Fotografia e rebelimit të Ivanovit në fshatin ku ruhet. Ivanov, Sergei Vasilievich (artist). Vitet revolucionare - vitet e fundit

4 qershor 1864 , Ruza, provinca e Moskës. - 3 gusht 1910 , fshat Bilbili i provincës së Moskës.

Piktor, grafist. Ilustruesi. Piktor i zhanrit, piktor i portretit, piktor historik.

Ai studioi në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë (1878-1882, 1884-1885) nën I.M. Pryanishnikova, E.S. Sorokin, në Akademinë e Arteve (1882-1884). Në ekspozita që nga viti 1881 (Shkolla e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë, Shoqata e Ekspozitave të Artit Udhëtues - ekspozues që nga viti 1887, anëtar që nga viti 1899). Që nga viti 1903 - anëtar dhe një nga organizatorët e Unionit të Artistëve Ruse. Që nga viti 1905 - akademik. Puna e I. i kushtohet jetës dhe luftës së fshatarësisë dhe njerëzve punëtorë (një seri pikturash dhe vizatimesh "Kolonët", duke përfshirë "Vdekja e një koloni", 1889, Galeria Shtetërore Tretyakov; "Trazirat në fshat", 1889, "Ekzekutimi", 1905, të dyja - në Muzeun Qendror të Historisë Bashkëkohore të Rusisë në Galerinë Shtetërore Tretyakov). Pikturat e tij mbi temat e historisë ruse karakterizohen nga realizmi dhe kombësia ("Fushata e Moskovitëve. Shekulli XVI", 1902, Galeria Shtetërore Tretyakov). Skemat e reja kompozicionale dhe ngjyrash të pikturave të tij kanë pasuruar mundësitë e pikturës historike. Ai pikturoi portrete, punoi frytshëm si vizatues dhe litograf. Punimet e tij gjenden gjithashtu në Muzeun Shtetëror Rus, Muzeun e Artit Rus në Kiev, muzetë e Astrakhan, Ivanov, Kirov, Kostroma, Kursk, Lipetsk, Perm, Petrozavodsk, Ryazan, Saratov, Sevastopol, Smolensk, Syktyvkar, Tula, Ufa, Minsk dhe të tjerët.

Brezi i ri i Wanderers dha një kontribut të madh në zhvillimin e artit demokratik rus, duke pasqyruar në mënyra të ndryshme fazën proletare të lëvizjes çlirimtare në Rusi. Përmbajtja ideologjike dhe mjetet shprehëse të artit u pasuruan dukshëm dhe individualitetet krijuese u shfaqën në mënyra të ndryshme.

S. A. Korovin(1858-1908). Në të gjithë punën e Sergei Alekseevich Korovin, tema fshatare kalon si një fije e kuqe. Shtresimi i fshatit rus, shfaqja e grushtave botëngrënës që shtypnin fshatarësinë pa tokë, zbulohet gjallërisht dhe shprehimisht në pikturën e tij "Në botë" (1893, ill. 181). Fshati u shfaq krejtësisht i ri këtu: nuk ka patriarki të mëparshme, ka ndryshuar edhe pamja e fshatarëve, marrëdhëniet midis tyre janë bërë të ndryshme. Korovin punoi në përbërje për një kohë të gjatë, shkroi shumë skica. Në çdo gjë mund të shihet syri vëzhgues i një artisti që njihte mirë psikologjinë moderne fshatare.

Përbërja e fut menjëherë shikuesin në hapësirën e figurës, duke zbuluar komplotin - një mosmarrëveshje midis të varfërve dhe grushtit. Dhe ngjyrosja, e mbajtur në një tonalitet gri-okër, përcjell gjendjen e një dite me re, duke theksuar përmbajtjen dramatike të komplotit.

Me sinqeritet dhe bindje tregon disponimin e përgjithshëm të të mbledhurve në takim. Shumica nuk janë ende në gjendje të kuptojnë thelbin e ndryshimeve që morën formë së bashku me pushtimin e jetës së fshatit nga rendi kapitalist. Turma e fshatarëve është e prangosur në heshtje, në disa fytyra - hutim. Një dyshim i rëndë shprehet tek plaku i ulur me shpinë nga shikuesi.

Korovin e krahasoi mbylljen e turmës së fshatarëve me një shfaqje të hapur të ndjenjave midis vetë debatuesve. Fytyra e të varfërit, e shtrembëruar nga pikëllimi, lëvizja e mprehtë e figurës përshkruan ankthin mendor të një njeriu të shtyrë në dëshpërim. Në imazhin e një grushti - qetësi, hipokrizi dhe dinakë.

Thellësisht dhe me vend, duke shmangur detajet e vogla, por duke përcjellë me saktësi situatën, Korovin zbulon kuptimin e kontradiktave shoqërore në fshat, duke zbuluar një pozicion të veçantë qytetar. Rëndësia artistike dhe njohëse e figurës është e madhe - ky dokument i epokës u ringjall në imazhe.

A. E. Arkhipov(1862-1930). Ndër Wanderers më të rinj, spikat artisti i talentit origjinal, Abram Efimovich Arkhipov. Ai vinte nga fshatarët dhe e njihte mirë jetën e detyruar të njerëzve. Shumica e veprave të tij, si ato të S. A. Korovin, i kushtohen temës fshatare. Ato janë lakonike në përbërje dhe janë gjithmonë plot dritë, ajër, gjetje piktoreske.

Në një nga pikturat e para të Arkhipovit, "Vizita te të sëmurët" (1885), vëmendja i drejtohet një përshkrimi të plotë dhe të vërtetë të jetës së një familjeje të varfër fshatare dhe një bisede të trishtuar midis dy grave të moshuara. Peizazhi me diell në derën e hapur flet për kërkime të reja koloristike.

Një vepër e jashtëzakonshme ishte piktura "Në lumin Oka" (1889, ill. 182), ku Arkhipov përshkruante një grup fshatarësh të ulur në një maune. Ato janë aq karakteristike, të shkruara me aq ngrohtësi dhe njohuri për personazhet popullore, dhe peizazhi veror është aq i ndritshëm dhe i bukur sa fotografia u përshëndet nga bashkëkohësit si një zbulim artistik.

Arkhipov e donte bukurinë modeste të natyrës ruse dhe e kapi atë në mënyrë poetike. “Reverse” e tij (1896) është thellësisht lirike. Përbërja është ndërtuar fillimisht: shezlongja është gjysmë e prerë nga buza e poshtme e kanavacës, karrocieri ulet me shpinë nga shikuesi - duket se ne vetë po ecim nëpër këtë fushë të gjerë, zilja bie dhe një këngë e egër shpirtërore rrjedhat. Tonet e shkrira rozë të qiellit të venitur, ngjyra e heshtur e barit dhe rruga me pluhur përcjellin në mënyrë delikate gjendjen shpirtërore të ditës që po vdes dhe një trishtim të lehtë të papërgjegjshëm.

Imazhi i një punëtoreje i kushtohet nga Arkhipov pikturës "Punëtorët e ditës në një shkritore hekuri" (1896); Më qartë, fati i pashpresë i punëtorit rus pasqyrohet në një nga veprat më të mira të Arkhipov-it, The Washerwomen, e njohur në dy versione - në Galerinë Shtetërore Tretyakov dhe në Muzeun Shtetëror Rus (fundi i viteve 1890, ill. XIII).

Artisti e çon shikuesin në bodrumin e errët dhe të mbytur të një dhome lavanderie të mjerueshme, duke e përshkruar atë në fragmente. Përbërja duket e rrëmbyer nga jeta. Si rastësisht, shikuam në këtë dhomë dhe u ndalëm para spektaklit të hapur. Me goditje të shpejta të gjera të toneve të zbehura, Arkhipov përcolli figurat e lavanderive të punës, dyshemenë e lagur të rrobave, ajrin e ngopur me lagështi, dritën e muzgut që derdhej nga dritarja. E paharrueshme është imazhi i një gruaje të moshuar në plan të parë, e ulur për të pushuar: një shpinë e përkulur e lodhur, një kokë që i bie në dorë, një mendim i rëndë në fytyrën e saj. Artisti duket se po flet për fatin e të gjithë punëtorëve.

Duke reflektuar jetën e zymtë të njerëzve që punojnë, Arkhipov kurrë nuk e humbi besimin në forcën e tij të pashtershme, shpresën për një të ardhme më të mirë. Një fillim i ndritshëm optimist mbizotëroi në shumicën e veprave të tij, i cili është veçanërisht i dukshëm në vitet 1900, në prag të ngjarjeve të mëdha revolucionare.

Në peizazhet veriore të Arkhipov, ka motive të thjeshta dhe në shikim të parë të pavëmendshëm të natyrës së ashpër. Kasolle të vetmuara, buzë qiellit, herë transparente, herë me re, sipërfaqja e lëmuar e lumit. Por çfarë sharmi nxjerr artisti nga këto motive dhe shkallë modeste gri! Pikturat e Arkhipov janë të mbushura me një ndjenjë të gëzuar, vërtetuese të jetës së një personi të thjeshtë rus, i lindur në bashkësi të ngushtë me natyrën e tij amtare.

Dielli i ndritshëm përshkon veprat e Arkhipov, kushtuar jetës fshatare. Kanavacat e tij shumëngjyrëshe shprehin admirim për shëndetin fizik dhe moral të popullit rus. Nuk është rastësi që edhe paleta e tij ka ndryshuar, duke u bërë më kontrastuese dhe bujare nga ana dekorative. Arkhipov vazhdoi këtë seri veprash pas Revolucionit të Madh Socialist të Tetorit.

S. V. Ivanov(1864-1910). Një nga ndjekësit më të qëndrueshëm të traditave të realizmit kritik ishte Sergei Vasilyevich Ivanov. Në kushtet e reja historike, ai ishte në gjendje të shihte kontradiktat e thella të realitetit rus dhe iu përgjigj shumë pyetjeve urgjente me veprat e tij.

Ivanov i kushtoi një seri të madhe veprash fatit të vështirë të fshatarëve migrantë, bredhjeve të tyre të detyruara rreth Rusisë. Fati i trishtuar i një familjeje që ka humbur të ushqyerin pasqyrohet në foton më të mirë të këtij seriali - "Në rrugë. Vdekja e një koloni" (1889, ill. 184).

Me një ndjenjë të pakorruptueshme të së vërtetës, SV Ivanov udhëheq një histori piktoreske plot me përmbajtje të përzemërt. E gjithë skena, detajet e përditshme të zgjedhura me mend janë shkruar me një dorë të kujdesshme dhe i japin komplotit vërtetësinë e një ngjarjeje live që ndodh para syve tanë. Shkalla e figurave gjendet me mjeshtëri në raport me hapësirën e peizazhit: duke shkuar në horizontin e largët, të kujton një udhëtim të gjatë dhe të vështirë nëpër tokën e tharë nga nxehtësia. Një person i vetmuar, i pambrojtur, i vuajtur në mes të heshtjes së natyrës është thelbi i konceptit krijues të artistit.

Në fillim të viteve 1890, Ivanov u bë një nga kronikanët e parë të luftës revolucionare në Rusi. Në vitin 1889, ai pikturoi pikturën "Trazirat në fshat", e cila tregon për protestën sociale në rritje midis fshatarëve, dhe në 1891 - "Skena". Pamja e tmerrshme e të burgosurve të shtrirë krah për krah në dysheme në pikën e tranzitit, këmbë zbathur në pranga e goditi artistin. Vetëm në thellësi vëreni vështrimin depërtues të ndonjë të dënuari të drejtuar nga ju.

Në mesin e viteve 1890, Ivanov shpesh iu drejtua temave nga historia ruse e shekujve 16-17. Në pikturat e tij historike ka tipare të përbashkëta për punën e shumicës së piktorëve bashkëkohorë - interpretimi i përditshëm i komploteve dhe ngjyra dekorative. Por ndryshe nga shumë njerëz, Ivanov nuk e humbi interesin për anën sociale të të përshkruarit. Të tilla, për shembull, janë pikturat "Mbërritja e të huajve në Moskë të shekullit të 17-të" (1901, ill. 185), të cilat përcillnin në mënyrë të përsosur pamjen historike të saktë të kryeqytetit të lashtë dhe personazhet e banorëve të tij dhe "Car. XVI shekulli" (1902), e cila u perceptua nga bashkëkohësit si një autokraci imazhi satirik.

Ngjarjet e revolucionit të 1905-1907 kapën Ivanovin dhe shkaktuan një ngritje të re krijuese. Edhe në prag të saj, ai i kushtoi pikturën “Greva” punëtorëve që u rebeluan në fabrikë. Me gjithë forcën e tij, talenti i tij u shfaq në kanavacën relativisht të vogël "Ekzekutimi" (1905). Është një nga veprat më domethënëse që pasqyroi masakrën e përgjakshme të carizmit mbi popullin. Ky është një imazh i rëndë lakonik, i ndërtuar mbi kontrastin e planeve të qarta piktoreske.

Në kanavacë - një shesh i shkretë, i përmbytur nga dielli i mbrëmjes, i mbyllur nga një varg shtëpish me hije dhe një siluetë e errët e vetmuar e një punëtori të vrarë. Nga ky plan i madh drite dhe figura e palëvizshme, artisti e çon syrin e shikuesit në thellësi. Në të majtë mund të shihni rreshtat e parë të Kozakëve në tym pluhur, në të djathtë - demonstruesit. Flamuri i kuq - pika më e ndritshme - nxjerr në pah këtë pjesë të përbërjes. Të jep përshtypjen e një ngjarjeje të gjallë e tragjike që ndodh para syve tanë.

Piktura e Ivanov perceptohet si një simbol jo vetëm i masakrës së popullit kryengritës, siç synonte artisti, por i gjithë fatit të revolucionit të parë rus, të shtypur brutalisht nga carizmi.

N. A. Kasatkin(1859-1930). Një student i V. G. Perov, Nikolai Alekseevich Kasatkin, në veprat e tij të hershme, iu drejtua imazheve popullore dhe komploteve dramatike. Së shpejti tema kryesore e punës së tij ishte jeta e klasës punëtore dhe lufta revolucionare e proletariatit rus.

Tashmë në 1892, Kasatkin pikturoi pikturën "Është e vështirë", duke përshkruar takimin e trishtuar të një punëtori të ri të plagosur me nusen e tij - një rrobaqepëse e varfër. Shprehja e trishtimit dhe e ankthit në fytyrën e vajzës bie ndesh me vendosmërinë dhe besimin e punëtores. Fillimisht, piktura u quajt "Petrel", por artisti u detyrua të ndryshonte emrin për arsye censurimi. E megjithatë përmbajtja politike e kanavacës arriti te shikuesi, duke kujtuar goditjet që shpërthyen vazhdimisht atëherë.

Në të njëjtin vit, Kasatkin vizitoi për herë të parë pellgun e Donets, dhe që atëherë, për nëntë vjet, ai ka qenë vazhdimisht në mesin e minatorëve, duke studiuar jetën dhe punën e tyre. Në fillim ata ishin mosbesues ndaj artistit, duke e ngatërruar atë për një spiun të dërguar, por më pas ata u dashuruan sinqerisht. Ata e ndihmuan shumë në punën me imazhe që arti rus nuk i njihte ende.

Puna e parë e Kasatkin për jetën e minatorëve të Donetsk ishte piktura "Mbledhja e qymyrit nga të varfërit në një minierë të rraskapitur" (1894). Imazhet tipike plot gjallëri, vizatimi i saktë dhe piktura modeste e mbështetur në një tonalitet të përbashkët e dallojnë këtë kanavacë.

Vetë Kasatkin zbriti nën tokë, vëzhgoi kushtet e jashtëzakonshme të punës vërtet të vështirë të minatorëve dhe shkroi me hidhërim: "...ku një kafshë nuk mund të punojë, një person e zëvendëson atë". Kjo ide pasqyrohet në një pikturë të vogël "The Miner-tagolytsik" (1896). Ngjyra e errët me reflektime të kuqërremta të llambave të minatorit; si një kafshë barre, një punëtor zvarritet nën qemerët e varur të rrëshqitjes dhe tërheq një sajë të ngarkuar me qymyr.

Rezultati i punës së Kasatkin me temën e jetës së minatorit dhe skicave të shumta është kanavacë "Minatorët e qymyrit. Ndryshimi" (1895, ill. 186). Ishte vepra e parë e pikturës ruse që tregoi solidaritetin në rritje të klasës punëtore. Dritat e zbehta të llambave të minatorit dhe të bardhët e syve që vezullojnë në errësirën e padepërtueshme i shtojnë tension figurës. Në qendër të përbërjes është një minator i moshuar. Me prapanicën në duar, ai hap drejt shikuesit si një forcë e frikshme e afërt.

Në një sërë veprash, Kasatkin zbuloi botën shpirtërore të proletarit të shtypur në shumë mënyra dhe me ndjenjë të madhe. Artisti arriti një fuqi të veçantë depërtimi në imazh në kanavacën "Gruaja e punonjësit të fabrikës" (1901), e hequr nga ekspozita nga censura cariste.

