Piktura të pakuptueshme nga artistë. "Gjykimi i fundit", Hieronymus Bosch. "Mësimi muzikor" është i mbushur me seksualitet

Disa vepra arti duket se e godasin shikuesin mbi kokë, mahnitëse dhe mahnitëse. Disa të tërheqin në mendime dhe në kërkim të shtresave të kuptimit, simbolizmit të fshehtë. Disa piktura janë të mbuluara me sekrete dhe mistere mistike, dhe disa befasojnë me çmime të tepruara.

"Çudira" është një koncept mjaft subjektiv dhe secili ka pikturat e veta të mahnitshme që dallohen nga veprat e tjera të artit.

Edvard Munch "The Scream"

1893, karton, vaj, tempera, pastel. 91×73,5 cm

Galeria Kombëtare, Oslo

Scream konsiderohet një ngjarje historike ekspresioniste dhe një nga pikturat më të famshme në botë.
"Po ecja përgjatë një shtegu me dy miq - dielli po perëndonte - papritmas qielli u bë i kuq i gjakut, unë ndalova, duke u ndjerë i rraskapitur dhe u mbështeta në gardh - shikova gjakun dhe flakët mbi fiordin kaltërosh-zi dhe qytet - miqtë e mi vazhduan, dhe unë qëndrova, duke u dridhur nga eksitimi, duke ndjerë klithmën e pafund që depërton natyrën, "tha Edvard Munch për historinë e pikturës.
Ka dy interpretime të asaj që përshkruhet: është vetë heroi që është kapur nga tmerri dhe bërtet në heshtje, duke i shtypur duart te veshët; ose heroi mbyll veshët nga klithma e botës dhe e natyrës që kumbon rreth tij. Munch shkroi 4 versione të "The Scream" dhe ekziston një version që kjo pikturë është fryt i psikozës maniako-depresive nga e cila vuante artisti. Pas një kursi trajtimi në klinikë, Munch nuk u kthye për të punuar në kanavacë.

Paul Gauguin "Nga vijmë? Kush jemi ne? Ku po shkojmë?

1897-1898, vaj në pëlhurë. 139,1×374,6 cm

Muzeu i Arteve të Bukura, Boston

Piktura thellësisht filozofike e post-impresionistit Paul Gauguin u pikturua prej tij në Tahiti, ku u arratis nga Parisi. Pas përfundimit të punës, ai madje donte të bënte vetëvrasje, sepse "Unë besoj se kjo pikturë jo vetëm që është më e lartë se të gjitha të mëparshmet e mia dhe se kurrë nuk do të krijoj diçka më të mirë apo edhe të ngjashme". Ai jetoi edhe 5 vjet të tjera dhe kështu ndodhi.
Sipas vetë Gauguin, piktura duhet të lexohet nga e djathta në të majtë - tre grupe kryesore figurash ilustrojnë pyetjet e parashtruara në titull. Tre gra me një fëmijë përfaqësojnë fillimin e jetës; grupi i mesëm simbolizon ekzistencën e përditshme të pjekurisë; në grupin e fundit, sipas planit të artistit, "gruaja e vjetër, që i afrohet vdekjes, duket e pajtuar dhe e dorëzuar pas mendimeve të saj", në këmbët e saj "një zog i bardhë i çuditshëm ... përfaqëson kotësinë e fjalëve".

Pablo Picasso "Guernica"

1937, vaj në pëlhurë. 349×776 cm

Muzeu Reina Sofia, Madrid

Piktura e madhe e afreskut "Guernica", e pikturuar nga Picasso në 1937, tregon historinë e një bastisjeje nga një njësi vullnetare e Luftwaffe në qytetin e Guernica, si rezultat i të cilit qyteti prej gjashtë mijë u shkatërrua plotësisht. Piktura u pikturua fjalë për fjalë në një muaj - ditët e para të punës në pikturë, Picasso punoi për 10-12 orë dhe tashmë në skicat e para mund të shihej ideja kryesore. Ky është një nga ilustrimet më të mira të makthit të fashizmit, si dhe mizorisë dhe pikëllimit njerëzor.
Guernica paraqet skena të vdekjes, dhunës, brutalitetit, vuajtjes dhe pafuqisë, pa specifikuar shkaqet e tyre të menjëhershme, por ato janë të dukshme. Thuhet se në vitin 1940, Pablo Picasso u thirr në Gestapo në Paris. Biseda u kthye menjëherë te piktura. "A e bëre këtë?" - "Jo, e bëre."

