ranom detstve, keď vo veku päť a pol roka zložil svoju prvú skladbu pre klavír – Indian Gallop. Matka mladého skladateľa Maria Grigorievna to zaznamenala v poznámkach a Prokofiev nahral všetky svoje nasledujúce skladby sám.

Na jar roku 1900, inšpirovaný baletom Piotra Čajkovského Spiaca krásavica, ako aj operami Faust od Charlesa Gounoda a Princ Igor od Alexandra Borodina, skomponoval 9-ročný Prokofiev svoju prvú operu Obr.

Napriek tomu, že, ako si sám Prokofiev pripomenul, jeho „schopnosť zapisovať“ „nedržala krok s jeho myšlienkami“, v tejto naivnej detskej skladbe v žánri commedia dell'arte bol seriózny prístup budúceho profesionála k jeho práci. už viditeľné. Opera mala, ako sa patrí, predohru, každá z postáv skladby mala svoju výstupnú áriu – akýsi hudobný portrét. V jednej zo scén Prokofiev dokonca použil hudobnú a javiskovú polyfóniu - keď hlavní hrdinovia diskutujú o pláne boja proti obrovi, samotný obr prechádza okolo a spieva: "Chcú ma zabiť".

Slávny skladateľ a profesor na konzervatóriu Sergej Taneyev po vypočutí úryvkov z Giant odporučil, aby sa mladý muž vážne venoval hudbe. A sám Prokofiev túto operu hrdo zaradil do prvého zoznamu svojich skladieb, ktorý zostavil vo veku 11 rokov.

Opera "obrie"
Dirigent - Michail Leontiev
Autorom obnovenia orchestrálnej verzie je Sergej Sapozhnikov
Premiéra v Michajlovskom divadle 23. mája 2010

Prvý klavírny koncert (1911 – 1912)

Rovnako ako mnohí mladí autori, Sergej Prokofiev v ranom období svojej tvorby nenašiel lásku a podporu kritikov. V roku 1916 noviny napísali: "Prokofiev si sadne za klavír a začne buď utierať klávesy, alebo skúšať, ktoré z nich znejú vyššie alebo nižšie.". A o prvom predstavení Prokofievovej Skýtskej suity, ktorú dirigoval sám autor, sa kritici vyjadrili takto: „Je jednoducho neuveriteľné, že na serióznom koncerte sa dá zahrať taká skladba bez akéhokoľvek zmyslu... Sú to akési drzé, drzé zvuky, ktoré nevyjadrujú nič iné ako nekonečné chvastanie sa“.

O Prokofievovom interpretačnom talente však nikto nepochyboval: dovtedy sa dokázal presadiť ako virtuózny klavirista. Prokofiev však uvádzal prevažne vlastné skladby, medzi ktorými si poslucháči pamätali najmä Prvý koncert pre klavír a orchester, ktorý vďaka energickému „perkusívnemu“ charakteru a svetlému, zapamätateľnému motívu prvej časti dostal neoficiálnu prezývku „ Na lebke!“.

Klavírny koncert č. 1 D dur, op. 10 (1911 – 1912)
Vladimír Krainev, klavír
Akademický symfonický orchester MGF
Dirigent - Dmitrij Kitayenko
záznam z roku 1976
Zvukový inžinier - Severin Pazukhin

1. symfónia (1916 – 1917)

Igor Grabar. Portrét Sergeja Prokofieva. 1941. Štátna Treťjakovská galéria, Moskva

Zinaida Serebryaková. Portrét Sergeja Prokofieva. 1926. Štátne ústredné múzeum divadelného umenia. Bakhrushina, Moskva

Navzdory konzervatívnym kritikom, ktorí chceli, ako sám napísal, „dráždiť husi“, v tom istom roku 1916 napísal 25-ročný Prokofiev opus, ktorý bol štýlovo úplne opačný - Prvú symfóniu. Ona Prokofiev dala autorovi podtitul „Klasika“.

Skromné ​​zloženie orchestra v Haydnovom štýle a klasické hudobné formy naznačovali, že keby sa „Papa Haydn“ dožil tých dní, možno by napísal takúto symfóniu a okorenil ju odvážnymi melodickými obratmi a sviežimi harmóniami. Prvá Prokofievova symfónia, ktorá vznikla pred sto rokmi „navzdory všetkým“, stále znie sviežo a je zaradená do repertoáru najlepších svetových orchestrov a jej tretia časť Gavotte sa stala jednou z najobľúbenejších klasických skladieb 20. storočia.

Sám Prokofiev následne zaradil túto gavotu ako vložné číslo do svojho baletu Rómeo a Júlia. Skladateľ tiež tajne dúfal (sám sa k tomu neskôr priznal), že z konfrontácie s kritikmi napokon vyjde víťazne, najmä ak sa Prvá symfónia časom naozaj stane klasikou. Čo sa v skutočnosti aj stalo.

Symfónia č. 1 „Klasická“, D dur, op. 25

Dirigent - Evgeny Svetlanov
záznam z roku 1977

I. Allegro

III. Gavotte. Non troppo allegro

Rozprávka "Peter a vlk" (1936)

Až do konca svojich dní si Prokofiev zachoval bezprostrednosť svojho svetonázoru. Keďže bol srdcom čiastočne dieťaťom, dobre cítil vnútorný svet detí a opakovane písal hudbu pre deti: od rozprávky „Škaredé káčatko“ (1914) cez text rozprávky Hansa Christiana Andersena až po suitu „Zima Oheň“ (1949), komponovaný už v posledných rokoch svojho života.

Prokofievovou prvou skladbou po návrate do Ruska v roku 1936 z dlhej emigrácie bola symfonická rozprávka pre deti „Peter a vlk“, ktorú objednala Natalia Sats pre Ústredné detské divadlo. Malí poslucháči sa do rozprávky zamilovali a zapamätali si ju vďaka žiarivým hudobným portrétom postáv, ktoré dodnes poznajú mnohí školáci nielen v Rusku, ale aj v zahraničí. Pre deti plní „Peter a vlk“ výchovnú funkciu: rozprávka je akýmsi sprievodcom po nástrojoch symfonického orchestra. Prokofiev týmto dielom anticipoval sprievodcu anglického skladateľa Benjamina Brittena po symfonickom orchestri pre mládež (Variácie a fúga na Purcellovu tému), ktorý bol napísaný takmer o desať rokov neskôr a má podobnú koncepciu.

"Peter a vlk", symfonická rozprávka pre deti, op. 67
Štátny akademický symfonický orchester ZSSR
Dirigent - Evgeny Svetlanov
nahrávka z roku 1970

Balet Romeo a Júlia (1935 – 1936)

Uznávané majstrovské dielo 20. storočia, z ktorých mnohé sú na vrchole medzinárodných rebríčkov klasickej hudby – balet Sergeja Prokofieva „Romeo a Júlia“ – mal ťažký osud. Dva týždne pred plánovanou premiérou sa valné zhromaždenie tvorivého tímu Kirovského divadla rozhodlo zrušiť predstavenie, aby sa predišlo, ako všetci verili, úplnému zlyhaniu. Je možné, že takéto nálady v umelcoch boli čiastočne inšpirované článkom „Múdrosť namiesto hudby“, uverejneným v novinách Pravda v januári 1936, ktorý ostro kritizoval divadelnú hudbu Dmitrija Šostakoviča. Divadelná obec aj samotný Prokofiev zobrali článok ako útok na súčasné umenie vo všeobecnosti a rozhodli sa, ako sa hovorí, nepýtať si problémy. V tom čase sa v divadelnom prostredí dokonca rozšíril krutý vtip: „Na svete nie je smutnejší príbeh ako Prokofievova hudba v balete!

Rómeo a Júlia tak mali premiéru až o dva roky neskôr v Národnom divadle v Brne. A domáca verejnosť videla inscenáciu až v roku 1940, keď bol balet napriek tomu uvedený v Kirovovom divadle. A napriek ďalšiemu záchvatu vládneho boja s takzvaným „formalizmom“ bol balet „Rómeo a Júlia“ od Sergeja Prokofieva dokonca ocenený Stalinovou cenou.

