Luxusné vlasy 

Aké sú druhy obrazov. Druhy maľby. Maľba: definícia a typy

V 17. storočí sa zaviedlo delenie žánrov maľby na „vysoké“ a „nízke“. Prvá zahŕňala historické, bojové a mytologické žánre. Druhá zahŕňala všedné žánre maľby z každodenného života, napríklad každodenný žáner, zátišie, animalistika, portrét, akt, krajina.

historický žáner

Historický žáner v maľbe nezobrazuje konkrétny predmet alebo osobu, ale určitý okamih alebo udalosť, ktorá sa odohrala v dejinách minulých období. Je zahrnutá v hlavnom maliarske žánre v umení. Portrét, boj, každodenné a mytologické žánre sú často úzko späté s historickým.

"Dobytie Sibíri Yermakom" (1891-1895)
Vasilij Surikov

Umelci Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vasilij Ivanovič Surikov, Boris Michajlovič Kustodiev a mnohí ďalší maľovali svoje obrazy v historickom žánri.

mytologický žáner

Legendy, staroveké legendy a mýty, folklór - obraz týchto sprisahaní, hrdinov a udalostí našiel svoje miesto v mytologickom žánri maľby. Možno to možno rozlíšiť v maľbe akéhokoľvek národa, pretože história každej etnickej skupiny je plná legiend a tradícií. Napríklad taká zápletka gréckej mytológie ako tajná romanca boha vojny Aresa a bohyne krásy Afrodity zobrazuje obraz „Parnassus“ od talianskeho umelca menom Andrea Mantegna.

"Parnas" (1497)
Andrea Mantegna

Mytológia v maľbe sa nakoniec sformovala v renesancii. Predstaviteľmi tohto žánru sú okrem Andreu Mantegnu Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Viktor Michajlovič Vasnetsov a ďalší.

Bojový žáner

Bojová maľba opisuje výjavy z vojenského života. Najčastejšie sú znázornené rôzne vojenské kampane, ako aj námorné a pozemné bitky. A keďže sú tieto bitky často prevzaté zo skutočnej histórie, bitka a historické žánre tu nachádzajú svoj priesečník.

Fragment panorámy "Bitka pri Borodine" (1912)
Franz Roubaud

Bojová maľba sa formovala počas talianskej renesancie v diele umelcov Michelangela Buonarrotiho, Leonarda da Vinciho a potom Theodora Gericaulta, Francisca Goyu, Franza Alekseeviča Roubauda, ​​Mitrofana Borisoviča Grekova a mnohých ďalších maliarov.

domáci žáner

Výjavy z každodenného, ​​verejného alebo súkromného života obyčajných ľudí, či už ide o mestský alebo roľnícky život, zobrazujú každodenný žáner v maľbe. Ako mnohí iní maliarske žánre, každodenné maľby sa zriedkavo nachádzajú vo svojej vlastnej podobe a stávajú sa súčasťou žánru portrétu alebo krajiny.

"Predajca hudobných nástrojov" (1652)
Karel Fabricius

Pôvod každodennej maľby sa udial v 10. storočí na východe a do Európy a Ruska prešiel až v 17. – 18. storočí. Jan Vermeer, Karel Fabricius a Gabriel Metsu, Michail Šibanov a Ivan Alekseevič Ermenev sú najznámejšími umelcami každodenných malieb toho obdobia.

Živočíšny žáner

Hlavnými predmetmi živočíšneho žánru sú zvieratá a vtáky, divoké aj domáce, a vo všeobecnosti všetci predstavitelia živočíšneho sveta. Animalistika bola spočiatku súčasťou žánrov čínskej maľby, pretože sa prvýkrát objavila v Číne v 8. storočí. V Európe sa animalizmus sformoval až v renesancii – zvieratá boli v tom čase zobrazované ako stelesnenie nerestí a cností človeka.

"Kone na lúke" (1649)
Paulus Potter

Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp sú hlavnými predstaviteľmi animalistiky vo výtvarnom umení.

Zátišie

V žánri zátišia sú zobrazené predmety, ktoré obklopujú človeka v živote. Sú to neživé predmety zoskupené do jedného celku. Takéto predmety môžu patriť do rovnakého rodu (napríklad na obrázku sú zobrazené iba plody) alebo môžu byť heterogénne (ovocie, riad, hudobné nástroje, kvety atď.).

"Kvety v koši, motýľ a vážka" (1614)
Ambrosius Bosschaert starší

Zátišie ako samostatný žáner sa formovalo v 17. storočí. Osobitne sa vyznačujú flámskou a holandskou školou zátišia. Zástupcovia rôznych štýlov maľovali svoje obrazy v tomto žánri, od realizmu po kubizmus. Niektoré z najznámejších zátiší namaľovali maliari Ambrosius Bosschaert starší, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda.

Portrét

Portrét – žáner maľby, ktorý je jedným z najrozšírenejších vo výtvarnom umení. Účelom portrétu v maľbe je zobraziť človeka, ale nielen jeho vzhľad, ale aj sprostredkovať vnútorné pocity a náladu portrétovaného.

Portréty sú samostatné, párové, skupinové, ako aj autoportrét, ktorý sa niekedy rozlišuje ako samostatný žáner. A azda najznámejším portrétom všetkých čias je obraz Leonarda da Vinciho s názvom „Portrét pani Lisy del Giocondo“, každému známy ako „Mona Lisa“.

"Mona Lisa" (1503-1506)
Leonardo da Vinci

Prvé portréty sa objavili pred tisícročiami v starovekom Egypte – boli to obrazy faraónov. Odvtedy väčšina umelcov všetkých čias tak či onak fušovala do tohto žánru. Portrét a historické žánre maľby sa môžu tiež prelínať: obraz veľkej historickej osobnosti sa bude považovať za dielo historického žánru, hoci bude sprostredkovať vzhľad a charakter tejto osoby ako portrét.

nahá

Účelom žánru aktov je zobraziť nahé telo človeka. Obdobie renesancie sa považuje za moment vzniku a rozvoja tohto typu maľby a hlavným objektom maľby sa vtedy najčastejšie stalo ženské telo, ktoré stelesňovalo krásu doby.

"Country Concert" (1510)
Tizian

Tizian, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso sú najznámejší umelci, ktorí maľovali v žánri nahých.

Scenéria

Hlavnou témou krajinného žánru je príroda, prostredím mesto, vidiek či divočina. Prvé krajiny sa objavili v staroveku pri maľovaní palácov a chrámov, vytváraní miniatúr a ikon. Ako samostatný žáner sa krajina formuje už v 16. storočí a odvtedy sa stala jednou z najpopulárnejších maliarske žánre.

Je prítomný v tvorbe mnohých maliarov, počnúc Petrom Rubensom, Alexejom Kondratievičom Savrasovom, Edouardom Manetom, pokračujúc Isaacom Iľjičom Levitanom, Pietom Mondrianom, Pablom Picassom, Georgesom Braquem a končiac mnohými súčasnými umelcami XXI.

"Zlatá jeseň" (1895)
Izák Levitan

Medzi krajinomaľbou možno vyčleniť také žánre, ako je morská a mestská krajina.

Veduta

Veduta je krajina, ktorej účelom je zobraziť vzhľad mestskej oblasti a sprostredkovať jej krásu a farbu. Neskôr s rozvojom priemyslu sa mestská krajina mení na industriálnu krajinu.

"Námestie svätého Marka" (1730)
Canaletto

Mestskú krajinu môžete oceniť zoznámením sa s dielami Canaletta, Pietera Brueghela, Fjodora Jakovleviča Alekseeva, Sylvestra Feodosievicha Shchedrina.

Marína

Prímorská krajina alebo prístav zobrazuje povahu morského prvku, jeho veľkosť. Snáď najznámejším morským maliarom na svete je Ivan Konstantinovič Aivazovskij, ktorého obraz Deviata vlna možno nazvať majstrovským dielom ruskej maľby. Rozkvet prístavu nastal súčasne s vývojom krajiny ako takej.

"Plachetnica v búrke" (1886)
James Buttersworth

Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexey Petrovič Bogolyubov, Lev Feliksovich Lagorio a Rafael Montleon Torres sú tiež známi svojimi morskými krajinami.

Ak sa chcete dozvedieť ešte viac o tom, ako vznikali a rozvíjali žánre maľby v umení, pozrite si nasledujúce video:


Vezmite si to, povedzte to svojim priateľom!

Prečítajte si aj na našom webe:

zobraziť viac

). V rámci tohto článku sa však budeme zaoberať iba predmetným umením.

Historicky sa všetky žánre delili na vysoké a nízke. TO vysoký žáner alebo historická maľba zahŕňala diela monumentálneho charakteru, nesúce nejaký druh morálky, významnú myšlienku, demonštrujúce historické, vojenské udalosti spojené s náboženstvom, mytológiou alebo fikciou.

TO nízky žáner zahŕňala všetko, čo súvisí s každodenným životom. Sú to zátišia, portréty, každodenná maľba, krajina, animalizmus, obrazy nahých ľudí a pod.