Jan van Eyck "Portreti i çiftit Arnolfini"

1434, dru, vaj. 81,8×59,7 cm

Galeria Kombëtare e Londrës, Londër

Portreti i supozuar i Giovanni di Nicolao Arnolfini dhe gruas së tij është një nga veprat më komplekse të shkollës perëndimore të pikturës së Rilindjes Veriore.
Piktura e famshme është plotësisht e mbushur me simbole, alegori dhe referenca të ndryshme - deri në titullin "Jan van Eyck ishte këtu", i cili e ktheu atë jo vetëm në një vepër arti, por në një dokument historik që konfirmon një ngjarje të vërtetë në të cilën artisti ishte i pranishëm.
Në Rusi vitet e fundit, piktura ka fituar popullaritet të madh për shkak të ngjashmërisë së portretit të Arnolfinit me Vladimir Putin.

Mikhail Vrubel "Demoni i ulur"

1890, vaj në pëlhurë. 114×211 cm

Galeria Tretyakov, Moskë

Piktura e Mikhail Vrubel befason me imazhin e një demoni. Djaloshi i trishtuar e me flokë të gjatë nuk i ngjan aspak idesë së zakonshme njerëzore se si duhet të duket një shpirt i keq. Vetë artisti foli për pikturën e tij më të famshme: "Demoni nuk është aq një shpirt i keq, sa një shpirt i vuajtur dhe i trishtuar, në të njëjtën kohë një shpirt i fuqishëm, madhështor". Ky është një imazh i forcës së shpirtit njerëzor, luftës së brendshme, dyshimit. Duke shtrënguar duart në mënyrë tragjike, Demoni ulet me sy të trishtuar, të mëdhenj të drejtuar në distancë, i rrethuar nga lule. Përbërja thekson kufizimin e figurës së demonit, sikur të jetë i shtrydhur midis shiritave të sipërm dhe të poshtëm të kornizës.

Vasily Vereshchagin "Apoteoza e Luftës"

1871, vaj në pëlhurë. 127×197 cm

Galeria Shtetërore Tretyakov, Moskë

Vereshchagin është një nga piktorët kryesorë të betejave ruse, por ai nuk pikturoi luftëra dhe beteja sepse i donte ato. Përkundrazi, ai u përpoq t'u transmetonte njerëzve qëndrimin e tij negativ ndaj luftës. Një ditë Vereshchagin, në nxehtësinë e emocioneve, bërtiti: "Unë nuk do të pikturoj më piktura beteje - kjo është ajo!" E marr shumë afër zemrës atë që shkruaj, qaj (fjalë për fjalë) për pikëllimin e çdo të plagosuri dhe të vrarësh.” Ndoshta rezultati i kësaj pasthirrme ishte piktura e tmerrshme dhe magjepsëse "Apoteoza e Luftës", e cila përshkruan një fushë, sorra dhe një mal me kafka njerëzore.
Fotografia është shkruar aq thellë dhe emocionalisht sa që pas çdo kafke të shtrirë në këtë grumbull, filloni të shihni njerëz, fatet e tyre dhe fatet e atyre që nuk do t'i shohin më këta njerëz. Vetë Vereshchagin, me sarkazëm të trishtuar, e quajti kanavacën një "natyrë të qetë" - ajo përshkruan "natyrën e vdekur".
Të gjitha detajet e figurës, përfshirë ngjyrën e verdhë, simbolizojnë vdekjen dhe shkatërrimin. Qielli i pastër blu thekson vdekjen e figurës. Ideja e "Apoteozës së Luftës" shprehet edhe me plagët nga saberat dhe vrimat e plumbave në kafka.