Rómeo a Júlia, balet v štyroch dejstvách (9 scén), op. 64
Symfonický orchester Štátneho akademického Veľkého divadla ZSSR
Dirigent - Gennadij Roždestvensky
Natočené v roku 1959
Zvukár - Alexander Grossman

I. dejstvo. Prvá scéna. 3. Ulica sa prebúdza

I. dejstvo. Druhá scéna. 13. Tanec rytierov

I. dejstvo. Druhá scéna. 15. Mercutio

Kantáta k 20. výročiu októbra (1936 – 1937)

V roku 1936 sa do sovietskeho Ruska vrátil Sergej Prokofiev, emigrant prvej porevolučnej vlny, zrelý, úspešný a vyhľadávaný skladateľ a klavirista. Veľmi naňho zapôsobili zmeny v krajine, ktorá sa úplne zmenila. Hra podľa nových pravidiel si vyžadovala určité úpravy v kreativite. A Prokofiev vytvoril množstvo diel, na prvý pohľad úprimne „dvorského“ charakteru: Kantáta k 20. výročiu októbra (1937), napísaná na texty klasikov marxizmu-leninizmu, kantáta „Toast“, zložená pre 60. výročie Stalina (1939) a kantátu „Rozkvet, mocná zem“, venovanú už 30. výročiu Októbrovej revolúcie (1947). Pravda, vzhľadom na Prokofievov zvláštny zmysel pre humor, ktorý sa občas prejavil aj v jeho hudobnom jazyku, hudobní kritici dodnes nevedia jednoznačne odpovedať na otázku, či skladateľ napísal tieto diela úprimne a vážne, alebo s istou dávkou irónie. Napríklad v jednej z častí kantáty „K 20. výročiu októbra“, ktorá sa volá „Kríza je zrelá“, sopranistky spievajú (alebo skôr pisknú) v najvyššom registri „Kríza dozrela!“ , zostupne po poltónoch. Tento zvuk napätej témy pôsobí komicky – a takéto nejednoznačné riešenia sa v Prokofievových „prosovietskych“ dielach nachádzajú na každom kroku.

Kantáta k 20. výročiu októbra pre dva miešané zbory, symfonický a vojenský orchester, akordeónový a noiseový orchester, op. 74 (skrátená verzia)

Štátna zborová kaplnka
Umelecký riaditeľ - Alexander Yurlov
Symfonický orchester Moskovskej filharmónie
Dirigent - Kirill Kondrashin
záznam z roku 1967
Zvukový inžinier - David Gaklin

Texty Karla Marxa a Vladimíra Lenina:

Úvod. V Európe straší duch, duch komunizmu

Filozofi

Revolúcia

Hudba k filmu "Alexander Nevsky" (1938)

Skladatelia prvej polovice 20. storočia museli po prvý raz urobiť veľa a vzorky nového umenia, ktoré vytvorili, sa dnes považujú za učebnice. V plnej miere to platí aj o filmovej hudbe. Len sedem rokov po uvedení prvého sovietskeho zvukového filmu (Putevka v zhizn', 1931) sa Sergej Prokofiev pripojil k radom kameramanov. Medzi jeho dielami v žánri filmovej hudby vyniká rozsiahla symfonická partitúra napísaná pre film Sergeja Ejzenštejna „Alexander Nevsky“ (1938), neskôr upravená na kantátu s rovnakým názvom (1939). Mnohé obrazy, ktoré v tejto hudbe položil Prokofiev (smútočná scéna „mŕtveho poľa“, bezduchý a mechanicky znejúci útok križiakov, radostný protiútok ruskej kavalérie) sú dodnes štýlovým sprievodcom filmových skladateľov okolo svet.

Alexander Nevsky, kantáta pre mezzosoprán, zbor a orchester (na slová Vladimíra Lugovského a Sergeja Prokofieva), op. 78

Larisa Avdeeva, mezzosoprán (Pole mŕtvych)
Štátny akademický zbor Ruska pomenovaný po A. A. Yurlovovi
Zbormajster - Alexander Yurlov
Štátny akademický symfonický orchester ZSSR
Dirigent - Evgeny Svetlanov
záznam z roku 1966
Zvukár - Alexander Grossman

Pieseň o Alexandrovi Nevskom

Bitka na ľade

pole mŕtvych

Sergej Sergejevič Prokofiev (1891 - 1953), ktorý sa do dejín ruskej hudby zapísal ako veľký skladateľ, inovátor, majster hudobného divadla, tvorca nového hudobného jazyka a rozvracač starých kánonov, zostal vždy skutočne ruským umelcom.
M. Tarakanov poznamenáva, že toto je hlavný historický význam Prokofieva, ktorý pokračoval v práci v tomto smere a; jeho

"Práve vás možno nazvať slnkom ruskej hudby."

Zároveň pokračuje v ceste A. Borodina a v istom zmysle vnáša do hudby nápor, dynamiku, energiu, naplnenú hlbokými myšlienkami a jasným optimizmom.

Prokofievovo hudobné divadlo

Nepretržitý tvorivý proces skladateľovej tvorby v tomto smere je podmienený rozvojom hudobnej scénickej dramaturgie v spojení s tromi hlavnými líniami (vyzdvihuje L. Danko):

  • komédia-scherzo, poznačená spätosťou s tradíciami ľudového jarmočného predstavenia, rozprávkové parodické predstavenia (napr. balet Šašek, opera Láska k trom pomarančom);
  • konfliktne dramatický, pochádzajúce od opery „Hazardér“ – až po operu „Vojna a mier“;
  • lyricko-komédia(opera Duena, balet Popoluška).

Štvrtá línia spojená s ľudovými piesňami sa formovala v posledných rokoch skladateľovho života (opera Rozprávka o skutočnom človeku, balet Rozprávka o kamennom kvete.

Opery S. S. Prokofieva

Téma operných námetov zahŕňa ukážky ruskej a európskej klasickej literatúry; časové rozpätie od stredoveku až po obdobie Sovietskeho zväzu. Okrem dokončených zostali mnohé operné plány nezrealizované; niektoré uvádza N. Lobačevskaja ako príklad:

  • „Príbeh jednoduchej veci“ (podľa poviedky B. Lavrenieva), ktorá existuje vo forme krátkej osnovy opery;
  • "Spender" (podľa hry N. Leskova), ktorá je zdĺhavým predstavením zápletky;
  • „Taimyr ťa volá“ (na základe hry A. Galicha a K. Isaeva) - tu sa rozvíjajú samostatné postavy a scény;
  • myšlienky opier „Khan Buzai“ a „Distant Seas“ (zachoval sa 1. obraz).

Medzi dokončenými operami:

  • "Sviatok v čase moru", ktorý sa narodil ako výsledok skladateľovho štúdia u Gliere;
  • Maddalena (1911, 2. vydanie 1913) je jednoaktová lyricko-dramatická opera;
  • Gambler (1916, 2. vyd. 1927), kde sa rodí typ konfliktnej dramaturgie;
  • Láska k trom pomarančom (1919), ktorá vychádza z tradície dell arte;
  • Ohnivý anjel (1919-1927/1928 podľa rovnomenného románu V. Brjusova) spája znaky komornej lyricko-psychologickej opery a sociálnej tragédie;
  • "Semyon Kotko" (1939), spájajúci črty ľúbostnej drámy, komédie, sociálnej tragédie;
  • Duenna (alebo Zásnuby v kláštore, 1946) syntetizuje žánre lyrickej komédie a spoločenskej satiry;
  • "Vojna a mier" (1941-1952) - operná dilógia podľa románu L. Tolstého;
  • Príbeh skutočného muža (1948, 2. vydanie 1960) je venovaný jednému z najdôležitejších problémov sovietskeho umenia: národnému charakteru počas Veľkej vlasteneckej vojny.

Prokofiev v hudobných textoch svojich diel je zástancom racionálneho využívania hudobno-výrazových prostriedkov; ako dramatik aktualizuje operný žáner tým, že doň vnáša prvky činoherného divadla a kinematografie. M. Druskin teda opísal špecifiká Prokofievovej montážovej dramaturgie: „Prokofievova dramaturgia nie je jednoduchou zmenou „rámcov“, nie kaleidoskopom striedajúcich sa epizód, ale hudobnou reinkarnáciou princípov „pomalej“, potom „rýchlej“ streľby. , potom „prílev“, potom „veľký plán“. Prokofievove opery sa tiež vyznačujú rozmanitosťou obrazov a scénických situácií, polaritou v odraze reality.

Prokofievove balety

charakteristické pre dvadsiate storočie. sklon k symfonizácii povyšuje baletný žáner nielen na jeden z popredných, ale robí z neho aj vážneho konkurenta opery. V mnohom sa to (trend) spája s menom S. Ďagileva, ktorý objednal takmer všetky Prokofievove rané balety.