Animalizmus (lat. zviera - zviera)

Zvierací žáner vznikol v staroveku, keď prví ľudia maľovali na skaly dravé zvieratá. Postupne sa tento smer rozrástol do nezávislého žánru, čo znamená expresívny obraz akýchkoľvek zvierat. Zvieratá zvyčajne prejavujú veľký záujem o zvierací svet, napríklad môžu byť vynikajúcimi jazdcami, chovať domáce zvieratá alebo jednoducho dlho študovať ich zvyky. V dôsledku zámeru umelca môžu zvieratá pôsobiť realisticky alebo vo forme umeleckých obrazov.

Medzi ruskými umelcami sa mnohí dobre vyznali napríklad v koňoch a. Takže na slávnom obraze Vasnetsova „Hrdinovia“ sú hrdinské kone zobrazené s najväčšou zručnosťou: farby, správanie zvierat, uzdy a ich spojenie s jazdcami sú starostlivo premyslené. Serov nemal rád ľudí a koňa považoval v mnohých ohľadoch za lepšieho ako človeka, a preto ho často zobrazoval v rôznych scénach. hoci maľoval zvieratá, nepovažoval sa za maliara zvierat, a tak medvede na jeho slávnom obraze „Ráno v borovicovom lese“ vytvoril maliar zvierat K. Savitsky.

V cárskych časoch sa stali populárnymi najmä portréty s domácimi zvieratami, ktoré boli človeku drahé. Napríklad na obrázku sa objavila cisárovná Katarína II so svojím milovaným psom. Zvieratá nechýbali ani na portrétoch iných ruských umelcov.

Príklady obrazov známych ruských umelcov v domácom žánri




maľovanie histórie

Tento žáner zahŕňa monumentálne obrazy, ktoré sú navrhnuté tak, aby spoločnosti sprostredkovali grandióznu myšlienku, akúkoľvek pravdu, morálku alebo demonštrovali významné udalosti. Zahŕňa diela s historickou, mytologickou, náboženskou tematikou, folklórom, ale aj vojenskými výjavmi.

V starovekých štátoch boli mýty a legendy dlho považované za minulé udalosti, takže boli často zobrazované na freskách alebo vázach. Neskôr začali umelci oddeľovať udalosti od fikcie, čo sa prejavilo predovšetkým zobrazovaním bojových scén. V starovekom Ríme, Egypte a Grécku víťazní bojovníci často zobrazovali na štítoch scény hrdinských bojov, aby demonštrovali svoj triumf nad nepriateľom.

V stredoveku vďaka dominancii cirkevných dogiem prevládala náboženská tematika, v renesancii sa spoločnosť obracala do minulosti najmä za účelom glorifikácie svojich štátov a panovníkov a od 18. storočia sa tento žáner často obracal na výchovu mládeže. ľudí. V Rusku sa tento žáner rozšíril v 19. storočí, keď sa umelci často pokúšali analyzovať život ruskej spoločnosti.

V dielach ruských umelcov bola prezentovaná bojová maľba napr. Mytologické a náboženské námety v jeho obrazoch ovplyvnili,. Medzi ľuďmi prevládala historická maľba, medzi nimi folklór.

Príklady obrazov známych ruských umelcov v žánri historickej maľby





Zátišie (fr. príroda - príroda a smrť - mŕtvy)

Tento žáner maľby je spojený so zobrazovaním neživých predmetov. Môžu to byť kvety, ovocie, riad, divina, kuchynské náčinie a iné predmety, z ktorých umelec často skladá kompozíciu podľa svojho plánu.

Prvé zátišia sa objavili v starovekých krajinách. V starovekom Egypte bolo zvykom zobrazovať obete bohom v podobe rôznych jedál. Rozpoznanie námetu bolo zároveň na prvom mieste, takže starí umelci sa o šerosvit či textúru zátiší nijako zvlášť nestarali. V starovekom Grécku a Ríme sa kvety a ovocie nachádzali na obrazoch a v domoch na výzdobu interiéru, takže už boli vyobrazené spoľahlivejšie a malebnejšie. Vznik a rozkvet tohto žánru spadá do 16. a 17. storočia, kedy zátišia začali obsahovať skryté náboženské a iné významy. Zároveň sa objavili ich mnohé odrody v závislosti od predmetu obrazu (kvet, ovocie, vedec atď.).

V Rusku spadá rozkvet zátišia až do 20. storočia, pretože predtým sa používal hlavne na vzdelávacie účely. Ale tento vývoj bol rýchly a zachytený, vrátane abstrakcionizmu so všetkými jeho smermi. Vytváral napríklad nádherné kvetinové aranžmány, preferoval, zapracovával a často „oživoval“ svoje zátišia, čím v divákovi vzbudzoval dojem, že riad spadne zo stola alebo že sa všetky predmety začnú otáčať.

Predmety zobrazované umelcami boli, samozrejme, ovplyvnené aj ich teoretickými názormi či svetonázorom, stavom mysle. Išlo teda o predmety zobrazené podľa ním objaveného princípu sférickej perspektívy a expresionistické zátišia boli nápadné v ich dráme.

Mnoho ruských umelcov využívalo zátišie najmä na vzdelávacie účely. Nielenže zdokonaľoval svoje umelecké schopnosti, ale vykonával aj mnohé experimenty, rozmiestňoval predmety rôznymi spôsobmi, pracoval so svetlom a farbami. experimentoval s tvarom a farbou línie, niekedy sa vzdialil od realizmu k čistému primitivizmu, niekedy zmiešal oba štýly.

Iní umelci kombinovali v zátišiach to, čo zobrazili predtým, a svoje obľúbené veci. Napríklad na obrazoch nájdete jeho obľúbenú vázu, noty a portrét manželky, ktorý vytvoril predtým, no zobrazoval kvety, ktoré miloval už od detstva.

V rovnakom žánri pracovali napríklad mnohí ďalší ruskí umelci a ďalší.

Príklady obrazov známych ruských umelcov v žánri zátišie




Nude (fr. nudite - nahota, skrátene nu)

Tento žáner je určený na zobrazenie krásy nahého tela a objavil sa ešte pred naším letopočtom. V starovekom svete sa veľká pozornosť venovala fyzickému vývoju, pretože na ňom záviselo prežitie celej ľudskej rasy. Takže v starovekom Grécku športovci tradične súťažili nahí, aby chlapci a mladí muži videli ich dobre vyvinuté telá a usilovali sa o rovnakú fyzickú dokonalosť. Približne v storočiach VII-VI. BC e. Objavili sa aj nahé mužské sochy, ktoré zosobňovali fyzickú silu muža. Naopak, ženské postavy sa pred publikom vždy objavovali v róbach, keďže nebolo zvykom odhaľovať ženské telo.

V nasledujúcich obdobiach sa postoj k nahým telám zmenil. Takže v časoch helenizmu (od konca 6. storočia pred Kristom) vytrvalosť ustúpila do pozadia a ustúpila obdivovaniu mužskej postavy. V rovnakom čase sa začali objavovať prvé ženské nahé postavy. V barokovej ére sa za ideálne považovali ženy s veľkolepými tvarmi, počas rokoka sa prioritou stala zmyselnosť a v 19. – 20. storočí boli maľby či sochy s nahými telami (najmä mužov) často zakázané.

Ruskí umelci sa vo svojich dielach opakovane obracajú k žánru nahého. Ide teda o tanečníčky s divadelnými atribútmi, ide o pózujúce dievčatá či ženy v centre monumentálnych zápletiek. Toto je veľa zmyselných žien, vrátane párov, je to celá séria obrazov zobrazujúcich nahé ženy v rôznych činnostiach, a to sú dievčatá plné nevinnosti. Niektoré napríklad zobrazovali úplne nahých mužov, hoci takéto obrazy spoločnosť svojej doby nevítala.

Príklady obrazov známych ruských umelcov v žánri nahých





Krajina (fr. Paysage, from pays - area)

V tomto žánri je prioritou obraz prírodného alebo človekom vytvoreného prostredia: prírodné zákutia, pohľady na mestá, dediny, pamiatky atď. V závislosti od vybraného objektu sa rozlišujú prírodné, priemyselné, morské, vidiecke, lyrické a iné krajiny.

Prvé krajiny starých umelcov sa našli v neolitickom skalnom umení a boli to obrazy stromov, riek alebo jazier. Neskôr sa prírodný motív začal používať na výzdobu domácnosti. V stredoveku krajinu takmer úplne nahradila náboženská tematika a v renesancii sa naopak do popredia dostal harmonický vzťah človeka a prírody.

V Rusku sa krajinomaľba rozvíjala od 18. storočia a bola spočiatku obmedzená (v tomto štýle vznikali napríklad krajiny a), no neskôr celá plejáda talentovaných ruských umelcov obohatila tento žáner o techniky rôznych štýlov a trendov. vytvoril takzvanú diskrétnu krajinu, čiže namiesto honby za nádhernými výhľadmi zobrazil tie najintímnejšie momenty ruskej prírody. a prišiel do lyrickej krajiny, ktorá divákov zasiahla jemne prenesenou náladou.

A toto je epická krajina, keď sa divákovi ukáže celá vznešenosť okolitého sveta. E. Volkov, nekonečne obrátený k antike, vedel premeniť akúkoľvek diskrétnu krajinu na poetický obraz, udivoval diváka svojím podivuhodným svetlom v krajine a mohol donekonečna obdivovať lesné zákutia, parky, západy slnka a sprostredkovať túto lásku divákovi.