Grant Wood "American Gothic"

1930, vaj. 74×62 cm

Instituti i Artit i Çikagos, Çikago

"American Gothic" është një nga imazhet më të njohura në artin amerikan të shekullit të 20-të, meme më të famshme artistike të shekujve 20 dhe 21.
Fotoja me babanë dhe vajzën e zymtë është e mbushur me detaje që tregojnë ashpërsinë, puritanizmin dhe natyrën retrograde të njerëzve të paraqitur. Fytyra të zemëruara, një pirun mu në mes të fotos, veshje të vjetra edhe sipas standardeve të vitit 1930, një bërryl i ekspozuar, qepje mbi rrobat e një fermeri që përsërisin formën e një piruni, dhe për rrjedhojë një kërcënim që i drejtohet të gjithëve. që cenon. Të gjitha këto detaje mund t'i shikoni pafundësisht dhe të tërhiqeni nga shqetësimi.
Interesante, gjyqtarët e konkursit në Institutin e Artit të Çikagos e perceptuan "Gothic" si një "valentin humoristik" dhe njerëzit e Iowa u ofenduan tmerrësisht nga Wood për portretizimin e tyre në një dritë kaq të pakëndshme.

Rene Magritte "Të dashuruarit"

1928, vaj në pëlhurë

Piktura "Të dashuruar" ("Dashnorët") ekziston në dy versione. Në njërën, një burrë dhe një grua, kokat e të cilëve janë të mbështjellë me një leckë të bardhë, puthen dhe në tjetrën "shikojnë" shikuesin. Fotoja befason dhe magjeps. Me dy figura pa fytyra, Magritte përcolli idenë e verbërisë së dashurisë. Për verbërinë në çdo kuptim: të dashuruarit nuk shohin askënd, ne nuk shohim fytyrat e tyre të vërteta, dhe përveç kësaj, të dashuruarit janë një mister edhe për njëri-tjetrin. Por pavarësisht kësaj qartësie të dukshme, ne ende vazhdojmë t'i shikojmë të dashuruarit e Magritte dhe të mendojmë për ta.
Pothuajse të gjitha pikturat e Magritte janë enigma që nuk mund të zgjidhen plotësisht, pasi ato ngrenë pyetje në lidhje me thelbin e ekzistencës. Magritte flet gjithmonë për mashtrimin e së dukshmes, për misterin e saj të fshehur, të cilin ne zakonisht nuk e vërejmë.

Marc Chagall "Ecni"

1917, vaj në pëlhurë

Galeria Shtetërore Tretyakov

Zakonisht jashtëzakonisht serioz në pikturën e tij, Marc Chagall shkroi një manifest të lezetshëm të lumturisë së tij, të mbushur me alegori dhe dashuri. "Walk" është një autoportret me gruan e tij Bella. I dashuri i tij po fluturon në qiell dhe së shpejti do ta tërheqë në fluturim Chagall, i cili qëndron në tokë në mënyrë të pasigurt, sikur ta prekë vetëm me gishtat e këpucëve. Chagall ka një cicë në dorën tjetër - ai është i lumtur, ai ka një cicë në duar (ndoshta pikturën e tij) dhe një byrek në qiell.

Hieronymus Bosch "Kopshti i kënaqësive tokësore"

1500-1510, dru, vaj. 389×220 cm

Prado, Spanjë

"Kopshti i kënaqësive tokësore" është triptiku më i famshëm i Hieronymus Bosch, i cili mori emrin nga tema e pjesës qendrore, kushtuar mëkatit të epshit. Deri më sot, asnjë nga interpretimet e disponueshme të figurës nuk është njohur si i vetmi i saktë.
Sharmi i qëndrueshëm dhe në të njëjtën kohë çuditshmëria e triptikut qëndron në mënyrën se si artisti shpreh idenë kryesore përmes shumë detajeve. Fotoja është e mbushur me figura transparente, struktura fantastike, monstra, halucinacione që kanë marrë mish, karikatura djallëzore të realitetit, të cilat ai i shikon me një vështrim kërkues, jashtëzakonisht të mprehtë. Disa shkencëtarë donin të shihnin në triptik një imazh të jetës njerëzore përmes prizmit të kotësisë së saj dhe imazheve të dashurisë tokësore, të tjerët - një triumf të epshit. Megjithatë, thjeshtësia dhe shkëputja e caktuar me të cilën interpretohen figurat individuale, si dhe qëndrimi favorizues ndaj kësaj vepre nga ana e autoriteteve kishtare, bëjnë të dyshohet se përmbajtja e saj mund të jetë glorifikimi i kënaqësive trupore.