Duket se i gjithë fati i trishtë i një gruaje ende të re, por me shumë përvojë është fiksuar në një figurë të lodhur të varur, në një vështrim të fiksuar, një dorë që i ra në gjunjë. Një gjendje e vështirë shpirtërore përcillet në një fytyrë të rraskapitur. Këtu, dhimbja, hidhërimi dhe zemërimi i sapolindur - gjithçka që lidhej natyrshëm me ngjarjet politike të asaj kohe dhe e shtynte shikuesin të mendojë. Ngjyrat e buta të veshjeve janë zhytur në një mjedis gri-okër. Zbehja tokësore e fytyrës theksohet nga një shall i bardhë i hedhur mbi supe.

Merita e Kasatkin është e madhe në atë që ai pa jo vetëm gjendjen e rëndë të klasës punëtore në Rusi, por ishte në gjendje të dallonte dhe të mishëronte forcën, energjinë dhe optimizmin e saj. Nga imazhi i "Minatorit" (1894, ill. 187) frymon poezia e jetës, e rinisë, e shëndetit fizik e shpirtëror. Ngjyra e ngrohtë e argjendtë e kësaj kanavacë është harmonike. Çuditërisht e vërtetë është lëvizja e qetë e figurës, e gdhendur butë në një peizazh të lehtë.

Kasatkin, i cili e njihte mirë jetën dhe gjendjen shpirtërore të punëtorëve, i simpatizoi thellësisht ata, takoi me entuziazëm revolucionin e 1905-1907. Ai nxitonte të kapte situata dhe imazhe të reja, duke kërkuar subjekte të reja. Shumë skica, skica dhe piktura ishin rezultat i një pune të madhe krijuese.

Në kushtet e vështira të kohërave të trazuara, jo gjithçka që goditi Kasatkin ishte në gjendje të gjente një shfaqje të plotë dhe të plotë, por secila, qoftë edhe një skicë e përciptë, kishte një vlerë të rëndësishme dokumentare dhe artistike. Pikturat e artistit, të krijuara në atë kohë, janë domethënëse në përmbajtje ideologjike dhe dëshmojnë për kërkimin e një kompozimi emocionalisht intensiv. Një shembull është piktura "Rruga e fundit e një spiuni" (1905).

Kasatkin punoi me entuziazëm në kompozimin me shumë figura "Sulmi i fabrikës nga punëtorët" (1906), i cili shpalosi një veprim kompleks dramatik. Me shprehje, lëvizjen e një turme të madhe të valëzuar, një shumëllojshmëri gjestesh përcillen këtu. Kujtohen skica individuale për këtë pikturë, veçanërisht imazhi i një gruaje të moshuar, të zemëruar, duke bërë thirrje për kryengritje.

Rëndësia e jashtëzakonshme ideologjike dhe artistike e një telajo të vogël "Një punëtor-militant" (1905, ill. 188). Kasatkin pa dhe kapi llojin karakteristik të një pjesëmarrësi aktiv në revolucionin e parë rus. Pamja, qëndrimi, ecja, fytyra e ashpër - gjithçka flet për botën shpirtërore të një njeriu të kohëve moderne - guxim dhe vendosmëri, qetësi dhe papërkulshmëri, vetëdije për rëndësinë e qëllimit dhe modesti fisnike. Një person i tillë mund të shkonte vërtet në krye të çetave luftarake revolucionare. Imazhi i bën jehonë heroit të tregimit "Nëna" nga A. M. Gorky.

L. V. Popov(1873-1914). Lukyan Vasilyevich Popov gjithashtu i përket përfaqësuesve më të rinj të Wanderers. Me ndjeshmëri të veçantë, ai vuri re ndryshimet shoqërore në fshat, i cili në atë kohë po depërtonte aktivisht në ndjenjat revolucionare. Piktura e tij Deri në perëndimin e diellit. Agjitator në fshat (1906), Në ​​fshat (Ngrihu, ngrihu! heronj - një dokument i vërtetë i jetës fshatare në prag dhe periudhës së revolucionit 1905-1907.

Puna e A.P. Ryabushkin dhe M.V. Nesterov u shoqërua gjithashtu me traditat e Wanderers. Sidoqoftë, në veprat e tyre, kërkimet e reja krijuese u shfaqën në një mënyrë të veçantë dhe më herët në kohë, të cilat u bënë tipike për artin e fundit të shekullit të 19-të - fillimit të shekullit të 20-të.

A. P. Ryabushkin(1861-1904). Andrei Petrovich Ryabushkin mund të quhet një artist i popullit. E gjithë jeta dhe puna e tij pas viteve studentore në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës, si dhe në Akademinë e Arteve, u zhvillua në fshat. Arti i tij ishte një lloj reagimi ndaj proceseve historike të kapitalizimit të Rusisë, kur "themelet e vjetra të ekonomisë fshatare dhe të jetës fshatare, themele që vërtet qëndruan me shekuj, u shkatërruan me shpejtësi të jashtëzakonshme" * . Ryabushkin poetizoi lashtësinë e dashur për zemrën e tij, mënyrën tradicionale të jetesës, tiparet e qëndrueshme të imazhit kombëtar.

* (Lenin V. I. Leo Tolstoi si një pasqyrë e revolucionit rus. - Plot. coll. cit., vëll.17, f. 210.)

Pikturat e zhanrit të Ryabushkin karakterizohen nga tipare të qetësisë dhe heshtjes. Duke përshkruar mjedisin patriarkal të një dasme fshati ("Duke pritur të porsamartuarit nga kurora në provincën Novgorod", 1891), artisti thekson qetësinë dhe dekorin e fshatarëve të ulur.

Në vitet 1890, Ryabushkin u shfaq si mjeshtri origjinal i pikturës historike dhe të përditshme ruse. Në të kaluarën e largët të Rusisë, ai është më i tërhequr nga jeta e përditshme e Moskës së vjetër. Rilindja mbretëron gjatë shkrirjes së pranverës në pikturën "Rruga e Moskës së shekullit të 17-të në një festë" (1895). Këtu është një vajzë me një pallto të kuqe verore, që mban me kujdes një qiri, dhe djem fshatar me rroba me mëngë të gjata, dhe një boyar arrogant që ngiste nëpër një rrugë të pistë dhe një lypës i verbër. Rrobat shumëngjyrëshe të zbukuruara me ornamente ruse, reflektimet blu të qiellit në pellgje, kupolat shumëngjyrëshe të kishave dhe gjallëria e përgjithshme e lëvizjes e bëjnë këtë foto festive.

Individualiteti i ndritshëm i Ryabushkin u shpreh më plotësisht në pikturat e vitit 1901 "Ata po vijnë" (ill. 189) dhe "Treni i dasmës në Moskë (shek. XVII)" (ill. 190). E para prej tyre, e dalluar për përbërjen e saj të guximshme dhe të pazakontë, përshkruan banorët e Moskës duke pritur për të huajt. Është, si të thuash, një fragment i rrëmbyer nga fotografia e jetës së popullit rus të shekullit të 17-të. Në fytyrat e tyre pasqyrohej kureshtja, naiviteti dhe vetëvlerësimi. Njolla të mëdha ngjyrash në kaftanët e verdhë, të kuqe dhe jeshile të harkëtarëve dhe rrobat shumëngjyrëshe të banorëve të qytetit i japin figurës një ton të madh dhe një karakter të theksuar dekorativ.

Poezia e lashtësisë ruse është e mbushur me pikturën "Treni i dasmës në Moskë (shek. XVII)". Heshtja e mbrëmjes së pranverës, në të cilën Moska është zhytur në një mjegull jargavani, dhe figura e vetmuar e një gruaje të trishtuar moskovite, kundërshtohen nga treni i mrekullueshëm festiv që po përhapet me shpejtësi. Piktura skicuese, në kontrast me një peizazh të pikturuar më dendur, dritë, si një afresk, ngjyrë, ritëm i gjetur në mënyrë delikate në të gjithë grupin qendror - e gjithë kjo i lejoi Ryabushkin të përçonte pamjen e përditshme të një qyteti rus të një kohe të largët.

"Partia e çajit" e Ryabushkin (1903), e shkruar një vit para vdekjes së tij, është jashtëzakonisht ekspresive dhe figurative e përmbledhur. Kjo është një punë socio-kritike. Nëse më parë për pikturat e tij të zhanrit Ryabushkin zgjodhi pozitiven, të sjellshmen, të bukurën në jetën fshatare, tani ai përshkruante botën e të pasurve të fshatit. Ka diçka të mirëqenies borgjeze në elegancën dhe formalitetin e ftohtë të pirjes së çajit; në groteskun e imazheve, në ngurtësinë e plasticitetit piktural, të pazakontë për Ryabushkin, që të kujton parsunët e lashtë, mund të lexohet refuzimi i artistit ndaj kësaj bote të huaj.

M. V. Nesterov(1862-1942). Periudha para-revolucionare e veprës së Mikhail Vasilyevich Nesterov është komplekse dhe kontradiktore.

Ai e filloi rrugëtimin e tij në art me piktura të zhanrit të afërt me ato të Wanderers, por në fund të viteve 1880 ndodhi një kthesë e mprehtë në punën e tij. Artisti shkon në botën e të bukurës ideale, duke kënduar pastërtinë e ndjenjave fetare, duke përshkruar banorët e manastireve dhe sketeve.

Hermiti i vjetër Nesterova në pikturën "Eremiti" (1888-1889), duke u endur ngadalë përgjatë bregut të një liqeni të lëmuar si pasqyrë, është pafundësisht larg shqetësimeve të jetës. Imazhi i tij është i lidhur pazgjidhshmërisht me bukurinë e natyrës paqësore, qetësinë e saj të qetë.

Peizazhi luan një rol të madh në veprën e Nesterov. Poeti i natyrës ruse Nesterov, duke qenë në gjendje të depërtojë thellë në botën e brendshme të një personi, gjithmonë i lidh përvojat e heronjve të tij me gjendjen dhe karakterin e peizazhit.

Në pikturën "Vizioni i djaloshit Bartolomeu" (1889-1890, ill. 191), i vetmi personazh është një djalë i zbehtë me duar të holla të shtrënguara në mënyrë konvulsive në ekstazë lutjeje. Por personazhi kryesor i artistit është ende peizazhi i rripit të Rusisë Qendrore, natyra e frymëzuar, ku artisti me të vërtetë i jep jetë çdo fije bari, secili merr pjesë në lavdërimin e atdheut.

Në fund të viteve 1890 - fillimi i viteve 1900, artisti krijoi një seri pikturash kushtuar fatit tragjik të një gruaje ruse, të nënshtruar dhe të vuajtur ("Përtej Vollgës", "Në male"). Në "Great tonsure" (1898), ai tregon një procesion të trishtuar të banorëve të një skete të vogël, të fshehur në mes të një pylli të dendur, duke përcjellë një grua të re, ende plot forcë për në manastir. Fytyra të pikëlluara, silueta të errëta figurash, drita drithëruese të qirinjve të mëdhenj... Trishtimi është i thellë, por pranë tij është sërish bota e bukur e natyrës, pyjet e virgjëra dhe thupërtë e reja me kërcell të hollë të Nesterovit.

Në fillim të viteve 1900, aftësia e Nesterovit si piktor portreti mori formë. Këtu, ana realiste e punës së artistit u shfaq në masën më të plotë. Shumica e portreteve të kësaj kohe, Nesterov i shkruan në sfondin e peizazhit, si dhe në pikturat, duke pohuar lidhjen e pazgjidhshme midis njeriut dhe natyrës. Në portretin e O. M. Nesterova (1906, ill. 192), figura e një vajze në një Amazonë të zezë spikat në një siluetë të bukur në sfondin e një peizazhi lirik të mbrëmjes. E këndshme dhe e hijshme, me një pamje shpirtërore, paksa ëndërrimtare, kjo vajzë personifikon për artistin idealin e rinisë, bukurinë e jetës dhe harmoninë.

Në vitet 1880, po formohej vepra e tre artistëve të shquar rusë, K. A. Korovin, M. A. Vrubel dhe V. A. Serov. Ata përcaktuan më plotësisht arritjet artistike të epokës, kompleksitetin dhe pasurinë e saj.

V. A. Serov(1865-1911). Artisti më i madh i fundit të shekullit të 19-të dhe fillimit të shekullit të 20-të ishte Valentin Aleksandrovich Serov. Vepra e tij vazhdoi zhvillimin e artit realist, duke thelluar përmbajtjen e tij dhe duke zgjeruar mundësitë e tij shprehëse.

Arti i Serov është i ndritshëm dhe i larmishëm. Para së gjithash, ai është mjeshtër i portreteve psikologjike, piktorike dhe grafike, por talenti i tij u shfaq edhe në peizazh, zhanër historik, ilustrim librash, art dekorativ dhe monumental. Që nga fëmijëria, Serov ishte i rrethuar nga një atmosferë arti. Babai i tij, A. N. Serov, është një kompozitor dhe muzikant i famshëm, dhe nëna e tij është një pianiste e talentuar. Mësuesit e Serov ishin I. E. Repin dhe në Akademinë e Arteve - P. P. Chistyakov. I pari kontribuoi në masë të madhe në formimin e themeleve demokratike të veprës së Serovit dhe zgjimin e interesit për studimin kureshtar të jetës, i dyti ai i detyrohej një kuptimi të thellë të ligjeve profesionale të formës.

Tashmë veprat e hershme të Serov - portretet e tij të famshme "Vajza me pjeshkë" (1887, ill. X) dhe "Vajza e ndriçuar nga dielli" (1888) - lavdëruan artistin e ri dhe karakterizuan më plotësisht artin e Serovit të hershëm.

"Vajza me pjeshkë" ishte shkruar në "Abramtsevo", pasuria e S. I. Mamontov, nga vajza e tij Vera. Në këtë portret të shkëlqyer, imazhi i krijuar nga artisti, falë plotësisë së jetës, tejkalon kornizën e një portreti individual, duke mishëruar parimin universal njerëzor. Në një vajzë adoleshente me një fytyrë serioze dhe një vështrim të ashpër, në vetëpërmbajtjen dhe spontanitetin e saj të qetë, artistja arriti të përcjellë poezinë e lartë të rinisë së ndritshme dhe të pastër.

Ky portret është jashtëzakonisht i bukur në pikturën e tij. Është shkruar në dritë të plotë, shumë lehtë dhe në të njëjtën kohë materialisht. Ngjyrat e tij transparente, jashtëzakonisht të pastra, janë të mbushura me dritë, ajër dhe përcjellin gjallërisht reflekset nga ndriçimi. Freskia e ngjyrosjes së "Vajzës me pjeshkë", e cila dikur goditi aq shumë bashkëkohësit, si dhe thjeshtësia natyrore e kompozimit të mirëmenduar, e vendosin figurën në një nivel me veprat më të mira të pikturës botërore.

Serov zhvillon të njëjtën temë të rinisë në "Vajza e ndriçuar nga dielli". Përmbajtja e portretit është e njëjta ndjenjë kënaqësie e bukurisë shpirtërore të një personi dhe plotësia e qenies së tij.

Vitet 1890 janë faza tjetër në punën e Serov. Gjatë këtyre viteve, artisti më së shpeshti pikturon njerëzit e artit, dhe tani ai dëshiron të zbulojë para së gjithash individualitetin e tyre krijues. Me vështrimin e veçantë të N. S. Leskov (1894), ai përcjell vigjilencën e një shkrimtari realist kërkues. Mendimtaria e I. I. Levitan është e ngjashme me ndjenjat poetike të artistit, lehtësia e qëndrimit të K. A. Korovin (1891, ill. 193) është një lloj shprehjeje e lirisë dhe e menjëhershme e artit të tij.

Në vitet 1880, përveç portreteve, Serov pikturonte edhe peizazhe. Më shpesh, ai gjeti motive në Abramtsevo dhe Domotkanov, ku ndodhej pasuria e miqve të tij Dervizov. Në vitet 1890, imazhi i natyrës së thjeshtë rurale filloi të zinte një vend në rritje në artin e peizazhit të Serov. Shpesh artisti fut figurat e fshatarëve në pikturat e tij, sikur e afron peizazhin me zhanrin e përditshëm ("Tetor. Domotkanovo", 1895, ill. 194, "Një grua me kalë", 1898). I. E. Grabar e quajti artistin "fshatar Serov" pikërisht për peizazhet. Në to ishte veçanërisht i dukshëm demokratizmi i artit të tij.

Në vitet 1900, puna e Serov u bë dukshëm më komplekse. Vendin kryesor në të e zënë ende portretet. Për më tepër, ai vazhdon të pikturojë peizazhe, duke punuar në ilustrime për fabulat e I. A. Krylov, të filluara në vitet 1890. Rrethi i interesave të tij tani përfshin vazhdimisht pikturën historike dhe monumentale-dekorative.