Každý z krajinárov sa zameral na krajinu, ktorá ho obzvlášť silno fascinovala. Mnoho umelcov sa nedokázalo dostať cez veľké stavebné projekty a maľovalo veľa priemyselných a mestských krajín. Medzi nimi sú diela , a iných umelcov. fascinovaný pamiatkami a

Slovo "maľovanie" pochádza z ruských slov "žiť" a "písať", získa sa fráza "živé písanie". Maľba ako znamená obraz skutočného sveta nakreslený pomocou improvizovaných materiálov (ceruzky, farby, plastelíny a pod.) na rovné plochy. Môžeme povedať, že projekcia reálneho sveta cez prizmu umelcovej predstavivosti je

Druhy maľby

Tá je opradená rôznymi druhmi a technikami zobrazovania reality, ktoré závisia nielen od techniky prevedenia diela umelca a použitých materiálov, ale aj od obsahu a sémantického posolstva kreativity. Na sprostredkovanie pocitov, emócií a myšlienok umelec využíva predovšetkým pravidlá hry s farbou a svetlom: pomer farebných odtieňov a hru svetiel a tieňov. Vďaka tomuto tajomstvu sú obrázky naozaj živé.

Aby ste dosiahli tento efekt, musíte šikovne použiť farebné materiály. Preto maľba, ktorej typy závisia od techniky kresby a druhov farieb, môže používať akvarel, olej, tempera, pastel, gvaš, vosk, akryl atď. Všetko závisí od túžby umelca.

Vo výtvarnom umení existujú tieto hlavné typy maľby:

1. Monumentálna maľba. Už zo samotného názvu tohto druhu umenia vyplýva, že tvorba bude žiť mnoho storočí. Tento typ implikuje symbiózu architektúry a výtvarného umenia. Monumentálnu maľbu možno najčastejšie vidieť v náboženských chrámoch: sú to maľované steny, klenby, oblúky a stropy. Keď sa kresba a samotná budova stanú jedným, takéto diela majú hlboký význam a nesú globálnu kultúrnu hodnotu. Fresky čoraz častejšie spadajú pod tento typ maľby. Spravidla sa vykonávajú nielen farbami, ale aj keramickými dlaždicami, sklom, farebnými kameňmi, mušľovými kameňmi atď.

2. Maľba na stojane. Typy takéhoto výtvarného umenia sú veľmi bežné a dostupné pre každého umelca. Aby bol obraz považovaný za stojan, tvorca bude potrebovať plátno (stojan) a rám naň. Obraz bude teda nezávislý a nie je rozdiel, kde a v akej architektonickej štruktúre sa nachádza.

3. Druhy a formy prejavu kreativity sú neobmedzené a tento druh umenia môže slúžiť ako dôkaz. existuje už viac ako tisíc rokov: sú to bytové dekorácie, maľovanie riadu, vytváranie suvenírov, maľovanie látok, nábytku atď. Podstatou kreativity je, že predmet a kresba na ňom sa stanú jedným. Za nevkus sa považuje, keď umelec zobrazuje na predmete úplne nevhodnú kresbu.

4. zahŕňa vizuálny dizajn pre divadelné predstavenia, ako aj pre kino. Tento druh umenia umožňuje divákovi presnejšie pochopiť a prijať obraz hry, hry alebo filmu.

Žánre maľby

V teórii umenia je tiež dôležité zdôrazniť žánre maľby, z ktorých každý má svoje vlastné charakteristiky:

Portrét.

Zátišie.

Ikonografia.

Animalizmus.

Príbeh.

Toto sú hlavné, ktoré v dejinách umenia existujú už dlho. Pokrok však nestojí na mieste. Každý rok sa zoznam žánrov rozrastá a zväčšuje. Objavila sa teda abstrakcia a fantázia, minimalizmus atď.

Maliarstvo je jedno zo starovekých umení, ktoré sa v priebehu mnohých storočí vyvinulo od paleolitických skalných malieb až po najnovšie trendy 20. a dokonca aj 21. storočia. Toto umenie sa zrodilo takmer s príchodom ľudstva. Starovekí ľudia, ktorí si ani úplne neuvedomili seba ako osobu, cítili potrebu zobraziť svet okolo seba na povrchu. Kreslili všetko, čo videli: zvieratá, prírodu, poľovnícke výjavy. Na maľovanie používali niečo podobné ako farby z prírodných materiálov. Boli to farby zeme, drevené uhlie, čierne sadze. Štetce boli vyrobené zo zvieracích chlpov alebo jednoducho maľované prstami.

V dôsledku zmien vznikli nové typy a žánre maľby. Po staroveku nasledovalo obdobie antiky. Maliari a umelci chceli reprodukovať skutočný okolitý život, ako ho vidí človek. Túžba po presnosti prenosu spôsobila vznik základov perspektívy, základov svetelných a tieňových konštrukcií rôznych obrazov a ich štúdium umelcami. A predovšetkým študovali, ako zobraziť trojrozmerný priestor na rovine steny vo freskovej maľbe. Niektoré umelecké diela, ako napríklad trojrozmerný priestor, šerosvit, sa začali používať na zdobenie miestností, náboženských centier a pohrebísk.

Ďalším významným obdobím v minulosti maliarstva je stredovek. V tejto dobe mala maľba viac náboženský charakter a svetonázor sa začal odrážať aj v umení. Kreativita umelcov smerovala k ikonografii a iným náboženským melódiám. Hlavnými dôležitými bodmi, ktoré musel umelec zdôrazniť, nebolo ani tak presné odzrkadlenie reality, ako skôr prenos duchovnosti aj do najrozmanitejších obrazov. Plátna vtedajších majstrov boli nápadné svojou výraznosťou kontúr, farebnosťou a farebnosťou. Stredoveká maľba sa nám zdá plochá. Všetky postavy umelcov tej doby sú na rovnakej línii. A tak nám mnohé diela pripadajú akési štylizované.

Obdobie šedého stredoveku vystriedalo svetlejšie obdobie renesancie. Renesancia opäť urobila zlom v historickom vývoji tohto umenia. Umelcovi začali diktovať nové nálady v spoločnosti, nový svetonázor: aké aspekty maľby by sa mali odhaliť úplnejšie a jasnejšie. Maliarske žánre ako portrét a krajina by sa stali nezávislými štýlmi. Umelci vyjadrujú emócie človeka a jeho vnútorný svet novými spôsobmi maľby. V 17. a 18. storočí došlo k ešte vážnejšiemu rozmachu maliarstva. V tomto období katolícka cirkev stráca na význame a umelci vo svojich dielach čoraz viac odrážajú pravdivé pohľady na ľudí, prírodu, domáci a každodenný život. V tomto období sa formujú aj také žánre ako baroko, rokoko, klasicizmus, manierizmus. Vzniká romantizmus, ktorý neskôr vystrieda veľkolepejší štýl – impresionizmus.

Začiatkom dvadsiateho storočia sa maľba dramaticky mení a objavuje sa novší smer súčasného umenia – abstraktná maľba. Myšlienkou tohto smeru je sprostredkovať harmóniu medzi človekom a umením, vytvárať harmóniu v kombináciách línií a farebných odleskov. Toto umenie nemá žiadnu objektivitu. Nesnaží sa o presný prenos skutočného obrazu, ale naopak, sprostredkúva to, čo je v duši umelca, jeho emócie. Dôležitú úlohu pre tento druh umenia zohrávajú tvary a farby. Jeho podstatou je sprostredkovať predtým známe predmety novým spôsobom. Tu majú umelci úplnú slobodu vo svojich fantáziách. To dalo impulz vzniku a rozvoju moderných trendov, akými sú avantgarda, underground, abstraktné umenie. Od konca 20. storočia až po súčasnosť sa maľba neustále menila. Napriek všetkým novým úspechom a moderným technológiám však umelci stále zostávajú verní klasickému umeniu - olejomaľba a akvarel, vytvárajú svoje majstrovské diela pomocou farieb a plátien.

Natália Martynenko

Dejiny výtvarného umenia

História maľby je nekonečná reťaz, ktorá sa začala úplne prvými obrazmi. Každý štýl vyrastá zo štýlov, ktoré mu predchádzali. Každý veľký umelec pridáva niečo k úspechom skorších umelcov a ovplyvňuje neskorších umelcov.

Maľovanie si môžeme vychutnať pre jeho krásu. Jeho línie, tvary, farby a kompozícia (usporiadanie dielov) dokážu potešiť naše zmysly a utkveť v spomienkach. Ale radosť z umenia sa zvyšuje, keď sa dozvieme, kedy, prečo a ako bolo vytvorené.

Dejiny maľby ovplyvnili mnohé faktory. Geografia, náboženstvo, národné charakteristiky, historické udalosti, vývoj nových materiálov – to všetko pomáha formovať umelcovu víziu. V priebehu histórie maľba odrážala meniaci sa svet a naše chápanie tohto sveta. Umelci na oplátku poskytli jedny z najlepších záznamov o vývoji civilizácie, ktoré niekedy prezrádzajú viac ako písané slovo.

prehistorická maľba

Obyvatelia jaskýň boli prvými umelcami. Na stenách jaskýň v južnom Francúzsku a Španielsku sa našli farebné kresby zvierat z obdobia 30 000 až 10 000 pred Kristom. Mnohé z týchto kresieb sú prekvapivo dobre zachované, pretože jaskyne boli po mnoho storočí uzavreté. Prví ľudia kreslili obrázky divých zvierat, ktoré videli okolo seba. V Afrike a východnom Španielsku sa našli veľmi hrubé ľudské postavy vyrobené v životne dôležitých pozíciách.