  • skladateľ pokračuje a dokončuje začatú baletnú reformu jej dovedením na vrchol, kde sa balet mení z choreografického predstavenia na hudobné divadlo;
  • z troch vedúcich línií sovietskeho baletného divadla (hrdinsko-historický, klasický, satirický) sa práve klasika, ktorá má lyricko-psychologický charakter, ukazuje ako základná pre Prokofievove balety;
  • , dôležitá úloha orchestra, rozvinutý systém leitmotívov.
  • "Ala and Lolly" (1914), ktorý je založený na skýtskom príbehu. Jeho hudba je známa aj ako „Skýtska suita“; odvážny, ostrý, odvážny „Šašek“ alebo „Príbeh o šaškovi siedmich šašov, ktorí zmenili vtipy“ (1915 - 1920), inscenovaný v Paríži.
  • Balety 20. – 30. rokov: (Lichobežník, 1924; Oceľový Skok, 1925; Márnotratný syn, 1928; Na Dnepri, 1930, na pamiatku S. Diaghileva).
  • Tri balety sú majstrovskými dielami, ktoré vznikli po návrate do vlasti (Rómeo a Júlia, 1935; Popoluška, 1940-1944; Rozprávka o kamennom kvete, 1948-1950).

Inštrumentálna kreativita Prokofieva

symfónie

  • č. 1 (1916 - 1917) "Klasika", kde sa skladateľ obracia k bezkonfliktnému typu symfonizmu predbeethovenovského obdobia (Haydnov typ symfonizmu);
  • č.2-4 (1924, 1928, 1930) - symfónie zahraničného obdobia. Asafiev nazval Symfóniu č. 2 symfóniou „zo železa a ocele“. Symfónie č. 3 a č. 4 - na motívy opery "Ohnivý anjel" a baletu "Márnotratný syn";
  • č.5-7 (1944, 1945 - 47, 1951 - 1952) - napísané v neskoršom období. Hrdinsko-epická symfónia č. 5 odrážala ducha vojnových čias; Symfónia č. 7, dokončená necelý rok pred skladateľovou smrťou, je však naplnená optimizmom a radosťou zo života.
  • S. Slonimsky k symfóniám odkazuje aj symfonický koncert pre violončelo b-moll (1950 - 1952).

Klavírne diela Prokofieva

„sklovité“ sfarbenie, „presne zodpovedajúce Prokofievovmu vlastnému nededičnému pianizmu“ (L. Gakkel).

Kuchkistických skladateľov na druhej strane k predstaviteľom západnej hudobnej kultúry. Takže pikantný tón kreativity, harmónia hudby, metódy harmonického rozvoja (organové body, paralelizmy atď.), rytmická jasnosť, stručnosť v prezentácii hudobného myslenia ho spájajú s Griegom; vynaliezavosť v oblasti harmónie - s Regerom; ladnosť rytmov tarantely – so Saint-Saensom (pozn. L. Gakkel).

Pre Prokofieva je dôležitá jasnosť hudobných nápadov, maximálna jednoduchosť a úľava pri ich realizácii. Preto - túžba po "transparentnosti" zvuku (typické pre rané diela), kde sú témy často v hornom registri a s rastúcim dynamickým napätím sa znižuje počet znejúcich hlasov (aby sa nepreťažovala zvukomalebnosť). Všeobecná logika vývoja je spravidla určená pohybom melodickej línie.

Prokofievovo klavírne dedičstvo zahŕňa 9 sonát (č. 10 zostalo nedokončené), 3 sonáty, 5 koncertov (č. 4 - pre ľavú ruku), množstvo skladieb, klavírne cykly ("Sarkazmy", "Prchavé", "Rozprávky starej babičky" “, zv. atď.), asi 50 transkripcií (väčšinou vlastných skladieb).

Kantáto-oratoriálne diela

Prokofiev vytvoril 6 kantát:

"Sedem z nich" 1917-18, "Kantáta k 20. výročiu októbra" 1936-37, "Toast" 1939, "Alexander Nevsky" 1938-39, "Balada o chlapcovi, ktorý zostal neznámy" 1942-43, "Rozkvet" , mocná zem " 1947, oratórium "Na stráž sveta" 1950.

Jedným z prvých príkladov nového prístupu k žánru historickej kantáty je Prokofievova jednovetová kantáta „Sedem z nich“, napísaná na texty Balmontových „Volaní staroveku“, chaldejské kúzla premenené na verše na vykúzlenie siedmich príšer, proti -bohovia, ktorí zasahujú do života. V kantáte sa prelínajú skýtske tendencie s konštruktivistickými, čo je charakteristické aj pre skýtsku suitu a 2. symfóniu; očakávajú sa zvukové techniky zborového písania. Hlavným výrazovým prostriedkom je ostinátna technika, blízka na jednej strane starovekým kúzlam; na druhej strane pochádzajúce z hudby modernej doby.

„Kantáta k 20. výročiu októbra“ sa zrodila pod dojmom skladateľovho návratu do vlasti a túžby zachytiť epochálne udalosti sovietskeho Ruska. Jeho ideová podstata: Veľká októbrová socialistická revolúcia, víťazstvo, industrializácia krajiny, Ústava. Textovo obsahuje fragmenty diel Marxa, Stalina, Lenina. Dielo bolo zamietnuté umeleckým výborom, pretože myšlienka preložiť tieto témy do hudby bola považovaná za rúhanie. Premiéra sa konala až v roku 1966.

Všeobecne známy historický (hrdinsko-vlastenecký) opus „Alexander Nevsky“ je monumentálnym Prokofievovým výtvorom podľa hudobného materiálu rovnomenného filmu (texty skladateľa a V. Lugovského). V 7 častiach kantáty („Rusko pod mongolským jarmom“, „Pieseň Alexandra Nevského“, „Križiaci v Pskove“, „Vstávaj, ruský ľud“, „Bitka na ľade“, „Mŕtve pole“, „ Alexandrov vstup do Pskova") úzka interakcia medzi dramatickými princípmi epickej kompozície a kinematografickou montážou:

  1. epos - vyzdvihnutie ľudu ako hlavnej postavy, zovšeobecnená interpretácia obrazu Alexandra Nevského, charakterizovaná piesňou o ňom;
  2. Princíp montáže sa zreteľne prejavuje v scéne bitky na ľade spájaním nového hudobného materiálu, vzhľadom na dynamiku vizuálneho rozsahu. Zároveň pôsobí na úrovni foriem – v slede samostatných sekcií, pričom niekedy sa tvoria vnútorné štruktúry, inokedy – vývoj sa neriadi logikou žiadnej z typických foriem.

Všeobecná dynamika vývoja štýlu S. Prokofieva je poznačená postupne narastajúcim príklonom k ​​melodike v porovnaní s motorikou a scherzom, ktoré mali popredné miesto v ranom období tvorivosti, ktoré však nie vždy súviselo s tzv. vývoj skladateľovej tvorby, ale bola určená krajinou, v ktorej a kedy žije.

Spolu s ďalšími inovátormi (C. Debussy, B. Bartok,) vo svojej tvorbe určoval nové cesty rozvoja hudby 20. storočia.

Páčilo sa ti to? Neskrývajte svoju radosť pred svetom - zdieľajte

Sergej Sergejevič Prokofiev - najväčší detský skladateľ 20. storočia

20. storočie je ťažká doba, kedy sa odohrali strašné vojny a veľké úspechy vedy, kedy sa svet ponoril do apatie a opäť vstal z popola.

Storočie, keď ľudia strácali a znovu nachádzali umenie, keď sa zrodila nová hudba, nová maľba, nový obraz vesmíru.

Veľa z toho, čo bolo predtým cenné, sa stratilo alebo stratilo svoj význam a ustúpilo niečomu novému, nie vždy lepšiemu.

Storočie, keď klasické melódie začali znieť tichšie, menej žiarivo pre dospelých, no zároveň odhalili svoj úžasný potenciál pre mladšiu generáciu. Dokonca sa dá povedať, že klasika od 20. storočia v istom zmysle stratila niečo dôležité pre dospelých, no akosi živo znela najmä deťom.

Zaručuje to obľúbenosť melódií Čajkovského a Mozarta, neprestajné vzrušenie, ktoré vzniká okolo animovanej tvorby štúdia Disney, ktorého diela sú cenné práve pre hudbu, ktorá znie pre rozprávkové postavičky a pre tých, ktorým sa ukazuje ich príbehy na obrazovkách.

Existuje mnoho ďalších príkladov a najvýznamnejšou je hudba Sergeja Sergejeviča Prokofieva, skladateľa, ktorého tvrdá a tvrdá práca z neho urobila jedného z najuznávanejších, ak nie najuznávanejších, interpretovaných skladateľov 20. storočia.

Samozrejme, Prokofiev urobil veľa pre „dospelácku“ hudbu svojej doby, ale to, čo urobil ako detský skladateľ, je nepredstaviteľne cennejšie.

Prokofiev prikladal osobitnú dôležitosť klavíru

Sergej Sergejevič Prokofiev je prominentná osobnosť medzi hudobníkmi dvadsiateho storočia. Bol najznámejším skladateľom Sovietskeho zväzu a zároveň sa stal jedným z najvýznamnejších hudobníkov na celom svete.