Në vitet 1900, puna e portretit të Serov u bë shumë më e larmishme. Portreteve të njerëzve të afërt i shtohen portrete të shumta ceremoniale laike. Artisti mbetet ende pa korruptim i vërtetë në karakteristikat e tij dhe kërkues i pashmangshëm ndaj vetvetes, duke mos lejuar as pakujdesinë apo lagështinë më të vogël në performancën e tij. Si më parë, zbulimi psikologjik i imazhit mbetet baza e artit të tij të portretit, por Serov tani përqendron vëmendjen e tij në karakteristikat sociale të modeleve. Në portretet e përfaqësuesve kryesorë të inteligjencës ruse, ai përpiqet të kapë dhe të theksojë cilësitë e tyre sociale më tipike, të spikatura me qartësi më të madhe se më parë. Në portretin e A. M. Gorky (1905, ill. 195), artisti thekson demokracinë e shkrimtarit proletar me thjeshtësinë e gjithë pamjes së tij, veshjet e një mjeshtri, gjestin e një agjitator. Portreti i M. N. Yermolova (1905, ill. 196) është një lloj monumenti madhështor i aktores së famshme tragjike. Dhe artisti i nënshtron të gjitha mjetet pamore ndaj zbulimit të këtij mendimi. Lobi i rezidencës së Yermolovës, në të cilin ajo pozoi për Serovin, perceptohet si një skenë, dhe falë pasqyrimit në pasqyrë të një fragmenti të kolonadës, si një auditor. Vetë Yermolova, me fustanin e saj të zi të rreptë dhe solemn, të stolisur vetëm me një varg perlash, është madhështore dhe e frymëzuar.

Portretet e Serovit të klientëve të tij fisnikë janë krejtësisht të ndryshëm. Portretet ceremoniale të bashkëshortëve Yusupovs, S. M. Botkina, O. K. Orlova (ill. 197) dhe shumë të tjerë ngjajnë me portretet e shekullit të 18-të - gjysmës së parë të shekullit të 19-të, orendi të shkëlqyera, tualete elegante zonjash janë shkruar me mjeshtëri të shkëlqyer. Në përshkrimin e vetë njerëzve, Serov theksoi cilësitë e tyre tipike shoqërore që karakterizojnë klasën së cilës ata i përkisnin. Këto portrete, siç tha V. Ya. Bryusov, janë gjithmonë një sprovë e bashkëkohësve, aq më e tmerrshme sepse aftësia e artistit e bën këtë provë kategorike.

Ndër portretet e tilla të Serovit, një nga vendet e para zë portreti i M. A. Morozov (1902), i përshkruar në sfondin e dhomës së ndenjes të rezidencës së tij të mobiluar bukur. Ky njeri është i arsimuar, i njohur për veprimtaritë e tij të gjera filantropike dhe të kuptuarit e artit, por baza e tregtarit rrëmbyes të parave të kohës së Ostrovskit është ende e gjallë në të. Këtu ai qëndron, si i gjallë, ky tregtar i evropianizuar i fundit të shekullit të 19-të, duke mbushur formatin e ngushtë të kanavacës me një figurë të rëndë dhe duke parë drejt përpara me një vështrim shpues. Autoriteti i Morozov nuk është vetëm pronë e tij personale, por tradhton një industrialist në të, ashtu si arroganca e princeshës O. K. Orlova e bën atë një përfaqësuese tipike të qarqeve aristokratike të shoqërisë së lartë të fillimit të shekullit të 20-të. Gjatë kësaj periudhe, Serov arrin një ekspresivitet të madh të portreteve për shkak të pasurisë së mjeteve pamore të përdorura, variacionit të mënyrës artistike në varësi të veçorive të veprës që krijohet. Pra, në portretin e bankierit V. O. Girshman (1911), Serov është lakonik në një mënyrë posteri, dhe në portretin e Princeshës Orlova, furça e tij bëhet e rafinuar dhe e ftohtë.

Siç u përmend më lart, një vend të rëndësishëm në veprën e Serov në vitet 1900 zë puna në kompozimet historike. Ai është veçanërisht i mahnitur nga jeta e stuhishme, e vrullshme në zhvillimin e saj të Rusisë në kohën e Pjetrit të Madh. Në tablonë më të mirë të këtij cikli, "Pjetri I" (1907, ill. 198), artisti e përshkruan Pjetrin si një reformator të fuqishëm të shtetit. Nuk është rastësi që ai është shumë më i gjatë se satelitët e tij. Lëvizja e vrullshme e Pjetrit dhe oborrtarëve që mezi e mbajnë hapin, ritmi i tensionuar i linjave të vrullshme, këndore që përvijojnë ashpër siluetat, ngazëllimi i peizazhit - e gjithë kjo krijon humorin e epokës së stuhishme të Pjetrit.

I mahnitur nga bukuria e gjallë e Greqisë, të cilën Serov e vizitoi në vitin 1907, ai gjithashtu punoi për një kohë të gjatë dhe me entuziazëm në tema mitologjike ("Rrëmbimi i Evropës", "Odiseu dhe Nausicaa"). Si gjithmonë, këto vepra ai i ndërton mbi bazën e punës natyrore, vëzhgimeve të kujdesshme. Por, duke i zgjidhur ato në një panel monumental-dekorativ, artisti thjeshton dhe primitivizon disi formën plastike, duke ruajtur megjithatë vitalitetin e përshtypjes.

Një nga veprat domethënëse të Serovit të fundit të viteve 1890 - fillimi i viteve 1900 - një seri ilustrimeve për fabulat e I. A. Krylov - ishte objekt i kujdesit dhe vëmendjes së tij të palodhshme. Artisti e kapërceu përshkrueshmërinë, e cila e pengoi në fletët e periudhës fillestare të punës për fabulat, dhe fitoi lakonizëm të mençur dhe ekspresivitet të një forme të gjetur me zgjuarsi. Më të mirat nga këto fletë janë kryevepra të artit të Serovit. Pas Krylovit, artisti nuk e shkatërroi alegorinë e fabulave dhe u përpoq të përcillte kuptimin e tyre moralizues në vizatime. Cilësitë thjesht njerëzore u zbuluan në imazhet e kafshëve: luani i Serov është gjithmonë mishërimi i forcës, inteligjencës dhe madhështisë, gomari, siç pritej, personifikimi i marrëzisë, lepuri është një frikacak i pandreqshëm.

Il. 199. V. A. Serov. "Ushtarë, fëmijë trima, ku është lavdia juaj?" K., tempera. 47,5 X 71,5. 1905. GRM

Vepra e Serovit e karakterizon atë si një artist demokrat, duke qëndruar në ballë të figurave përparimtare të kulturës ruse. Besnikërinë e tij ndaj parimeve demokratike Serov e dëshmoi jo vetëm me artin e tij, por edhe me pozitën e tij shoqërore, veçanërisht gjatë revolucionit të viteve 1905-1907. Si dëshmitar i të dielës së përgjakshme më 9 janar, ai u largua nga anëtarësimi i plotë i Akademisë së Arteve, sepse komandanti i trupave që masakruan njerëzit ishte Presidenti i Akademisë - Duka i Madh Vladimir Alexandrovich. Një protestë e mprehtë kundër dhunës dhe mizorisë së autokracisë mund të dëgjohet edhe në vizatimet e guximshme akuzuese të artistit, të botuara në revista satirike gjatë ditëve të revolucionit (“Ushtarë, fëmijë trima, ku është lavdia juaj?” (ill. 199) , "Pamjet e të korrave", "Shpërndarja e demonstratës ").

K. A. Korovin(1861-1939). Konstantin Alekseevich Korovin është një nga ata mjeshtër që hapin shtigje të reja në art dhe vepra e të cilit është një shkollë për shumë artistë të brezave të mëvonshëm.

Korovin është një nxënës i Shkollës së Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë, punëtorisë së peizazhit të A. K. Savrasov, V. D. Polenov. Vepra e tij u formua në përputhje me pikturën ruse të viteve 1880 ("Ura", "Idili i Veriut", "By the Balkoni. Spanjollët Leonora dhe Ampara", ill. XI).

Që nga vitet 1890, ka ardhur koha për pjekurinë krijuese të Korovin. Talenti i tij shpaloset në mënyrë të barabartë si në pikturën e kavaletit, kryesisht në peizazh, ashtu edhe në artin teatror dhe dekorativ.

Bukuria e artit të Korovin qëndron në ngrohtësinë, rrezet e diellit, në aftësinë e artistit për të përcjellë drejtpërdrejt dhe gjallërisht përshtypjet, në bujarinë e paletës së tij, në pasurinë e ngjyrave të pikturës artistike.

Në të njëjtat vitet 1890, ndryshime të rëndësishme ndodhën në veprën e Korovin. Ai tenton të përcjellë të dukshmen nganjëherë në një mënyrë imituese të rrjedhshme. Vëzhgimi i zgjatur i natyrës i jep rrugë transmetimit të ndjesive të saj. Struktura pikturale dhe plastike e artit të Korovin po ndryshon gjithashtu. Rritet roli i formave të etydit të pikturës, ndërsa ajo vetë bëhet më impulsive, pastë, e gjerë; ngjyrosja merr zë, tension dhe pasuri më të madhe dekorative ("Në dimër", 1894, ill. 200; "Në verë", 1895; "Trëndafila dhe manushaqe", 1912, ill. 201; "Era", 1916).

Krijimtaria teatrale e Korovin u formua në mjedisin e figurave të Operës Private Ruse S. I. Mamontov, por famën më të madhe ai e arriti duke punuar në teatrot perandorake në vitet 1900 - 1910. Për më shumë se njëzet vjet, Korovin drejtoi departamentin e prodhimit të Teatrit Bolshoi. Ai mori pjesë aktive në luftën kundër konservatorizmit dhe rutinës që mbizotëronte në skenën zyrtare, duke sjellë një kulturë të lartë piktoreske në këto teatro dhe, së bashku me një sërë mjeshtërsh të tjerë të famshëm, ngritën rëndësinë e një artisti teatri në nivelin e bashkautor i një shfaqjeje. Korovin është një mjeshtër i shkëlqyer i peizazheve piktoreske, efektiv, emocional, i vërtetë. Shfaqjet e tij ishin vërtet një festë për sytë.

Veprat më të mira teatrale të Korovin zakonisht lidhen me temat kombëtare, me Rusinë, epikën dhe përrallat e saj, historinë dhe mbi të gjitha natyrën e saj (opera e N. A. Rimsky-Korsakov The Snow Maiden, 1909; opera e M. P. Mussorgsky Khovanshchina, 1911). .

M. A. Vrubel(1856-1910). Natyra ishte bujare ndaj Mikhail Aleksandrovich Vrubel. Ajo e pajisi atë me aftësi të shkëlqyera koloristike, një dhuratë e rrallë e një muralisti, ai vizatoi bukur, fluturimi i imagjinatës së tij është vërtet i mahnitshëm. Puna e Vrubelit është thellësisht kuptimplotë dhe komplekse. Ai ishte gjithmonë i shqetësuar për idealet e larta dhe ndjenjat e mëdha njerëzore. Ai ëndërronte të "zgjonte shpirtin nga gjërat e vogla të jetës së përditshme me imazhe madhështore". Arti i tij, i huaj ndaj indiferencës, është gjithmonë i trazuar romantikisht dhe shpirtëror.

Por idealet e Vrubelit u zhvilluan në mjedisin e ashpër të jetës. Duke dashur të largohej nga kontradiktat e saj të bërtitura, artistja u përpoq të tërhiqej në botën e imazheve abstrakte. Megjithatë, duke qenë një artist i madh, ai ende nuk mund të izolohej nga realiteti. Arti i tij e pasqyron atë, mbart tiparet e epokës.

Edhe në vitet e tij studentore, Vrubel ishte ndryshe nga bashkëmoshatarët e tij. Ai shkoi në mjeshtëri, pothuajse duke anashkaluar ndrojtjen dhe ngurtësinë e shkollës. Kjo u shfaq në kompozimet e tij me shumë figura për një temë të caktuar, të cilat iu dhanë atij jashtëzakonisht lehtësisht ("Fesimi i Marisë me Jozefin"), në rrjedhshmërinë e teknikës së akuarelit dhe në plasticitetin e hollë të portreteve të tij.

Një rol të rëndësishëm në formimin e veprës së Vrubelit luajti mësuesi i tij P. P. Chistyakov, i cili nguliti tek ai një kuptim konstruktiv i formës në art, si dhe nga artistë kryesorë, anëtarë të rrethit Abramtsevo. Këto lidhje, si dhe njohja me N. A. Rimsky-Korsakov, Vrubel ia detyron formimit të themeleve kombëtare në veprën e tij.

Vrubel qëndroi në Akademinë e Arteve për katër vjet. Më 1884 u nis për në Kiev për të restauruar dhe rinovuar pikturat murale të kishës së Shën Kirilit. Tashmë në këto punime dhe në skicat e parealizuara për muralet e Katedrales së Vladimirit, zbulohet dhurata e madhe e artistit. Duke përdorur traditat e pikturës bizantine dhe të vjetër ruse, artin e Rilindjes, Vrubel mbetet thellësisht origjinal. Shprehja e theksuar e ndjenjave, ngjyrosja intensive, temperamenti i shkrimit i japin imazheve të tij një dramë të veçantë.

Në 1889 Vrubel u transferua në Moskë. Që nga ajo kohë, ishte koha për lulëzimin e tij krijues. Ai është njohës i mirë i shumë zhanreve të artit. Kjo është një pikturë me kavalet, një ilustrim librash, një panel monumental dhe dekorativ dhe një pamje teatrale. Vrubel tërheq shumë nga natyra, është i dhënë pas majolikës. Artisti përmirëson pa u lodhur aftësitë e tij, është i sigurt se "teknika është gjuha e artistit", se pa të nuk do të mund t'u tregojë njerëzve për ndjenjat e tij, për bukurinë që ka parë. Ekspresiviteti i veprave të tij rritet edhe më shumë falë pikturës dinamike, ngjyrës që shkëlqen si një xhevahir dhe vizatimit të frymëzuar.

Një nga qendroret në veprën e Vrubelit është tema e Demonit, e frymëzuar nga poema e M. Yu. Lermontov. I rrëmbyer nga romanca e lartë e poemës, ai e ilustron atë ("Tamara në arkivol", 1890-1891) dhe krijon imazhe të personazheve qendrore afër shpirtit, fuqisë së shprehjes dhe aftësisë së Lermontovit. Në të njëjtën kohë, artisti i pajis ata me tipare të ekspresivitetit dhe thyerjes së shtuar, të cilat së shpejti do të bëhen vula e kohës së tij. Për më shumë se dhjetë vjet, Vrubel i kthehet imazhit të Demonit përsëri dhe përsëri. Evolucioni i tij është një lloj rrëfimi tragjik i artistit. Ai e imagjinonte këtë shpirt të keq të qiellit të bukur, krenar, por pafundësisht të vetmuar. Në fillim, i fuqishëm, në kulmin e jetës së tij, duke besuar ende se do të gjente lumturinë në tokë ("Demoni ulur", 1890, ill. XIV), Demoni më vonë përshkruhet si i pamposhtur, por tashmë i thyer, me një të thyer. trup, i shtrirë mes maleve të ftohta të gurta ("Demon i mundur", 1902). Në sytë e tij të djegur nga zemërimi dhe në gojën e ngjeshur me kokëfortësi, mund të ndjehet një shpirt rebel dhe një dënim tragjik.

Në vitet 1890, vepra e Vrubelit gradualisht u dominua nga një temë tjetër, kryesisht folklori rus. Artisti ende tërhiqet nga heronjtë e fortë titanik, por tani ata mbajnë mirësinë dhe paqen në vetvete. Në panelin monumental dhe dekorativ "Mikula Selyaninovich" (1896), Vrubel portretizoi heroin epik si një fermer të thjeshtë, pa në të personifikimin e forcës së tokës ruse. I tillë është "Bogatyr" (1898), si i shkrirë me kalin e tij, një kalorës i fuqishëm - jo në luftë, por duke ruajtur me vigjilencë paqen e atdheut të tij.

Imazhe të mrekullueshme përrallash të Vrubelit. Ata kombinojnë me kënaqësi të vërtetën e vëzhgimit, poezinë e thellë, romancën sublime dhe fantazinë që transformon gjithçka të zakonshme. Është e lidhur pazgjidhshmërisht me natyrën. Në fakt, shpirtërimi i natyrës, personifikimi i saj poetik është baza e përrallave të Vrubelit. Në mënyrë misterioze, misterioze, "Drejt natës" e tij (1900). Në "Pan" (1899, ill. 204), që përshkruan perëndinë me këmbë dhie të pyjeve, ka shumë njerëzi. Në sytë e tij të venitur, të zbehur për një kohë të gjatë, shkëlqejnë edhe mirësia edhe urtësia shekullore. Në të njëjtën kohë, ai është si një trung thupër i ringjallur. Kaçurrelat gri, si kaçurrelat e lëvores së bardhë, dhe gishtat - nyje të ngathët. "The Swan Princess" (1900, ill. 203) është njëkohësisht një princeshë me sy blu me një gërsheta të gjatë deri në bel dhe një zog mbretëror i bukur me krahë mjellma që noton në detin blu.

Mendimet dhe ndjenjat e mëdha, një shtrirje e gjerë fantazie e tërhoqën Vrubelin në botën e artit monumental dhe u bë një nga drejtimet kryesore në punën e tij. Që nga vitet 1890, pasi kishte gjetur formën e paneleve monumentale dhe dekorative, artisti i ekzekutoi ato me urdhër të patronëve të ndritur të artit (paneli "Spanjë", ill. 202, "Venecia", një seri kushtuar poemës së Gëtes "Faust") . Megjithë integritetin monumental të formës, ata ruajtën gjithmonë hollësinë e zhvillimit plastik dhe thellësinë psikologjike të imazhit.