Jaskynní umelci zaplnili steny jaskyne kresbami v bohatých, žiarivých farbách. Niektoré z najkrajších malieb sa nachádzajú v jaskyni Altamira v Španielsku. Jeden detail ukazuje zraneného byvola, ktorý už nemôže stáť - pravdepodobne obeť lovca. Je natretý červenohnedou farbou a jednoducho, ale zručne načrtnutý čiernou farbou. Pigmenty používané jaskynnými umelcami sú okrová (oxidy železa s rôznou farbou od svetložltej po tmavooranžovú) a mangán (tmavý kov). Boli rozomleté ​​na jemný prášok, zmiešané s lubrikantom (prípadne mastným olejom) a nanesené na povrch nejakým druhom štetca. Niekedy mali pigmenty podobu tyčiniek, podobných pastelkám. Z tuku zmiešaného s práškovými pigmentmi sa vytvorila tekutá farba a lak a častice pigmentu sa zlepili. Obyvatelia jaskyne vyrábali štetce zo zvieracích chlpov alebo rastlín, ostré nástroje z pazúrika (na kreslenie a škrabanie).

Už pred 30 000 rokmi ľudia vynašli základné nástroje a materiály na maľovanie. Metódy a materiály sa v nasledujúcich storočiach zdokonaľovali a zdokonaľovali. Ale objavy obyvateľov jaskyne zostávajú hlavnými pre maľovanie.

Egyptské a mezopotámske maliarstvo (3400 – 332 pred Kr.)

Jedna z prvých civilizácií sa objavila v Egypte. Z písomných záznamov a umenia, ktoré po sebe Egypťania zanechali, je známe veľa o ich živote. Verili, že telo musí byť zachované, aby duša mohla žiť po smrti. Veľké pyramídy boli prepracované hrobky bohatých a mocných egyptských vládcov. Veľa egyptského umenia bolo vytvorené pre pyramídy a hrobky kráľov a iných významných ľudí. Aby mali umelci úplnú istotu, že duša bude existovať aj naďalej, vytvorili obrazy mŕtveho človeka v kameni. Výjavy zo života človeka reprodukovali aj na nástenných maľbách v pohrebných komorách.

Techniky egyptského výtvarného umenia zostali po stáročia nezmenené. V jednej metóde sa akvarelová farba nanášala na hlinené alebo vápencové povrchy. V inom procese boli obrysy vytesané do kamenných stien a maľované vodovými farbami. Na priľnutie farby k povrchu bol pravdepodobne použitý materiál zvaný arabská guma. Našťastie suché podnebie a zapečatené hrobky zabránili tomu, aby niektoré z týchto akvarelových malieb erodovali vlhkosťou. Veľa poľovníckych výjavov zo stien hrobiek v Thébach pochádzajúcich asi z roku 1450 pred Kristom je dobre zachovaných. Ukazujú, ako poľovníci prenasledujú vtáky alebo ryby a ryby. Tieto predmety možno identifikovať aj dnes, pretože boli starostlivo a starostlivo namaľované.

Mezopotámska civilizácia, ktorá trvala od roku 3200 do roku 332 pred Kristom, sa nachádzala v údolí medzi riekami Tigris a Eufrat na Blízkom východe. Domy v Mezopotámii sa stavali prevažne z hliny. Keď hlina dažďom zmäkne, ich budovy sa rozpadnú na prach a zničia všetky nástenné maľby, ktoré mohli byť veľmi zaujímavé. Zostáva zdobená keramika (maľovaná a pálená) a farebné mozaiky. Hoci mozaiky nemožno považovať za maľbu, často na ňu majú vplyv.

Egejská civilizácia (3000 – 1100 pred Kr.)

Treťou veľkou ranou kultúrou bola civilizácia v Egejskom mori. Egejci žili na ostrovoch pri pobreží Grécka a na polostrove Malá Ázia približne v rovnakom čase ako starí Egypťania a Mezopotámčania.

V roku 1900 začali archeológovia s vykopávkami paláca kráľa Minosa v Knossose na ostrove Kréta. Vykopávky odkryli umelecké diela napísané okolo roku 1500 pred Kristom. v neobyčajne slobodnom a ladnom štýle tej doby. Je zrejmé, že Kréťania boli bezstarostný, prírodu milujúci národ. Medzi ich obľúbené témy v umení patril morský život, zvieratá, kvety, športové hry, masové sprievody. V Knóssose a ďalších egejských palácoch sa na stenách mokrej omietky maľovali obrazy minerálnymi farbami, pieskom a hlineným okrovom. Farba sa vsiakla do vlhkej omietky a stala sa trvalou súčasťou steny. Tieto maľby sa neskôr nazývali fresky (z talianskeho slova pre „čerstvé“ alebo „nové“). Kréťania mali radi žiarivú žltú, červenú, modrú a zelenú.

Grécke a rímske klasické maliarstvo (1100 pred Kristom – 400 po Kr.)

Starí Gréci zdobili steny chrámov a palácov freskami. Z antických literárnych prameňov a z rímskych kópií gréckeho umenia možno povedať, že Gréci maľovali malé obrázky a vyrábali mozaiky. Mená gréckych majstrov a málo z ich životov a diel sú známe, hoci len veľmi málo gréckej maľby prežilo stáročia a následky vojen. Gréci do hrobiek veľa nepísali, takže ich dielo nebolo chránené.

Z gréckeho maliarstva dnes zostali maľované vázy. Hrnčiarstvo bolo v Grécku veľkým priemyslom, najmä v Aténach. Nádoby boli veľmi žiadané, vyvážali sa, rovnako ako olej a med, aj na domáce účely. Najstaršia maľba váz bola v geometrických tvaroch a ornamentoch (1100-700 pred Kristom). Vázy boli zdobené aj ľudskými postavami v hnedej glazúre na svetlej hline. V 6. storočí maliari váz často maľovali čierne ľudské postavy na prírodnú červenú hlinu. Detaily boli vyryté do hliny ostrým nástrojom. To umožnilo, aby sa červená objavila v hĺbke reliéfu.

Štýl červenej postavy nakoniec nahradil čiernu. To je naopak: postavy sú červené a pozadie je čierne. Výhodou tohto štýlu bolo, že umelec mohol pomocou štetca vytvárať obrysy. Štetec poskytuje voľnejšiu líniu ako kovový nástroj používaný v čiernych tvarovaných vázach.

Rímske nástenné maľby sa našli najmä vo vilách (vidieckych domoch) v Pompejách a Herculaneu. V roku 79 nášho letopočtu tieto dve mestá úplne pochovala erupcia Vezuvu. Archeológovia, ktorí túto oblasť vykopali, sa mohli z týchto miest dozvedieť veľa o živote starovekých Rimanov. Takmer každý dom a vila v Pompejách mal na stenách obrazy. Rímski maliari starostlivo pripravili povrch steny nanesením zmesi mramorového prachu a omietky. Povrchy vyleštili do kvality mramorovej úpravy. Mnohé z obrazov sú kópiami gréckych malieb zo 4. storočia pred Kristom. Pôvabné pózy postáv namaľovaných na stenách vily mystérií v Pompejách inšpirovali umelcov 18. storočia, keď bolo mesto vykopané.

Portréty maľovali aj Gréci a Rimania. Malý počet z nich, väčšinou portréty múmií, ktoré vytvorili egyptskí umelci v gréckom štýle, prežívajú v okolí Alexandrie v severnom Egypte. Alexandria, založená v 4. storočí pred Kristom Alexandrom Veľkým z Grécka, sa stala popredným centrom gréckej a rímskej kultúry. Portréty boli maľované technikou enkaustiky na drevo a inštalované v podobe múmie po smrti zobrazovanej osoby. Enkaustické maľby vyrobené vo farbe zmiešanej s roztaveným včelím voskom majú veľmi dlhú trvanlivosť. Tieto portréty skutočne vyzerajú stále sviežo, hoci boli vyrobené už v druhom storočí pred naším letopočtom.

Ranokresťanské a byzantské maliarstvo (300 – 1300)

Rímska ríša upadla v 4. storočí nášho letopočtu. Zároveň kresťanstvo naberalo na sile. V roku 313 rímsky cisár Konštantín toto náboženstvo oficiálne uznal a sám konvertoval na kresťanstvo.

Vznik kresťanstva výrazne ovplyvnil umenie. Umelci boli poverení vyzdobiť steny kostolov freskami a mozaikami. Vyrábali panely v kostolných kaplnkách, ilustrovali a zdobili cirkevné knihy. Umelci, ovplyvnení Cirkvou, museli čo najjasnejšie komunikovať učenie kresťanstva.

