Përkufizimi i kostumit në teatër. Kostumi i skenës - pse i duhet një aktori dhe pse është i rëndësishëm për produksionin. Ngjyra luan një rol të rëndësishëm. E bardha do të thotë fisnikëri, e kuqja i përket perëndive dhe bukurive, bluja e zbehtë shoqërohet me qetësi, kafeja

Origjina e kostumeve teatrale si të tilla datojnë në antikitet. Që nga kohërat e lashta, kostumet teatrale ka ekzistuar në teatrin e Lindjes së Lashtë. Në Kinë, Indi dhe Japoni, kostumet klasike teatrale janë simbolike dhe konvencionale. Në teatër janë të rëndësishme edhe simbolika e dekoreve, modelet në pëlhurë dhe ngjyra.

Kostumet në teatër zakonisht krijohen për çdo shfaqje dhe për një aktor specifik, por ka edhe kostume teatrale që janë të pandryshuara dhe përgjithësisht të njëjta për të gjitha trupat.

Kostumet teatrale evropiane u shfaqën për herë të parë në Greqinë e Lashtë, ku, siç e dinë të gjithë, teatri si i tillë lindi dhe u zhvillua më pas dhe, duke pësuar shumë ndryshime, u bë modern. Gjëja kryesore në teatrin grek ishte kostumi, duke përsëritur veshjet e përditshme të grekëve. Gjithashtu, për shfaqjet teatrale ishin të nevojshme maska të mëdha me shprehje të ndryshme të fytyrës, në mënyrë që spektatorët të mund të shihnin nga larg emocionet e aktorëve dhe këpucët në tribuna të larta - buskins. Çdo kostum në teatrin grek kishte një ngjyrë të veçantë, për shembull, që tregonte se i përkiste një lloj aktiviteti ose pozicioni të caktuar. Kostumi i teatrit ndryshonte në varësi të konceptit të shfaqjes.

Këtu ia vlen të zbulohet thelbi i konceptit të "kostumit teatror".

Enciklopedia e Madhe Sovjetike jep përkufizimin e mëposhtëm: "një kostum në teatër (nga Italian Costume - porosi) është një nga komponentët e rëndësishëm të dizajnit të performancës - rroba, këpucë, kapele, bizhuteri dhe sende të tjera që përdoren nga aktori për të. karakterizojnë imazhin skenik që u është krijuar bazuar në synimin e drejtorit të përgjithshëm; Një shtesë e domosdoshme për kostumin është grimi dhe frizurat. Kostumi teatror formon idenë e shikuesit për personalitetin e personazhit, ndihmon për të depërtuar në frymën e asaj epoke dhe për të kuptuar tiparet karakteristike të pasqyruara në pamjen e aktorit.

Kostum teatri sipas përkufizimit të R.V. Zakharzhevskaya, ky është "një komponent i imazhit skenik të aktorit, këto janë shenja dhe karakteristika të jashtme të personazhit të portretizuar që ndihmojnë transformimin e aktorit; një mjet për ndikim artistik te shikuesi”.

Me kalimin e kohës, në teatër janë zhvilluar tre lloje kryesore të kostumeve teatrale: kostumi i personazheve, kostumi i lojës dhe veshja e personazheve. Ato kanë ekzistuar që në shfaqjen e teatrit, ndonëse nuk iu dhanë përkufizime të qarta, këto lloj kostumesh kanë mbijetuar deri në teatrin e sotëm.

“Kostumi i personazhit Kjo është një kompozim vizual dhe plastik që është pjesë e imazhit të aktorit-performues. Kostumi është një pjesë integrale e personazhit, e drejtuar dhe e shprehur nga aktori.” Prototipet primitive të kostumeve të personazheve ishin pjesë përbërëse e riteve dhe ritualeve në shumë vende të botës. Ndonjëherë një kostum mund të fshehë plotësisht figurën e një aktori.

Kostum loje- Ky është një mjet për të transformuar pamjen e aktorit dhe një element i rëndësishëm në luajtjen e rolit. Në shfaqjet rituale dhe folklorike, kostumi i lojës më së shpeshti kishte një karakter parodi grotesk, për shembull, kur ishte e nevojshme të theksohej, të talleshin, të parakalohej ose të vihej në dukje absurditeti i situatës. Burrat visheshin si gra, dhe anasjelltas, njerëzit portretizonin kafshë të ndryshme. Çdo material që mund të nxjerrë në pah imazhin e personazhit është i përshtatshëm për të bërë një kostum të tillë. Ata përdorën materiale dhe sende të ndryshme veshjesh: kapele me kapele veshi, pallto lëkure delesh, këllëf, bizhuteri të ndryshme artificiale, rruaza, zile.

Kostum si veshje e personazhit, është kryesori në shfaqje, pikërisht mbi bazën e këtij kostumi krijohen kostumet e personazheve dhe lojërave. Moda moderne është reflektuar gjithmonë në teatër. Për shembull, në praktikën teatrore ata shpesh përdornin kostume të ngjashme me veshjet e kohës gjatë së cilës shfaqej shfaqja. Kjo teknikë daton që nga koha e teatrit të lashtë grek dhe është e pranishme në teatër edhe sot e kësaj dite. Krijimi i këtij lloji të kostumeve u krye mbi bazën e një lëvizjeje nga një formë afër paraqitjes së veshjeve (në teatrin e Rilindjes) në ngjashmëri më të madhe me kostumet historike, kombëtare, duke arritur saktësi dhe autenticitet. Më vonë, në teatrin e natyralizmit, kostumi fillon të korrespondojë plotësisht me karakterin e personazhit, përcjell gjendjen e tij shpirtërore me saktësinë më të madhe dhe pamja përçon gjithnjë e më qartë përbërësit e figurës. Kostumja ka qenë dhe mbetet gjithmonë një zonë e veçantë krijimtarie për artistët që zhvillojnë dhe shpikin jo vetëm kostume fantastike, por madje, me sa duket, krijojnë vepra të vërteta arti nga veshjet më të zakonshme shtëpiake.

Kostumi teatror është një pjesë e rëndësishme dhe integrale e çdo shfaqjeje teatrale. Teatri është ndoshta forma më publike e artit, që do të thotë se është krijuar më shumë për shfaqje. Zakonisht, kur del nga salla, publiku e karakterizon shfaqjen si më poshtë: ishte spektakolare, aktrim i shkëlqyer, peizazh i mrekullueshëm, prodhim i shkëlqyer. Nga e gjithë kjo shohim se pothuajse çdo aspekt i shfaqjes teatrale ndikohet nga puna e artistit.

Gjatë kohës së shfaqjeve dhe ritualeve folklorike, mjeshtrit e kostumeve ishin mjeshtra pa emër, shpeshherë bufonët vinin në mënyrë të pavarur një veshje për veten e tyre dhe e sollën atë në jetë me mjete të improvizuara, të lira dhe të arritshme. Teatri nuk ishte gjithmonë publik, u desh shumë kohë për t'u zhvilluar në këtë drejtim. Aktorët profesionistë ishin të paktë dhe shfaqjet kryheshin kryesisht nga aktorë autodidakt. Ligjet që mbronin të pasurit, fisnikërinë dhe pronarët e tokave, luftuan kundër vagabondëve, përfshirë aktorët, për të ndaluar arratisjet nga puna me paga të ulëta, të cilat pengonin rritjen e profesionistëve në teatër.