Portretet e Vrubelit dallohen gjithashtu nga origjinaliteti dhe rëndësia artistike. Ato janë të thella dhe shumë ekspresive, artisti i dha secilit model një spiritualitet të veçantë, dhe ndonjëherë edhe dramë. Të tilla janë portretet e S. I. Mamontov (1897), poetit Valery Bryusov (1906), autoportrete të shumta (për shembull, 1904, ill. 205) dhe portretet e gruas së tij, këngëtares së njohur N. I. Zabela-Vrubel.

Dhjetë vitet e fundit të jetës së tij ishin të dhimbshme për Vrubelin. Dhurata e tij e mrekullueshme luftoi me sëmundje të rënda mendore për një kohë të gjatë. Në pamundësi për të mbajtur më një penel në dorë, ai pikturonte shumë, duke goditur ata që e rrethonin me pastërtinë e formave strukturore të vizatimit. Shikimi i zbehur gradualisht. Vrubel vdiq në kulmin e jetës së tij krijuese.

V. E. Borisov-Musatov(1870-1905). Tendenca drejt poetizimit të imazheve, karakteristikë e artit rus në vitet 1890 dhe fillim të viteve 1900, gjeti shprehje në veprën e Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. Talenti i tij lirik filloi të shfaqej që në vitet e hershme studentore në imazhe të buta me natyrë poetike, por vetëm nga fundi i viteve 1890 u përcaktua rrethi i temave të preferuara të Musatov dhe sistemi figurativ-pikturor i artit të tij. Me gjithë fuqinë e tij, artisti përpiqet të kuptojë harmoninë në botë dhe, duke mos e parë atë përreth, përpiqet ta rikrijojë atë në imagjinatën e tij.

Veprat më të mira të Musatov janë "Pranvera" (1901), "Rezervuari" (1902, ill. 206), "Gjerdani i smeraldit" (1903-1904). Artisti është ende afër natyrës, por duket se është rimishëruar në imazhe elegjike të ëndrrës së tij të sinqertë, si imazhe të simbolizmit letrar, duke humbur qartësinë e skicave të jetës në paqartësinë e kontureve dhe brishtësinë e pikave të ngjyrave. Ai banon në parqet e tij të zhytura në mendime me vajza të ngadalta, sikur ëndërrojnë, i vesh ato me fustane të kohërave të shkuara, i mbështjell ato dhe gjithçka përreth me një mjegull trishtimi të lehtë.

"Bota e Artit"- një fenomen domethënës në jetën artistike ruse të fundit të shekullit XIX - fillimit të shekullit XX, i cili luajti një rol të madh në zhvillimin jo vetëm të arteve të bukura në Rusi, por edhe në teatrin, muzikën, arkitekturën dhe artet e aplikuara.

Djepi i "Botës së Artit" ishte një rreth i inteligjencës së Shën Petersburgut, i cili u ngrit në vitet 1890. Midis tyre ishin artistët A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst. Në fund të kësaj dekade “Bota e Artit” mori formë si një shoqatë ideologjike dhe artistike. V. A. Serov mori pjesë në të, duke e mbështetur atë me autoritetin e tij. Bërthama e grupit të ri u plotësua nga E. E. Lansere dhe M. V. Dobuzhinsky. S. P. Diaghilev, i përkushtuar ndaj interesave të artit, luajti një rol të rëndësishëm organizativ. Nga viti 1899 deri në vitin 1904, figurat e “Botës së Artit” botonin një revistë letrare artistike. Megjithatë, ai nuk ishte i unifikuar në drejtimin e tij. Departamenti i tij artistik, i kryesuar nga mjeshtër të shquar të arteve figurative, ndryshonte ashpër nga departamenti letraro-filozofik, i cili kishte karakter simbolisto-fetar.

Qëllimi kryesor i Botës së Artit ishte rinovimi i artit rus, përmirësimi i kulturës së tij artistike, mjeshtëria, njohja e gjerë me traditat e trashëgimisë së huaj dhe vendase. Ata punuan shumë dhe frytdhënës jo vetëm si artistë, por edhe si historianë arti, kritikë, popullarizues të artit klasik dhe bashkëkohor.

Bota e Artit luajti një rol veçanërisht të rëndësishëm në jetën artistike ruse gjatë periudhës së parë të ekzistencës së saj, e cila zgjati rreth dhjetë vjet. Miriskusniki organizoi ekspozita të gjera të artit vendas dhe të huaj dhe ishte iniciator i shumë përpjekjeve artistike. Më pas ata e deklaruan veten kundërshtarë të akademikizmit rutinë dhe të përditshmërisë së vogël të disa prej të ndjerëve të endacakëve.

Në praktikën e tyre krijuese, Bota e Arteve bazohej nga vëzhgime specifike të jetës, duke përshkruar natyrën dhe njeriun bashkëkohor, dhe nga materialet historike dhe artistike, duke iu referuar temave të tyre të preferuara retrospektive, por në të njëjtën kohë ata kërkonin të përcillnin botën në një formë të transformuar. , në forma të ngritura dekorative dhe një nga detyrat kryesore ishte kërkimi i artit sintetik të "stilit të madh".

Në vitet e para të jetës së shoqatës, Bota e Artit nderoi individualizmin që përshkonte kulturën evropiane të atyre viteve, dhe teorinë e "artit për hir të artit". Më vonë, në dekadën para-revolucionare, ata rishikuan kryesisht pozicionet e tyre estetike, duke e njohur individualizmin si të dëmshëm për artin. Gjatë kësaj periudhe, modernizmi u bë kundërshtari i tyre kryesor ideologjik.

Në dy lloje të artit, artistët e "Botës së Artit" arritën sukses veçanërisht të rëndësishëm: në artin teatror dhe dekorativ, i cili mishëronte ëndrrën e tyre për harmoninë e arteve, për sintezën e tyre dhe në grafikë.

Grafika tërhoqi botën e arteve si një nga format e artit masiv, atyre u bënë përshtypje edhe format e saj dhomëze, të zakonshme në ato vite në shumë forma arti. Për më tepër, grafika kërkonte vëmendje të veçantë, pasi ato ishin shumë më pak të zhvilluara sesa piktura. Së fundi, zhvillimi i grafikës u lehtësua edhe nga arritjet në shtypjen vendase.

Peizazhet e Shën Petërburgut të vjetër dhe periferisë së tij, bukurinë e të cilave artistët kënduan, si dhe portreti, i cili në punën e tyre zinte në thelb një vend të barabartë me piktoresk, u bënë një veçori e grafikës së kavaletit të "Botës së Art". A. P. Ostroumova-Lebedeva dha një kontribut të madh në grafikën e fillimit të shekullit të 20-të; në veprën e saj, prerja në dru është themeluar si një formë e pavarur arti. Vepra romantike e V. D. Falileev, i cili zhvilloi artin e gdhendjes në linoleum, ishte e veçantë.

Fenomeni më domethënës në fushën e gravurës ishte vepra e V. A. Serov. Ata dalloheshin nga thjeshtësia, ashpërsia e formës dhe mjeshtëria e shkëlqyer e vizatimit. Serov gjithashtu avancoi zhvillimin e litografisë, duke krijuar një numër portretesh të shquara në këtë teknikë, të dalluar për ekspresivitetin e tyre me një ekonomi të mahnitshme të mjeteve artistike.

Mjeshtrat e “Botës së Artit” arritën sukses të madh në fushën e ilustrimit të librit, duke e ngritur në nivele të larta kulturën artistike të librit. Veçanërisht i rëndësishëm në këtë drejtim është roli i A. N. Benois, E. E. Lansere dhe M. V. Dobuzhinsky. I. Ya. Bilibin, D. N. Kardovsky, G. I. Narbut, D. I. Mitrokhin, S. V. Chekhonin dhe të tjerë punuan frytshëm në grafikë librash.

Arritjet më të mira të artit të grafikës në fillim të shekullit, dhe në radhë të parë të "Botës së Artit", përmbanin parakushtet për zhvillimin e gjerë të grafikës sovjetike.

A. N. Benois(1870-1960). Alexander Nikolaevich Benois veproi si ideologu i "Botës së Artit". Mendja, edukimi i gjerë, universaliteti i njohurive të thella në fushën e artit karakterizojnë Benois. Aktiviteti krijues jashtëzakonisht i gjithanshëm i Benois. Ai arriti shumë në grafikën e librit dhe të kavaletit, ishte një nga artistët dhe figurat kryesore të teatrit, kritikët e artit dhe kritikët e artit.

Ashtu si studiues të tjerë të Botës së Artit, Benois preferonte tema nga epokat e kaluara. Ai ishte një poet i Versajës (më të famshmet janë dy seritë e tij të Versajës - "Shëtitjet e fundit të Louis XIV", 1897-1898 dhe një seri e viteve 1905-1906, ill. 208). Imagjinata krijuese e artistit mori flakë kur vizitoi pallatet dhe parqet e periferisë së Shën Petersburgut. Historia ruse pasqyrohet gjithashtu në veprën e Benois. Në vitet 1907-1910, së bashku me artistë të tjerë rusë, ai punoi me entuziazëm në pikturat mbi këtë temë për shtëpinë botuese I. Knebel ("Parada nën Palin I", 1907; "Dalja e Perandoreshës Katerina II në Pallatin Tsarskoye Selo", 1909).

Benois i populloi kompozimet e tij të detajuara historike, të ekzekutuara me imagjinatë dhe mjeshtëri të madhe, me figura të vogla njerëzish dhe monumente të artit të riprodhuar me kujdes, me dashuri dhe pamjen e përditshme të epokës.

Benois dha një kontribut të madh në grafikën e librit. Shumica e veprave të artistit në këtë fushë lidhen me punën e A. S. Pushkin. Në veprën e tij më të mirë – ilustrimet për poezinë “Kalorësi prej bronzi” (1903-1923), Benois zgjodhi rrugën e një artisti-bashkautor, karakteristikë e “Botës së Artit”, karakteristike e “Botës së Artit”. Ai e ndoqi tekstin rresht pas rreshti, megjithëse ndonjëherë devijonte prej tij duke prezantuar komplotet e tij. Benois i kushtoi vëmendjen kryesore bukurisë së Shën Petersburgut të vjetër, të rizbuluar nga Bota e Artit, duke ndjekur Pushkinin, duke përshkruar qytetin ose të pastër dhe të qetë, ose të hutuar romantikisht në ditët e tmerrshme të përmbytjes.

Ilustrimet e Benois për "Mbretëresha e Spades" të Pushkinit janë gjithashtu të ekzekutuara me aftësi të mëdha profesionale. Por ata ndryshojnë në një interpretim më të lirë të tekstit të Pushkinit, ndonjëherë duke injoruar psikologjinë që përshkon historinë.

Benois u angazhua në aktivitete teatrale për pothuajse të gjithë jetën e tij krijuese. Ai u tregua një artist i shkëlqyer i teatrit, një kritik i hollë i teatrit. Në vitet 1910, në kohën e lulëzimit të tij krijues, Benois punoi në Teatrin e Artit të Moskës së bashku me K. S. Stanislavsky dhe V. I. Nemirovich-Danchenko, shpesh jo vetëm si artist, por edhe si regjisor, dhe në vitet e para të ekzistencës së tij. "Stinët ruse" në Evropë kryen drejtimin e tyre artistik. Veprat e tij teatrale karakterizohen gjithashtu nga saktësia në rikrijimin e shenjave artistike dhe të përditshme të epokës, përputhshmëria me synimin dramatik të autorit dhe shija e lartë artistike. Mendja e preferuar teatrale e Benois është baleti i famshëm i I. F. Stravinsky "Petrushka" (1911). Benoit zotëronte jo vetëm dizajnin e tij. Ai ishte autor i libretit dhe mori pjesë aktive në prodhimin e tij.

K. A. Somov(1869-1939). Jo më pak tipike për "Botën e Artit" dhe veprën e Konstantin Andreevich Somov. Ndryshe nga shumë prej kolegëve të tij në Botën e Artit, Somov mori një edukim sistematik të artit. Ai studioi në Akademinë e Arteve, ku zgjodhi punëtorinë e I. E. Repin. Aftësitë e forta profesionale të fituara prej tij këtu Somov u përmirësuan pa u lodhur në të ardhmen dhe aftësia e tij e shkëlqyer shpejt u bë e njohur gjerësisht.

Në vitet e para të punës së tij, Somov ndoqi traditat realiste (portreti i babait të tij, 1897). Në tablonë "Zonja me fustan blu" (portret i artistit E. M. Martynova, 1897-1900), vihet re edhe një depërtim psikologjikisht delikat dhe i thellë në imazhin që mban vulën e fatit tragjik të artistit të ri. Megjithatë, dëshira e Somov për ta lidhur atë me një kohë të gjatë të kaluar (Martynova është e veshur me një fustan të vjetër), skena e një zonje dhe një zotërie që luajnë pa kujdes muzikë në frymën e shekullit të 18-të dhe piktura që është bërë lajmëruese më e ngurtë. një kërkim i ri për artistin.

Në fillim të viteve 1900, puna e Somov më në fund mori formë. Si gjithë bota e artit, ai pikturoi me dëshirë peizazhe. Gjithmonë duke u nisur nga natyra, ai krijoi imazhin e tij somian të natyrës, të ngritur romantikisht, me një dantellë të hollë gjethesh të ngrira mbi pemë dhe një model grafik kompleks të degëve të tyre, me tingull të shtuar ngjyrash. Por vendin kryesor në punën e artistit e zunë kompozimet retrospektive. Personazhet e tyre të zakonshëm janë zonja të edukuara, si kukulla me paruke të larta pluhur dhe krinolina. Së bashku me zotërinj të ngathët, ata ëndërrojnë, argëtohen, flirtojnë. Somov i pikturoi këto piktura qartë nën ndikimin e mjeshtrave të vjetër. Piktura e tij u bë e lëmuar, si e llakuar, por e sofistikuar në një mënyrë moderne ("Winter. Skating ring", 1915, ill. 210).

Një vend domethënës në veprën e Somov është një portret. Galeria e tij me portretet e përfaqësuesve të inteligjencës artistike është vërtet një pikë referimi e kohës. Më të mirët prej tyre janë portretet e A. A. Blok (1907, ill. 209), M. A. Kuzmin dhe S. V. Rachmaninov. Ato dallohen nga saktësia, ekspresiviteti i karakteristikave dhe mjeshtëria e performancës. Artisti, si të thuash, i ngre të gjitha modelet mbi jetën e përditshme, duke i pajisur ato me cilësitë e përgjithshme ideale të heroit të kohës së tij - intelektin dhe përsosjen.

E. E. Lansere(1875-1946). Evgeny Evgenievich Lansere është një nga mjeshtrit e shumëanshëm të "Botës së Artit". Ai merrej me pikturë me kavalet dhe monumentale, grafikë, ishte artist teatri, krijonte skica për vepra të artit të aplikuar. Puna e tij është karakteristike për "Botën e Artit", dhe në të njëjtën kohë, një origjinalitet i ndritshëm e dallon Lansere nga mjedisi i Botës së Artit. Ai u tërhoq gjithashtu nga shekulli i 18-të, i pëlqente të krijonte kompozime mbresëlënëse për këtë temë, por ato dallohen nga një larmi më e madhe interpretimesh të përmbajtjes dhe demokratizmit të imazheve. Pra, piktura "Anijet e kohës së Pjetrit I" (1909, 1911) është e mbushur me frymën e romancës heroike të kohës së Pjetrit të Madh, dhe gouache "Perandoresha Elizaveta Petrovna në Tsarskoye Selo" (1905) karakterizohet nga një esëll e vërtetë e imazheve si jetë.

Vendin më domethënës në veprën e Lansere e zënë grafika - këmbalec, libri dhe revista. Punimet e tij grafike janë elegante, ndonjëherë me modele të sofistikuara, të mbushura me frymën e epokës dhe klasikisht të qarta. Vepra qendrore e artistit është një seri e madhe ilustrime për tregimin e L. N. Tolstoit "Haxhi Murad". Në to, Lancer arriti të rikrijojë thjeshtësinë e mençur të Tolstoit me një humor të përgjithshëm romantik dhe karaktere të ndritshme ekspresive. Në të ardhmen, Lansere punoi shumë dhe me fryt si artist sovjetik.

M. V. Dobuzhinsky(1875-1957). Ashtu si Lancer, Dobuzhinsky i përkiste brezit të ri të artistëve të Botës së Artit. Vepra e tij, ashtu si Lansere, është tipike e kësaj shoqate dhe në të njëjtën kohë thellësisht origjinale. Në artin e kavaletit, Dobuzhinsky preferoi peizazhin urban. Por ai nuk ishte vetëm këngëtari i tij, por edhe një psikolog, jo vetëm që këndoi për bukuritë e tij, por portretizoi anën e pasme të një qyteti modern kapitalist, ftohtësisht mekanik, një qytet oktapodësh ("Djalli", 1906), njerëz shkatërrues shpirtërisht ( "Njeriu me syze", 1905-1906).