Tvoril hudbu, jednoduchú a zložitú, v niečom veľmi blízku minulej „zlatej ére“ klasiky a v niečom nepredstaviteľne vzdialenú, ba až disonantnú, stále hľadal niečo nové, rozvíjajúce sa, čím sa jeho zvuk podobal ničomu inému. .

Za to bol Prokofiev milovaný, zbožňovaný, obdivovaný, na jeho koncertoch sa vždy zhromažďovali plné domy. A zároveň bol niekedy taký nový a svojvoľný, že mu nerozumeli, až tak, že raz na jednom z koncertov polovica publika vstala a odišla a inokedy bol skladateľ takmer vyhlásený za nepriateľa. sovietskeho ľudu.

Ale stále bol, tvoril, udivoval a tešil. Potešil dospelých aj deti, vytvoril ako Mozart, ako Strauss a Bach niečo nové, čo nikto pred ním nevymyslel. Prokofiev sa stal pre sovietsku hudbu tým, čím sa stal pre ruskú hudbu len pred storočím.

„Skladateľ, podobne ako básnik, sochár, maliar, je povolaný slúžiť človeku a ľudu. Má skrášľovať ľudský život a chrániť ho. Predovšetkým je povinný byť občanom vo svojom umení, spievať o ľudskom živote a viesť človeka k svetlejšej budúcnosti,“ - takto podľa vlastných slov Glinku videl svoju úlohu Prokofiev.

Ako detský skladateľ bol Prokofiev nielen vynaliezavý, melodický, poetický, bystrý, hovorí sa, že dokázal, ponechajúc si kúsok detstva vo vlastnom srdci, vytvoriť hudbu, ktorá bola pre detské srdce zrozumiteľná a príjemná. tým, ktorí si ešte pamätali, aké to bolo byť dieťaťom.

O troch oranžových princeznách

Počas svojho života Prokofiev pracoval na forme, štýle, spôsobe vystupovania, na rytme a melódii, na svojom slávnom polyfónnom vzorovaní a disonantnej harmónii.

Celý ten čas tvoril hudbu pre deti aj pre dospelých. Jednou z Prokofievových prvých detských prác bola opera v desiatich scénach Láska k trom pomarančom. Toto dielo na motívy rovnomennej rozprávky Carla Gozziho bolo ľahké a veselé, akoby inšpirované tradičným zvukom šibalského talianskeho divadla.

Dielo rozpráva o princoch a kráľoch, dobrých kúzelníkoch a zlých čarodejniciach, o začarovaných kliatbách a o tom, aké dôležité je nenechať sa odradiť.

Láska k trom pomarančom bola odrazom Prokofievovho mladíckeho talentu, ktorý sa snažil spojiť svoj rodiaci sa štýl s čerstvými spomienkami na bezstarostné detstvo.

Nová melódia pre starú rozprávku

Nemenej významným, ale zrelším a možno aj nápadnejším, oveľa slávnejším dielom Prokofieva bola Popoluška.

Tento balet, dynamický, poznačený prvkami krásnej hudby romantizmu, ktorú autor v tej dobe ovládal a dopĺňal, bol ako závan čerstvého vzduchu, keď sa nad svetom sťahujú mraky.

„Popoluška“ vyšla v roku 1945, keď vo svete utíchol oheň veľkej vojny, zdalo sa, že volá po znovuzrodení, odmietnuť temnotu zo srdca a usmiať sa na nový život. Jeho harmonický a jemný zvuk, inšpiratívny motív ľahkej rozprávky Charlesa Perraulta a vynikajúca inscenácia dali starému príbehu nový, život potvrdzujúci začiatok.

“... Som obzvlášť rád, že som ťa videl v úlohe, ktorá spolu s mnohými ďalšími obrazmi svetovej fantastiky vyjadruje úžasnú a víťaznú silu detinskej, okolnostiam poslušnej a voči sebe vernej čistote... Tá sila je je mi drahý vo svojom hrozivom kontraste s tým odvekým, ľstivým a zbabelým, klaňajúcim sa dvorným živlom, ktorého súčasné podoby nemám rád k šialenstvu...“

Takto napísal Boris Pasternak Galine Ulanovej o jej úlohe v balete Popoluška, čím zložil kompliment nielen interpretovi role, ale aj jej tvorcovi.

Uralské rozprávky

Prokofiev bol nielen skladateľ, ale aj vynikajúci klavirista.

Posledná detská práca Sergeja Sergejeviča vyšla po jeho smrti, hovoria, že aj v osudný deň pracoval na zostavovaní čísel Kamenného kvetu.

Zvučné a nič nepodobné, no z nejakého dôvodu mnohým veľmi blízke, vyvolávajúce pocit kontaktu s niečím tajomným a krásnym, melódie tohto diela dali hudobný život nemenej nezvyčajným a ničomu nepodobným uralským príbehom P.P. Bazhov.

Prokofievova hudba, ktorú na javisku nepočul, a rozprávkové, vyhradené motívy Malachitovej skrinky, Majstra hôr, Kamenného kvetu sa stali základom skutočne jedinečného baletu, ktorý odhaľuje nielen úžasné stránky hudobného umenia, ale aj svet skrytých legiend pohoria Ural, ktorý sa stal prístupným a blízkym mladým poslucháčom a poslucháčom, ktorí si zachovali mladosť ducha.

Sám Prokofiev povedal, že jeho detská hudba obsahuje veľa vecí, ktoré sú pre neho dôležité a jasné.

Vône a zvuky detstva, putovanie mesiaca po rovinách a kohút krik, niečo blízke a drahé úsvitu života – to vložil Prokofiev do svojej detskej hudby, pretože sa mu to ukázalo ako zrozumiteľné. a zrelým ľuďom, no ako on si zachoval v srdci kus detstva. Preto sa stal blízkym deťom, ktorých svet sa Prokofiev vždy snažil pochopiť a precítiť.

O priekopníkoch a šedých dravcoch

Medzi dielami Prokofieva má osobitný význam dielo „Peter a vlk“. Toto dielo, kde každú postavu hrá samostatný hudobný nástroj, špeciálne napísaný maestrom pre deti, absorbovalo všetko to najlepšie, čo sa Sergej Sergejevič snažil zachovať v hudbe pre svoje najcitlivejšie publikum.

Jednoduchý a poučný príbeh o priateľstve, vzájomnej pomoci, poznaní sveta, o tom, ako všetko okolo funguje a ako sa má správať dôstojný človek, sa objavuje prostredníctvom Prokofievovej elegantnej a veľmi živej hudby, ktorú dopĺňa hlas čitateľa efektívne interagujúceho s rôznymi hudobnými nástroje v tejto symfonickej rozprávke .

Premiéra diela sa konala v roku 1936, dalo by sa povedať, že Prokofiev vytvorením rozprávky pre deti o mladom priekopníkovi demonštroval, že sa navždy vrátil do vlasti.

Dôležitú úlohu čitateľa v prvej verzii „Petra a vlka“ zohrala Natalia Sats, ktorá mala nielen vynikajúci herecký talent, ale bola aj prvou opernou režisérkou na svete.

V budúcnosti sa Prokofievovo dielo, ktoré získalo celosvetovú slávu, stalo blízkym a zrozumiteľným deťom celej Zeme, bolo opakovane vytlačené, stelesnené na javisku, na obrazovkách, v rádiu.

„Peter and the Wolf“ bol stelesnený ako karikatúra Disney, vďaka čomu sa mierne upravený sovietsky priekopník vyrovnal svetoznámym rozprávkovým postavičkám, ktorým štúdio dalo ten najlepší animovaný život.

Vyšli jazzové, bluesové, rockové variácie symfonickej rozprávky, v roku 1978 hral rockový idol David Bowie rolu recitátora „Petra a vlka“ a krátka karikatúra na motívy Prokofievovej rozprávky získala Zlatého rytiera Oscara. len nedávno - v roku 2007.

Mimoriadne dôležitá je pedagogická hodnota „Petya a vlk“ - symfonický príbeh sa používa, podobne ako mnohé z Prokofievových diel, na výučbu mladých hudobníkov v špecializovaných školách, ale okrem toho aj príbeh o dobrodružstvách odvážneho a láskavého. priekopník takmer od svojho vzhľadu sa stal prvkom všeobecných školských hudobných programov.

Prokofievova rozprávka už mnoho rokov pomáha odhaľovať deťom tajomstvo hudby, správny vkus pre symfonickú klasiku, myšlienku morálky, univerzálnych ľudských hodnôt.

V jednoduchej a prístupnej forme sa Prokofievovi podarilo stelesniť dôležité a potrebné veci na iné spôsoby demonštrácie, ktoré niekedy vynakladajú veľké úsilie a píšu hrubé zväzky kníh.

Najviac detskej hudby

Prokofiev strávil posledné roky života mimo mesta, no napriek prísnemu zdravotnému režimu pokračoval v práci.