Në epokën e feudalizmit, arti i teatrit pasqyrohet në shfaqjet e artistëve udhëtues. Kostumi që ata imagjinuan dukej i njëjtë me atë të bashkëkohësve të tyre të varfër, por ishte zbukuruar me shirita dhe kambana me ngjyra të ndezura. Në këtë kohë u shfaqën shfaqjet e quajtura mistere, një tipar karakteristik i shfaqjeve ishte pompoziteti, shkëlqimi dhe dekorativiteti; Shfaqjet bëhen një spektakël gjyqësor, i bukur dhe emocionues. Kishte vetëm një set, i cili nuk ndryshoi gjatë gjithë shfaqjes, ndryshe nga një shfaqje teatrale moderne. Kërkesa kryesore për një kostum teatrale në një shfaqje misterioze ishte pasuria, luksi dhe nuk kishte rëndësi për rolet kryesore apo dytësore, kostumi ishte konvencional dhe shmangte detajet. Kostumi për lojën e moralit ishte më modest për shkak të përmbajtjes së tij edukuese.

Ashtu si të gjitha format e artit, një hap i madh në zhvillimin e teatrit ndodhi gjatë Rilindjes, në të njëjtën kohë edhe kostumi teatror pësoi ndryshime të rëndësishme, të cilat u ndikuan shumë nga moda e kohës, si dhe skenografia. Aktorët e komedisë talleshin me shkelësit dhe u dhanë karaktere të mprehta, të përshtatshme dhe ndonjëherë të liga heronjve të shfaqjeve. Më vonë, në gjysmën e dytë të shekullit të 16-të, kostumi në teatër u afrua me stilin aristokratik të veshjes, në varësi të rolit, mund të ishte një veshje kllouni. Kostumet teatrore ishin bërë tashmë nga mjeshtra të aftë që kishin marrë arsim: rrobaqepës, artistë, dekorues kishte kërkesë për këto profesione.

Zhanri kryesor i teatrit klasik në shekullin e 17-të ishte tragjedia, aktorët e veshur me kostume që përsërisnin rrobat e përditshme të oborrtarëve dhe shërbëtorëve, dhe dizajni i shfaqjes u ndikua nga shijet dhe interesat e aristokracisë. Luigji XIV në vitin 1662, me shfaqjen e tij në festivalin në Versajë, i dha shkas një lloji të ri kostumesh për heronjtë tragjikë në teatrin evropian për njëqind vitet e ardhshme, duke u shfaqur me një kostum të stilizuar "roma" të krijuar në bazë të një kostum oborri me shtimin e një kurasi dhe një fundi të shkurtër. Veshjet e grave ishin një pasqyrim i modernitetit, megjithatë, më të dekoruara dhe të qëndisura sesa në jetën e përditshme.

Në të gjitha veprat për historinë e kostumeve vihet në pah periudha e Molierit dhe duke qenë se moda është reflektuar gjithmonë në teatër, kjo periudhë është bërë domethënëse për kostumin teatror. Prirjet realiste filluan të shfaqen në kostumin teatror në produksionet e tij, Molieri veshi aktorë me kostume moderne nga segmente të ndryshme të popullsisë. Një arritje e rëndësishme në zhvillimin e kostumit teatror ishte refuzimi i pretenciozitetit dhe pompozitetit nga aktori D. Garrick, ai u përpoq të reduktonte kostumin për t'iu përshtatur rolit të luajtur, duke zbuluar karakterin e heroit, duke ndihmuar për të kuptuar thelbin e tij.

Për punën tonë, kontributi i Volterit në historinë e kostumeve teatrale është veçanërisht interesant - dëshira për saktësi historike, kombëtare dhe etnografike. Refuzimi i parukeve pluhur dhe bizhuterive masive, në të cilat aktorja Clairon e mbështeti atë. Në procesin e reformës, kostumi i stilizuar “romak” u modifikua, duke braktisur tunelin tradicional dhe u eliminua pompoziteti i tepruar që pengonte lëvizjen.

Në shekullin e 18-të, kostumi më në fund ndryshoi, duke thyer traditat e vjetra, kostumi u bë historikisht i saktë dhe u bë sipas skicave të artistëve, shumë vëmendje iu kushtua grimit dhe flokëve, por saktësia historike u arrit vetëm në detaje individuale. Vetëm në shekullin XIX, në lidhje me zhvillimin e artit regjisor, ata u përpoqën të lidhnin kostumin me konceptin e shfaqjes, duke vëzhguar frymën e epokës në krijimin e shfaqjes. Dihet se dramaturgët morën pjesë personalisht në prodhimin e shfaqjes dhe siguruan që komploti të ndiqej, ata gjithashtu morën përgjegjësinë për skicat e peizazheve dhe kostumeve, duke tërhequr artistë të famshëm për të ndihmuar. Ndër autorët e skicave të kostumeve ishin E. Delacroix, P. Gavarni, P. Delaroche L. dhe C. Boulanger, A. Deveria dhe të tjerë.

Në Angli, aktori W.C. i kushtoi vëmendje të madhe saktësisë historike të kostumit teatror. Macready, aktorja E. Vestris. Disa regjisorë në shfaqjet historike u përpoqën të përshkruanin me saktësi skenën e veprimit, të rikrijonin kostumet në përputhje të saktë me kohën dhe i kushtuan vëmendje të madhe grimit dhe flokëve. Natyrisht, një dëshirë e tillë e fokusuar për autenticitet, historik dhe saktësi nuk mund të mos çonte në një rritje të mohimit. Nga fundi i shekullit të 19-të, shumë regjisorë dhe artistë të shquar kërkuan të refuzonin rutinën e natyralizmit dhe luftuan kundër realizmit në art, gjë që çoi në rikthimin e konventës dhe stilizimit. Kjo ndodhi sepse besohej se teatri duhet të sillte në jetë diçka të re, përrallore, joreale dhe jo të përsëriste përditshmërinë e jetës njerëzore.

Më vonë, në fillim të shekullit të njëzetë, artistë të shquar dhe të famshëm filluan të merren me kostume teatrale, duke sjellë një pasqyrim të krijimtarisë së tyre në këtë lloj arti, duke formuar ligjet e ekzekutimit të kostumeve, duke punuar si pionierë. Në fazën e tanishme të zhvillimit të artit teatror, artistët përpiqen jo vetëm të pasqyrojnë konceptin e shfaqjes në veprat e tyre, por edhe t'i bëjnë kostumet teatrale një vepër të pavarur arti, të shprehen, t'i japin vetes dorë të lirë imagjinatës, tregojnë vizionin e tyre për krijimtarinë.

Nga historia e kostumit teatror shohim se sa me zell e trajtuan artistët këtë lloj arti, ndaj rëndësia e rolit të kostumit teatror në art nuk vihet në dyshim. Në kërkimin tonë, ne i kushtuam vëmendje të veçantë artistëve të mëposhtëm që krijuan skica për shfaqje teatrale: L. Bakst, A. Benois, N. Roerich, A. Exter (shih Shtojcën nr. 1). Gjatë gjithë zhvillimit të kostumit teatror, ne shohim se si artistë të famshëm dhe mjeshtër pa emër punuan për krijimin e një imazhi artistik, duke krijuar vepra arti edhe nga një kostum i zakonshëm, duke punuar në mënyrë krijuese, duke u përpjekur me çdo detaj për t'i treguar shikuesit për veçantinë dhe rëndësinë e këtij karakter. Kostumi teatror është një shkrirje e shumë arteve në krijimin e tij janë përfshirë shumë mjeshtër të drejtimeve të ndryshme, njëri krijon një skicë, i dyti dekoron me qëndisje, i treti merret me aksesorë dhe rekuizitarë. Ka faza të caktuara të punës për krijimin e një kostumi teatrale.