Prví kresťania a byzantskí umelci pokračovali v technike mozaiky, ktorú sa naučili od Grékov. Malé ploché kúsky farebného skla alebo kameňa sa ukladali na vlhký cement alebo omietku. Niekedy sa používali aj iné tvrdé materiály, ako napríklad kúsky vypálenej hliny alebo mušle. V talianskych mozaikách sú farby obzvlášť sýte a plné. Talianski umelci vytvorili pozadie s kúskami pozláteného skla. Zobrazovali ľudské postavy v bohatých farbách na pozadí trblietavého zlata. Celkový efekt bol plochý, dekoratívny a nereálny.

Mozaiky od byzantských umelcov boli často ešte menej realistické a ešte dekoratívnejšie ako mozaiky raných kresťanov. „Byzantský“ je názov pre umelecký štýl, ktorý sa vyvinul okolo starovekého mesta Byzancia (dnes Istanbul, Turecko). Technika mozaiky dokonale zodpovedala byzantskému vkusu pre veľkolepo zdobené kostoly. Slávne mozaiky Theodora a Justinian, vyrobené okolo roku 547 nášho letopočtu, ukazujú chuť na bohatstvo. Šperky na postavách sa lesknú a farebné dvorné šaty sa lesknú oproti trblietavému zlatu. Byzantskí umelci používali zlato aj na fresky a panely. Zlato a iné vzácne materiály sa v stredoveku používali na oddelenie duchovných predmetov od každodenného sveta.

Stredoveké maliarstvo (500 – 1400)

Prvá časť stredoveku, približne od 6. do 11. storočia nášho letopočtu, sa zvyčajne označuje ako doba temna. V tomto období nepokojov sa umenie skladovalo najmä v kláštoroch. V 5. storočí nášho letopočtu Po kontinente sa potulovali kmene Varranov zo severnej a strednej Európy. Stovky rokov dominovali v západnej Európe. Títo ľudia produkovali umenie, v ktorom je hlavným prvkom vzor. Obľubovali najmä štruktúry prepletajúcich sa drakov a vtákov.

To najlepšie z keltského a saského umenia nájdeme v rukopisoch zo 7. a 8. storočia. Knižné ilustrácie, osvetlenie a miniatúrne maľby, ktoré sa praktizovali od neskorých rímskych čias, sa rozšírili v stredoveku. Osvetlenie je ozdobou textu, veľkých písmen a okrajov. Použité boli zlaté, strieborné a svetlé farby. Miniatúra je malý obrázok, často portrét. Tento výraz sa pôvodne používal na opis dekoratívneho bloku okolo začiatočných písmen v rukopise.

Karol Veľký, ktorý bol začiatkom deviateho storočia korunovaný za cisára Svätej ríše rímskej, sa pokúsil oživiť klasické umenie neskorého rímskeho a raného kresťanského obdobia. Za jeho vlády maliari miniatúr napodobňovali klasické umenie, no prostredníctvom svojich predmetov sprostredkúvali aj osobné pocity.

Zo stredoveku sa zachovalo veľmi málo nástenných malieb. Kostoly postavené v románskom období (11.-13. storočie) mali niekoľko skvelých fresiek, ale väčšina z nich zmizla. V kostoloch gotického obdobia (XII-XVI storočia) nebolo dosť miesta na nástenné maľby. Hlavným dielom gotického maliara bola knižná ilustrácia.

Medzi najlepšie ilustrované rukopisy patrili knihy hodín – zbierky kalendárov, modlitieb a žalmov. Strana z talianskeho rukopisu zobrazuje prepracované iniciály a jemne detailnú okrajovú scénu svätého Juraja zabíjajúceho draka. Farby sú brilantné a pripomínajú drahokam, ako na vitráži, a zlato sa leskne nad stránkou. Nádherne jemné listové a kvetinové vzory ohraničenia textu. Na dokončenie tak zložito detailného diela umelci pravdepodobne použili lupy.

Taliansko: Cimabue a Giotto

Talianski umelci na konci 13. storočia stále pracovali v byzantskom štýle. Ľudské postavy boli ploché a dekoratívne. Tváre mali len zriedkavý výraz. Telá boli bez tiaže a zdalo sa, že sa skôr vznášajú, než by stáli pevne na zemi. Vo Florencii sa maliar Cimabue (1240-1302) pokúsil zmodernizovať niektoré staré byzantské techniky. Anjeli v „Madone tróniacej“ sú aktívnejší, než je na vtedajších obrazoch obvyklé. V ich gestách a tvárach je vidieť trochu ľudskejšie cítenie. Cimabue dodal svojim obrazom nový zmysel pre monumentálnosť či veľkoleposť. Naďalej však dodržiaval mnohé byzantské tradície, ako napríklad zlaté pozadie a vzorované usporiadanie predmetov a postáv.

Bol to veľký florentský umelec Giotto (1267-1337), ktorý v skutočnosti porušil byzantskú tradíciu. Jeho séria fresiek v kaplnke Arény v Padove necháva byzantské umenie ďaleko za sebou. V týchto scénach zo života Márie a Krista sú skutočné emócie, napätie a naturalizmus. Sú prítomné všetky kvality ľudského tepla a súcitu. Ľudia sa nezdajú úplne neskutoční alebo nebeskí. Giotto vytieňoval obrysy postáv a do záhybov rúch umiestnil hlboké tiene, aby dodali pocit guľatosti a pevnosti.

Pre svoje malé panely použil Giotto čistú vajcovú temperu, médium, ktoré zdokonalili Florenťania v 14. storočí. Jasnosť a brilantnosť jeho farieb musela mať silný vplyv na ľudí zvyknutých na tmavé farby byzantských panelov. Temperové maľby vyvolávajú dojem, že na javisko dopadá mäkké denné svetlo. Majú takmer plochý vzhľad, na rozdiel od lesku olejomaľby. Vaječná tempera zostala hlavnou farbou, kým ju v 16. storočí takmer úplne nenahradil olej.

Neskorostredoveká maľba severne od Álp

Začiatkom 15. storočia tvorili umelci v severnej Európe štýl úplne odlišný od talianskej maľby. Severskí umelci dosiahli realizmus pridaním nespočetných detailov do svojich obrazov. Všetky vlasy boli jemne definované a každý detail závesu alebo podlahy bol presne nastavený. Vynález olejomaľby uľahčil detailné spracovanie detailov.

K rozvoju olejomaľby výrazne prispel flámsky maliar Jan van Eyck (1370-1414). Pri použití tempery je potrebné farby nanášať oddelene. Nedajú sa navzájom dobre tieniť, pretože farba rýchlo schne. S olejom, ktorý schne pomaly, môže umelec dosiahnuť komplexnejšie efekty. Jeho portréty z rokov 1466-1530 boli vyhotovené flámskou olejovou technikou. Všetky detaily a dokonca aj zrkadlový odraz sú jasné a presné. Farba je odolná a má tvrdý povrch podobný smaltu. Drevený panel so základným náterom bol pripravený rovnakým spôsobom, akým Giotto pripravoval svoje panely na tempery. Van Eyck vytvoril obraz vo vrstvách jemnej farby nazývanej glazúra. Tempera bola pravdepodobne použitá v pôvodnom podraste a na melír.

talianska renesancia

Kým van Eyck pracoval na severe, Taliani sa presúvali do zlatého veku umenia a literatúry. Toto obdobie sa nazýva renesancia, čo znamená znovuzrodenie. Talianski umelci sa inšpirovali sochárstvom starých Grékov a Rimanov. Taliani chceli oživiť ducha klasického umenia, ktoré oslavuje ľudskú nezávislosť a šľachtu. Renesanční umelci pokračovali v maľovaní náboženských scén. Ale zdôrazňovali aj pozemský život a ľudské úspechy.

Florencia

Úspechy Giotta na začiatku 14. storočia znamenali začiatok renesancie. Pokračovali v nej talianski umelci 17. storočia. Masaccio (1401-1428) bol jedným z vodcov prvej generácie renesančných umelcov. Žil vo Florencii, bohatom obchodnom meste, kde sa začalo renesančné umenie. V čase svojej smrti koncom dvadsiatych rokov spôsobil revolúciu v maľbe. Vo svojej slávnej nástennej maľbe „The Tribute Money“ umiestňuje pevné sochárske postavy do krajiny, ktorá sa zdá byť roztiahnutá ďaleko do diaľky. Masaccio možno študoval perspektívu u florentského architekta a sochára Brunelleschiho (1377-1414).

Technika fresky bola veľmi populárna v období renesancie. Hodila sa najmä na veľké obrazy, pretože farby na freske sú suché a dokonale ploché. Obraz je možné sledovať z akéhokoľvek uhla bez odleskov a odrazov. K dispozícii sú aj fresky. Zvyčajne mali umelci niekoľko asistentov. Práce sa robili po kúskoch, lebo sa musela dokončiť ešte vlhká omietka.

Masacciov úplný „trojrozmerný“ štýl bol typický pre nové progresívne hnutie 15. storočia. Štýl Fra Angelico (1400-1455) je tradičnejší prístup používaný mnohými umelcami ranej renesancie. Menej sa zaoberal perspektívou a viac sa zaujímal o dekoratívny dizajn. Jeho „Korunovácia Panny Márie“ je ukážkou tempery v najkrajšom prevedení. Veselé sýte farby oproti zlatu a zvýraznené zlatom. Obrázok vyzerá ako zväčšená miniatúra. Dlhé úzke postavy majú s Masacciom pramálo spoločného. Kompozícia je organizovaná v širokých pohybových líniách, ktoré krúžia okolo ústredných postáv Krista a Márie.