Okrem Popolušky a Kamenného kvetu existuje oveľa viac diel Prokofieva napísaných pre deti. Klavírna skladba, jemná a nostalgická "Rozprávky starej babičky".

Šibalský a dynamický, svojou odvážnosťou podobný Láske k trom pomarančom, je balet Rozprávka o bláznovi, ktorý prekabátil sedem bláznov. Vážna a múdra „realistická“ suita „Zimný oheň“ na verše S. Marshaka o živote pionierov.

Trblietavá skladba „Chatterbox“, inšpirovaná básňami Agnie Barto. Prokofiev tvoril pre deti, akoby pre seba, s veľkým potešením.

Ale medzi dielami detského skladateľa Sergeja Sergejeviča Prokofieva je jedno, ktoré má možno väčšiu hodnotu ako Kamenný kvet alebo Popoluška. Klavírny cyklus „Detská hudba“ – 12 skladieb, rozpráva v nenapodobiteľnom svetle a jemným spôsobom autora o každodennom živote detských dní a o tých zvláštnych momentoch, ktoré sú také ostré, jasné a nečakane schopné premeniť tento každodenný život na rozprávku, dobrodružstvo alebo len spomienka na celý život.

Klavírny cyklus „Detská hudba“ sa stal skutočným pokladom pre učiteľov, ktorí učia deti hrať na klávesoch. Samotnému Prokofievovi, brilantnému klaviristovi, sa podarilo vytvoriť niečo, čo je plne prístupné len deťom, určené pre deti, ktoré chcú počuť hudbu vylúštenú vlastnými rukami spoza čierneho obalu klavíra.

„Detskú hudbu“ prispôsobil nielen možnostiam, ale aj potrebám mladého klaviristu, ktorý študuje tajomstvá zvuku. Klavírny cyklus v sebe spája plynulosť a ostrosť, prechody rytmov a harmónií, schopnosť používať či už najjednoduchšie alebo zložité klávesové skratky tak, aby sa mladý virtuóz učil a pri učení sa usmieval nad svojimi vynikajúcimi výsledkami.

"Detská hudba" - srdečná, jasná, plná krištáľovej čistoty a nehy, nevšednosti a báječnosti, sa stala Prokofievovým darom začínajúcim klaviristom a ich učiteľom, ktorí dostali jednoduchý a pohodlný prostriedok na udržanie pozornosti svojho študenta a rozvoj schopností.

Prokofiev Sergey Sergejevič sa narodil 11. (23. apríla) 1891 v dedine Sontsovka v provincii Jekaterinoslav. Lásku k hudbe vštepila chlapcovi jeho matka, ktorá bola dobrá klaviristka, často hrala syna Chopina a Beethovena. Prokofiev získal základné vzdelanie doma.

Od útleho veku sa Sergei Sergeevich začal zaujímať o hudbu a už vo veku piatich rokov zložil svoje prvé dielo - malú skladbu „Indian Gallop“ pre klavír. V roku 1902 počul Prokofievove diela skladateľ S. Taneyev. Chlapcove schopnosti naňho tak zapôsobili, že požiadal R. Gliera, aby dal Sergeiovi lekcie teórie kompozície.

Vzdelávanie na konzervatóriu. Svetové turné

V roku 1903 Prokofiev vstúpil na konzervatórium v ​​Petrohrade. Medzi učiteľmi Sergeja Sergejeviča boli takí slávni hudobníci ako N. Rimsky-Korsakov, J. Vitola, A. Lyadova, A. Esipova, N. Cherepnina. V roku 1909 absolvoval Prokofiev konzervatórium ako skladateľ, v roku 1914 ako klavirista a v roku 1917 ako organista. Počas tohto obdobia vytvoril Sergej Sergejevič opery Maddalena a Gambler.

Prvýkrát Prokofiev, ktorého životopis bol známy už v hudobnom prostredí Petrohradu, vystúpil so svojimi dielami v roku 1908. Po absolvovaní konzervatória od roku 1918 Sergei Sergeevich veľa cestoval, navštívil Japonsko, USA, Londýn, Paríž. V roku 1927 vytvoril Prokofiev operu Ohnivý anjel av roku 1932 nahral v Londýne svoj tretí koncert.

Zrelá kreativita

V roku 1936 sa Sergej Sergejevič presťahoval do Moskvy a začal vyučovať na konzervatóriu. V roku 1938 dokončil prácu na balete Rómeo a Júlia. Počas Veľkej vlasteneckej vojny vytvoril balet „Popoluška“, operu „Vojna a mier“, hudbu k filmom „Ivan Hrozný“ a „Alexander Nevsky“.

V roku 1944 získal skladateľ titul ctený umelec RSFSR. V roku 1947 - titul ľudového umelca RSFSR.

V roku 1948 Prokofiev dokončil prácu na opere Príbeh skutočného muža.

Posledné roky

V roku 1948 vydal Ústredný výbor Všezväzovej komunistickej strany boľševikov rezolúciu, v ktorej bol Prokofiev ostro kritizovaný za „formalizmus“. V roku 1949 na prvom kongrese Zväzu skladateľov ZSSR Asafiev, Khrennikov a Yarustovsky vystúpili s odsúdením opery Príbeh skutočného muža.

Od roku 1949 Prokofiev prakticky neopustil svoju daču a naďalej aktívne tvoril. Skladateľ vytvoril balet „Príbeh kamenného kvetu“, symfonický koncert „Stráženie sveta“.

Život skladateľa Prokofieva sa skončil 5. marca 1953. Veľký hudobník zomrel na hypertenznú krízu v komunálnom byte v Moskve. Prokofiev bol pochovaný na Novodevičovom cintoríne v Moskve.

Osobný život

V roku 1919 sa Prokofiev stretol so svojou prvou manželkou, španielskou speváčkou Linou Kodinou. Vzali sa v roku 1923 a čoskoro sa im narodili dvaja synovia.

V roku 1948 sa Prokofiev oženil s Mirou Mendelssohnovou, študentkou Literárneho inštitútu, s ktorou sa zoznámil v roku 1938. Sergej Sergejevič nepodal rozvod s Linou Kodinou, pretože v ZSSR sa manželstvá uzavreté v zahraničí považovali za neplatné.

Ďalšie možnosti životopisu

  • Budúci skladateľ vytvoril prvé opery už ako deväťročný.
  • Jednou z Prokofievových záľub bolo hranie šachu. Veľký skladateľ povedal, že hranie šachu mu pomohlo vytvoriť hudbu.
  • Posledným dielom, ktoré sa Prokofievovi podarilo počuť v koncertnej sále, bola jeho Siedma symfónia (1952).
  • Prokofiev zomrel v deň svojej smrti

Spomedzi mnohých spomienok na jedného z veľkých, jedinečne originálnych hudobníkov našej doby - Sergeja Sergejeviča Prokofieva - je obzvlášť zaujímavá jedna, ktorú sám povedal na začiatku krátkej autobiografie: „Prijímacia skúška bola celkom pôsobivá. Predo mnou skúmal muž s bradou, ktorý si ako celú batožinu priniesol romantiku bez doprovodu. Vstúpil som, zohnutý pod ťarchou dvoch zložiek obsahujúcich štyri opery, dve sonáty, symfóniu a niekoľko klavírnych skladieb. "Páči sa mi to!" - povedal Rimsky-Korsakov, ktorý viedol skúšku.

Prokofiev mal vtedy 13 rokov! A ak sa v tomto veku možno „zohnúť pod váhou“ takejto tvorivej batožiny, potom si biografia skladateľa zaslúži pozornosť, očividne, od prvých rokov jeho života. V análoch ruských skladateľov nenájdeme prípady „čudáctva“. Avšak počnúc Glinkom a od pred-Glinkových čias sa túžba po písaní prejavovala v zrelšom, mladšom veku, a nie v detstve, a spočiatku sa obmedzovala na klavírne skladby a romance. Prokofiev naproti tomu položil na skúšobný stôl operné klavíry a partitúru symfónie; správal sa nezávisle, sebavedomo; hudbu posudzoval rezolútne, ako sa hovorí „s plnou znalosťou veci“, sebaúcty mal viac než dosť.

Biografia tejto zvláštnej osoby sa začala v provinčnej púšti, v Sontsovke - neďaleko Jekaterinoslavy, kde bol jeho otec správcom panstva. Tu sa pod vedením mamy, dobrej klaviristky, začala hudobná výchova, keď budúci autor Lásky k trom pomarančom ešte nemal päť rokov. Prokofiev začal vymýšľať a komponovať hudbu približne v rovnakom čase a toto povolanie už nikdy neopustil. Bola to organická potreba každého dňa jeho života. Definícia „skladateľa“ bola pre Prokofieva rovnako prirodzená ako „človek“.