Para se të fillojë të krijojë një kostum teatri, artisti duhet të pyesë veten: çfarë i duhet të krijojë, për kë dhe si? Përgjigjet e këtyre pyetjeve kërkojnë që një artist me përvojë të ketë njohuri për atmosferën dhe imazhin e performancës, përgjegjësi ndaj audiencës dhe njohuri të shkëlqyera të publikut, si dhe njohje të të gjitha teknikave dhe teknikave me të cilat ai mund të shprehë gjithçka. Përkundër faktit se kostumi teatror është një vepër e pavarur arti, ai, si çdo gjë tjetër në shfaqje, i nënshtrohet komplotit të përgjithshëm. Ideja, plani, është në qendër të gjithçkaje, dikton përmbajtjen e çdo personazhi, statusin e tij shoqëror, anën morale të personalitetit të tij dhe, rrjedhimisht, pamjen e tij, sepse e gjithë kjo është e ndërlidhur. Në praktikën teatrale ka tre faza të punës për krijimin e një kostumi: puna me letërsinë, grumbullimi i materialit mbi temën e përgjithshme të shfaqjes, puna në një skicë dhe, së fundi, zbatimi i skicës në material, mishërimi në teksturë. Kur vendosni për dizajnin e përgjithshëm të kostumeve të një shfaqjeje, kur zgjedh një teknikë kur punoni në skicat e kostumeve, madje edhe kur zgjedh materiale dhe aksesorë, kostumografja udhëhiqet nga ideja kryesore e performancës. Ideja e shprehur në skenar nënshtron gjithçka: kostumet, peizazhet, karakteristikat e personazheve.

Një kusht i rëndësishëm në punën e një stilisti është arritja e unitetit të idesë së performancës dhe zbatimit të saj. Gjëja e rëndësishme në një kostum teatri është krijimi i një imazhi skenik. Imazhi skenik në një kostum teatri përbëhet nga koncepti i regjisorit, baza dramatike, dinamika dhe ritmi. Dinamika e imazhit dhe evolucioni i karakterit të personazhit dhe gjithçka që ndodh në skenë e shtyn artistin të ndryshojë disa herë pamjen e aktorit në skenë, jo vetëm kostumin, por edhe grimin dhe frizurën. Kostumi duhet të ndihmojë në përcjelljen e shikuesit ndryshimin më të vogël në imazhin e aktorit.

Kostumi është pjesa më e rëndësishme e shfaqjes teatrale, sepse është më afër aktorit. Mos harroni se kostumi është një shprehje e jashtme e karakterit të personazhit, pjesë përbërëse e imazhit skenik dhe krijon një atmosferë të veçantë rreth aktorëve, e rëndësishme jo vetëm për interpretimin e rolit, por edhe për publikun. Shpesh ka tipare të karakterit që mbeten në nëntekstin e shfaqjes, publiku i njeh ato nga kostumi dhe detajet e tij individuale. Ndonjëherë kostumi duhet të përzihet me imazhin e krijuar nga aktori, por ndodh edhe që bie ndesh me personazhin. Për shembull, në fillim të shfaqjes, ne shohim një aktor që portretizon një person të mirë, ai sillet mirë dhe shumë moralisht, por kostumi i tij alarmon shikuesin, dhe në të vërtetë, në fund të shfaqjes ai rezulton të jetë një zuzar ose një tradhtar. Gjithashtu, kur punoni në skica, mos harroni për individualitetin e aktorit, shkathtësinë dhe kompleksitetin e karakterit të tij.

Kështu, mjetet shprehëse të kostumit teatror janë karakteristikat e mëposhtme:

Imazhi skenik artistik përbëhet nga koncepti i regjisorit, baza dramatike, dinamika dhe ritmi.

Është një vepër e pavarur arti

Përpiqet për saktësi historike, kombëtare dhe etnografike

Është një shprehje e jashtme e karakterit të personazhit;

Projektuar më shumë për efikasitet.

Arti i kostumit teatror

“Pjesa e setit që është në duart e aktorëve është kostumi i tij.”
Enciklopedia Franceze.

“Kostumi është guaska e dytë e aktorit, është diçka e pandashme nga qenia e tij, është fytyra e dukshme e imazhit të tij skenik, që duhet të shkrihet kaq plotësisht me të për t’u bërë i pandashëm…”
A. Ya.

Teatri është një formë arti sintetike që na lejon jo vetëm të dëgjojmë, jo vetëm të imagjinojmë, por edhe të shikojmë dhe shohim. Teatri na jep mundësinë të dëshmojmë drama psikologjike dhe të marrim pjesë në arritje dhe ngjarje historike. Një teatër, një shfaqje teatrale, krijohet me përpjekjet e shumë artistëve, nga regjisori dhe aktori deri te projektuesi i produksionit, sepse shfaqja është “një ndërthurje e arteve të ndryshme, secila prej të cilave transformohet në këtë plan dhe merr një cilësi të re. ...”.

Një kostum teatror është një komponent i imazhit skenik të një aktori, këto janë shenja dhe karakteristika të jashtme të personazhit të portretizuar që ndihmojnë në transformimin e aktorit; mjet i ndikimit artistik te shikuesi. Për një aktor, një kostum është materie, një formë, e frymëzuar nga kuptimi i rolit.
Ashtu si një aktor, në fjalë dhe gjest, lëvizje dhe timbër zëri, krijon një qenie të re të një imazhi skenik, duke u nisur nga ajo që jepet në shfaqje, kështu artisti, i udhëhequr nga të njëjtat të dhëna nga shfaqja, mishëron imazhin. me mjetet e artit të tij.

Përgjatë historisë shekullore të artit teatror, skenografia ka pësuar vazhdimisht një transformim evolucionar, i shkaktuar jo vetëm nga përmirësimi i teknologjisë skenike, por edhe nga të gjitha peripecitë e stileve dhe modës së kohërave përkatëse. Varej nga natyra e strukturës letrare të shfaqjes, nga zhanri i dramës, nga përbërja shoqërore e shikuesit, nga niveli i teknologjisë skenike.

Periudhat e strukturave të qëndrueshme arkitekturore të antikitetit ia lanë vendin skenës primitive të mesjetës, e cila nga ana e saj u la vendin teatrove të oborrit mbretëror me luksin e vetëmjaftueshëm të shfaqjeve. Kishte shfaqje në pëlhurë, në dekorime komplekse konstruktive, vetëm në dizajn ndriçimi, pa dekorim fare - në një skenë të zhveshur, në një platformë, vetëm në trotuar.

Roli i kostumit si dekor “lëvizës” ka qenë gjithmonë dominues. Pikëpamja për "marrëdhënien" e tij me aktorin, kohën dhe historinë, dhe më në fund, me "partnerin" e tij të drejtpërdrejtë - dizajni artistik i skenës - ndryshoi.

Në procesin e zhvillimit progresiv të artit të teatrit modern, inovacionit të regjisë, transformimit të metodës së dizajnit artistik, roli i artit të kostumeve nuk bie - përkundrazi. Me rritjen e vëllezërve të tij më të rinj dhe më fleksibël - kinemasë dhe televizionit - teatri padyshim që në kërkimin dhe mundimin e tij fiton forma të reja teknikash spektakolare, pikërisht ato që do të mbronin dhe përcaktonin pozicionin e teatrit si vlerë e qëndrueshme e një arti të pavarur. formë. Kostumit, si elementi më i lëvizshëm i pamjes teatrore, zë vendin e parë në këtë kërkim.

Kultura e lartë moderne e artit teatror, puna delikate dhe e thellë e regjisorit në shfaqjet dhe shfaqjet, si dhe interpretimet e talentuara të aktorëve kërkojnë që kostumografi që harton shfaqjen duhet të depërtojë me kujdes në dramaturgjinë e shfaqjes dhe në kontakt të ngushtë me regjisorin. Dizajni modern nuk kanonizohet nga rregullat. Ai është individual dhe specifik në çdo rast të veçantë. “Puna e një regjisori është e pandashme nga puna e një artisti. Së pari, regjisori duhet të gjejë përgjigjet e tij për problemet themelore të kompletit. Artisti, nga ana tjetër, duhet të ndjejë detyrat e produksionit dhe të kërkojë me këmbëngulje mjete shprehëse...”
Një kostum teatri krijohet fillimisht duke përdorur mjete vizuale, domethënë një skicë.
Kostumografia e teatrit

punë pasuniversitare

2.1 Kostum teatrale. Llojet e kostumeve teatrale

Kostumi teatror luan një rol të rëndësishëm në formimin e një imazhi pozitiv të teatrit në audiencën e tij të synuar.