Ďalším Florenťanom, ktorý pracoval v tradičnom štýle, bol Sandro Botticelli (1444-1515). Plynulé rytmické línie spájajú úseky Botticelliho „Jar“. Sprava sa preháňa postava Jara, ktorú nesie západný vietor. Tri grácie tancujú v kruhu, vlajúce záhyby šiat a ladné pohyby rúk vyjadrujú rytmy tanca.

Leonardo da Vinci (1452-1519) študoval maliarstvo vo Florencii. Je známy svojimi vedeckými výskumami a vynálezmi, ako aj svojimi obrazmi. Len veľmi málo jeho obrazov sa zachovalo, čiastočne preto, že často experimentoval s rôznymi spôsobmi vytvárania a nanášania farieb, než aby používal osvedčené a pravdivé metódy. Posledná večera (maľovaná v rokoch 1495 až 1498) bola urobená olejom, ale nanešťastie ju Leonardo namaľoval na vlhkú stenu, čo spôsobilo popraskanie farby. Ale aj v zlom stave (pred reštaurovaním) mal obraz schopnosť vzbudiť emócie v každom, kto ho vidí.

Jednou z charakteristických čŕt Leonardovho štýlu bola jeho metóda zobrazovania svetiel a tmy. Taliani jeho polotmavé osvetlenie nazývali „sfumato“, čo znamená zadymené alebo zahmlené. Postavy v Madone of the Rocks sú zahalené v atmosfére sfumato. Ich tvary a vlastnosti sú jemne tieňované. Leonardo tieto efekty dosiahol použitím veľmi jemných gradácií svetlých a tmavých tónov.

Rím

Vrchol renesančného maliarstva nastal v 16. storočí. Centrum umenia a kultúry sa zároveň presunulo z Florencie do Ríma. Za pápeža Sixta IV. a jeho nástupcu Júliusa II. bolo mesto Rím slávne a bohato vyzdobené renesančnými umelcami. Niektoré z najambicióznejších projektov tohto obdobia sa začali počas pápežstva Júliusa II. Július poveril veľkého sochára a maliara Michelangela (1475-1564), aby namaľoval strop Sixtínskej kaplnky a vyrezal sochu pre hrob pápeža. Július pozval na výzdobu Vatikánu aj maliara Rafaela (1483-1520). Raphael s asistentmi vymaľoval štyri izby pápežových apartmánov vo Vatikánskom paláci.

Michelangelo, rodený Florenťan, vyvinul monumentálny štýl maľby. Postavy na jeho obraze sú také pevné a objemné, že vyzerajú ako sochy. Sixtínsky strop, ktorého dokončenie Michelangelovi trvalo 4 roky, tvoria stovky ľudských postáv zo Starého zákona. Aby Michelangelo dokončil túto grandióznu fresku, musel si ľahnúť na lešenie na chrbát. Zamyslená tvár Jeremiáša medzi prorokmi, ktorí obklopujú strop, niektorí odborníci považujú za Michelangelov autoportrét.

Raphael prišiel do Florencie z Urbina ako veľmi mladý muž. Vo Florencii absorboval myšlienky Leonarda a Michelangela. V čase, keď Raphael odišiel do Ríma pracovať vo Vatikáne, jeho štýl sa stal jedným z najkrajších. Miloval najmä svoje krásne portréty Madony s dieťaťom. Boli reprodukované po tisícoch a možno ich vidieť všade. Jeho „Madonna del Granduca“ je úspešná vďaka svojej jednoduchosti. Nadčasový vo svojej pokojnosti a čistote je pre nás rovnako príťažlivý, ako bol pre Talianov z Raphaelovej éry.

Benátky

Benátky boli hlavným severotalianskym mestom renesancie. Navštevovali ho umelci z Flámska a inde, ktorí poznali flámske experimenty s olejovými farbami. To podnietilo skoré používanie olejovej techniky v talianskom meste. Benátčania sa naučili maľovať na pevne napnuté plátno, a nie na drevené dosky bežne používané vo Florencii.

Giovanni Bellini (1430-1515) bol najväčším benátskym maliarom 15. storočia. Bol tiež jedným z prvých talianskych maliarov, ktorí použili olej na plátne. Giorgione (1478-1151) a Tizian (1488-1515), ktorý je najznámejším zo všetkých benátskych maliarov, boli učni v Belliniho ateliéri.

Olejový majster Tizian maľoval obrovské plátna v teplých sýtych farbách. Vo svojich zrelých obrazoch obetoval detail, aby vytvoril ohromujúce efekty, ako napríklad v Pesarskej madone. Na veľké ťahy používal veľké štetce. Jeho farby sú obzvlášť sýte, pretože trpezlivo vytváral glazúry v kontrastných farbách. Typicky sa na hnedý temperovaný povrch nanášali glazúry, ktoré dodali maľbe jednotný tón.

Ďalším veľkým benátskym maliarom 16. storočia bol Tintoretto (1518-1594). Na rozdiel od Tiziana zvyčajne pracoval priamo na plátne bez predbežných náčrtov a obrysov. Svoje formy často skresľoval (prekrúcal) kvôli kompozícii a dramatičnosti deja. Jeho technika, ktorá zahŕňa široké ťahy a dramatické kontrasty svetla a tmy, pôsobí veľmi moderne.

Umelec Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) bol známy ako El Greco ("Grék"). El Greco, ktorý sa narodil na ostrove Kréta, ktorý obsadila benátska armáda, trénovali talianski umelci. Ako mladý odišiel študovať do Benátok. Spoločný vplyv byzantského umenia, ktoré okolo seba videl na Kréte, a talianskeho renesančného umenia, dal vyniknúť El Grecovmu dielu.

Vo svojich obrazoch deformoval prírodné formy a používal ešte zvláštnejšie, éterickejšie farby ako Tintoretto, ktorého obdivoval. Neskôr sa El Greco presťahoval do Španielska, kde bezútešnosť španielskeho umenia ovplyvnila jeho tvorbu. V jeho dramatickej vízii Toleda zúri búrka nad smrteľným tichom mesta. Studené modré, zelené a modro-biele nesú chlad nad krajinou.

Renesancia vo Flámsku a Nemecku

Zlatým vekom maliarstva vo Flámsku (dnes súčasť Belgicka a severného Francúzska) bolo 15. storočie, čas van Eycka. V 16. storočí mnohí flámski umelci napodobňovali talianskych renesančných umelcov. Niektorí Flámovia však pokračovali vo flámskej tradícii realizmu. Potom sa rozšírila žánrová maľba – výjavy z každodenného života, ktoré boli niekedy očarujúce a niekedy fantastické. Hieronymus Bosch (1450-1515), ktorý predchádzal žánrovým maliarom, mal neobyčajne živú fantáziu. Pre film Pokušenie sv. Anthony“. Pieter Brueghel starší (1525-1569) tiež pracoval vo flámskej tradícii, no do svojich žánrových scén pridal perspektívu a ďalšie renesančné charakteristiky.

Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein mladší (1497-1543) a Lucas Cranach starší (1472-1553) boli traja najvýznamnejší nemeckí maliari 16. storočia. Urobili veľa pre zmiernenie pochmúrneho realizmu ranej nemeckej maľby. Dürer aspoň raz navštívil Taliansko, kde naňho zapôsobili obrazy Giovanniho Belliniho a ďalších severných Talianov. Prostredníctvom tejto skúsenosti vštepil nemeckej maľbe znalosť perspektívy, zmysel pre farbu a svetlo a nové chápanie kompozície. Holbein sa naučil ešte viac talianskych úspechov. Jeho citlivá kresba a schopnosť vybrať len tie najdôležitejšie detaily z neho urobili majstra portrétistu.

barokový obraz

17. storočie je v umení známe ako obdobie baroka. V Taliansku maliari Caravaggio (1571-1610) a Annibale Carracci (1560-1609) predstavovali dva protichodné pohľady. Caravaggio (vlastným menom Michelangelo Merisi) vždy čerpal inšpiráciu priamo zo životnej reality. Jedným z jeho hlavných problémov bolo čo najvernejšie kopírovať prírodu bez toho, aby ju akokoľvek oslavoval. Carracci na druhej strane nasledoval renesančný ideál krásy. Študoval antické sochárstvo a dielo Michelangela, Raphaela a Tiziana. Caravaggiov štýl obdivovali mnohí umelci, najmä Španiel Ribera a mladý Velázquez. Carracci inšpiroval Nicolasa Poussina (1594-1665), slávneho francúzskeho maliara 17. storočia.

Španielsko

Diego Velázquez (1599-1660), dvorný maliar španielskeho kráľa Filipa IV., bol jedným z najväčších španielskych maliarov. Obdivovateľ Tizianovej tvorby bol majstrom v používaní sýtej, harmonickej farby. Žiadny umelec nemohol urobiť lepšiu prácu pri vytváraní ilúzie bohatých látok alebo ľudskej kože. Portrét malého princa Philipa Prospera ukazuje túto zručnosť.