Si në grafikën e librave, ashtu edhe në artin teatror dhe dekorativ, Dobuzhinsky karakterizohet nga një qasje psikologjike individuale ndaj interpretimit të veprës së ilustruar. Artisti andersenian është i sjellshëm dhe mendjemprehtë në vizatimet elegante me ngjyra për përrallën "Bapi i derrit", lirik dhe butësisht sentimental në ilustrimet për "Liza e varfër" nga N. M. Karamzin dhe thellësisht dramatik në serinë e famshme të ilustrimeve për tregimin "Netët e bardha" të F. M. Dostojevskit. (1922). Veprat më të mira teatrale të Dobuzhinsky janë ato që ai interpretoi në Teatrin e Artit të Moskës ("Një muaj në vend" nga I. S. Turgenev, 1909, "Nikolai Stavrogin" nga F. M. Dostoevsky, 1913).

Puna e shumë mjeshtrave të fillimit të shekullit - V. A. Serov, Z. E. Serebryakova, I. Ya. Bilibin, B. M. Kustodiev, I. E. Grabar dhe të tjerë - është e lidhur me "Botën e Artit" në një shkallë ose në një tjetër. Në të njëjtin rresht - Nicholas Roerich(1874-1947) - artist i avancuar, shkencëtar, figurë e shquar publike. Në mjedisin artistik të asaj kohe, Roerich u dallua për dashurinë e tij për historinë dhe arkeologjinë e lashtë ruse, për artin e Rusisë së Lashtë. Në veprën e tij, ai u përpoq të depërtonte thellë në shekuj, në botën e gjallë dhe integrale të paraardhësve të largët, për ta lidhur atë me zhvillimin progresiv të njerëzimit, me idealet e humanizmit, heroizmit dhe bukurisë ("Mysafirët jashtë shtetit", 1902, 211; "Qyteti po ndërtohet", 1902).

"Bashkimi i Artistëve Ruse". Unioni i Artistëve Ruse (1903-1923) luajti një rol të rëndësishëm në jetën artistike të Rusisë në fillim të shek. Parahistoria e saj ishin "Ekspozitat e 36 Artistëve" të organizuara në 1901 dhe 1902 në Moskë. "Bashkimi i Artistëve Rus" u themelua me iniciativën e Moskovitëve për të forcuar organizatën e re artistike. Shumë mjeshtër kryesorë të të dy kryeqyteteve u bënë anëtarë të tij, por thelbi i "Bashkimit të Artistëve Rus" vazhdoi të ishte piktorët e Moskës - K. A. Korovin, A. E. Arkhipov, S. A. Vinogradov, S. Yu. Zhukovsky, L. V. Turzhansky, A. M. Vasnetsov, S. V. Malyutin. , A. S. Stepanov. A. A. Rylov, K. F. Yuon, I. I. Brodsky, F. A. Malyavin ishin të afërt me Unionin e Artistëve Ruse në pozicionet e tyre artistike dhe pjesëmarrës aktivë në ekspozitat e tij. Në vitin 1910, "Bashkimi i Artistëve Ruse" u nda. Nga përbërja e tij doli një grup artistësh në Shën Petersburg, i cili rivendosi emrin e dikurshëm "Bota e Artit", një grupim që pushoi së ekzistuari si një bashkim ekspozitor në 1903.

Peizazhi është zhanri kryesor në artin e shumicës së mjeshtrave të "Bashkimit të Artistëve Ruse". Ata ishin pasuesit e pikturës së peizazhit të gjysmës së dytë të shekullit të 19-të, zgjeruan gamën e temave - përshkruan natyrën dhe Rusinë qendrore, dhe jugun me diell, dhe veriun e ashpër, dhe qytetet e lashta ruse me monumentet e tyre të mrekullueshme arkitekturore dhe poetike. pronat e vjetra, shpesh futën elemente të zhanrit në kanavacat e tyre, ndonjëherë edhe jetën e qetë. Ata tërhoqën gëzimin e jetës nga natyra dhe u pëlqente të pikturonin drejtpërdrejt nga natyra me një furçë të gjerë me temperament të lëngshëm, të ndritshëm dhe shumëngjyrësh, duke zhvilluar dhe shumëzuar arritjet e pikturës plein air dhe impresioniste.

Punimet e mjeshtrave të "Bashkimit të Artistëve Ruse" shprehnin qartë individualitetin krijues të secilit, por ato gjithashtu kishin shumë karakteristika të ngjashme - një interes i shtuar për mbulimin e shpejtë vizual të botës, një mall për një përbërje dinamike fragmentare, fshirje kufij të qartë midis një tabloje kompozicionale dhe një studimi natyror. Piktura e tyre karakterizohej nga integriteti i mbulesës shumëngjyrëshe plastike të kanavacës, një penelë e gjerë relievi duke formuar formën dhe tingullin e ngjyrës.

Art 1905-1907. Ngjarjet e revolucionit të parë rus, të cilat lanë gjurmë në të gjithë rrjedhën e mëvonshme të historisë ruse dhe botërore, u pasqyruan qartë në artet e bukura. Asnjëherë më parë, arti rus nuk ka luajtur një rol kaq efektiv në jetën politike të vendit si sot. "Vetë vizatimet nxisin një kryengritje," e informoi Carin në një raport ministri i Brendshëm I. N. Durnovo.

Me thellësinë më të madhe, revolucioni i viteve 1905-1907 u pasqyrua në pikturën e kavaletit në veprat e I. E. Repin ("Manifestimi për nder të 17 tetorit 1905"), V. E. Makovsky ("9 janar 1905 në ishullin Vasilyevsky") dhe I. Brodsky ("Funerali i Kuq"), V. A. Serov ("Funerali i Baumanit"), S. V. Ivanov ("Ekzekutimi"). Ne kemi përmendur tashmë vepra të shumta mbi temën revolucionare nga N. A. Kasatkin, në veçanti, për piktura të tilla si "Punëtor-Militant".

Në revolucionin e 1905-1907, grafika satirike arriti një lulëzim të paparë - forma më e lëvizshme dhe masive e artit. Njihen 380 tituj revistash satirike, të botuara në vitet 1905-1907 në vlerën 40 milionë kopje. Për shkak të shtrirjes së tij të gjerë, revolucioni mblodhi artistë të tendencave të ndryshme në një detashment të madh dhe miqësor. Midis pjesëmarrësve në revistat satirike ishin mjeshtra të tillë të mëdhenj si V. A. Serov, B. M. Kustodiev, E. E. Lansere, M. V. Dobuzhinsky, I. Ya. Bilibin dhe studentë të shkollave të artit dhe artistë joprofesionistë.

Shumica e revistave satirike ishin liberale në drejtim. Qeveria cariste, edhe duke nxjerrë një manifest për lirinë e shtypit, në fakt nuk lejoi botimin e revistave satirike politike të Partisë Bolshevike. E vetmja revistë e orientimit bolshevik - Sting, në të cilën mori pjesë A. M. Gorky, u ndalua pas botimit të numrit të parë dhe redaksia e saj u shkatërrua. Sidoqoftë, revistat më të mira satirike të viteve 1905-1907, për shkak të përmbajtjes së tyre akuzuese, mprehtësisë së mendimit aktual politik dhe qëllimshmërisë, kishin një vlerë të madhe edukative.

Më shpesh, satira e tyre, si në tekst ashtu edhe në atë pikture, drejtohej kundër autokracisë. Elita në pushtet e Rusisë dhe vetë Car Nikolla II u kritikuan veçanërisht ashpër. Një temë e zakonshme ishte edhe denoncimi i represioneve të përgjakshme të qeverisë cariste.

Një revistë shumë e guximshme e atyre viteve ishte Machine Gun, e cila i detyrohej shumë sipërmarrjes dhe zgjuarsisë së redaktorit të saj N. G. Shebuev dhe artistit I. M. Grabovsky. Imazhet e përgjithësuara të pjesëmarrësve në revolucion - një punëtor, një ushtar, një marinar, një fshatar - u shfaqën vazhdimisht në fletët e tij. Në kopertinën e një prej numrave të "Matruloza", në sfondin e oxhaqeve të fabrikës që tymoseshin, Grabovsky vendosi imazhin e një punëtori dhe bëri një mbishkrim domethënës "Madhështia e tij e punës Proletari Gjithërus".

Il. 212. M. V. Dobuzhinsky. Idili i tetorit. “Bogey”, 1905, nr.1

Një ton luftarak karakterizoi shumë revista ("The Spectator", më e qëndrueshme prej tyre, "Leshy", "Zhupel" dhe vazhdimi i saj "Hell's Mail"). VA Serov dhe shumë anëtarë të Botës së Artit bashkëpunuan në dy revistat e fundit. Të dyja këto revista u dalluan për mjeshtërinë e ilustrimeve të tyre. Kompozimet e njohura të Serovit "Ushtarë, fëmijë trima, ku është lavdia juaj?" u shfaqën në të parën. (ill. 199), Dobuzhinsky "Idil tetor" (ill. 212), Lansere - "Fest" (ill. 213); në të dytën - Kustodievsky "Olimpus" - karikatura kaustike të anëtarëve të Këshillit Shtetëror. Shpesh vizatimet e revistave satirike ishin në natyrën e skicave të përditshme - skena me temën e ditës. Alegoria, nganjëherë duke përdorur vepra të njohura të kavaletit të artistëve rusë, nganjëherë duke përdorur imazhe folklorike, ishte një formë e zakonshme e maskimit për satirën. Veprimtaria e shumicës së revistave satirike të viteve 1905-1907 lindi nga revolucioni dhe ngriu bashkë me intensifikimin e reagimit të qeverisë.

Art 1907-1917. Dekada e para tetorit në Rusi pas humbjes së revolucionit të 1905-1907 është një kohë sprovash të rënda, reagimi i shfrenuar i Njëqindës së Zezë. Në vitin 1914 filloi lufta e parë botërore imperialiste. Në kushte të vështira, Partia Bolshevike mblodhi forcat për ofensivën dhe që nga viti 1910 po rritej një valë e një ngritjeje të re të lëvizjes revolucionare, po bëheshin përgatitjet për përmbysjen e autokracisë. Rusia qëndroi në prag të ngjarjeve më të mëdha historike.

Situata e tensionuar në vend e ndërlikoi më tej jetën artistike ruse. Shumë artistë ishin në kontrollin e konfuzionit, disponimit të paqartë, impulseve pasionante por të pabaza, përvojave subjektive të pafrytshme, luftës midis lëvizjeve artistike. Teori të ndryshme idealiste që ndanin artin nga realiteti dhe traditat demokratike u përhapën gjerësisht. Këto teori iu nënshtruan kritikave të pamëshirshme nga V. I. Lenin.

Por edhe në një situatë kaq të vështirë, zhvillimi i artit realist rus nuk u ndal. Një numër i shëtitësve të shquar dhe anëtarëve të Unionit të Artistëve Ruse vazhduan të punojnë në mënyrë aktive. Ndër artistët e shoqatave më të mëdha krijuese, ka pasur tendenca për afrim, pika kontakti për disa çështje themelore. Gjatë këtyre viteve, Bota e Artit kritikoi përhapjen e individualizmit, mbrojti forcimin e një shkolle profesionale arti dhe kërkimi i tyre për art të stilit të madh u bë edhe më i qëllimshëm. N. K. Roerich shprehu idenë se lufta e drejtimit nuk përjashton mundësinë e ngritjes së flamurit të "realizmit heroik" që korrespondon me kohën.

Ndërveprimi i zhanreve individuale të pikturës u intensifikua, trashëgimia vendase dhe klasike u rimendua, V. A. Serov ishte një nga të parët në shekullin e 20-të që pastroi mitologjinë antike nga interpretimi i vjetër akademik pseudo-klasik dhe zbuloi një fillim realist në të. Në dekadën para-revolucionare, u krijuan vetëm një numër i vogël pikturash të mëdha, domethënëse, por jo rastësisht u shfaq në atë kohë "Stepan Razin" i V. I. Surikov, i cili përmbush qëllimin e lartë të artit kombëtar - të pasqyrojë të mëdhenjtë. idetë e modernitetit. Dëshmi e rëndësishme e përparimit të artit rus ishte dëshira e një numri piktorësh - A. E. Arkhipov, L. V. Popov, K. S. Petrov-Vodkin, Z. E. Serebryakova dhe të tjerë - për të lidhur imazhin e njerëzve me mendimin e Atdheut, me vendlindjen e tyre. tokë .

Z. E. Serebryakova(1884-1967). Zinaida Evgenievna Serebryakova këndoi në veprat e saj më të mira jetën fshatare të punëtorëve. Një rol të madh në formimin e artit të saj luajti trashëgimia e A. G. Venetsianov dhe mjeshtrit e mëdhenj të Rilindjes. Shtrëngimi i imazheve monumentale, harmonia dhe ekuilibri i përbërjes, ngjyrat e ngurta të dendura dallojnë pikturat e saj më të mira. Shquhen veçanërisht "Të korrat" (1915) dhe "Zbardhja e kanavacës" (1917, ill. XII), në të cilat figurat e paraqitura nga një këndvështrim i ulët janë kaq të mëdha dhe ritmi i lëvizjeve është. madhështore. Kanavacja perceptohet si një monument i punës së fshatarëve.

K. S. Petrov-Vodkin(1878-1939). Në periudhën e hershme të punës së tij, Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin bëri haraç për tendencat abstrakte simboliste. Një studim i afërt i traditave më të mira të Rilindjes Evropiane dhe, më e rëndësishmja, linja e artit rus që mund të gjurmohet në veprat e piktorëve të Rusisë së Lashtë e ndihmoi artistin të tregojë një pikëpamje demokratike për botën. Në kanavacat "Nëna" (1913 dhe 1915, ill. 214) dhe "Mëngjesi" (1917), imazhet e grave fshatare pasqyrojnë pastërtinë e lartë morale të botës shpirtërore të një personi rus. Piktura "Duke larë kalin e kuq" (1912) është e mbushur me një parandjenjë të ndryshimeve të ardhshme shoqërore. Përmbajtja e lartë ideologjike korrespondon me lakonizmin e kompozimit, dinamikën e hapësirës, ​​ashpërsinë klasike të vizatimit dhe harmoninë e ngjyrave, të ndërtuara mbi ngjyrat kryesore të spektrit.

P. V. Kuznetsov(1878-1968). Në fillim të karrierës së tij, Pavel Varfolomeevich Kuznetsov gjithashtu përjetoi ndikimin e simbolizmit. Kompleti Kirgistan i pikturave të tij ("Mirage in the Steppe", 1912, ill. 215; "Sheep Sheep", 1912) pasqyronte një kuptim poetik të imazhit të një personi që punon në botën rreth tij. Skenat e thjeshta të jetës, gjestet e pangutura dhe fytyrat e qeta të njerëzve të angazhuar në punën e tyre të zakonshme në vendin e tyre të lindjes, struktura muzikore e ngjyrave, solemniteti i peizazhit - gjithçka rikrijon një imazh harmonik holistik.

Il. 215. P. V. Kuznetsov. Mirazh në stepë. X., tempera. 95 X 103. 1912. Galeria Tretyakov

M. S. Saryan(1880-1972). Në një seri pikturash të bazuara në përshtypjet e udhëtimeve në vendet e Lindjes, Martiros Sergeevich Saryan poetizon edhe jetën e njerëzve të përshkruar prej tij ("Rruga. Mesdita. Konstandinopojë", 1910; "Palma e hurmës. Egjipt", 1911, etj. .). Veprat e tij lakonike janë ndërtuar mbi silueta të ndritshme dhe të forta, kontraste të ritmit, dritës dhe hijes. Ngjyrat janë të theksuara dekorative, planet hapësinore janë vizatuar qartë. Natyra poetike e imazheve të artit të Saryan përcaktohet nga aftësia e tij për të ruajtur një ndjenjë të gjallë të jetës me tingullin dhe bukurinë intensive të paletës piktoreske.

Veprat më të mira të artistëve të përmendur më lart, të cilët më vonë dhanë një kontribut të paçmuar në artin sovjetik, hapën perspektivën e zhvillimit të mëtejshëm të artit realist monumental, krijimi i të cilit i përkiste tashmë një epoke të re historike.

portrete me imazhe të thelluara psikologjike nuk mori një zhvillim kaq të gjerë në dekadën para-revolucionare si në periudhën e mëparshme, por një sërë shembujsh tregojnë pasurimin e tyre në punën e mjeshtrave të shquar. Mjafton të kujtojmë autoportretet e V. I. Surikov dhe M. V. Nesterov, ku bota komplekse shpirtërore e një njeriu të artit zbulohet me ankthet e tij, reflektimet mbi jetën ose karakteristikat e mprehta të portretit të V. A. Serov.

Vazhdimi i kësaj linje të zhanrit të portretit mund të shihet edhe në veprat e S. V. Malyutin (për shembull, portretet e V. N. Baksheev, 1914, ill. 216, K. F. Yuon, 1916). Qëndrimi, qëndrimi, gjesti dhe shprehjet e fytyrës përcjellin karakter, dëshmojnë për origjinalitetin e personalitetit të përfaqësuesve të artit rus. Në të njëjtin plan, I. I. Brodsky pikturoi një portret të A. M. Gorky (1910).