Kostumi teatror është një koncept i gjerë dhe përfshin gjithçka që ndryshon artificialisht pamjen e një personi duke u ngjitur në trupin e tij - ky është një kompleks i tërë gjërash: hairstyle, grim, këpucë, veshje e kokës dhe vetë veshja. Kuptimi semantik i kostumit si maskë trupore konfirmohet nga kuptimi leksikor i fjalës "kostum": "fjala është huazuar nga italishtja "kostum", që do të thotë "e zakonshme", "zakon", "zakon" dhe në shumës - "Më shumës" Kokuashvili N.B .

Kostumet teatrore pasqyrojnë gjithmonë epokën në të cilën zhvillohet shfaqja. Për të krijuar një kostum teatrale, artistët dekorativë përdorin burime të ndryshme informacioni: afreske, skulptura, piktura, burime të shkruara.

Kostumi teatror është i vetmi sistem që mund të ndryshojë artificialisht pamjen e një personi, të theksojë ose shkatërrojë unitetin harmonik të trupit, ose pjesëve të caktuara të tij dhe të krijojë një imazh artistik. Le të supozojmë këtë situatë reale: duke parë një vajzë me një fustan që i jep figurës së saj një formë afër idealit, mund të thërrasim “Çfarë vajze e bukur!”, që do të thotë se ky kostum ka përmbushur “funksionin e tij estetik”. e ka bërë personin të bukur. Detaje të shumta jofunksionale, për shembull, modeli, dizajni i pëlhurës, ngjyra e saj, tekstura, dantella, kostum, kopsa dekorative, qëndisje, aplikacione, lule false etj., në pamje të parë janë vetëm elemente dekorative të detajeve të kostumit, por mbi Një analizë e kujdesshme rezulton se ato ndihmojnë në formimin e imazhit, dhe përsosmëria imagjinative është një nga burimet e fuqishme të bukurisë. Në këtë rast, një aspekt estetik i një kostume teatrale shndërrohet në mënyrë të padukshme në një tjetër, i cili mund të quhet funksioni artistik i kostumit, i krijuar për të krijuar një imazh dhe stil individual.

Pa hartuar një tipologji të kostumit teatror, është e pamundur të studiohet roli i tij në formësimin e imazhit të teatrit. Shumëllojshmëria e kostumit teatror mund të krahasohet me shumëllojshmërinë e situatave jetësore apo të personazheve njerëzore që mishërohen përmes këtij kostumi në skenë. Mënyra kryesore për të kuptuar thelbin e saj është tipologjia, ndarja në klasa, grupe, lloje etj. në plane të ndryshme.

Nuk ka studime të përfunduara për këtë çështje. Edhe pse vlen të theksohet se çdo autor që fillon të studiojë kostumin teatror dhe kostumin në përgjithësi e klasifikon atë sipas ndonjë kriteri. Pjesa më e madhe e literaturës mbi kostumin është studime historike dhe etnografike, dhe për këtë arsye i kategorizon kostumet sipas linjave gjeografike ose kohore. Në literaturën kushtuar shfaqjes së elementeve të veshjeve, zhvillimit të tyre dhe metodave të formimit të imazhit, kostumi zakonisht ndahet në lidhje me trupin, dizajnin dhe funksionet.

Çdo lloj klasifikimi hap fusha të reja kërkimi, duke zbuluar probleme të papritura dhe aspekte të reja të kostumit.

Tashmë kemi thënë se një kostum teatri duhet të kuptohet si gjithçka që ndryshon artificialisht pamjen e një personi duke u ngjitur pas trupit të tij, këtu përfshihen rrobat, veshjet e kokës, këpucët, frizurat, bizhuteritë, aksesorët, grimi. Përkufizimi tashmë përmban klasifikimin e parë dhe kryesor - janë renditur nënsistemet e padisë.

Planet kryesore të tipologjisë:

1. Antropologjike

a) në raport me trupin

Baza e klasifikimit është shkalla e afërsisë me trupin, dhe si rezultat, shkalla e ndikimit në trup.

Le t'i rendisim nga më e afërta tek më e largëta: bojë trupi (tatuazh, grim, grim), rroba, këpucë, kapele, bizhuteri, aksesorë (edhe kanë një efekt të ndryshëm: për shembull, syzet janë më afër se një çantë dore).

Shumë sisteme, si veshjet, gjithashtu kanë dallime brenda vetes (të brendshme dhe të sipërme).

Kjo bazë duhet të merret parasysh kur krijohen dhe konsumohen kostume teatrale, sepse trupi i njeriut mund të pranojë vetëm materiale, tekstura dhe substanca të caktuara. E gjithë historia e prodhimit të kostumeve po zhvillohet në drejtim të krijimit të materialeve dhe substancave më të rehatshme dhe të sigurta për shëndetin (makijazhi, grimi).

b) në lidhje me pjesët e trupit (llojet e veshjeve, kapele, këpucë, etj.)

Këtë klasifikim e kemi hasur tashmë në përkufizim dhe për këtë arsye mund të quhet vendimtar në një qasje sistematike të studimit të kostumit. Le të ndërtojmë një hierarki të plotë të sistemeve dhe nënsistemeve të kostumeve teatrore.

Pëlhurë. Sipas mënyrës së fiksimit në trup, veshja ndahet në bel (funde, pantallona, pantallona të shkurtra, brekë, etj.) dhe në shpatull (këmisha, fustane, sarafanë, mushama, pallto, pallto lesh, xhaketa, bluza, pulovra. , etj.) Konfigurimi dhe plasticiteti i trupit diktojnë ndryshimet në elementet e kostumit. Rrobat vendosen në tre pjesë të trupit - bust, krahë dhe këmbë.

Të gjitha veshjet ndahen gjithashtu në tre shtresa: të brendshme, të brendshme dhe të sipërme.

Liri. Prodhuesit i ndajnë të brendshmet në tre lloje: të brendshme (praktike, të bëra nga materiale të dendura natyrale ose të përziera, të lëmuara), festive (elegante, me të gjitha llojet e dekoreve, veshje të përshtatshme për raste të veçanta) të brendshme intime (të hapura, transparente, me të gjitha llojet e dekorimeve , detajet e sipërme (rrokullisje, harqe, dantella, rruaza), shpesh me një aluzion shakaje.

Në shekullin e 12-të, u shfaqën rroba elegante intime në shtëpi (zakonisht për veshjen e mëngjesit): neglizhe, polonaise, peignoir, schmiz, të cilat ekzistojnë edhe sot. Në Evropën e 19-të, pizhamet u bënë të famshme falë udhëtimit në tropikët.

Të brendshme. Ky është pjesa më e madhe e veshjeve që rendit të gjitha llojet e saj është e vështirë dhe jopraktike; Sidoqoftë, duhet t'i kushtoni vëmendje veçorisë së mëposhtme, e cila varet nga klima. Në vendet e nxehta, të brendshmet dhe të brendshmet shpesh kombinohen për të formuar veshje mjaft të dukshme, të veshura çdo ditë në mënyrë që të minimizohen materialet e pranishme në trup. Ndërsa veshjet e veriorëve janë shumështresore, çka shton numrin e llojeve të veshjeve.

Seksioni i xhaketës: xhaketë sportive, bluzë, xhaketë, jelek, xhaketë, pulovër, smoking, frak, kostum (dy pjesë, tre pjesë, me fund ose pantallona), këmishë (bluzë).