Gustav Klimt "Tre moshat e gruas"

1905, vaj në pëlhurë. 180×180 cm

Galeria Kombëtare e Artit Modern, Romë

"Tre epokat e një gruaje" është edhe e gëzueshme edhe e trishtueshme. Në të, historia e jetës së një gruaje është shkruar në tre figura: pakujdesia, paqja dhe dëshpërimi. Gruaja e re është e thurur organikisht në modelin e jetës, e moshuara spikat prej saj. Kontrasti midis imazhit të stilizuar të një gruaje të re dhe imazhit natyralist të një gruaje të moshuar merr një kuptim simbolik: faza e parë e jetës sjell me vete mundësi dhe metamorfoza të pafundme, e fundit - qëndrueshmëri e pandryshueshme dhe konflikt me realitetin.
Telajo nuk të lëshon, hyn në shpirt dhe të bën të mendosh për thellësinë e mesazhit të artistit, si dhe për thellësinë dhe pashmangshmërinë e jetës.

Egon Schiele "Familja"

1918, vaj në pëlhurë. 152,5×162,5 cm

Galeria Belvedere, Vjenë

Schiele ishte një student i Klimt, por, si çdo student i shkëlqyer, ai nuk e kopjoi mësuesin e tij, por kërkoi diçka të re. Schiele është shumë më tragjik, më i çuditshëm dhe më i frikshëm se Gustav Klimt. Në veprat e tij ka shumë nga ato që mund të quheshin pornografi, perversitete të ndryshme, natyralizëm dhe në të njëjtën kohë dëshpërim i dhembshëm.
“Familja” është vepra e tij e fundit, në të cilën dëshpërimi shkon në ekstremin absolut, pavarësisht se është fotografia e tij më pak e çuditshme. Ai e pikturoi atë pak para vdekjes së tij, pasi gruaja e tij shtatzënë Edith vdiq nga gripi spanjoll. Ai vdiq në moshën 28-vjeçare, vetëm tre ditë pas Edit, pasi kishte pikturuar atë, veten dhe fëmijën e tyre të palindur.

Frida Kahlo "Dy Fridas"

Historia e jetës së vështirë të artistes meksikane Frida Kahlo u bë e njohur gjerësisht pas publikimit të filmit “Frida” me aktore Salma Hayek. Kahlo pikturonte kryesisht autoportrete dhe e shpjegoi thjesht: "Unë pikturoj veten sepse kaloj shumë kohë vetëm dhe sepse jam subjekti që njoh më mirë."
Në asnjë autoportret të vetëm Frida Kahlo nuk buzëqesh: një fytyrë serioze, madje e pikëlluar, vetulla të trasha të bashkuara, një mustaqe mezi të dukshme mbi buzët e ngjeshura fort. Idetë e pikturave të saj janë të koduara në detaje, sfond, figura që shfaqen pranë Fridës. Simbolika e Kahlo-s bazohet në traditat kombëtare dhe është e lidhur ngushtë me mitologjinë indiane të periudhës parahispanike.
Në një nga pikturat më të mira - "Dy Fridas" - ajo shprehu parimet mashkullore dhe femërore, të lidhura në të nga një sistem i vetëm i qarkullimit të gjakut, duke demonstruar integritetin e saj.

Claude Monet "Ura e Waterloo. Efekti i mjegullës"

1899, vaj në pëlhurë

Muzeu Shtetëror Hermitage, Shën Petersburg

Kur e shikon pikturën nga një distancë e afërt, shikuesi nuk sheh asgjë përveç kanavacës, mbi të cilën aplikohen goditje të shpeshta të trasha të vajit. E gjithë magjia e veprës zbulohet kur gradualisht fillojmë të largohemi më shumë nga telajo. Së pari, gjysmërrethe të pakuptueshme fillojnë të shfaqen para nesh, duke kaluar nga mesi i figurës, më pas shohim skicat e qarta të varkave dhe, duke u larguar në një distancë prej afërsisht dy metrash, të gjitha punimet lidhëse vizatohen ashpër përpara ne dhe të rreshtuar në një zinxhir logjik.