E rëndësishme në interpretimin psikologjik të imazhit është piktura "Murgesha" (1908, ill. 218) e B. M. Kustodiev. Megjithëse autori nuk vendosi detyrën e krijimit të një vepre akuzuese, fuqia e depërtimit realist në botën shpirtërore të personit që portretizohej i dha këtij imazhi një kuptim të caktuar simbolik. Para nesh është kujdestari i themeleve të kishës: edhe i sjellshëm, edhe dinak, edhe i hirshëm, edhe sundues, i pamëshirshëm. Megjithatë, plot optimizëm, arti i Kustodiev është tërhequr kryesisht nga traditat e lashtësisë ruse, zakonet popullore dhe festimet. Në kanavacat e tij, ai ndërthur një vëzhgim të gjallë të natyrës, imazhe dhe dekorueshmëri të ndritshme ("Tregtar", 1915, ill. 219; "Maslenitsa", 1916).

Vitet 1910 shoqërohen me sukses të madh në fushën e një zhanri të ri - portreti teatror, ​​ku artisti përballet me një detyrë të vështirë krijuese - të tregojë frymëzimin e aktorit, shndërrimin e tij në një imazh skenik. Kampionati këtu i përket A. Ya. Golovin. Duke njohur fare mirë tiparet e skenës dhe të dramaturgjisë, ai krijoi një imazh madhështor dhe tragjik në portretin e F. I. Chaliapin në rolin e Boris Godunov (1912, ill. 220).

Peizazhi në një mënyrë ose në një tjetër tërhoqi të gjithë artistët: ata u bashkuan në këtë zhanër nga kërkimet piktoreske dhe koloristike. Megjithatë, për shumë njerëz, imazhi i natyrës u shndërrua në një zgjidhje për një etyd, dhe jo në një problem pikture, siç ishte rasti në shekullin e 19-të. Në periudhën para-revolucionare, vetëm disa mjeshtër të mëdhenj arritën të përcjellin ndjenjën epike të atdheut duke përshkruar natyrën - mbizotëronin motivet lirike. A. A. Rylov (Green Noise, 1904, ill. 217) iu kthye traditave të pikturës së peizazhit. Kanavaca e tij romantike "Mjellmat mbi Kama" (1912) parashikonte pikturën "Në hapësirën blu", krijuar pas Revolucionit të Madh Socialist të Tetorit. Interesi gjithnjë në rritje për trashëgiminë kombëtare shkaktoi shfaqjen e një numri suitash piktoreske kushtuar qyteteve antike ruse. Duke përfshirë skenat e përditshme në kompozim, artistët treguan natyrën dhe njeriun duke vepruar në mënyrë të barabartë në një pikturë peizazhi ("Në Sergiev Posad" nga K. F. Yuon dhe të tjerët).

Piktorët e peizazhit, kryesisht përfaqësues të "Bashkimit të Artistëve Rus", kanë pasuruar ndjeshëm aftësitë e tyre në pikturë. Pikërisht këtu mbizotëruan etydet, interpretimi lirik i motiveve, shpesh rurale, që datojnë nga A.K. Savrasov, V.D. Polenov dhe I.I. Levitan, të cilat dëshmonin për ruajtjen e traditave demokratike. Piktura me ajër të pastër u plotësua me peizazhe të tilla plot ngjyra dhe poetike si "Kem" (1917) nga K. A. Korovin, "Drejt mbrëmjes" nga N. P. Krymov, veprat më të mira të S. A. Vinogradov ("Kopshti i luleve", "Pranvera", 1911, ill. 221) dhe S. Yu. Zhukovsky ("Dam", 1909, ill. 222; "Maj i gëzuar", 1912).

Zhvillimi intensiv po bëhet jetë e qetë. Tani ky zhanër përfaqësohet nga veprat e një sërë artistësh të shoqatave të ndryshme krijuese, të ndryshme në motive, përmbajtje dhe detyra. Në jetën e tij të shumta ende, K. A. Korovin i kushtoi rëndësi të madhe dekorueshmërisë, bukurisë së ngjyrës. I njëjti fillim është tipik për veprat e S. Yu. Sudeikin dhe N. N. Sapunov. I. E. Grabar e pasuroi pikturën me arritjet e impresionizmit (“Tavolina e parregullt”, 1907, ill. 223 etj.).

Në fushën e jetës së qetë, si dhe peizazhit dhe portretit, artistët e shoqatës Jack of Diamonds, e cila u ngrit në 1910, punuan në mënyrë aktive: P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov, A. V. Kuprin dhe të tjerë. Në kërkim të identitetit kombëtar të artit, ata përdorën traditat e primitivit kombëtar (lubok, tabela, tabaka të pikturuara etj.), por gjetën lidhje edhe me artin bashkëkohor francez, në radhë të parë me Cezanne dhe pasuesit e tij. Në veprat më të mira të mjeshtrave të këtij grupi, të shkruara me peshë materiale, me shtrirje dekorative, ndikoi gëzimi dhe një kulturë e madhe piktoreske. Të tilla, për shembull, janë groteskja "Portreti i G. B. Yakulov" (1910, ill. 224) dhe natyra e qetë "Agave" (1916) e P. P. Konchalovsky, "Pumpkin" (1914, ill. 225) dhe "Futa e qetë me Brokadë" (1917) I. I. Mashkov.

Art teatror dhe dekorativ përjetoi një lulëzim të shkëlqyer: shumë piktorë kryesorë punuan për teatrin. Mjafton të përmendim emrat e V. A. Simov, V. A. Serov, A. Ya. Golovin, A. N. Benois, K. A. Korovin, L. S. Bakst, N. K. Roerich, I. Ya. Bilibin, B. M. Kustodiev dhe një numër shfaqjesh të krijuara prej tyre (" Petrushka" nga I. F. Stravinsky - A. N. Benois; "Princi Igor" nga A. N. Borodin - N. K. Roerich; "Maskarada" nga M. Yu Lermontov - A. Ya. Golovina dhe të tjerët). "Stinët ruse" në Paris dhe qytete të tjera të Evropës Perëndimore, organizuar nga S. P. Diaghilev, në hartimin e prodhimeve në të cilat morën pjesë shumë prej këtyre mjeshtrave, lavdëruan artin rus në arenën ndërkombëtare. Niveli i lartë artistik i peizazheve dhe kostumeve, e gjithë pamja e aksionit skenik mahniti të huajt me një sintezë arti, një spektakël bukurie të jashtëzakonshme dhe origjinalitet kombëtar.

Siç u përmend më lart, procesi i zhvillimit të realizmit në vitet 1907-1917 u ndërlikua nga kriza e kulturës borgjeze. Pjesa më pak e qëndrueshme e inteligjencës artistike, megjithëse u kap nga fryma e përgjithshme e protestës kundër realitetit borgjez, iu nënshtrua disponimeve dekadente, u largua nga moderniteti dhe jeta shoqërore, mohoi traditat demokratike në art, ndërkohë që vetë kjo protestë kishte zakonisht karakterin. të një revolte anarkiste. Më parë, këto dukuri negative ndikuan në veprat e shfaqura në ekspozitën e Trëndafilit Blu, e organizuar në vitin 1907 dhe që bashkonte artistë simbolistë. Anëtarët e këtij grupi jetëshkurtër pohuan dominimin e intuitizmit në krijimtarinë artistike, hynë në botën e fantazive fantazma mistike. Por më të talentuarit dhe të qëllimshëm (P. V. Kuznetsov, M. S. Saryan dhe disa të tjerë) tashmë në dekadën para tetorit morën rrugën demokratike të zhvillimit në punën e tyre.

Një sërë artistësh, veçanërisht të rinj, u përfshinë në vitet 1910 në rrjedhën kryesore të rrymave moderniste. Disa prej tyre - mbështetës të kubizmit, futurizmit - pretenduan se formimi i tyre korrespondonte me epokën e inxhinierisë dhe teknologjisë, të tjerët - primitivistë - përkundrazi, kërkuan të ktheheshin në menjëhershmërinë e perceptimit të botës nga një person i pacivilizuar. Të gjitha këto rryma u ndërthurën në mënyrë të ndërlikuar në artin e dekadës para tetorit. Ata prekën pikturën e "Jack of Diamonds", ndërsa prirjet stilistike dhe primitiviste ishin veçanërisht të dukshme tek përfaqësuesit e grupit me emrin e guximshëm tronditës "Bishti i gomarit". Në fund të fundit, të gjitha llojet e formalizmit që më pas u përhapën në artin rus çuan në një shtrembërim të realitetit, në shkatërrimin e botës objektive, ose, më në fund, në qorrsokakun e abstraksionizmit (rajonizëm, suprematizëm) - shprehja ekstreme e modernizmit.

Kontradiktat në jetën artistike ruse në vitet 1907-1917 nuk e ndaluan zhvillimin progresiv të artit realist në këtë kohë të vështirë. Mjeshtrit kryesorë rusë ndjenë afrimin e ndryshimeve shoqërore, me vetëdije ose intuitive ndjenë nevojën për ta sjellë punën e tyre në përputhje me shkallën e ngjarjeve të një epoke të trazuar historike. Pas Revolucionit të Madh të Tetorit, artistë të të gjitha brezave, disa më herët, të tjerë më vonë, u bashkuan në ndërtimin e një kulture të re socialiste, duke e vënë artin e tyre në shërbim të popullit revolucionar; nën ndikimin e realitetit sovjetik, pati një ristrukturim të atyre që e kishin refuzuar më parë realizmin si metodë.

Data e vdekjes: Vendi i vdekjes: Shtetësia:

perandoria ruse

Zhanri:

fotografitë e komplotit

Stili: Ndikimi: Punon tek Wikimedia Commons

Sergei Vasilievich Ivanov(4 (16) qershor, Ruza - 3 (16) gusht, fshati Svistukha (tani rrethi Dmitrovsky i rajonit të Moskës)) - piktor rus.

Biografia

vitet e hershme

Periudha e fundit e studimit përfshin pikturat "I sëmurë" (1884, vendndodhja nuk dihet), "Në tavernë" (1885, vendndodhja nuk dihet), "Pronarit të tokës me një kërkesë" (1885, vendndodhja nuk dihet), "Në burg" (1884-1885, Galeria Shtetërore Tretyakov), "Agjitator në karrocë" (1885, GTsMSIR). Fillimi i punës për temën e zhvendosjes daton në këtë kohë (cikli i viteve 1885-1890).

Tema e migracionit (1885-1890)

Tashmë në kurset e fundit, Sergei Ivanov i drejtohet problemeve akute sociale. Në veçanti, një fenomen karakteristik për fshatin rus të çerekut të fundit të shekullit të 19-të tërhoqi vëmendjen e tij: në gjysmën e dytë të viteve 1880, filloi zhvendosja në Siberi. Pas reformës së vitit 1861, u bë e nevojshme zgjidhja e çështjes së tokës. Qeveria e pa një rrugëdalje në rivendosjen e fshatarëve pa tokë në këtë rajon të gjerë me popullsi të rrallë. Vetëm në dekadat e fundit të shekullit të 19-të, disa milionë fshatarë lanë ndarjet e tyre të parëndësishme, kasollet e mjerueshme dhe shkuan në kërkim të "tokave pjellore". Të vetmuar, me gratë dhe fëmijët e tyre, në festa të vogla, duke marrë me vete gjërat e tyre të brishta, në këmbë e me karroca, dhe nëse kishin fat, atëherë me hekurudhë, ata nxituan, të frymëzuar nga ëndrrat utopike të "Belovodye" ose "Arapia e bardhë". “, drejt sprovave të rënda dhe më së shpeshti zhgënjimeve të rënda. Tragjedia e fshatarëve pa tokë që largohen nga vendet e tyre origjinale, nga provincat qendrore në periferi të vendit - në Siberi dhe vdesin me qindra gjatë rrugës - kjo është ideja kryesore e ciklit të pikturës së Ivanovit. Ai kapi skenat e jetës fshatare në foto qëllimisht të shurdhër, "të zi" me ngjyra për emigrantët.

Pasi i kërkoi Shoqërisë së Artit të Moskës një certifikatë "udhëtimi dhe qëndrimi" në një numër provincash nga Moska në Orenburg, Ivanov u nda me shkollën pa marrë as një certifikatë për titullin e mësuesit të artit. Që nga ajo kohë, Ivanov është bërë një lloj kronisti i një fenomeni tragjik në jetën e fshatarësisë ruse pas reformës.

Kritiku i artit Sergei Glagol (pseudonimi S.S. Goloushev) tregon për këtë periudhë të jetës dhe veprës së Ivanovit:

“... Ai eci dhjetëra kilometra me kolonët në pluhurin e rrugëve ruse, në shi, mot të keq dhe diell përvëlues në stepa, kaloi shumë netë me ta, duke mbushur albumin e tij me vizatime dhe shënime, shumë skena tragjike. kaloi para syve të tij dhe një seri fotografish që janë vërtet të afta të përshkruajnë epopenë e migrimeve ruse.

Pikturat dhe vizatimet e Ivanovit përshkruajnë skena të tmerrshme të jetës së zhvendosjes. Shpresa dhe dëshpërimi, sëmundja dhe vdekja së bashku me njerëzit që enden nëpër hapësirat e Rusisë - “Kolonët. Walkers "(, BGHM me emrin M.V. Nesterov)," Kolonët e kthimit "(1888, Galeria Kombëtare e Republikës Komi) dhe piktura e parë serioze e artistit" Në rrugë. Vdekja e një koloni" (, Galeria Shtetërore Tretyakov), e cila i solli famë artistit të ri.

Pjesa tjetër e eposit social të Ivanovit ishte "seriali i të burgosurve". Puna për të ndonjëherë mbivendoset me "ciklin e shlyerjes"; në të njëjtën kohë, artisti krijoi: "I arratisur", skicë (1886, Galeria Shtetërore Tretyakov), "Trazirat në fshat" (, GTsMSIR), "Dërgimi i të burgosurve" (, GTsMSIR), "Vagabond" (, vendndodhja e panjohur) . Piktura "Skena" (, piktura vdiq, një variant në Muzeun Shtetëror të Artit të Saratovit me emrin A.N. Radishchev) duket se përmbledh "serialin e të burgosurve".

Në kthesën e 1889-1890, Sergei Ivanov, së bashku me Serov, Levitan, Korovin, ishte një udhëheqës i njohur në mesin e artistëve të Moskës të brezit të ri. Në të njëjtën kohë, ai mori pjesë në "mbrëmjet e vizatimit" të Polenovit, të cilat organizoheshin nga V. D. Polenov dhe gruaja e tij dhe gjeti mbështetje dhe miratim atje.

Periudha e veprave historike

Nga mesi i viteve 1990 filloi një periudhë e re në punën e artistit, e lidhur me krijimin e veprave historike. Ka veçori në pikturën historike të Ivanovit që e bëjnë atë të lidhur me artin e Surikov dhe Ryabushkin. Piktori e kupton gjendjen e masës së ngacmuar në momente akute dramatike (“Tralla”, , Muze-apartament i I. I. Brodskit); "Sipas verdiktit të veche", koleksioni privat), ai tërhiqet nga forca e personazheve popullore ruse dhe, si Ryabushkin, gjen bukurinë në fenomenet e jetës popullore, pohon të kuptuarit e kësaj bukurie nga një person rus. . Ivanov kap me ndjeshmëri kërkimin piktoresk të kohës; veprat e tij të këtyre viteve marrin një tingull të veçantë koloristik.

Megjithatë, kërkimi për tema dhe mënyra të tjera të shprehjes së gjendjes së brendshme vazhdoi. Ivanov, i pakënaqur (sipas fjalëve të tij) me "skenat e lezetshme" që mbizotëronin në zhanrin e përditshëm të Wanderers, u përpoq për artin ostrodramatik, duke përcjellë me ndjeshmëri "rrahjen e shpirtit njerëzor". Ai gradualisht, ndoshta nën ndikimin e punës në ajër të hapur, ndryshoi vizatimin dhe paletën e tij. Kjo ndodhi në, gjatë viteve të krijimit të Unionit të Artistëve Rusë, në të cilin Ivanov luajti një rol të caktuar. Artisti iu drejtua zhanrit historik, pikturoi portrete të të dashurve të tij, ilustroi libra. Ai mbeti një artist realist, pavarësisht kohërave të kërkimit, modernitetit dhe refuzimit të artit objektiv.

Ivanov veproi si një novator i zhanrit historik, duke kompozuar episode të Mesjetës Ruse - në frymën e stilit të Art Nouveau - pothuajse si xhirime filmi, duke mahnitur shikuesin me ritmin e tyre dinamik, "efektin e pranisë" (Mbërritja e të huajve në Moskë në shekullin e 17-të,); "Car. Shekulli XVI "(1902), Fushata e Moskovitëve. shekulli XVI, 1903). Në to, artisti hodhi një vështrim të ri në të kaluarën historike të atdheut, duke përshkruar jo momentet heroike të ngjarjeve, por skena të jetës së përditshme nga jeta e lashtë ruse. Disa imazhe janë shkruar me një prekje ironie, groteske.