Veshje për këmbët: pantallona, pantallona të shkurtra, çorape, çorape, geta.

Veçmas veçojmë fustanin (sarafantin) dhe fundin.

Veshje të sipërme. Shumëllojshmëria e llojeve të veshjeve të sipërme nuk është aq e madhe, ndarja bazohet, para së gjithash, në stinët dhe, natyrisht, në dizajn dhe material. Le të rendisim llojet kryesore të veshjeve të sipërme: pallto lëkure delesh, pallto lesh, pallto, xhaketë, pallto, mushama.

Historianët e kostumeve identifikojnë rreth shtatëmbëdhjetë lloje palltosh.

Vëmendje e veçantë duhet t'i kushtoni edhe elementëve individualë të veshjeve, të cilat, si rregull, kanë një fuqi të veçantë simbolike - jakë, pranga, lidhje (shami, shalle), çorape (çorape), rripa (rripa), dorashka (doreza). Këto detaje të vogla mund të ndryshojnë plotësisht ngarkesën e informacionit të kostumit në tërësi.

Këpucët ndahen në: të qepura, të prera dhe të ngjitura në këmbë me hobe të ndryshme dhe në thurje.

Sipas dizajnit, këpucët ndahen në sandale dhe nallane, këpucë, çizme dhe çizme.

Kapele. Veshja e kokës është lidhur gjithmonë me kokën, ndaj ka një kuptim të fortë simbolik. Në veprat e artit, shamia e kokës mund të shërbente si zëvendësim për kokën.

E gjithë shumëllojshmëria e bizhuterive ndahet në: rroba (karfica, mansheta, kopsa, kapëse, karfica), bizhuteri për trupin (vathë, varëse, zinxhirë, varëse, unaza, byzylykë) dhe bizhuteri flokësh (karfica flokësh, diademë etj.).

Sipas mënyrës së fiksimit, bota e bizhuterive përbëhet nga këto nënsisteme: qafa (zinxhirë, varëse, gjerdan, choker, shirita, varëse, rruaza, medaljone); vesh (vathë, kapëse, stufa); byzylykë (për krahë dhe këmbë); gisht (unaza, unaza vule); dekorime flokësh (shirita flokësh, floktarë, kurora, diadema, unaza tempulli, fjongo, etj.).

Hairstyle - dekorimi i kokës, në shumë mënyra simbolizon strukturën e përmbajtjes së saj të brendshme, botëkuptimin e çdo personi dhe epokën në tërësi.

Flokët në kokë, pasi mbulojnë pjesën e sipërme të trupit të njeriut, simbolizojnë forcat shpirtërore, fuqitë më të larta dhe mishërojnë gjendjen shpirtërore të një personi. Qimet e trupit shoqërohen me ndikimin e forcave irracionale, më të ulëta, instinkteve biologjike. Flokët gjithashtu tregojnë pjellorinë. Në simbolikën hindu nënkuptojnë "vijat e forcës" të Universit. Flokët e trashë janë mishërimi i impulsit të jetës, duke u lidhur me dëshirën për të pasur sukses. Ngjyra e flokëve është e rëndësishme. Flokët e errët kanë një simbolikë të errët, tokësore, ndërsa flokët e hapur (të artë) shoqërohen me rrezet e diellit, pastërtinë dhe mirësinë, dhe të gjithë heronjtë pozitivë mitologjikë dhe të përrallave kishin flokë bjonde (Borëbardha, Borëbardha, Artë). Flokët e kuq bakri tregojnë një karakter demonik dhe lidhen me Venusin. Për shekuj ka ekzistuar një ide se një shtrigë duhet të jetë me flokë të kuqe dhe se njerëz të tillë janë gjithmonë me fat. Shumë rituale të magjisë lidhen me flokët si energji shpirtërore njerëzore. Kur na bien flokët, ne humbasim forcën tonë, si Samsoni biblik. Ana negative e rënies së flokëve është se është një sakrificë e gatshme. Kushdo që refuzon jetën tokësore për të marrë rrugën e asketizmit absolut, është i detyruar t'i presë flokët (tonsura monastike). Njerëzit i kanë kushtuar shumë vëmendje flokëve që nga kohërat e lashta. Sipas Diderot, një model flokësh e bën një grua më tërheqëse dhe tek një mashkull thekson tiparet e tij të karakterit.

Grim. Nëpërmjet grimit, një aktor mund të ndryshojë fytyrën e tij, t'i japë asaj një formë të tillë ekspresive që do ta ndihmojë aktorin të zbulojë në mënyrë më të plotë dhe gjithëpërfshirëse thelbin e imazhit dhe ta përcjellë atë tek shikuesi në formën më vizuale. Por grimi është i rëndësishëm jo vetëm si një vizatim i jashtëm i karakterit të personazhit të portretizuar nga aktori. Edhe në procesin krijues të punës për një rol, grimi është një shtysë dhe nxitje e caktuar për aktorin për të zbuluar më tej imazhin.

Format fillestare të grimit teatror u ngritën në bazë të pikturës magjike të trupit dhe maskave rituale, të lidhura drejtpërdrejt me idetë magjike dhe animisto-fetare të njeriut primitiv.

2. Demografike

Ekziston një ndarje e dukshme në elemente, ngjyra, tekstura dhe materiale të kostumeve për meshkuj dhe femra.

Nuanca për burra - të përmbajtura, zakonisht të errëta, me mbizotërim të ngjyrës së zezë, shpesh ka kontraste të rrepta, tekstura të forta, pëlhura të dendura, të rënda, opake, modele dhe tekstura gjeometrike dhe teknike.

Femra - nuanca pastel, e gjithë paleta rozë, tekstura të lehta, të buta, lehtësisht të mbështjellë, transparente, me shkëndija, qëndisje, guipure, lule, motive bimore, pika polka dhe linja të buta në teksturë dhe modele, perla dhe perla - material për aksesorë dhe bizhuteri.

Një kostum teatror mund të ndryshojë sipas gjinisë ose në detaje të vogla (për shembull: ana e kapëses) ose në përgjithësi në të gjithë formën. Pra, në shekullin e 17-të, burrat përdornin gjerësisht dantella elegante, por tani ajo është prerogativë e zonjave, një nga simbolet e feminitetit. Shenjat e feminitetit dhe mashkulloritetit, natyrisht, ndryshuan midis popujve të ndryshëm dhe në periudha të ndryshme, por ishin gjithmonë të pranishme. Përjashtim, ndoshta, është fundi i shekullit të 20-të, me idenë e tij të unisex.

Për një kohë të gjatë ka pasur dallime midis kostumeve të fëmijëve dhe të rriturve. Brenda këtyre grupeve ka gradime: fëmijë të vegjël, adoleshentë, të rinj, të pjekur, të moshuar, të moshuar. Kostumi përmban detaje të veçanta për brezin e vjetër dhe të veçanta për brezin e ri. Këtu janë disa shembuj: një hark ose bisht është gjithmonë një simbol i fëmijërisë për ne, një shall i lidhur në kokën e një gruaje zakonisht lidhet me pleqërinë, një kostum me shenja të dukshme erotizmi mund të vishen vetëm nga të rinjtë. Simbole të tilla stereotipike nguliten fort në kulturë.

Ashtu si në rastin e gjinisë, pranohet një ndarje në dizajne, ngjyra, tekstura dhe materiale për fëmijë dhe të rritur.

Koncepti i kostumit për fëmijë si një grup i pavarur u ngrit vetëm në gjysmën e dytë të shekullit të 18-të në Angli. Deri në këtë kohë, veshjet e fëmijëve ishin vetëm një kopje më e vogël e veshjeve të të rriturve. Kjo ndarje është kryesisht për shkak të ndërlikimit dramatik të kostumit, gjë që e bëri atë shumë të papërshtatshëm për fëmijët.