Flámsko

Obrazy flámskeho maliara Pietera Paula Rubensa (1577-1640) sú stelesnením barokového štýlu v plnej farbe. Prekypujú energiou, farbami a svetlom. Rubens prerušil flámsku tradíciu maľovania malých obrázkov. Jeho plátna sú obrovské, plné ľudských postáv. Na väčšie obrazy dostával viac objednávok, ako mohol zvládnuť. Preto často kreslil len malý farebný náčrt. Potom jeho asistenti preniesli skicu na veľké plátno a obraz dokončili pod vedením Rubensa.

Holandsko

Úspechy holandského maliara Rembrandta (1606-1669) patria k najvýraznejším v histórii. Mal úžasný dar – presne zachytiť a sprostredkovať ľudské emócie. Rovnako ako Tizian dlho pracoval na vytváraní viacvrstvových obrazov. Farby zeme – žltá okrová, hnedá a hnedočervená – boli jeho obľúbené. Jeho obrazy sú väčšinou robené v tmavých farbách. Dôležitosť tmavých vrstvených častí robí jeho techniku ​​nezvyčajnou. Akcent je prenášaný jasným osvetlením vo vzťahu k svetlým oblastiam.

Jan Vermeer (1632-1675) bol jednou zo skupín holandských maliarov, ktorí maľovali skromné ​​výjavy každodenného života. Bol majstrom v maľovaní všetkých druhov textúr – satén, perzské koberce, strúhanka, kov. Celkový dojem z Vermeerovho interiéru je slnečná, veselá miestnosť plná ikonických domácich potrieb.

Maľba 18. storočia

V 18. storočí Benátky vyprodukovali niekoľko vynikajúcich umelcov. Najznámejším bol Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Interiéry palácov a iných budov vyzdobil veľkolepými farebnými freskami predstavujúcimi výjavy bohatstva. Francesco Guardi (1712-1793) bol veľmi zručný so štetcom, len s niekoľkými kvapkami farby dokázal vykúzliť predstavu drobnej postavičky v člne. Veľkolepé výhľady na Antonia Canaletta (1697-1768) ospevovali zašlú slávu Benátok.

Francúzsko: rokokový štýl

Vo Francúzsku viedla chuť na pastelové farby a zložitú výzdobu na začiatku 18. storočia k rozvoju rokokového štýlu. Jean Antoine Watteau (1684-1721), dvorný maliar kráľa Ľudovíta XV., neskôr François Boucher (1703-1770) a Jean Honoré Fragonard (1732-1806) boli spájaní s rokokovými trendmi. Watteau napísal snové vízie, život, v ktorom je všetko zábavné. Štýl je založený na piknikoch v parkoch, lesných párty, kde sa v prírode zabávajú veselí páni a elegantné dámy.

Iní umelci z 18. storočia zobrazovali výjavy bežného života strednej triedy. Podobne ako Holanďan Vermeer aj Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) ocenil jednoduché domáce scény a zátišia. Jeho farby sú striedme a pokojné v porovnaní s Watteau.

Anglicko

V 18. storočí Briti prvýkrát vyvinuli samostatnú maliarsku školu. Jadro tvorili najmä portrétisti, ktorí boli ovplyvnení benátskymi renesančnými maliarmi. Najznámejšími sú Sir Joshua Reynolds (1723-1792) a Thomas Gainsborough (1727-1788). Reynolds, ktorý cestoval po Taliansku, nasledoval ideály renesančného maliarstva. Jeho portréty, očarujúce a dojímavé, nie sú nijako zvlášť zaujímavé farbou ani textúrou. Na druhej strane Gainsborough mal talent na brilantnosť. Plochy jeho obrazov žiaria žiarivou farbou.

Maľba 19. storočia

19. storočie je niekedy vnímané ako obdobie, počas ktorého sa začalo formovať moderné umenie. Jedným z dôležitých dôvodov takzvanej revolúcie v umení v tejto dobe bol vynález fotoaparátu, ktorý spôsobil, že umelci prehodnotili účel maľby.

Dôležitejším vývojom bolo rozšírené používanie prefabrikovaných farieb. Až do 19. storočia si väčšina umelcov alebo ich pomocníkov vyrábala vlastné farby brúsením pigmentu. Skoré komerčné farby boli horšie ako ručné farby. Umelci na konci 19. storočia zistili, že tmavomodré a hnedé farby skorších obrazov sa v priebehu niekoľkých rokov zmenili na čierne alebo šedé. Znovu začali používať čisté farby, aby si ušetrili prácu a niekedy preto, že sa snažili presnejšie odrážať slnečné svetlo v pouličných scénach.

Španielsko: Goya

Francisco Goya (1746-1828) bol prvým veľkým španielskym maliarom zo 17. storočia. Ako obľúbený maliar španielskeho dvora vytvoril množstvo portrétov kráľovskej rodiny. Kráľovské postavy sú vybavené elegantným oblečením a jemnými šperkami, no na niektorých ich tvárach sa odráža len márnosť a chamtivosť. Okrem portrétov maľoval Goya aj dramatické scény, ako napríklad Tretí máj 1808. Tento obraz zobrazuje skupinu španielskych rebelov popravených francúzskymi vojakmi. Odvážne kontrasty svetlých a tmavých a pochmúrnych farieb, preniknuté červenými škvrnami, vyvolávajú ponurú hrôzu predstavenia.

Hoci Francúzsko bolo v 19. storočí veľkým centrom umenia, anglickí krajinári John Constable (1776 – 1837) a Joseph Mallord William Turner (1775 – 1851) hodnotne prispeli k maľbe 19. storočia. Obaja sa zaujímali o maľovanie svetla a vzduchu, dvoch aspektov prírody, ktoré umelci 19. storočia naplno preskúmali. Strážnik použil metódu známu ako rozdelenie, alebo zlomená farba. Použil kontrastné farby cez hlavnú farbu pozadia. Na pevné nanášanie farby často používal paletový nôž. Obraz „Hay Wain“ ho preslávil po tom, čo bol predstavený v Paríži v roku 1824. Toto je jednoduchá scéna na dedinské seno. Mraky sa vznášajú nad lúkami pokrytými škvrnami slnečného svetla. Turnerove obrazy sú dramatickejšie ako obrazy Constabla, ktorý maľoval majestátne pamiatky prírody - búrky, morské scenérie, horiace západy slnka, vysoké hory. Zlatý opar často čiastočne zakrýva predmety na jeho obrazoch, takže sa zdajú, že sa vznášajú v nekonečnom priestore.

Francúzsko

Obdobie Napoleonovej vlády a francúzskej revolúcie znamenalo vznik dvoch protichodných smerov vo francúzskom umení – klasicizmu a romantizmu. Jacques Louis David (1748-1825) a Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) sa inšpirovali starovekým gréckym a rímskym umením a renesanciou. Zdôraznili detaily a použili farbu na vytvorenie pevných tvarov. Ako obľúbený umelec revolučnej vlády David často maľoval historické udalosti toho obdobia. Vo svojich portrétoch, ako napríklad Madame Recamier, sa snažil dosiahnuť klasickú jednoduchosť.

Théodore Guéricault (1791-1824) a romantik Eugène Delacroix (1798-1863) sa vzbúrili proti Dávidovmu štýlu. Pre Delacroixa bola farba najdôležitejším prvkom maľby a nemal trpezlivosť napodobňovať klasické sochy. Namiesto toho obdivoval Rubena a Benátčanov. Pre svoje obrazy si vybral farebné, exotické námety, ktoré žiaria svetlom a sú plné pohybu.

Barbizonskí maliari boli tiež súčasťou všeobecného romantického hnutia, ktoré trvalo približne od roku 1820 do roku 1850. Pracovali pri dedine Barbizon na okraji lesa Fontainebleau. Inšpiráciu čerpali z prírody a obrazy dotvárali vo svojich ateliéroch.

Iní umelci experimentovali s bežnými každodennými predmetmi. Krajiny Jeana Baptistu Camilla Corota (1796-1875) odrážajú jeho lásku k prírode a jeho štúdie ľudského tela ukazujú akýsi vyrovnaný pokoj. Gustave Courbet (1819-1877) sa označoval za realistu, pretože zobrazoval svet tak, ako ho videl – aj jeho drsnú, nepríjemnú stránku. Svoju paletu obmedzil len na niekoľko pochmúrnych farieb. Edouard Manet (1832-1883) tiež prevzal základ pre svoje predmety z vonkajšieho sveta. Ľudia boli šokovaní jeho farebnými kontrastmi a nezvyčajnými technikami. Povrchy jeho obrazov majú často plochú, vzorovanú textúru štetca. Manetove metódy aplikovania svetelných efektov do formy ovplyvnili mladých umelcov, najmä impresionistov.