Vitet revolucionare - vitet e fundit

Më vonë, artisti punon në pikturën "Ata po vijnë! Detashmenti ndëshkues "(-, Galeria Shtetërore Tretyakov).

Ai dha mësim në Shkollën e Artit Industrial Stroganov (1899-1906), në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë (1900/1903-1910).

Ai ishte pjesëmarrës në ekspozitat e Shoqatës së Artdashësve të Moskës (1887, 1889, 1894), Shoqatës së Endacakëve (1887-1901), "36 Artistë" (1901, 1902), "Bota e Artit" (1903) , Unioni i Artistëve Ruse (1903-1910).

Ai punoi me fryt si mjeshtër i gravurës dhe litografisë, si dhe ilustrator i veprave të N.V. Gogol, M.Yu. Lermontov, A.S. Pushkin dhe të tjerët.

Ivanov vdiq në moshën 46 vjeçare nga një atak në zemër më 3 gusht (16), në daçën e tij në fshatin Svistukha në brigjet e lumit Yakhroma.

Galeri

Letërsia

• "1989. Njëqind data të paharrueshme. Kalendari i artit. Botim vjetor i ilustruar. M. 1988. Artikull i V. Petrov.

• A. F. Dmitrienko, E. V. Kuznetsova, O. F. Petrova, N. A. Fedorova. "50 biografi të shkurtra të mjeshtrave të artit rus". Leningrad, 1971. Artikull nga A. F. Dmitrienko.

Biografia e artistit, mënyra krijuese. Galeria e fotove.

Ivanov Sergej Vasilievich

Ivanov Sergej

(1864 - 1910)

Ivanov Sergey Vasilyevich, piktor rus. Ai studioi në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë (1878-82 dhe 1884-85) te I. M. Pryanishnikov, E. S. Sorokin dhe në Akademinë e Arteve të Shën Petersburgut (1882-84). Jetoi në Moskë. Ai udhëtoi shumë në Rusi, në 1894 vizitoi Austrinë, Italinë, Francën. Anëtar i Shoqatës së Ekspozitave të Artit Udhëtues (që nga viti 1899) dhe një nga themeluesit e Unionit të Artistëve Ruse. Ai dha mësim në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë (që nga viti 1900) dhe Shkollën e Artit Industrial të Moskës Stroganov (që nga viti 1899). Në gjysmën e dytë të viteve 1880 - fillim të viteve 1890. ka punuar në piktura të zhanrit (në të cilat peizazhi luan një rol të rëndësishëm), vizatime dhe litografi kushtuar fatit tragjik të kolonëve fshatarë rusë dhe të burgosurve të burgjeve cariste ("Në burg", 1885, "Në rrugë. Vdekja e një koloni ", 1889, të dyja pikturat në Galerinë Tretyakov). Ai mori pjesë në ngjarjet revolucionare të vitit 1905 dhe ishte një nga të parët midis artistëve rusë që iu drejtua temës së luftës revolucionare të fshatarësisë ruse dhe proletariatit ("Trazirat në fshat", 1889, "Të shtënat", 1905, të dy pikturat në Muzeun e Revolucionit të BRSS në Moskë; "Skena" , 1891, fotografia nuk është ruajtur; gravurat "Ekzekutimi", "Në mur. Episodi i 1905", të dyja - midis 1905 dhe 1910).

Që nga viti 1895 I. iu drejtua pikturës historike. Jeta e njerëzve dhe tiparet e karakterit kombëtar, lidhja e tyre me fatet e ardhshme të Rusisë - e tillë është baza e botëkuptimit të pikturave të tij historike, ose duke mishëruar fuqinë spontane të lëvizjes popullore ("Trouble", 1897, Muzeu- apartamenti i I. I. Brodsky, Leningrad), më pas me bindje të madhe dhe autenticitet historik (ndonjëherë jo pa elementë të satirës sociale) duke rikrijuar skena të përditshme të së kaluarës ("Mbërritja e të huajve në Moskë në shekullin e 17-të", 1901, "Car. shek. XVI. ", 1902, të dyja në Galerinë Tretyakov). Në veprën e I., një orientim socio-kritik kombinohet me kërkimin e zgjidhjeve të reja kompozicionale dhe me ngjyra që pasurojnë emocionalisht mundësitë shprehëse të pikturës zhanre dhe historike. Ai bëri edhe ilustrime.

Lit.: Granovsky I. N., S. V. Ivanov. Jeta dhe krijimtaria, M., 1962.

V. M. Petyushenko
TSB, 1969-1978

______________________________

Sergei Vasilyevich Ivanov lindi më 16 qershor 1864 në qytetin Ruza, provinca e Moskës, në një familje fisnike të varfër. Përshtypjet e fëmijërisë për qëndrimin në atdheun e të parëve të tij në linjat atërore dhe amtare në provincat Voronezh dhe Samara i mbetën në kujtesën e tij për një kohë të gjatë dhe më vonë u mishëruan në veprën e tij.

Ai e tregoi aftësinë e tij për të vizatuar shumë herët, por para se të hynte në MUZHVZ, ai duhej të studionte në Institutin e Studimit të Tokës në Moskë, ku mësohej vizatimi dhe vizatimi, me urdhër të prindërve të tij. Takimi i artistit të ardhshëm me P.P. Sinebatov, i cili u diplomua në Akademinë e Arteve, ndryshoi ndjeshëm jetën e tij. Duke përfituar nga këshillat e tij, ai filloi të kopjonte vetë dhe më pas në 1878 aplikoi në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë, të cilën e ndoqi fillimisht si vullnetar. Në vitin 1882, pasi mbaroi kursin shkencor dhe klasën e figurës së shkollës, transferohet në Akademinë e Arteve të Shën Petersburgut, por më 1884 u kthye në Moskë. Cilësitë dalluese të karakterit të Ivanovit - pavarësia dhe vendosmëria, luajtën një rol të rëndësishëm kur ai bëri një akt shumë të guximshëm. Në 1885, ai u largua nga shkolla pa filluar as punën e diplomimit. I magjepsur nga temat e jetës, i shqetësuar, i përpjekur për eksperienca të reja, nuk i vinte turp që pa një tablo konkurruese, do të merrte vetëm një certifikatë për titullin mësues arti. Ideja për të bërë një udhëtim të madh në provinca të ndryshme të Rusisë e pushtoi shumë më tepër. Artisti donte të shihte me sytë e tij se si u zhvillua fati i fshatarëve migrantë, duke lëvizur në turma të mëdha në lindje të Rusisë, pas reformës së kryer nga P.A. Stolypin, me shpresën për të gjetur tokë dhe një jetë më të mirë. Ky udhëtim i madh nëpër provincat e Moskës, Ryazanit, Vladimirit, Samaras, Orenburgut dhe Voronezhit filloi në pranverën e vitit 1885. Rezultati i tij ishte një seri e tërë vizatimesh, studimesh dhe pikturash për jetën e kolonëve, ndër to më e suksesshmja në aspektin e pikturës ishte një kanavacë e vogël "Settler in a Carreage". Piktura u shfaq në një ekspozitë studentore në 1886 dhe u ble nga V.D. Polenov, i cili e trajtoi piktorin fillestar me vëmendje dhe kujdes të madh. Duhet të them se Ivanov, gjithashtu gjatë gjithë jetës së tij, përjetoi një lidhje miqësore me Polenov. Në vitet 1880, ai ishte një vizitor i shpeshtë në shtëpinë e tij, duke marrë pjesë midis të rinjve të tjerë në mbrëmjet e vizatimit të Polenov. "Emigranti në një karrocë", i cili është afër një skice në freskinë e tij të perceptimit, u pikturua në ajër të hapur, jo pa ndikimin e Polenov, një mjeshtër i pikturës me ajër të pastër. Vepra u godit me vitalitetin e skenës, rrezet e diellit të ndritshme dhe imazhin e kapur me mjeshtëri të një gruaje të vjetër të ulur në një karrocë. Pak më vonë u shfaqën skica dhe punime të tjera të përfunduara, ndër to: “Kolonët. I vetmuar”, “Në rrugë. Vdekja e një emigranti. Në to, tema e jetës së pashpresë fshatare është sjellë në shkallën ekstreme të mprehtësisë sociale dhe tingëllon po aq e fuqishme sa në veprat më të mira të Wanderers. Piktura "Në rrugë. Vdekja e një koloni" u pranua për ekspozitën XVII udhëtuese, të mbajtur në 1889.

Përveç aftësive artistike, Ivanov kishte një mentalitet shkencor. Gjatë udhëtimeve të tij, ai gjithmonë prodhonte skica interesante etnografike, arkitekturore, të përditshme dhe përshkrime shkencore. Në verën e vitit 1886, në provincën Samara, ai hasi në varrezat e epokës së gurit dhe u interesua seriozisht për to. Me kalimin e kohës, ai mblodhi një koleksion kurioz paleontologjik, një pjesë e të cilit iu dhurua V.D. Polenov dhe u vendos në pasurinë Borok. Interesat shkencore dhe artistike e shtynë Ivanovin të merrej seriozisht me fotografinë. Shumë fotografi të bëra gjatë udhëtimeve u përdorën më pas në punën mbi pikturat historike. Artisti ishte një anëtar i plotë i Shoqërisë Ruse të Minierave Fotografike dhe Gjeografike.

S.V. Ivanov udhëtoi shumë. Në verën e vitit 1888, me iniciativën e tij, u organizua një udhëtim përgjatë Vollgës së bashku me A.E. Arkhipov, S.A. Vinogradov dhe E.M. Khruslov. Nga ky udhëtim janë ruajtur shumë vizatime dhe skica. Në gusht të të njëjtit vit, Ivanov shkoi në një ekspeditë në Kaukaz, me qëllim që të vizitonte zona pak të njohura dhe të arrinte majat e Araratit të Madh dhe të Vogël. Në librin e anëtarëve të ekspeditës - E.P. Kovalevsky dhe E.S. Markov "Në malet Ararat", botuar në 1889, vendosen vizatime të shumta të S. Ivanov. Në 1896 ai përfundoi në Feodosia, dhe më pas udhëtoi nëpër Dagestan. Në 1898 ai bëri një udhëtim në provincën Vyatka, më pas vazhdoi në stepat Kalmyk dhe Kirghiz dhe në Liqenin Baskunchak. Në 1899 dhe 1901 ai u tërhoq përsëri në Vollgë. Në 1894, ai përfundoi në Evropë, duke vizituar Parisin, Vjenën, Venedikun, Milanin dhe Genova, por qytetet e vjetra ruse - Rostov, Yaroslavl, Vologda, Zaraysk, të cilat ai i vizitoi më shumë se një herë - ishin më të dashura për të.

Që nga viti 1889, artisti u kap nga tema e të burgosurve për disa vjet. Pasi ka marrë lejen zyrtare për të vizituar burgjet, Ivanov kalon pothuajse të gjithë kohën e tij në burgje, duke skicuar ata që janë atje. Skica të shumta që përshkruajnë fytyra të rrepta dhe koka të rruara tregojnë për këtë. Në 1891, për një muaj, ai vizitoi burgun tranzit të Saratovit çdo ditë. Më pas, pasi u transferua në Atkarsk, ku mbaheshin edhe të burgosur, ai u vendos në një shtëpi përballë burgut dhe pikturon pikturat "Skena" dhe "Tatar në lutje". Ky i fundit përshkruan një musliman që qëndron në këmbë në lartësinë e tij të plotë me rrobën dhe kafkën e një të burgosuri, i cili po bën namazin e tij të mbrëmjes.

Edhe ndërsa punonte në një seri ilustrime për botimin me dy vëllime të M.Yu. Lermontov, të ndërmarrë nga P.P. Konchalovsky në shtëpinë botuese të Kushnerev, ai vazhdoi "serialin e tij të burgosur". Nga pesëmbëdhjetë ilustrimet, pothuajse të gjitha, në një mënyrë ose në një tjetër, lidhen me këtë temë. Duke ilustruar poezitë: "Dëshira", "I burgosur", "Fqinjë", ai nuk kërkoi të përçonte natyrën romantike të poezisë së Lermontovit, por i interpretoi ato fjalë për fjalë dhe me besueshmëri, duke përdorur natyrën dhe ato skica që u kryen në burgun Makariev.

Në vitin 1894, duke dashur të marrë përshtypje të reja, si dhe të ripërtërijë artin e tij, i cili, sipas tij, kishte ngecur, S.V. Ivanov dhe gruaja e tij udhëtuan në Evropë. Artisti synonte të kalonte një vit të tërë në Francë, duke jetuar në Paris, por përshtypjet e marra nga ky qytet dhe gjendja e artit modern perëndimor e zhgënjyen thellë. Ai i shkroi për këtë udhëtim artistit A.A. Kiselev: "Tani është mirë në Rusi. Ndonëse kam vetëm një muaj që jam këtu në Paris, kam filluar të dëshiroj - nuk ka vend. Pashë Sallonet dhe ekspozitat e tjera dhe nuk më dhanë atë që prisja, nga 3000 gjëra gjeta vetëm 100 këtu, tek të cilat mund të ndalem… mungesa e jetës është e habitshme. Në një letër tjetër drejtuar të njëjtit adresues, ai thotë me trishtim: "Nuk ka asgjë të mirë këtu tani dhe nuk ka kuptim të vini këtu për të studiuar". Tre muaj më vonë, Ivanovët u kthyen në Moskë.

Sidoqoftë, ky udhëtim nuk ishte i kotë, ndjenja e shtuar e dashurisë për atdheun që përfshiu Evropën dhe pikturën moderne franceze, sado negativisht ta perceptonte piktori, u pasqyrua në punën e tij. Që nga viti 1895, ai filloi të zhanër historik, dhe mënyra e tij e të shkruarit u çlirua dukshëm. Studimi i "Historisë së Shtetit Rus" nga N.M. Karamzin gjithashtu kontribuoi shumë në pasionin për historinë.

Komploti i parë që i interesoi artistit ishte i lidhur me historinë e Kohës së Telasheve. Një kanavacë e madhe e quajtur "Trouble" u pikturua në 1897, në qytetin antik të Zaraysk. Në foto, në poza ekspresive, u shfaq një turmë e tërbuar, duke riparuar gjyqin e saj mizor të Grishka Otrepyev. Ndërsa punonte në të, artisti u përpoq të rikrijonte epokën sa më saktë që të ishte e mundur, duke përshkruar në vepër kostume autentike dhe armë të lashta: mburoja, sabera, sëpata, të cilat më parë i skicoi në Muzeun Hermitage. Në Pazarin e Novgorodit, ai arriti të fitonte disa gjëra të vjetra, dhe veprat historike, të cilat i studioi me kujdes, e ndihmuan: "Përralla e Massa dhe Herkman për kohën e trazirave në Rusi" dhe "Përralla të bashkëkohësve për Dimitri Pretender" . Megjithatë, përkundër ekzekutimit të kujdesshëm, kjo vepër, siç priste Ivanov, nuk u pranua për asnjë ekspozitë.

Por tjetra është “Në pyll. Në kujtim të Stefanit të Permit dhe edukatorëve të tjerë të të huajve”, në të cilën ai gjeti një formë kompozicionale të suksesshme për përcjelljen e idesë së thellë të krishterë të ndriçimit të fiseve pagane, u dërgua në Ekspozitën Udhëtuese të vitit 1899, në të njëjtën kohë ai u bë anëtare e plotë e Shoqatës së Endacakëve.

Në të njëjtat vite, Ivanov punoi paralelisht në ilustrime për veprat e A.S. Pushkin, botuar në 1898-1899 nga shtëpia botuese e Kushnerev. Ai u tërhoq nga mundësia në tregimet "Vajza e kapitenit" dhe "Këngët për Olegun profetik", të cilat ai zgjodhi për të ilustruar, për të pasqyruar historinë ruse. Artisti ishte veçanërisht i interesuar për imazhin e Emelyan Pugachev. Për të, ai ka pikturuar disa portrete, duke përfshirë "Autoportret në një kapele", të quajtur i zemëruar. Por akoma më e mira ishte ilustrimi që përshkruante Princin Oleg dhe magjistarin.

Në vitin 1901, S.V. Ivanov shkaktoi habi të madhe duke shfaqur krijimin e tij të ri në ekspozitën e 36 - pikturën "Ardhja e të huajve. shekulli XVII”, të cilin P.M. Tretyakov e bleu menjëherë para hapjes së ekspozitës. Dukej se kjo kanavacë, si dhe në vijim - "Tsar. shekulli XVI” është shkruar nga një autor tjetër. Liria e paparë kompozicionale dhe përdorimi i ngjyrave të ndritshme, pothuajse lokale, e bënë figurën të pazakontë dhe dekorative. Rrjedha të mëdha dëbore me gëzof, shtëpi të vogla prej druri, kisha të lyera me një ndjenjë të madhe, duke përcjellë një ndjenjë ajri të ftohtë dhe rehati patriarkale, bënë të mundur mbushjen e skenës nga e kaluara me poezi dhe për t'i dhënë realitet. Figura shumë ekspresive dhe fytyra të kornizuara të një plaku me një pallto të gjatë leshi me një tufë të madhe bagels në dorë dhe një zonje të re, të cilën ai nxiton ta heqë. Shkrimtari dhe publicisti G.A.Machtet, duke uruar artistin për këtë foto, shkroi: "Si gjeniu kolosal i Viktor Vasnetsov, pasi u zhyt në epikën e lartë vendase, na e jep atë në imazhe, duke rikrijuar idetë e njerëzve, konceptet e tij, "bukuri", duke na mësuar të kuptojmë" shpirtin e njerëzve," - kështu që ju, në foton tuaj "Ardhja e të ftuarve", rikrijoni të kaluarën tonë dhe të largët për ne ... Mora frymë atë Moskë të egër - nuk mund t'i hiqja sytë nga kjo barbar i ashpër, duke e larguar Fedora-n budallaqe, të ndrojtur nga "syri" i armikut.