Dve opery - "Obr" a "Na pustých ostrovoch", ktoré Prokofiev zložil a dokonca nahral vo veku 9-10 rokov, samozrejme nemožno brať do úvahy pri jeho tvorivej ceste, sú detinsky naivné. Ale môžu slúžiť ako dôkaz talentu, vytrvalosti, indikátor snahy o nejakú stupnicu.

Jedenásťročného skladateľa predstavili S. I. Taneyevovi. Skvelý hudobník a prísny učiteľ rozpoznal nepochybný talent chlapca a odporučil, aby vážne študoval hudbu. Ďalšia kapitola Prokofievovho životopisu je úplne nezvyčajná: v letných mesiacoch 1902 a 1903 študoval Taneyevov študent R. M. Glier kompozíciu u Serjožu Prokofieva. Výsledkom prvého leta je štvordielna symfónia, druhého leta je opera „Sviatok v čase moru“. Bola to, ako o mnoho rokov neskôr Prokofiev spomínal, „skutočná opera s vokálnymi časťami, orchestrálnou partitúrou a predohrou v sonátovej forme“.

Ako viete, Prokofiev sa ako 13-ročný vydal na dráhu profesionálneho hudobného vyučovania už medzi múrmi petrohradského konzervatória.

S. Prokofiev, ktorý študoval kompozíciu u A. K. Lyadova, N. A. Rimského-Korsakova a klavír u A. A. Winklera a A. Esipovej, sa neobmedzoval len na triedne úlohy. Písal veľa, nie vždy koordinoval ako a čo písať s akademickými pravidlami. Už vtedy zapôsobila pre Prokofieva taká typická tvorivá vôľa, zdroj mnohých konfliktov s „uznávanými autoritami“, zdroj čisto individuálneho, Prokofievov spôsob písania.

V decembri 1908 sedemnásťročný Prokofiev prvýkrát vystúpil na verejnom koncerte. Okrem iných klavírnych skladieb zahral „Posadnutosť“, v ktorej počuť typicky Prokofievovu ostro disonantnú harmóniu, pružnú rytmiku, zámerne suchopárný, odvážny motorizmus. Kritika zareagovala okamžite: „Mladý autor, ktorý ešte nemá ukončené umelecké vzdelanie, patriaci k extrémnemu smeru modernistov, ide vo svojej odvahe oveľa ďalej ako moderní Francúzi.“ Štítok prilepený: "extrémny modernista." Pripomeňme, že do konca prvej dekády storočia modernizmus veľkolepo rozkvitol a dal stále viac nových výhonkov. Preto mal Prokofiev pomerne veľa „definícií“, ktoré často zneli ako urážlivé prezývky. Prokofiev nenašiel spoločnú reč s konzervatívnymi „šéfmi“ a učiteľmi. Najbližšie sa stretol až s N. N. Čerepninom, ktorý vyučoval dirigovanie. V tých istých rokoch Prokofiev nadviazal priateľstvo s N. Ya. Myaskovským, úctyhodným hudobníkom o desať rokov starším ako on.

Mladý Prokofiev sa stáva častým hosťom „Večerov súčasnej hudby“, kde zazneli všetky druhy noviniek. Prokofiev bol prvým interpretom klavírnych skladieb v Rusku od Arnolda Schoenberga, ktorý si ešte nevytvoril vlastný dodekafonický systém, ale písal dosť „ostro“.

Súdiac podľa venovania, ktoré napísal Prokofiev do partitúry symfonického obrazu „Dreams“: „Autorovi, ktorý začal Snami (t. j. Skrjabin), Prokofiev neunikol vášni, ktorá zachvátila veľkú väčšinu mladých hudobníkov. Ale podľa Prokofieva táto vášeň len skĺzla a nezanechala žiadnu viditeľnú stopu. Svojou povahou Prokofiev – jasný, rozhodný, vecný, vyšportovaný typ človeka, najmenej pripomínal skladateľa, ktorému je blízka Skrjabinova rafinovanosť, zasnenosť, či – inak – extáza.

Už v „Pochode“ pre klavír, ktorý je súčasťou cyklu „Desať kúskov“ (1914), je počuť pružný, rázny, chytľavý spôsob typický pre Prokofieva nasledujúcich desaťročí, ktorý je blízky Majakovského štýlu písania. tie roky.

Dva po sebe nasledujúce klavírne koncerty (1912, 1913) sú dôkazom skladateľovej tvorivej zrelosti. Sú rôzne: v Prvom je cítiť túžbu za každú cenu šokovať, omráčiť publikum; Druhý koncert je oveľa poetickejší. Sám Prokofiev o svojich koncertoch napísal: "Výčitky za snahu o vonkajšiu brilantnosť a za nejaký "futbal" Prvého koncertu viedli k hľadaniu väčšej hĺbky obsahu v druhom."

Publikum a drvivá väčšina kritikov privítali Prokofievovo vystúpenie na koncertnom pódiu v Petrohrade priateľským zasyčaním. Vo fejtóne Petrohradských novín napísali, že „Prokofiev si sadne za klavír a začne buď utierať klávesy, alebo skúšať, ktoré z nich znejú vyššie alebo nižšie“.

V roku 1914 Prokofiev "skončil" s konzervatóriom v oboch špecializáciách - skladateľ a klavirista.

Za odmenu mu rodičia ponúkli cestu do zahraničia. Vybral si Londýn. Koncertoval tam operný a baletný súbor Sergeja Diaghileva, o ktorého repertoár mal Prokofiev veľký záujem. V Londýne ho zachytili Ravelove Dafnis a Chloe a dva Stravinského balety Vták Ohnivák a Petruška.

V rozhovoroch s Diaghilevom sa vynárajú prvé, zatiaľ nejasné obrysy baletu na ruskú pravekú tému. Iniciatíva patrila Diaghilevovi a bol to nepochybne „Svätenie jari“, čo ho podnietilo k týmto myšlienkam.

Po návrate do Ruska sa Prokofiev pustí do práce. Ako sa v dejinách baletného divadla často stávalo, slabý dramatický základ ani za prítomnosti vynikajúcej hudby nevedie k úspechu. Tak to bolo aj s Prokofievovou myšlienkou baletu „Ala and Lolly“, libreto, ku ktorému zložil básnik Sergej Gorodetsky. Stravinského vplyvy sú v hudbe zreteľne cítiť. Je to pochopiteľné, vzhľadom na to, že atmosféra skýtskeho „barbarstva“ „Ala a Lollia“ je rovnaká ako v „Svätí jari“ a dokonca aj niektoré dejové ťahy sú veľmi podobné. A okrem toho hudba takej gigantickej pôsobivej sily, akou je Svätenie jari, nemohla nezaujať mladého Prokofieva. O niečo neskôr – medzi rokmi 1915 a 1920 – sa objavuje balet „Príbeh šaša, ktorý prekabátil sedem šašov“. Prokofiev si tentokrát píše libreto sám, pričom námet si vypožičal z ruských rozprávok zo zbierky A. Afanasjeva. Šibalská hudba ruského charakteru mala skladateľa úspech. Ukázalo sa, že balet bol živý, plný vtipných epizód a pripomínal „šaškárne hry“. Prokofiev sa v ňom „dosť bavil“ pre neho typickou iróniou, groteskou, sarkazmom.

Mnohí súčasníci mladého Prokofieva a dokonca aj bádatelia jeho tvorby videli v jeho hudbe „lyrický prúd“, ktorý si razil cestu cez ostro satirické, groteskné, sarkastické obrazy, cez zámerne drsné, ťažké rytmy. A je ich veľa, tieto lyrické, plaché intonácie v klavírnych cykloch „Uletenie“ a „Sarkazmus“, vo vedľajšej téme prvej časti Druhej sonáty, v romanciach na básne Balmonta, Apuchtina, Achmatovovej.

Odtiaľ sa budú ťahať nitky k „Rozprávkam starej babičky“, „Rómeovi a Júlii“, k hudbe Nataši Rostovej, k „Popoluške“ k Puškinovým valčíkom. Všimnime si, že v týchto dielach dominujú silné city, no plaché, „bojiace sa“ svojho vonkajšieho prejavu. Prokofiev ironizuje zveličovanie romantického „sveta vzrušených pocitov“. Pre takýto antiromantický skepticizmus - medzi mnohými inými dielami - je veľmi príznačná romanca "Kúzelník" na motívy Agnivtsevových básní.

Prokofievove antiromantické sklony sa prejavujú aj v jeho sympatiách k próze, prozaickým textom. Tu môžeme hovoriť o vplyvoch Musorgského, najmä preto, že Prokofiev často vyberá typ melódie, ktorý je blízky intonáciám reči. V tomto smere je veľmi orientačné jeho „Škaredé káčatko“ pre hlas a klavír, ktoré možno len ťažko nazvať romancou. Andersenova múdra a milá rozprávka, vzbudzujúca vieru v dobro a svetlo, zaujala Prokofieva svojím humanizmom.