Jackson Pollock "Numri 5, 1948"

1948, fibër, vaj. 240×120 cm

E çuditshmja e kësaj pikture është se telajo e liderit amerikan të ekspresionizmit abstrakt, të cilën ai e pikturoi duke derdhur bojë në një copë fibër të shtruar në dysheme, është piktura më e shtrenjtë në botë. Në vitin 2006, në ankandin e Sotheby's ata paguan 140 milionë dollarë për të. David Giffen, një producent dhe koleksionist filmash, ia shiti atë financierit meksikan David Martinez.
“Vazhdoj të largohem nga mjetet e zakonshme të një artisti, si kavaleti, paleta dhe brushat. Preferoj shkopinj, lugë, thika dhe bojë të rrjedhshme ose një përzierje bojë me rërë, xhami të thyer ose diçka tjetër. Kur jam brenda një pikture, nuk jam i vetëdijshëm se çfarë po bëj. Kuptimi vjen më vonë. Nuk kam frikë nga ndryshimet apo shkatërrimet e imazhit, pasi piktura jeton jetën e saj. Unë thjesht po e ndihmoj atë. Por nëse humbas kontaktin me pikturën, ajo bëhet e pistë dhe e çrregullt. Nëse jo, atëherë është harmoni e pastër, lehtësia se si merr dhe jep.”

Joan Miró "Burri dhe gruaja përballë një grumbulli jashtëqitjesh"

1935, bakër, vaj, 23×32 cm

Fondacioni Joan Miró, Spanjë

Emër i mirë. E kush do ta kishte menduar se kjo foto na tregon për tmerret e luftërave civile.
Piktura është bërë në fletë bakri gjatë javës ndërmjet 15 tetorit dhe 22 tetorit 1935. Sipas Miro, ky është rezultat i një përpjekjeje për të përshkruar tragjedinë e Luftës Civile Spanjolle. Miro tha se kjo është një foto për një periudhë ankthi. Piktura tregon një burrë dhe një grua që shtrihen për të përqafuar njëri-tjetrin, por nuk lëvizin. Organet gjenitale të zmadhuara dhe ngjyrat e këqija u përshkruan si "plot neveri dhe seksualitet të neveritshëm".

Jacek Yerka "Erozioni"

Neo-surrealisti polak është i njohur në të gjithë botën për pikturat e tij të mahnitshme në të cilat realitetet kombinohen për të krijuar të reja. Është e vështirë t'i konsiderosh veprat e tij jashtëzakonisht të detajuara dhe deri diku prekëse një nga një, por ky është formati i materialit tonë dhe ne duhej të zgjidhnim një për të ilustruar imagjinatën dhe aftësinë e tij. Ju rekomandojmë ta lexoni.

Bill Stoneham "Duart i rezistojnë atij"

Kjo vepër, natyrisht, nuk mund të llogaritet ndër kryeveprat e pikturës botërore, por fakti që është i çuditshëm është fakt.
Ka legjenda që rrethojnë pikturën me një djalë, një kukull dhe duart e tij të shtypura pas xhamit. Nga "njerëzit po vdesin për shkak të kësaj fotografie" tek "fëmijët në të janë gjallë". Fotoja duket vërtet rrëqethëse, gjë që lind shumë frika dhe spekulime te njerëzit me psikikë të dobët.
Artisti këmbënguli që piktura e përshkruante veten në moshën pesë vjeçare, se dera përfaqësonte vijën ndarëse midis botës reale dhe botës së ëndrrave, dhe kukulla ishte një udhërrëfyes që mund ta drejtonte djalin nëpër këtë botë. Duart përfaqësojnë jetë ose mundësi alternative.
Piktura fitoi famë në shkurt të vitit 2000, kur u rendit për shitje në eBay me një histori që thoshte se piktura ishte "e përhumbur". “Hands Resist Him” u ble për 1,025 dollarë nga Kim Smith, e cila më pas u përmbyt thjesht me letra me histori të tmerrshme dhe kërkesa për të djegur pikturën.

Shkencëtarët italianë thonë se kanë gjetur mbetje që mund t'i përkasin Lisa del Giocondo. Ndoshta sekreti i Mona Lizës do të zbulohet. Për nder të kësaj, le të kujtojmë pikturat më misterioze në histori.