Skupina umelcov známych ako impresionisti, ktorí pracovali v 70. a 80. rokoch 19. storočia, chcela zobraziť prírodu presne takú, aká bola. V skúmaní účinkov svetla vo farbe zašli oveľa ďalej ako Constable, Turner a Manet. Niektorí z nich vyvinuli vedecké teórie farieb. Claude Monet (1840-1926) často maľoval rovnaký pohľad v rôznych časoch dňa, aby ukázal, ako sa mení za rôznych svetelných podmienok. Bez ohľadu na tému, jeho obrazy sú tvorené stovkami drobných ťahov umiestnených vedľa seba, často v kontrastných farbách. Na diaľku sa ťahy prelínajú a vytvárajú dojem celistvých tvarov. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) použil metódy impresionizmu na zachytenie sviatku parížskeho života. V jeho „Dance at the Moulin de la Galette“ sa ľudia v pestrofarebnom oblečení tlačili a veselo tancovali. Renoir namaľoval celý obraz malými ťahmi. Bodky a ťahy farby vytvárajú na povrchu maľby textúru, ktorá jej dodáva osobitý vzhľad. Zdá sa, že davy ľudí sa rozpúšťajú v slnečnom svetle a trblietavej farbe.

maľba 20. storočia

Viacerí umelci boli čoskoro nespokojní s impresionizmom. Umelci ako Paul Cézanne (1839-1906) sa domnievali, že impresionizmus nepopisuje pevnosť foriem v prírode. Cezanne rád maľoval zátišia, pretože mu umožňovali zamerať sa na tvar ovocia či iných predmetov a ich usporiadanie. Námety jeho zátiší pôsobia solídne, pretože ich zredukoval na jednoduché geometrické tvary. Jeho technika umiestňovania striekancov farby a krátkych ťahov sýtych farieb vedľa seba ukazuje, že sa veľa naučil od impresionistov.

Vincent van Gogh (1853-90) a Paul Gauguin (1848-1903) reagovali na realizmus impresionistov. Na rozdiel od impresionistov, ktorí tvrdili, že sa na prírodu pozerajú objektívne, sa Van Gogh málo staral o presnosť. Často skresľoval predmety, aby tvorivejšie vyjadroval svoje myšlienky. Použil impresionistické princípy na umiestnenie kontrastných farieb vedľa seba. Niekedy vytláčal farbu z rúrok priamo na plátno, ako v "Pole žltej kukurice".

Gauguin sa nestaral o melírovanú farbu impresionistov. Hladko nanášal farbu vo veľkých plochých plochách, ktoré od seba oddeľoval líniami alebo tmavými okrajmi. Farebné tropické národy poskytli veľa z jeho tém.

Cezannovu metódu vytvárania priestoru pomocou jednoduchých geometrických tvarov vyvinuli Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) a ďalší. Ich štýl sa stal známym ako kubizmus. Kubisti maľovali predmety tak, ako by ich bolo možné vidieť z viacerých uhlov naraz, alebo akoby ich rozobrali a znova poskladali na ploché plátno. Často sa ukázalo, že objekty sa nepodobajú ničomu, čo existuje v prírode. Kubisti niekedy vystrihovali figúrky z látky, kartónu, tapiet alebo iných materiálov a prilepili ich na plátno, aby vytvorili koláž. Textúry sa tiež menili pridávaním piesku alebo iných látok do farby.

Najnovším trendom je klásť na túto tému menší dôraz. Väčší dôraz sa začal klásť na kompozíciu a obrazovú techniku.

  • Maľba akrylom: história, technika, výhody akrylu

čo je maľovanie?

Maľba je druh výtvarného umenia, ktorého diela vznikajú pomocou farieb nanášaných na povrch.
"Maľovanie nie je len nejaká fantázia. Je to práca, práca, ktorú treba robiť svedomito, ako to robí každý svedomitý pracovník," argumentoval Renoir.

Maľba je úžasný zázrak premeny všetkých dostupných umeleckých materiálov na rôzne viditeľné obrazy reality. Ovládať umenie maľby znamená byť schopný zobrazovať skutočné predmety akéhokoľvek tvaru, farby a materiálu v akomkoľvek priestore.
Maľba, rovnako ako všetky ostatné formy umenia, má osobitný umelecký jazyk, prostredníctvom ktorého umelec odráža svet. Umelec, ktorý vyjadruje svoje chápanie sveta, však súčasne stelesňuje svoje myšlienky a pocity, ašpirácie, estetické ideály vo svojich dielach, hodnotí javy života, vysvetľuje ich podstatu a význam vlastným spôsobom.
V umeleckých dielach rôznych žánrov výtvarného umenia vytvorených maliarmi sa používa kresba, farba, šerosvit, expresivita ťahov, textúra a kompozícia. To umožňuje na rovine reprodukovať farebnú bohatosť sveta, objem predmetov, ich kvalitatívnu materiálovú originalitu, priestorovú hĺbku a svetlovzdušné prostredie.
Svet maľby je bohatý a zložitý, jeho poklady nahromadilo ľudstvo počas mnohých tisícročí. Najstaršie maliarske diela objavili vedci na stenách jaskýň, v ktorých žili primitívni ľudia. S úžasnou presnosťou a ostrosťou zobrazovali prví umelci lovecké scény a zvyky zvierat. Tak vzniklo umenie zobrazovania farieb na stene, ktoré mali črty charakteristické pre monumentálnu maľbu.
Existujú dve hlavné odrody monumentálnej maľby - freska a mozaika.
Freska je technika maľovania farbami riedenými čistou alebo vápennou vodou na čerstvú, vlhkú omietku.
Mozaika - obraz vyrobený z homogénnych alebo rôznych materiálových častíc kameňa, smaltu, keramických dlaždíc, ktoré sú upevnené vo vrstve zeminy - vápna alebo cementu.
Freska a mozaika sú hlavnými typmi monumentálneho umenia, ktoré sa vďaka svojej trvanlivosti a farebnej stálosti používajú na zdobenie architektonických objemov a rovin (nástenné maľby, stropy, panely).
Maľba na stojane (obraz) má samostatný charakter a význam. Šírka a úplnosť pokrytia skutočného života sa odráža v rozmanitosti typov a žánrov, ktoré sú vlastné maľbe na stojane: portrét, krajina, zátišie, domácnosť, historické, bojové žánre.
Na rozdiel od monumentálnej maľby na stojane nie je spojená s rovinou steny a môže byť voľne vystavená.
Ideový a umelecký význam diel stojanového umenia sa nemení v závislosti od miesta, kde sa nachádzajú, hoci ich umelecký zvuk závisí od podmienok expozície.
Okrem menovaných druhov maľby existuje aj dekoratívna - náčrty divadelných kulís, kulís a kostýmov pre kino, ako aj miniatúry a ikonografia.
Na vytvorenie miniatúrneho alebo monumentálneho umeleckého diela (napríklad maľby na stene) musí umelec poznať nielen konštruktívnu podstatu predmetov, ich objem, vecnosť, ale aj pravidlá a zákonitosti obrazového stvárnenia prírody. harmónia farieb, farieb.

Pri obrazovom znázornení z prírody je potrebné brať do úvahy nielen rôznorodosť farieb, ale aj ich jednotu, určenú silou a farbou svetelného zdroja. Do obrazu by sa nemala vnášať žiadna farebná škvrna bez toho, aby sa harmonizovala s celkovým farebným stavom. Farba každého predmetu vo svetle aj v tieni by mala súvisieť s farebným celkom. Ak farby obrazu neprenášajú vplyv farby osvetlenia, nebudú podliehať jednej farebnej škále. Na takomto obrázku bude každá farba vystupovať ako niečo cudzie a cudzie danému stavu osvetlenia; bude vyzerať náhodne a zničí farebnú integritu obrázka.
Prirodzená farebná jednota farieb podľa celkovej farby osvetlenia je teda základom pre vytvorenie harmonickej farebnej schémy obrazu.
Farba je jedným z najvýraznejších prostriedkov používaných v maľbe. Umelec na rovine sprostredkúva farebnú bohatosť toho, čo vidí, pomocou farebnej formy, ktorú poznáva a odráža svet okolo seba. V procese zobrazovania prírody sa rozvíja zmysel pre farbu a jej množstvo odtieňov, čo umožňuje použiť farby ako hlavný výrazový prostriedok maľby.
Vnímanie farieb a umelcovo oko dokáže rozlíšiť viac ako 200 jej odtieňov, môže byť jednou z najšťastnejších vlastností, ktorými príroda človeka obdarila.
Umelec, ktorý pozná zákony kontrastu, sa riadi zmenami farby zobrazovanej prírody, ktoré v niektorých prípadoch sotva zachytia oko. Vnímanie farieb závisí od prostredia, v ktorom sa predmet nachádza. Umelec preto pri sprostredkovaní farby prírody porovnáva farby medzi sebou, dosahuje ich vnímanie v prepojení či vzájomných vzťahoch.
„Zobrať pomer svetla a odtieňa“ znamená zachovať rozdiel medzi farbami, pokiaľ ide o svetlosť, sýtosť a odtieň, v súlade so spôsobom, akým sa to deje v prírode.
Kontrast (svetlý aj farebný) je badateľný najmä na okrajoch priľahlých farebných škvŕn. Rozmazanie hraníc medzi kontrastnými farbami zvyšuje efekt farebného kontrastu a jasnosť okrajov škvŕn ho znižuje. Poznanie týchto zákonitostí rozširuje technické možnosti v maľbe, umožňuje umelcovi využiť kontrast na zvýšenie intenzity farby farieb, zvýšenie ich sýtosti, zvýšenie alebo zníženie ich svetlosti, čo obohacuje maliarsku paletu. Takže bez použitia zmesí, ale iba kontrastných kombinácií teplých a studených farieb, môžete dosiahnuť špeciálnu koloristickú zvučnosť obrazu.