Jedno z prvých predstavení Škaredého káčatka si vypočul A. M. Gorkij na koncerte, na ktorom čítal prvú kapitolu svojho detstva. Gorky, uchvátený The Duck, usúdil: "...ale napísal to o sebe, o sebe!"

V januári 1916 musel Prokofiev prejsť skúškou, kvôli ktorej si spomenul na večer premiéry Stravinského Svätenia jari. Išlo o prvé predstavenie Skýtskej suity, ktorú sám dirigoval. Publikum nahlas vyjadrilo svoje rozhorčenie nad „divokým dielom“. Recenzent Theatrical List napísal: „Je jednoducho neuveriteľné, že takáto hra bez akéhokoľvek významu mohla byť uvedená na serióznom koncerte... Sú to akési drzé, drzé zvuky, ktoré nevyjadrujú nič iné ako nekonečné chvastanie.“

Prokofiev stoicky znáša tento druh kritického hodnotenia a tento druh reakcie publika. Prítomný na verejných vystúpeniach D. Burliuka, V. Kamenského, V. Majakovského si zvyká na myšlienku, že inovatívne trendy v akomkoľvek umení nemôžu vyvolať búrlivé reakcie verejnosti, ktorá má svoj vlastný, zabehnutý vkus a ich porušenie považuje za zásah do osobnosti, dôstojnosti, slušnosti.

V predrevolučných rokoch bol Prokofiev zaneprázdnený prácou na opere Gambler podľa príbehu Dostojevského. Tu sa ešte viac približuje k Musorgskému. Gambler z mnohých dôvodov Prokofiev odloží takmer o desať rokov, v Bruseli bude mať premiéru až v roku 1929.

Pri práci na Gamblerovi, možno v protiklade s novinkami štedro rozptýlenými v partitúre, Prokofiev koncipoval symfóniu postavenú podľa prísneho kánonu klasických príkladov tohto žánru. Tak vzniká jedno z najpôvabnejších diel mladého Prokofieva, jeho Klasická symfónia. Veselá, svetlá, hudba bez jedinej „vrásky na čele“, len s jednou témou sa dotýka inej emocionálnej sféry, zasnený text, to je melódia huslí v extrémne vysokom registri, ktorá zaznie na začiatku druhej časti. Prvé uvedenie Klasickej symfónie venovanej B. V. Asafievovi sa uskutočnilo pod vedením autora po revolúcii, v roku 1918. Na koncerte bol prítomný A. V. Lunacharsky.

V rozhovore s ním Prokofiev vyjadril túžbu ísť na dlhý koncertný vlak do zahraničia. Lunacharsky nenamietal. V roku 1918 Prokofiev odišiel do zahraničia.

Najprv koncertoval v Japonsku a odtiaľ odišiel do USA. Prokofiev vo svojich memoároch píše: „Z Jokohamy s nádhernou zastávkou v Honolulu som sa presťahoval do San Francisca. Okamžite ma tam nepustili na breh, vediac, že ​​v Rusku vládnu „maximalisti“ (ako sa v tom čase v Amerike nazývali boľševici) – ľudia nie celkom zrozumiteľní a pravdepodobne aj nebezpeční. Po troch dňoch strávených na ostrove a detailnom vypočúvaní („Bol si vo väzení?“ – „Bol som vo väzení.“ – „Je to zlé. Kde to je?“ – „Váš ostrov.“ – „Aha, páči sa ti žartovať!"), bol mi povolený vstup do Spojených štátov."

Za tri a pol roka stráveného v USA sa do zoznamu Prokofievových skladieb pridala opera Láska k trom pomarančom a viaceré komorné diela.

Pri odchode z Ruska si Prokofiev vzal so sebou divadelný časopis „Láska k trom pomarančom“, ktorý vytlačil scenár rovnomennej rozprávky talianskeho dramatika Carla Gozziho, revidovaný V. Meyerholdom. Na jej základe napísal Prokofiev libreto a hudbu k opere.

„Lásku k trom pomarančom“ možno nazvať ironickou rozprávkou, v ktorej sa realita, fantázia, divadelné konvencie prelínajú do fascinujúceho predstavenia, obdareného živým javiskovým tvarom, príbuzným talianskej „commedia dell ́arte“. Za čas - takmer polstoročie -, ktorý nás delí od premiéry "Lásky k trom pomarančom", sa táto opera dostala do repertoáru mnohých divadiel.

Prvýkrát, po dlhých útrapách, bol predstavený v Chicagu koncom roku 1921. Dva týždne pred premiérou „Pomarančov“ sa tam v Chicagu uskutočnilo prvé uvedenie Tretieho klavírneho koncertu. Sólový part hrala autorka. V tomto koncerte vládne „ruský duch“ v jazyku, v obrazoch, či už v fajkovom úprimnom (úvode), alebo v kosčejevskom štýle, zlovestne rozprávkovom, alebo rozvážnom, ako veľkorysá sila ruskej mládeže. Spomedzi piatich klavírnych koncertov (štvrtý a piaty boli napísané začiatkom 30. rokov 20. storočia) sa dodnes teší najväčšej obľube práve tretí, možno aj pre hlas klavírnej „všemocnosti“, ktorý si človek pripomína pátos koncertov Čajkovského a Rachmaninova. Túto črtu koncertu obrazne a živo vyjadril básnik Konstantin Balmont: „A nepremožiteľný Skýt bije na tamburínu slnka.“

Po presťahovaní sa do Európy začiatkom roku 1920 do Paríža Prokofiev obnovil svoje vzťahy s Diaghilevom, ale nie na dlho. Stretnutie so Stravinským sa zmenilo na hádku a to viedlo k zmenám aj vo vzťahu s Diaghilevom. Skúsený impresário, muž s vynikajúcou „vôňou“, Diaghilev mal pocit, že Prokofiev nemôže rátať s úspechom u tej časti verejnosti, ktorú niektorí s úctou nazývajú „elita“, iní – triezvejšie – snobovia. Ona „elita“ skrátka nemala rada Husľový koncert, ktorý bol napísaný už dávno, ale prvýkrát vystúpil v roku 1923 v Paríži, ktorý podľa nej nebol dostatočne „okorenený“. A potom Prokofiev, ktorý sa chcel pomstiť, tak "okorenil" 2. symfóniu, že aj ona cúvla z "ľavej strany" sály. Prokofiev nebol v „parížskom kľúči“, nie za. Takže podľa logiky Diaghileva s ním nie je nič poznať.

V diplomatickom svete, vo vplyvných „salónoch“ rástol zo dňa na deň záujem o „krajinu boľševikov“. To neušlo Diaghilevovej pozornosti. Po dvoch rokoch chladu sa Sergej Diaghilev obrátil starým, priateľským spôsobom k Prokofievovi. Išlo o balet z ... sovietskeho života. Autorom libreta mal byť I. Ehrenburg. Konečný výber padol na G. Yakulova. Názov baletu "Steel lope" bol zaujímavý. „Steel Lope“ naštudovaný choreografom Leonidom Myasinom ani v Paríži, ani v Londýne, kde bol uvedený počas turné súboru Diaghilev, nebol úspešný a, prísne vzaté, nemohol ho mať. Balet, zbavený dôslednej akcie, pozostával z oddelených, nesúvisiacich epizód: vlak s pytliakmi, komisármi, karamelkami a cigaretami, rečník. V druhej (poslednej) scéne baletu na javisku predviedol baletný súbor pohyb strojov, obrábacích strojov, húkanie parných kladív.

V roku 1927 uskutočnil Sergej Prokofiev veľké koncertné turné po Sovietskom zväze. Očarila ho leningradská inscenácia „Troch pomarančov“, privítanie, ktoré mu ako skladateľovi a klaviristovi poskytli v Moskve, Leningrade, Charkove, Kyjeve, Odese. Zdalo sa, že nanovo dýcha vzduch svojej rodnej krajiny.

Z tvorby konca 20. rokov sú najzaujímavejšie Tretia symfónia (k nej sa ešte vrátime) a v máji 1929 inscenovaný balet Márnotratný syn. Tu Prokofiev opäť ukázal silu svojho talentu. Hudba Márnotratného syna zaujme svojou múdrou jednoduchosťou, vrúcnosťou a noblesou tematiky. Silným dojmom pôsobia kontrastné scény: orgie sviatku a rána po divokej noci a potom scéna návratu hrdinu baletného podobenstva do otcovho útulku, plná smútku a pokory. Balet Márnotratný syn sa najviac približuje k trom baletom, ktoré Prokofiev napísal po návrate do vlasti, baletom, ktoré zvýšili jeho svetovú slávu.