1. Xhokonda
Gjëja e parë që vjen në mendje kur bëhet fjalë për piktura misterioze ose piktura misterioze është "Mona Lisa", pikturuar nga Leonardo da Vinci në 1503-1505. Gruye shkroi se kjo foto mund të çmendë këdo që, pasi e ka parë mjaftueshëm, fillon të flasë për të.
Ka shumë "mistere" në këtë vepër të da Vinçit. Kritikët e artit shkruajnë disertacione mbi animin e dorës së Mona Lizës, specialistët mjekësorë bëjnë diagnoza (që nga fakti që Mona Lisa nuk ka dhëmbë të përparmë deri tek fakti që Mona Lisa është burrë). Madje ekziston një version që Gioconda është një autoportret i artistit.
Nga rruga, piktura fitoi popullaritet të veçantë vetëm në 1911, kur u vodh nga italiani Vincenzo Peruggio. Ata e gjetën duke përdorur gjurmët e gishtave. Kështu “Mona Lisa” u bë edhe suksesi i parë i gjurmëve të gishtërinjve dhe një sukses i madh në marketingun e tregut të artit.

2. Sheshi i zi

Të gjithë e dinë se "Sheshi i Zi" nuk është në të vërtetë i zi, as nuk është katror. Në të vërtetë nuk është një shesh. Në katalogun për ekspozitën, Malevich u shpreh si një "katërkëndësh". Dhe me të vërtetë jo e zezë. Artisti nuk përdori bojë të zezë.
Dihet më pak se Malevich e konsideroi "Sheshin e Zi" veprën e tij më të mirë. Kur artisti u varros, "Sheshi i Zi" (1923) qëndroi në krye të arkivolit, trupi i Malevich ishte i mbuluar me një kanavacë të bardhë me një shesh të qepur, një katror i zi ishte pikturuar gjithashtu në kapakun e arkivolit. Edhe treni dhe pjesa e pasme e kamionit kishin katrorë të zinj.

3. Ulërima

Ajo që është misterioze në pikturën “The Scream” nuk është se gjoja ka një ndikim të madh te njerëzit, duke i detyruar ata të bëjnë gati vetëvrasje, por se kjo pikturë është në thelb realizëm për Edvard Munch, i cili në kohën e shkrimit të kësaj kryevepre vuante nga psikozë depresive. Ai madje kujtoi saktësisht se si e pa atë që shkruante.
"Po ecja përgjatë një shtegu me dy miq - dielli po perëndonte - papritmas qielli u bë i kuq i gjakut, unë ndalova, duke u ndjerë i rraskapitur dhe u mbështeta në gardh - shikova gjakun dhe flakët mbi fiordin kaltërosh-zi dhe qytet - miqtë e mi vazhduan, dhe unë qëndrova duke u dridhur nga eksitimi, duke ndjerë një klithmë të pafund që depërton natyrën."

4. Guernika

Picasso pikturoi Guernicën në 1937. Piktura i kushtohet bombardimit të qytetit të Guernicës. Ata thonë se kur Picasso u thirr në Gestapo në 1940 dhe e pyeti për Guernicën: "A e bëre këtë?", artisti u përgjigj: "Jo, e bëre këtë".
Picasso pikturoi një afresk të madh në jo më shumë se një muaj, duke punuar 10-12 orë në ditë. "Guernica" konsiderohet një pasqyrim i tmerrit të fashizmit dhe mizorisë çnjerëzore. Ata që e kanë parë foton me sytë e tyre pohojnë se ajo krijon ankth dhe ndonjëherë panik.

5. Ivan i Tmerrshëm dhe djali i tij Ivan

Të gjithë e dimë pikturën "Ivan i Tmerrshëm dhe djali i tij Ivan", zakonisht duke e quajtur atë "Ivan i Tmerrshëm vret djalin e tij".
Ndërkohë, vrasja e trashëgimtarit të tij nga Ivan Vasilyevich është një fakt shumë i diskutueshëm. Kështu, në vitin 1963, varret e Ivanit të Tmerrshëm dhe djalit të tij u hapën në Katedralen e Kryeengjëllit të Kremlinit të Moskës. Hulumtimet kanë bërë të mundur pretendimin se Tsarevich John ishte helmuar.
Përmbajtja e helmit në mbetjet e tij është shumë herë më e lartë se kufiri i lejuar. Interesante, i njëjti helm u gjet në eshtrat e Ivan Vasilyevich. Shkencëtarët kanë arritur në përfundimin se familja mbretërore ishte viktimë e helmuesve për disa dekada.
Ivan i Tmerrshëm nuk e vrau djalin e tij. Ky është pikërisht versioni të cilit i është përmbajtur, për shembull, Kryeprokurori i Sinodit të Shenjtë, Konstantin Pobedonostsev. Duke parë pikturën e famshme të Repin në ekspozitë, ai u zemërua dhe i shkroi perandorit Aleksandër III: "Fotografia nuk mund të quhet historike, pasi ky moment ... është thjesht fantastik". Versioni i vrasjes bazohej në historitë e legatit papal Antonio Possevino, i cili vështirë se mund të quhet një person i painteresuar.
Kishte një herë një atentat të vërtetë ndaj pikturës.
Më 16 janar 1913, piktori i ikonave njëzet e nëntë vjeçari Abram Balashov e goditi me thikë tre herë, pas së cilës Ilya Repin duhej të pikturonte përsëri fytyrat e Ivanovëve të përshkruar në pikturë. Pas incidentit, kuratori i atëhershëm i Galerisë Tretyakov Khruslov, pasi mësoi për vandalizmin, u hodh nën tren.