Në vitin 1903, Ivanov vizitoi fshatin Svistukha, rrethi Dmitrovsky, provinca e Moskës dhe u mahnit menjëherë nga një vend i qetë, piktoresk në brigjet e lumit Yakhroma. Këtu ai jetoi për shtatë vitet e fundit, duke ndërtuar një shtëpi të vogël dhe punëtori sipas projektit të tij. Këtu ai pikturoi një nga pikturat e tij më të mira, Familja. Është pikturuar në një kanavacë të madhe, e cila, natyrisht, tregon rëndësinë që artisti i kushtoi punës së tij. Ai përshkruan një varg njerëzish që marshojnë nëpër dëborë me gëzof në të gjithë fshatin me solemnitet dhe madhështi të veçantë. Kanavacja është realizuar në një mënyrë pikture të lirë, impasto duke përdorur një gamë shumëngjyrëshe të ndezur, e cila dominohet nga tonet e bardha, të verdha, të kuqe dhe blu. Ajo godet me një humor optimist dhe afirmues të jetës. Një rol të madh në zbulimin e strukturës emocionale të veprës luajti peizazhi. Ai është bërë me të vërtetë një nga personazhet kryesore. Natyra, si dhe skica të fshatarëve, Ivanov shkroi në dimër në ajër të hapur, duke krijuar për këtë qëllim një punëtori të nxehtë posaçërisht në një sajë.

Në 1903, S.V. Ivanov mori një pjesë të madhe në krijimin e shoqatës krijuese "Bashkimi i Artistëve Ruse". Në një masë të madhe, ajo u ngrit për shkak të cilësive të tij organizative dhe karakterit luftarak, vendimtar. Menjëherë pas shfaqjes së "Bashkimit", artisti u largua nga Shoqata e Ekspozitave të Artit Udhëtues dhe ekspozoi vetëm këtu deri në fund të ditëve të tij. Personazhi pasionant i Ivanovit, i cili fjalë për fjalë “e hodhi në barrikada”, u vu re nga të gjithë ata që e njihnin. Gjatë revolucionit të vitit 1905, ai jo vetëm që tregoi simpati për rebelët, por, si V.A. Serov, krijoi shumë vepra grafike dhe piktoreske mbi këtë temë, duke përfshirë pikturën "Ekzekutimi".

Një përshkrim interesant i S.V. Ivanov, ende student i shkollës, u dha nga M.V. Nesterov në kujtimet e tij. Ai shkroi: “Ai dukej si një student rebel, me këmbë të rreckosura, të gjata, me kokë të rrotulluar. Njeri i nxehtë i zjarrtë, hobi i sinqertë i nxehtë. Ai gjithmonë e ndihmonte fjalimin me gjestin e tij, qëllimisht i pasionuar. I drejtpërdrejtë, jashtëzakonisht i sinqertë dhe gjithçka rreth tij tërhiqte ... Ivanov, në dukje i ashpër, shpesh tregonte entuziazmin dhe energjinë e tij rinore, duke infektuar të tjerët. Atij i pëlqente të ishte rritës i kuajve në ndërmarrje, por nëse ndonjë sipërmarrje nuk ia dilte mbanë, atëherë dekurajohej. Ndonjëherë shokët e tij qeshnin me të për këtë. Natyra rebele e “zjarrvënësit skëterrë”... I zjarrtë dhe i nxehtë, ndonjëherë të jepte përshtypjen e një personi të mprehtë, madje despotik, por nën këtë fshihej një natyrë shumë e thellë dhe e butë. Ky portret i bukur verbal plotëson atë pamor, të realizuar në vitin 1903 nga artisti I.E. Braz. Nga ajo vështrimi i një personi drejtohet me pikëllim dhe tension të madh, duke parë në këtë botë të vështirë.
S.V. Ivanov vdiq papritur nga një atak në zemër më 16 gusht 1910 në fshatin Svistukha, ku jetoi i qetë vitet e fundit.

Një artist me talent të ndritshëm, Ivanov lindi në Ruza, provincën e Moskës, në familjen e një zyrtari. Ai studioi në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë (1878-1882, 1884-1885) pranë I.M.Pryanishnikov dhe Akademisë së Arteve në Shën Petersburg.

Që në fillim, drejtimi i veprave të tij është mjaft i dukshëm: historia e Rusisë në të kaluarën dhe të tashmen. Fotografia e parë "Në rrugë. Vdekja e një koloni (1889), e cila i solli famë artistit, u shkrua në stilin e veprave të hershme të Wanderers, por qëndrimi ndaj asaj që po ndodh është tashmë i ndryshëm. Vdekja e mbajtësit të familjes, vetmia e një familjeje jetime - theksohet nga peizazhi i shkretëtirës së stepës së djegur. Në foto, artisti përdori në mënyrë aktive mjetet artistike të kompozimit. Duke vazhduar traditat, Ivanov u përpoq për artin dramatik, duke përcjellë me ndjeshmëri "rrahjen e shpirtit njerëzor", e cila u mishërua në pikturat për jetën e fshatarëve ("Për pronarin e tokës me një kërkesë", 1885) dhe temat "të burgosur" (" Etap”, 1892).

Kërkimi i Ivanov për zgjidhje të reja kompozicionale dhe me ngjyra - kënde të papritura, njolla dekorative me ngjyra të sheshta e çuan artistin të marrë pjesë në krijimin e Unionit të Artistëve Ruse.

Në vitin 1900, ndikimi i impresionizmit u bë gjithnjë e më i dukshëm në veprën e S. Ivanov. Transmetimi i mjedisit dritë-ajër nxjerr në pah objektet kryesore të kompozimeve. Punimet e artistit karakterizohen nga një interpretim konciz i imazheve.

Nga fundi i viteve 1890, artisti punoi kryesisht në piktura nga e kaluara ruse. Në të kaluarën e Rusisë, artisti ishte tërhequr kryesisht nga momente të mprehta dramatike, forca e personazheve popullore ruse ("Fushata e Moskovitëve. Shekulli XVI", 1903), bukuria e jetës antike ("Familja", 1910). Ironia e keqe ishte e mbushur me veprat e Ivanovit nga jeta e një djali, djemsh, duke demonstruar rrënjët historike të fenomeneve të tilla si borgjezia e dendur, shaka dinjitare. Në vitin 1902, në ekspozitën Soyuz 36, Ivanov prezantoi pikturën Tsar. shekulli XVI". Dita e dimrit, një kortezh paradë lëviz përgjatë rrugës së Moskës, në krye të së cilës marshojnë solemnisht gridni (rojet) me kaftanë të kuq. Mbi një kalë të dekoruar në mënyrë madhështore, me rroba të pasura, mbreti kalëron, i shëndoshë dhe i ngathët, me një bli pompoz të ngritur lart. Por Lyuli, i varrosur në dëborë në një ndjenjë servile, nuk mund ta vlerësojë "madhështinë e momentit". Duke përdorur metodën e "kompozimit me ngjyra", artisti e afroi imazhin sa më afër shikuesit, sikur të krijonte një "efekt pranie" brenda tij. Kjo vepër dallohet nga një sistem i ndritshëm ngjyrash, ekspresiviteti i zgjidhjeve të siluetit, pikturimi i lirë.

Në kërkim të një gjuhe të re piktoreske, Ivanov veproi si një novator i zhanrit historik: kanavacat e tij u ngjanin kornizave të ngrira të filmit, duke mahnitur shikuesin me ritmin e tyre dinamik ("Ardhja e të huajve në Moskë në shekullin e 17-të", 1901). Puna e fundit e artistit ishte një cikël për ngjarjet e vitit 1905 ("Ekzekutimi").

Kanavacë, vaj. 71x122 cm
Galeria Shtetërore Tretyakov, Moskë

Jeta e fshatit rus pas reformës ishte e vështirë. E gjithë patoka në rritje e fshatarësisë, dështimet e shpeshta të të korrave, dora e paepur e urisë i detyruan banorët e shumë provincave të Rusisë të linin shtëpinë e tyre të mjerë, por të njohur. “Si një dragua përrallash, nevoja i mbajti masat në kthetrat e tij, i përzuri, i lëkundi, i përmbysi dhe i mbyti”, vuri në dukje shkrimtari realist N. Teleshov, një shkrimtar fshati i jetës së përditshme. Të ndjekur nga mungesa, mungesa e të drejtave dhe arbitrariteti, fshatarët shkuan në qytet për të punuar. Shumë nxituan në toka të reja, më së shpeshti në Siberi, për të gjetur shpëtimin nga uria dhe nevoja në hapësirat e saj të mëdha. Kolonët, të rënduar nga gjërat e mjera, u ngritën në fshatra të tëra nga shtëpitë e tyre, ku baballarët, gjyshërit dhe stërgjyshërit e tyre kishin jetuar me shekuj dhe shtriheshin në radhë të gjata përgjatë rrugëve me pluhur të Rusisë nga Kursku, Tambovi, Penza, Yaroslavl, provincat Chernigov. Pakkush i mbijetoi kalvarit të rrugëtimit të mundimshëm. Sëmundjet, uria dhe të ftohtit, arbitrariteti i zyrtarëve caristë, pambrojtja e plotë - kjo është ajo që u bë fati i tyre tani e tutje. Vdekja kosi pa mëshirë radhët e kolonëve që rralloheshin me shpejtësi. Shpesh, pasi i kishin shpenzuar të gjitha fondet në rrugë, ata ktheheshin mbrapa dhe ata që arritën në atë vend pritej nga e njëjta varfëri dhe të njëjtat urdhra dhe zyrtarë si në atdheun e tyre.

E ashtuquajtura çështja e zhvendosjes shqetësoi shumë përfaqësues të kulturës dhe artit të përparuar rus në ato vite. As V. G. Perov, themeluesi i realizmit kritik, nuk e kaloi këtë temë. I njohur, për shembull, vizatimi i tij "Vdekja e një koloni".
Kolonët i lanë një përshtypje të dhimbshme A.P. Chekhov, i cili udhëtoi në 1890 në rrugën për në Sakhalin nëpër të gjithë Siberinë. Nën ndikimin e bisedave me Çehovin, ai udhëtoi përgjatë Vollgës dhe Kamës, në Urale dhe prej andej në Siberi dhe N. Teleshov. "Përtej Uraleve, pashë jetën rraskapitëse të kolonëve tanë," kujtoi ai, "vështirësi dhe vështirësi pothuajse përrallore të jetës fshatare të njerëzve". Një seri tregimesh nga Teleshov, që përshkruajnë fatin e këtyre njerëzve, është analogjia më e afërt me pikturën e Sergei Vasilievich Ivanov "Në rrugë". Vdekja e një emigranti.

Ivanov kaloi gjysmën e mirë të jetës së tij duke udhëtuar nëpër Rusi, me kujdes, me interes të madh, duke u njohur me jetën e punëtorëve të shumëanshëm. Në këto bredhje të pandërprera, ai u njoh me jetën e kolonëve. "Shumë dhjetëra kilometra ai eci me ta në pluhurin e rrugëve, në shi, në mot të keq dhe në diellin përvëlues në stepa," thonë miqtë e Ivanovit, "ai kaloi shumë netë me ta, duke mbushur albumet e tij me vizatime dhe shënime. , shumë skena tragjike kaluan para syve të tij.” I pafuqishëm për t'i ndihmuar këta njerëz, artisti mendoi me dhimbje për tragjedinë e pamasë të situatës së tyre dhe mashtrimin e ëndrrave të tyre të "lumturisë", të cilat ata nuk ishin të destinuar ta gjenin në kushtet e Rusisë cariste.

Në fund të viteve 1880, Ivanov konceptoi një seri të madhe pikturash që tregonin vazhdimisht për jetën e kolonëve. Në foton e parë - "Rus' po vjen" - artisti donte të tregonte fillimin e rrugëtimit të tyre, kur njerëzit janë ende të gëzuar, të shëndetshëm dhe plot shpresa të ndritshme. Në fotot e mëposhtme është dashur të njihte shikuesin me vështirësitë e rrugës dhe vështirësitë e para. Seriali do të mbyllej me skena dramatike të vuajtjeve dhe vdekjes tragjike të kolonëve. Megjithatë, vetëm disa hallka të këtij cikli u sollën në përfundim nga artisti. Ivanov mishëroi në imazhet artistike vetëm përshtypjet më karakteristike dhe jetësore që më së shumti prenë në vetëdijen e tij.

Një nga fotot e fundit të ciklit është “Në rrugë. Vdekja e një koloni” është vepra më e fortë e serialit të planifikuar. Vepra të tjera mbi këtë temë, të krijuara herët e më vonë nga një sërë shkrimtarësh dhe artistësh, nuk zbuluan aq thellë dhe në të njëjtën kohë kaq thjesht tragjedinë e kolonëve me gjithë të vërtetën e saj të tmerrshme.

Nxehtësia inkandeshente e stepës. Një mjegull e lehtë shuan vijën e horizontit. Kjo tokë e shkretëtirë e djegur nga dielli duket e pakufishme. Këtu është një familje e vetmuar emigrantësh. Me sa duket, ekstremi i fundit e detyroi të ndalonte në këtë vend të zhveshur, i cili nuk mbrohej nga asgjë nga dielli përvëlues. Vdiq kryefamiljari, mbajtësi i familjes. Çfarë i pret nënën dhe vajzën fatkeqe në të ardhmen - një pyetje të tillë të gjithë ia bëjnë vetes në mënyrë të pavullnetshme kur shikojnë foton. Dhe përgjigja është e qartë. Lexohet në figurën e një nëne të shtrirë në tokë të zhveshur. Nuk ka fjalë dhe lot për një grua zemërthyer. Në dëshpërim të heshtur, ajo gërvisht tokën e thatë me gishta të shtrembër. E lexojmë të njëjtën përgjigje në fytyrën e vajzës të hutuar, të nxirë, si një qymyr të zhdukur, në sytë e saj të ngrirë nga tmerri, në gjithë figurën e saj të mpirë e të sfilitur. Nuk ka asnjë shpresë për ndihmë!

Por kohët e fundit, jeta po shkëlqente në një shtëpi të vogël transporti. Zjarri po kërciste, një darkë e varfër po përgatitej, zonja ishte e zënë pranë zjarrit. E gjithë familja ëndërronte që diku larg, në një tokë të panjohur, të bekuar, së shpejti do të fillonte një jetë e re, e lumtur për të.

Tani gjithçka u shemb. Vdiq punëtori kryesor, padyshim, ra edhe kali i rraskapitur. Jaka dhe harku nuk duhen më: hidhen pa kujdes pranë karrocës. Zjarri në vatër u shua. Një kovë e përmbysur, shkopinjtë e zhveshur të një trekëmbëshi të zbrazët, të shtrirë, si krahë, boshte boshe në ankth të heshtur - sa e trishtueshme dhe tragjike e pashpresë është e gjithë kjo!
Ivanov me vetëdije kërkoi pikërisht një përshtypje të tillë. Ashtu si Perov në "Seeing the Dead", ai e mbylli pikëllimin me një rreth të ngushtë familjar, duke braktisur figurat e grave simpatike që ishin në skicën paraprake të tablosë. Duke dashur të theksojë më tej dënimin e kolonëve, artisti vendosi të mos përfshijë kalin, i cili ishte gjithashtu në skicë, në foto.

Fuqia e pikturës së Ivanovit nuk kufizohet në transmetimin e vërtetë të një momenti të caktuar. Kjo vepër është një imazh tipik i jetës fshatare në Rusinë e pas-reformës. Kjo është arsyeja pse ajo u prit me blasfemi të egër të kritikës reaksionare, e cila pretendonte se vdekja e kolonëve në rrugë ishte një fenomen aksidental dhe aspak tipik dhe se përmbajtja e figurës ishte shpikur nga artisti brenda mureve të tij. studio. Ivanovi nuk u ndal nga sulmet e mprehta të armiqve të artit të përparuar, të vërtetë jetësor. Puna e tij ishte vetëm një nga rezultatet e para të studimit të thellë të artistit të së vërtetës sociale të jetës bashkëkohore ruse. Ajo u pasua nga shumë vepra të tjera domethënëse, në të cilat shprehej jo vetëm vuajtja e popullit, por edhe protesta e zemëruar që po ziente mes masave kundër shtypjes së shfrytëzuesve.