Planet kryesore mjedisore të një kostumi teatri.

1. Historike (kohore) - epoka, shekuj, periudha, vite...

Ky klasifikim, i aplikuar për kostumin, është më i zakonshmi në shkencën historike. Me këtë qasje studiohet historia e sendeve dhe e dukurive nga pikëpamja e përkatësisë së tyre në një kohë të caktuar. Gradimet e mëdha më të njohura përgjithësisht: primitiviteti, antikiteti, Mesjeta, Rilindja, shekujt XVII, XVIII, XIX, XX. Zhvillimi i kostumit në këtë rast konsiderohet si një proces linear, fokusi është në veçoritë që dallojnë një epokë nga tjetra. Vëmendja e studiuesit është përqendruar në veçoritë stilistike të kostumit të përbashkëta për të gjitha artet arkitekturore të çdo periudhe.

Brenda çdo epoke, është zakon të dallohen periudha më të vogla, emrat e tyre janë përgjithësisht të njohur.

2. Natyrore.

Hapësinor-gjeografik. Këtu ndarja më e habitshme ndodh në dy pole - lindje-perëndim. Sigurisht, dallimet shkojnë shumë përtej gjeografisë. Shumë vepra i kushtohen problemit "Lindje-Perëndim" dhe të gjitha problemet e diskutuara në to pasqyrohen në një mënyrë ose në një tjetër në kostum. Ndarja e mëtejshme ndodh në një skemë të thjeshtë: kontinente, vende, rajone, qytete, fshatra, blloqe qytetesh.

Klimatike. Për shkak të faktit se një nga funksionet e para të kostumit ishte mbrojtja e trupit nga ndikimet natyrore, kostumi, para së gjithash, filloi të ndryshonte në përshtatshmërinë e tij ndaj kushteve të ndryshme klimatike dhe natyrore.

Sigurisht, aeroplanët kryqëzohen në realitet, duke formuar një gamë të gjerë kushtesh natyrore që kërkojnë një kostum të veçantë. Një natë dimri në pyllin jugor dhe një ditë vere në malet veriore, dielli verior dhe jugor, shiu dhe era në stepë dhe në pyll, etj. përcaktojnë kryesisht shumëllojshmërinë e kostumeve të popujve që banojnë në planetin tonë.

Me zhvillimin e aktivitetit njerëzor dhe industrisë, vazhdimisht shfaqen kostume të reja, të përshtatura posaçërisht për ekspozimin ndaj kushteve ekstreme natyrore, të cilat i lejojnë njerëzit të kalojnë në qoshet më të paarritshme të Tokës dhe mjediseve të paeksploruara. Njerëzimi ka zhvilluar pajisje për të pushtuar majat malore, thellësitë e detit, pyjet tropikale të pakalueshme, shkretëtirat dhe polet.

3. Etnografike - grupet etnike, popujt, fiset (ritet, zakonet). Ky është një nga klasifikimet e zakonshme të kostumit teatror. Pjesa më e madhe e të gjithë literaturës mbi kostumet janë vepra etnografike që përmbajnë përshkrime të hollësishme të veshjeve të komuniteteve të caktuara etnike dhe zakoneve dhe ritualeve që lidhen me to. Bazuar në studime të tilla, është mirë të studiohet një fenomen i tillë si kostumi kombëtar.

4. Ritualet e veçanta të bashkësive të caktuara etnike.

Shumë vepra kushtuar kostumit teatror të një epoke të caktuar bazohen në ndarjen sipas klasës. Veshja e klasave të ndryshme fillimisht përcaktohet nga mënyra e tyre e natyrshme e jetesës; Udhëheqësi shquhej në mesin e bashkëfshatarëve të tij, ai nderohej si një person i veçantë. Prerja dhe detajet e kostumit tregojnë statusin në shoqëri, traditat familjare, etj. Dhe në botën moderne ekziston ky funksion i një kostumi (për shembull, në një kostum biznesi - sa më i hollë të jetë shiriti, aq më i lartë është statusi i pronarit të tij). Gabimet këtu ishin gjithmonë jashtëzakonisht të padëshirueshme dhe mund të shkaktonin ofendim. Njerëzit ishin shumë të ndjeshëm ndaj pozicionit të tyre në shoqëri dhe gjithmonë përpiqeshin ta theksonin disi me një kostum. Shpesh klasa të ndryshme kanë të ndryshme etike, estetike etj. normat, gjë që pasqyrohet edhe në padi. Në një shoqëri klasore, shenjat e jashtme janë thjesht të nevojshme për të vendosur natyrën e marrëdhënieve dhe komunikimit.

Gjatë tranzicionit nga një ekonomi mbijetese në një strukturë tregu, me ndarjen e punës dhe shkëmbimin e mallrave, çdo biznes kishte profesionistët e tij dhe, si rrjedhojë, të njëjtin lloj kostume. Forma e saj varej kryesisht nga specifikat e veprimtarisë dhe përmbante elemente që bashkonin njerëzit e të njëjtit profesion në një korporatë të caktuar, duke theksuar kështu të përbashkëtat e profesioneve që lanë gjurmë në karakterin, botëkuptimin dhe qëndrimin e tyre ndaj të tjerëve. Ne i karakterizojmë madje grupe njerëzish duke emërtuar shenja ose elementë të veshjes së tyre, për shembull: "njerëz me pallto të bardha", "njerëz me uniformë", "punëtorë me jakë të bardhë" dhe të gjithë e kuptojnë menjëherë për kë po flasim.

Profesionet e mëposhtme kanë kostumet më të përcaktuara qartë dhe lehtësisht të dallueshme: ushtarakët, punonjësit e mjekësisë, punëtorët e transportit, punonjësit e hotelierisë etj.

Rrëfimi. Kjo tipologji përfshin studimin e kostumit të përfaqësuesve të feve të ndryshme, si dhe degët dhe lëvizjet e tyre heretike. Çdo fe vendos dhe përcakton forma të caktuara të kostumit, prerje të veçantë, siluetë, ngjyra, aksesorë dhe detaje.

Në varësi të shkallës së ndikimit të fesë në jetën e shoqërisë në një periudhë të caktuar, këto veçori në një mënyrë ose në një tjetër prekin të gjitha format dhe llojet e kostumeve.

5. Estetike - hierarkia e stileve, ndryshimi i modave etj.

Një grup mjaft i gjerë i literaturës kushtuar kostumit teatror bazohet pikërisht në këtë klasifikim. Historia e kostumeve teatrale, si rregull, bazohet në shqyrtimin e stileve dhe modave të ndryshme të kostumeve që kanë pasuar njëri-tjetrin gjatë gjithë ekzistencës së njerëzimit. Studiuesit e modernitetit gjithashtu përdorin në mënyrë aktive këtë hierarki në veprat e tyre, duke marrë parasysh paletën e stileve që janë të pranishme në kohën tonë dhe nënvizojnë shkencën e imazhit. Në këtë drejtim, duhet theksuar se studimi i stilit të kostumeve ndërtohet në dy drejtime: stilet historike dhe ato moderne. Koncepti "moderne" përfshin jo vetëm stilet që lindën në dekadat e fundit të shekullit aktual, por të gjithë larminë e stileve të kostumeve që bashkëkohësit tanë kanë në dispozicion, si dhe vetë qëndrimin ndaj stilit si instrument. Kjo për faktin se në fazën aktuale të zhvillimit njerëzor, stili i epokës aktuale mund të përkufizohet si polivariancë, d.m.th. nuk mund të përcaktohet pa mëdyshje, varet nga shumë arsye dhe ndryshon lehtësisht në varësi të situatës, humorit etj. Prandaj, ne do të rendisim stilet kryesore historike që u formuan në një epokë të caktuar, dhe më pas stilet kryesore në të cilat një person modern mund të shprehet. Sigurisht, shumë stile moderne bazohen në stile të caktuara historike.