Prokofiev už dlho sníval o návrate domov. V spomienkach jedného z jeho francúzskych priateľov Sergeja Sergejeviča citujú: „Vzduch cudzej krajiny ma neinšpiruje, pretože som Rus a pre človeka nie je nič škodlivejšie, ako žiť v exile, byť v duchovnom prostredí. čo nezodpovedá jeho rase. Musím sa znova ponoriť do atmosféry svojej vlasti, musím znova vidieť skutočnú zimu a jar, musím počuť ruskú reč, rozprávať sa s blízkymi ľuďmi. A toto mi dá to, čo tu tak chýba, pretože ich piesne sú moje piesne.

V roku 1933 sa Sergej Prokofiev vrátil do svojej vlasti. Ale rodina sa zmenila. Za šestnásť porevolučných rokov vyrástlo nové publikum s vlastným presvedčením, požiadavkami a vkusom. Toto nebolo publikum, ktoré si Prokofiev pamätal z mladosti, a nie to, s ktorým sa stretol v zahraničí. Umelecká, estetická kultúra sa giganticky rozrástla, zviazaná silnými väzbami na revolučný svetonázor, ktorý umožňuje slobodne, pravdivo vnímať a interpretovať fenomény života rovnakým spôsobom, chápať, kam dejiny smerujú. Prokofiev, ktorý si vyskúša prácu v nových podmienkach, prijme ponuku napísať hudbu k filmu Poručík Kizhe. Tu sa prejavil hudobný vtip, ktorý je Prokofevovi vlastný! Obdobie pavlovianskeho kasárenského drilu, pochmúrneho pískania píšťal do bubna, skákanie po kuriérovi s vypúlenými očami od elánu, bolo obdobím, keď milé dvorné aj kuchárky stokrát denne spievali: „ Holubica stoná, stoná dňom i nocou... „Sloboda pre hudbu! Okrem toho je hudba ironická. Prokofiev skomponoval presne takú hudbu, ktorá sa od neho očakávala: ostrú, mimoriadne precíznu, okamžite splývajúcu s akciou, s človekom, s krajinou. A "The Wedding of Kizhe" a "Troika" a strašný bubon, pod ktorým bol "zločinec Kizhe" vedený na Sibír - to všetko znelo mimoriadne expresívne vďaka grotesknosti, kombinujúcej hrozné a vtipné.

Tak sa začala nová, najdôležitejšia etapa v Prokofievovej tvorivej biografii. V tom istom roku 1933 napísal hudbu k inscenácii Egyptské noci v Moskovskom komornom divadle a opäť dokázal, že aj v tomto žánri, ktorý, zdá sa, dáva skladateľovi tie najskromnejšie možnosti, môžu vzniknúť diela vysokej dôstojnosti.

Prokofiev sa opakovane odvoláva na žáner filmovej hudby a hudby v činohernom divadle. Obzvlášť skvelý dojem zanechala jeho hudba k dvom filmom Sergeja Ejzenštejna, „Alexander Nevsky“ a „Ivan Hrozný“. V hudbe pre "Alexander Nevsky" (1938) Prokofiev pokračoval v línii epického symfonizmu, pochádzajúceho z Borodina. Epizódy ako „Rus' under the Mongol yoe“, „Battle on the Ice“, refrén „Vstávaj, ruský ľud“ uchvacujú svojou realistickou silou a prísnou monumentálnosťou. Nie ilustrácia k filmovému políčku, ale symfonické zovšeobecnenie témy, konkretizované na plátne, zamestnáva skladateľa. Napriek tomu, že hudba je pevne spojená s obrazom, má samostatnú, veľmi vysokú hodnotu, o čom svedčí aj kantáta „Alexander Nevsky“ vytvorená na jej základe pre orchester, zbor a sólistu.

Hudba k filmu "Ivan Hrozný" (1942) bola napísaná v rovnakom pláne. Už po smrti Prokofieva spojil dirigent A. Stasevič najvýznamnejšie epizódy hudby do oratória "Ivan Hrozný" - dielo obrovskej, úžasnej sily.

Druhá polovica 30. rokov sa niesla v znamení kompozície jedného z najlepších Prokofievových diel, baletu Rómeo a Júlia. Naštudovaný začiatkom roku 1940 L. Lavrovským na scéne Leningradského divadla opery a baletu. S. M. Kirov, zohral obrovskú úlohu v dejinách svetovej choreografickej kultúry, keďže bol prvým predstavením prostredníctvom hudby, tanca a pantomímy, ktoré plne stelesňovalo Shakespearovu tragédiu. G. Ulanova - Júlia, K. Sergejev - Romeo, R. Gerbek - Tybalt, A. Lopukhov - Mercutio sú právom zaradení medzi najvýznamnejších interpretov Shakespearových úloh. Prokofiev svojím baletom pozdvihol úroveň baletnej hudby na úroveň, na ktorú po Čajkovskom, Glazunovovi a Stravinskom nedosiahla, čo zasa postavilo nové úlohy každému skladateľovi píšucemu baletnú hudbu. Symfonické princípy, ktoré definujú štýl a podstatu hudby Rómea a Júlie, sa ďalej rozvíjali v dvoch Prokofievových baletoch Popoluška (1944) a Rozprávka o kamennom kvete (1950).

Jedno z najpoetickejších predstavení o smutnom živote nevlastnej dcéry, ponižovanej, zosmiešňovanej zlou macochou a jej dcérami Zlyukou a Krivlyakou, sa zrodilo s Popoluškou. V tých vzdialených rokoch, keď sa do veršov Balmonga, Apuchtina a Achmatovovej písali romance plné kúzla „Rozprávok starej babičky“, boli zasiate semená, ktoré vyklíčili v partitúre „Popoluška“ s hudbou vyžarujúcou vlny ľudskosti a ľudskosti. láska k životu. V každej epizóde, kde sa Popoluška objaví alebo sa o nej len „spomína“, je hudba naplnená voňavým teplom a pohladením. Zo všetkého, čo napísal Prokofiev, je „Popoluška“ najbližšie k baletnej dramaturgii Čajkovského, ktorý tiež premýšľal o balete pre tento dej viac ako raz ...

Posledným Prokofievovým baletom je Rozprávka o kamennom kvete. Bazhovova „Malachitová škatuľa“ bola naplnená nádhernou ruskou hudbou, ktorú vytvorili fantastické a skutočné obrazy starých príbehov uralských kamenných rezačov a najjasnejší z nich je obraz Medenej hory hostiteľky, buď krásnej ženy, alebo zlý malachitový jašter uchovávajúci tajomstvo kamenného kvetu.

Popri baletoch zaujímajú dôležité miesto v Prokofievovej tvorivej biografii jeho opery. V tomto žánri išiel skladateľ ťažkou cestou. Počnúc jednoaktovkou Maddalena, krvavou drámou na pozadí opulentného života Benátok 15. storočia, prechádza k svojej ďalšej opere, Dostojevského Hazardér, od neho k už spomínanej rozprávke Carla Gozziho Láska k trom pomarančom. , prvá opera zožala trvalý úspech. Po ironickej, ľahkej a veselej hudbe „Pomarančov“ sa skladateľ náhle ponorí do temnoty stredoveku v opere na motívy príbehu V. Brjusova „Ohnivý anjel“, kde erotizmus, hrôzy inkvizície striedať so šialeným veštením a kabalizmom. Hudbu napísanú pod vplyvom expresionistickej estetiky, ktorá bola pre Prokofieva úplne nezvyčajná, neskôr použil v tretej symfónii.

Po mnoho rokov sa Prokofiev neobrátil k opernému žánru. A až v roku 1939 sa začal zaujímať o príbeh V. Kataeva "Som syn pracujúceho ľudu." Na jej základe napísal operu Semyon Kotko. Prokofiev v mnohých epizódach tejto opery hovoril úplne novým jazykom, zrejme si v pamäti obnovil detské dojmy o Ukrajine, o piesňach, ktoré zneli v Sontsovke, o samotnej atmosfére nasýtenej úrodnou ukrajinskou vrúcnosťou. Či nie odtiaľto vzišli lyrické intonácie v duetových dialógoch Semjona Kotka a jeho milovanej Sofie Tkačenkovej alebo charakteristika Frosya a Mikolka potešujúca svojou dojemnou naivitou? S neodškriepiteľnými prednosťami Semjona Kotka, Prokofievova náklonnosť k prozaizmu, k hovorovému spôsobu intonácie, spočiatku bránila tomu, aby sa prvá Prokofievova opera s modernou zápletkou dostala na repertoár našich divadiel. Ešte výraznejšie sa tento spôsob prejaví v poslednej opere Príbeh skutočného muža (1948) podľa knihy B. Polevoya.