6. Duart i rezistojnë atij

Piktura nga Bill Stoneham, e pikturuar në vitin 1972, nuk ka, sinqerisht, reputacionin më të mirë. Sipas informacioneve të E-bay, piktura është gjetur në një landfill disa kohë pas blerjes së saj. Natën e parë që piktura përfundoi në shtëpinë e familjes që e gjeti, vajza vrapoi me lot drejt prindërve duke u ankuar se “fëmijët në pikturë po zihen”.
Që nga ajo kohë, piktura ka pasur një reputacion shumë të keq. Kim Smith, e cila e bleu atë në vitin 2000, merr vazhdimisht letra të zemëruara duke kërkuar që ai ta digjte pikturën. Gazetat shkruanin gjithashtu se fantazmat shfaqen ndonjëherë në kodrat e Kalifornisë, si dy bizele në një bisht si fëmijët nga piktura e Stoneham.

7. Portreti i Lopukhinës

Më në fund, "fotografia e keqe" - portreti i Lopukhina, i pikturuar nga Vladimir Borovikovsky në 1797, pas ca kohësh filloi të kishte një reputacion të keq. Portreti përshkruante Maria Lopukhina, e cila vdiq pak pasi u pikturua portreti. Njerëzit filluan të thonë se fotografia "i heq rininë" dhe madje "e çon në varr".
Nuk dihet me siguri se kush e filloi një thashetheme të tillë, por pasi Pavel Tretyakov "pa frikë" fitoi portretin për galerinë e tij, biseda për "misterin e pikturës" u qetësua.

Piktura, nëse nuk merr parasysh realistët, ka qenë gjithmonë, është dhe do të jetë e çuditshme. Por disa piktura janë më të çuditshme se të tjerat.

Ka vepra arti që duket se e godasin shikuesin mbi kokë, mahnitëse dhe mahnitëse.

Të tjerët ju tërheqin në mendime dhe në kërkim të shtresave të kuptimit dhe simbolizmit të fshehtë. Disa piktura janë të mbuluara me sekrete dhe mistere mistike, ndërsa të tjera befasojnë me çmime të tepruara.

Ana e ndritshme shqyrtoi me kujdes të gjitha arritjet kryesore në pikturën botërore dhe zgjodhi prej tyre dy duzina piktura më të çuditshme. Me dashje nuk e kemi përfshirë në këtë përzgjedhje Salvador Dali, veprat e të cilit janë plotësisht në formatin e këtij materiali dhe janë të parët që na vijnë ndërmend.

Është e qartë se "çuditshmëria" është një koncept mjaft subjektiv dhe secili ka pikturat e veta të mahnitshme që dallohen nga veprat e tjera të artit. Do të jemi të lumtur nëse i ndani ato në komente dhe na tregoni pak për to.

"Brita"

Edvard Munch. 1893, karton, vaj, tempera, pastel.

Galeria Kombëtare, Oslo.

Piktura e famshme është plotësisht e mbushur me simbole, alegori dhe referenca të ndryshme - deri në nënshkrimin "Jan van Eyck ishte këtu", e cila e ktheu pikturën jo vetëm në një vepër arti, por në një dokument historik që konfirmon realitetin e ngjarjes. në të cilën artisti ishte i pranishëm.

Portreti i supozuar i Giovanni di Nicolao Arnolfini dhe gruas së tij është një nga veprat më komplekse të shkollës perëndimore të pikturës së Rilindjes Veriore.