Siç u përmend më lart, një kostum teatri është një element i dizajnit të shfaqjes. E veçanta e çdo kostumi është qëllimi për të cilin është krijuar. Dhe në bazë të qëllimit, zakonisht të regjisorit, ndërtohet një imazh artistik...

Një studim i veçorive artistike dhe grafike të skicave të kostumeve teatrale dhe mundësia e përdorimit të tyre në përshkrimin e një kostumi modern

Skica sugjeron mënyrën e veshjes së kostumit, ecjen, parashikon deformimin e nevojshëm të figurës, pozicionin e kokës, lëvizjen e duarve dhe mënyrën e mbajtjes së tyre, mprehtësinë e vizatimit të siluetës, aktori në kostumin. Edhe për shfaqjet moderne...

Një studim i veçorive artistike dhe grafike të skicave të kostumeve teatrale dhe mundësia e përdorimit të tyre në përshkrimin e një kostumi modern

Teatri i pazakontë i Misterit, si një burim krijues i koleksionit modern të kësaj vepre kursi, synon të sjellë kostumin historik dhe etnik nga muzetë në skenën teatrale...

Kostumet e mesjetës dhe të kohës moderne

Proceset kulturore në Ukrainë në shekullin XX. Kultura e popujve të Transkaukazisë. Karakteristikat e artit teatror

Teatri është një lloj arti skenik që përshkruan jetën në një shfaqje skenike, siç interpretojnë aktorët para spektatorëve, si dhe mjedisi që skena skenike vihet në skenë nga një grup këngëtarësh dhe ambientet, kabinat, etj. grumbull vistavi...

Stilet bazë të kërcimit të xhazit

Xhazi në Broadway është bërë një nga llojet më të njohura të kërcimit modern. Ky stil lindi në vitet 20 të shekullit të njëzetë, në një kohë kur xhazi filloi të luhej profesionalisht...

Origjina e teatrit kombëtar gjerman daton në kohën e formimit të ritualeve popullore, shfaqjeve fetare, llojeve të ndryshme të lojërave dhe argëtimit festiv. Autori i shumicës së shfaqjeve të panairit ishte Hans Sachs (1494-1576)...

Karakteristikat e zhvillimit të artit teatror në Gjermani dhe Rusi në fillim të shekullit të njëzetë

Historia e teatrit rus është e ndarë në disa faza kryesore. Faza fillestare, e lidhur me lojërat popullore, ritualet, festat e ka zanafillën në shoqërinë fisnore...

Praktika e përdorimit të aksesorëve teatror. Formimi i imazhit të jashtëm të teatrit

Zhvillimi i kulturës gjatë periudhës së pavarësisë në sfera të ndryshme

Teatri, padyshim, është një art kolektiv, ndaj është e rëndësishme të shihet në produktin e tij përfundimtar arsyeja më e rëndësishme e suksesit, për ta kurorëzuar atë me primatin më të rëndësishëm të shtetit...

Teatrot avangarde

Avangardë teatrore (nga avangarda franceze - pararojë), termi u transferua nga sfera e politikës në fushën e artit në 1885; nënkupton forma të reja arti jokonvencionale që u shfaqën në fund të shekullit të 19-të...

Estetika e teatrit të Rainer Werner Fassbinder

Pa hyrë në shkollën e filmit në Mynih, R.V. Fassbinder filloi të studiojë aktrim në një shkollë private teatrore, ku ai "e mbajti për vete" Fassbinder R.-V Filmat të çlirojnë kokën: Ese dhe shënime pune // Skenarët e filmit. 2000. N 3. F. 139....

Estetika e teatrit të Rainer Werner Fassbinder

Regjisori estetik i skenës Fassbinder Edhe pse formimi i Antiteatrit ishte, në parim, një riemërtim formal i teatrit Action, grupi tani kishte një drejtues, pavarësisht se sa vetë Fassbinder e refuzoi atë...

Estetika e teatrit të Rainer Werner Fassbinder

Në 1969, në Bremen - Meka e teatrit gjerman të viteve 1960-70 - teatri organizoi një ngjarje trembëdhjetë orëshe - "shfaqje", ku u shfaqën dy filma - "Katzelmacher", "Dashuria është më e ftohtë se vdekja", dy shfaqje - "Shtëpia e kafesë", "Anarkia në Bavari" "...

TEATRI është një formë arti sintetike që na lejon jo vetëm të dëgjojmë, jo vetëm të imagjinojmë, por edhe të shikojmë dhe të shohim. Teatri na jep mundësinë të dëshmojmë drama psikologjike dhe të marrim pjesë në arritje dhe ngjarje historike. Një teatër, një shfaqje teatrale, krijohet me përpjekjet e shumë artistëve, nga regjisori dhe aktori deri te projektuesi i produksionit, sepse shfaqja është “një ndërthurje e arteve të ndryshme, secila prej të cilave transformohet në këtë plan dhe merr një cilësi të re. ...”

Ashtu si një aktor, në fjalë dhe gjest, lëvizje dhe timbër zëri, krijon një qenie të re të një imazhi skenik, duke u nisur nga ajo që jepet në shfaqje, kështu artisti, i udhëhequr nga të njëjtat të dhëna nga shfaqja, mishëron imazhin. me mjetet e artit të tij.

Kultura e lartë moderne e artit teatror, puna delikate dhe e thellë e regjisorit në shfaqjet dhe shfaqjet, dhe interpretimet e talentuara të aktorëve kërkojnë që artisti që harton shfaqjen duhet të depërtojë me kujdes në dramaturgjinë e shfaqjes dhe në kontakt të ngushtë me regjisorin. Dizajni modern nuk kanonizohet nga rregullat. Ai është individual dhe specifik në çdo rast të veçantë. “Puna e një regjisori është e pandashme nga puna e një artisti. Së pari, regjisori duhet të gjejë përgjigjet e tij për problemet themelore të kompletit. Artisti, nga ana tjetër, duhet të ndjejë detyrat e produksionit dhe të kërkojë me këmbëngulje mjete shprehëse..."

Një kostum teatri krijohet fillimisht duke përdorur mjete vizuale, domethënë një skicë.

kostumet e teatrit, element i dizajnit të performancës. Në historinë e teatrit njihen tre lloje kryesore të kostumeve teatrore: veshje e karakterit, e lojës dhe e personazheve. Këto tre lloje kryesore të kostumeve ekzistojnë në të gjitha fazat e artit skenik - nga parateatri ritual dhe folklorik deri në praktikën moderne artistike.

Një kostum personazhi është një lloj kompozimi vizual-plastik në figurën e interpretuesit, i vënë në lëvizje prej tij dhe i shprehur (duke shqiptuar tekst ose duke kënduar), ndonjëherë duke e fshehur plotësisht figurën e tij, ngjashëm me atë se si një maskë mbulonte fytyrën e tij. Shembuj të kostumeve të personazheve në rituale dhe ceremoni në mbarë botën. Silueta në formë zile e kostumit indian ishte një parafrazë e tempullit të tendës së kullës së Nagara Shakhara dhe Menusë së malit të shenjtë (qendra dhe boshti i botës në mitologjinë hindu). Kinezishtja - me formën, dizajnin, zbukurimin dhe ngjyrën e saj, shpreh simbolikën e lashtë kozmologjike të alternimit natyror të Dritës dhe errësirës, bashkimin e Qiellit dhe Tokës në aktin e krijimit të botës. Kostumi shamanik i popujve të Veriut mishëron imazhet e një zogu fantastik të lidhur me "botën e sipërme" dhe një bishë (një banor i "botës së poshtme"). Rusishtja e Jugut është një lloj modeli i Universit. Në shfaqjet tradicionale të Operës së Pekinit, kostumi përfaqësonte imazhin e një dragoi të frikshëm, në teatrin japonez No - motive të natyrës dhe në epokën barok të shekullit të 17-të. – E drejtë ose paqe. Nëse për veprimet rituale rituale dhe folklorike kostumet e personazheve (si të gjithë elementët e tjerë të skenografisë) ishin fryt i krijimtarisë së artistëve popullorë anonimë, atëherë në shekullin e 20-të, që në fillim, artistët filluan t'i kompozojnë ato: I. Bilibin - në opera Gjeli i Artë N. Rimsky-Korsakov (1909), K. Frych - në Bure W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - në Car Maksimilian, P. Filonov - në tragjedi Vladimir Mayakovsky më në fund, K. Malevich është në projekt Fitorja mbi diellin(të tre prodhimet 1913). Dhe pastaj, në fund të viteve 1910 - gjysma e parë e viteve 1920. një seri e tërë kostumesh të personazheve u krijua nga futuristët italianë E. Prampolini, F. Depero dhe të tjerë, O. Schlemmer nga Bauhaus gjerman, dhe në balet - P. Picasso, i cili tregoi Menaxherët grotesk në Paradë E. Satie dhe F. Leger - Hyjnitë zezake në Krijimi i botës D.Millo. Më në fund, "arkitektura" e kostumit kubist të A. Vesnin fitoi një rëndësi karakteri në shfaqjet e A. Tairov - në Lajmërimi, kompozimet e tij suprematiste mbi figurat e heronjve Fedra. Aktiv skena të tjera - "kostume guaskë" nga Yu Annenkov në shfaqje Gazi G. Kaiser dhe A. Petritsky - në Viy, si dhe kolazhe fantastike si kostume personazhesh për shfaqjen Inspektor, të cilat janë krijuar nga nxënësit e P. Filonovit (N. Evgrafov, A. Landsberg dhe A. Sashin) me temën e pullave, stemave, vulave, zarfeve etj - personazhi i Postmasterit, recetat, nënshkrimet, shiringat, klizma, termometra - personazhi i doktorit, shishe, salcice, proshuta, shalqinj, etj. - personazhi i Njeriut të Tavernës. Në gjysmën e dytë të shekullit të 20-të. kostumet si personazhe vizuale të pavarura, të paraqitura veçmas nga aktorët, si element i skenografisë, u krijuan nga M. Kitaev dhe S. Stavtseva, dhe si lloje të ndryshme kompozimesh mbi figurat e aktorëve - K. Shimanovskaya, D. Mataiten, Y. Kharikov.

Një kostum aktrimi është një mjet për të transformuar pamjen e një aktori dhe një nga elementët e performancës së tij. Në aktet rituale dhe folklorike, transformimi më së shpeshti kishte një karakter parodi grotesk, kur burrat visheshin si gra, gratë si burra, të rinjtë si pleq, bukuroshet si shtriga ose kur portretizonin kafshë të ndryshme. Në të njëjtën kohë, përdorej gjithçka që ishte në dorë: një xhaketë, një pallto lëkure delesh, një këllëf, një lëkurë delesh - gjithmonë e kthyer nga brenda, më qesharake dhe më zbavitëse, si dhe çdo veshje tjetër, disi qesharake, "e përmbysur", për shembull, pantallona jashtëzakonisht të shkurtuara, një këmishë tepër të gjerë, çorape vrima, të gjitha llojet e leckave, lecka, lecka, çanta, litarë; Përdorej gjithçka që jepte natyra: bar, lule, kashtë, gjethe. Së fundi, për veshjen u përdorën edhe dekorime të ndryshme artificiale: letra me ngjyra, lëvorja e thuprës, petë, xhami, shirita, pasqyra, zile, pupla etj. Teknikat e maskimeve groteske kaluan në shfaqjet e komedive të lashta greke dhe në teatrin tradicional të Lindjes, ku u ndërthurën me interpretimin e larmishëm të aktorit me elementë të kostumit të tij: mëngë të gjata dhe pupla fazani në Operën e Pekinit, trena, një peshqir. dhe tifozët në japonez Nr. Shfaqjet e komedisë italiane dell'arte, drama të Shekspirit dhe Lope de Vegas bazoheshin në maskime dhe maskime të pafundme. Në fund të shekullit të 18-të. Emma Hart (Lady Hamilton) e bazoi kërcimin e saj të famshëm në lojën me shall, pas së cilës teknika të ngjashme (manipulime me shalle, mbulesa krevati, vello dhe elementë të tjerë të ngjashëm kostumesh) u përdorën gjerësisht në teatrin e baletit të shekullit të 19-të, duke arritur më të lartat. lartësitë artistike në veprën e L. .Bakst, skicat e imazheve koreografike të të cilit përfshinin dinamikën e një shumëllojshmërie pëlhurash fluturuese, rripa, shalle, funde, shalle, mantele, pelerina, varëse, gartere. Në skenën dramatike, traditën e lojës së kostumeve së bashku me lëvizjet e aktorit e vazhdoi - me anë të ekspresivitetit kubofuturist - A. Exter në shfaqjet e Teatrit të Dhomës. Salome O. Wilde dhe Romeo dhe Zhuljeta W. Shakespeare, dhe pas saj studenti i saj P. Chelishchev dhe mjeshtra të tjerë të fillimit të viteve 1920: V. Khodasevich dhe I. Nivinsky, I. Rabinovich dhe G. Yakulov, S. Eisenstein dhe G. Kozintsev, më në fund përsëri në skenën e baletit. , në prodhimet e K. Goleizovsky - B. Erdman. Nëse gjatë kësaj periudhe kostumet e lojërave formuan një prirje të tërë në skenografi, atëherë në gjysmën e dytë të shekullit të 20-të. u përdorën mjaft gjerësisht edhe nga artistë e regjisorë, por nga nevoja, si element i “paletës” së mjeteve shprehëse që dispononin. Midis autorëve të kostumeve të lojërave moderne janë artistët gjeorgjian Sameuli, G. Alexi-Meskhishvili dhe N. Ignatov, shembuj të ngjashëm mund të gjenden në teatro të vendeve të tjera: në Poloni, Republikën Çeke, Gjermani, Itali.

Një kostum, si veshja e një personazhi, është shpesh baza për krijimin e llojeve të kostumeve të diskutuara më sipër (personazh dhe lojë), në të gjitha periudhat e zhvillimit historik të teatrit, në një masë më të madhe ose më të vogël, është mishërim në skenë i asaj që njerëzit mbanin në një periudhë të caktuar. Kështu ka qenë në tragjedinë e lashtë dhe kështu ka mbetur edhe në shfaqjet e ditëve tona. Në të njëjtën kohë, evolucioni i përgjithshëm i këtij lloji të kostumeve u karakterizua nga një lëvizje nga format konvencionale të veshjeve reale (në epokën e barokut dhe klasicizmit) drejt autenticitetit, saktësisë dhe autenticitetit në rritje historike, gjeografike, kombëtare. Në teatrin e natyralizmit dhe realizmit psikologjik, kostumi bëhet plotësisht i përshtatshëm me karakterin e personazhit, duke shprehur jo vetëm statusin e tij shoqëror, por edhe gjendjen shpirtërore. Në të njëjtën kohë, si sot ashtu edhe në shekujt e kaluar, kostumet mbeten objekt i krijimtarisë së veçantë të artistëve (ndër të cilët janë mjeshtrit më të shquar të artit figurativ dhe skenografisë) dhe ata e kompozojnë atë (madje edhe kostumet në dukje të përditshme të përdorimit të përditshëm, jo për të përmendur fantastike), jo vetëm si një vepër më vete, por si një komponent thelbësor i performancës.