Në Rusi, në vitet e fundit, piktura ka fituar popullaritet të madh për shkak të ngjashmërisë së portretit të Arnolfinit me Vladimir Putin.

"Demon i ulur"

Mikhail Vrubel. 1890, vaj në pëlhurë.

Piktura e Mikhail Vrubel befason me imazhin e një demoni. Pamja e tij e trishtuar nuk është aspak e ngjashme me idenë universale njerëzore se si duhet të duket një shpirt i keq.

Ky është një imazh i forcës së shpirtit njerëzor, luftës së brendshme, dyshimit. Duke shtrënguar duart në mënyrë tragjike, Demoni ulet i rrethuar me lule, duke parë në distancë. Përbërja thekson ngushtësinë e figurës së tij, sikur të jetë e shtrydhur midis shiritave të sipërm dhe të poshtëm të kornizës.

Vetë artisti foli për pikturën e tij më të famshme: "Demoni nuk është aq një shpirt i keq, sa një shpirt i vuajtur dhe i trishtuar, në të njëjtën kohë një shpirt i fuqishëm, madhështor".

"Apoteoza e Luftës"

Vasily Vereshchagin. 1871, vaj në pëlhurë.
Galeria Shtetërore Tretyakov, Moskë.

Metafora e luftës në film përcillet nga autori aq saktë dhe thellë sa që pas çdo kafke të shtrirë në këtë grumbull, fillon të shohësh njerëzit, fatet e tyre dhe fatet e atyre që nuk do t'i shohin më këta njerëz. Vetë Vereshchagin e quajti me sarkazëm kanavacën një "fjetë të qetë" - ajo përshkruan "natyrën e vdekur". Të gjitha detajet e figurës, përfshirë ngjyrën e verdhë, simbolizojnë vdekjen dhe shkatërrimin. Qielli i pastër blu thekson vdekjen e figurës. Ideja e "Apoteozës së Luftës" shprehet edhe me plagët nga saberat dhe vrimat e plumbave në kafka.

Vereshchagin është një nga piktorët kryesorë të betejave ruse, por ai pikturoi luftëra dhe beteja jo sepse pa bukurinë dhe madhështinë në to. Përkundrazi, artisti u përpoq t'u përcillte njerëzve qëndrimin e tij negativ ndaj luftës.

Një herë Vereshchagin, në nxehtësinë e emocioneve, bërtiti: "Unë nuk do të pikturoj më piktura luftarake - kjo është ajo që e marr shumë afër zemrës sime, qaj (fjalë për fjalë) për pikëllimin e çdo të plagosuri dhe të vrarësh. ” Ndoshta rezultati i kësaj pasthirrme ishte fotografia e tmerrshme dhe magjepsëse "Apoteoza e Luftës".

"Gotiku amerikan"

Grant Wood. 1930, vaj. 74 x 62 cm.

Instituti i Artit i Çikagos, Çikago.

Fotografia me imazhe të zymta të babait dhe vajzës është e mbushur me detaje që tregojnë ashpërsinë, puritanizmin dhe natyrën retrograde të njerëzve të përshkruar. Fytyra të inatosura, sfurk mu në mes të tablosë, veshje të vjetra edhe sipas standardeve të vitit 1930, qepje në rrobat e fermerit, duke përsëritur formën e katranit, si simbol i kërcënimit që i drejtohet kujtdo që shkel. Kanavacja është plot me detaje të zymta që ju bëjnë të dridhura nga shqetësimi.

"American Gothic" është një nga imazhet më të njohura në artin amerikan të shekullit të 20-të, meme më të famshme artistike të shekujve 20 dhe 21.

Interesante, gjyqtarët e konkursit në Institutin e Artit të Çikagos e perceptuan "Gothic" si një "valentin humoristik" dhe banorët e Iowa u ofenduan tmerrësisht nga Wood për portretizimin e tyre në një dritë kaq të pakëndshme.

"Të dashuruarit"

Rene Magritte. 1928, vaj në pëlhurë.

Piktura "Të dashuruarit" ("Dashnorët") ekziston në dy versione. Në njërën pëlhurë, një burrë dhe një grua, kokat e të cilëve janë mbështjellë me një leckë të bardhë, puthen dhe në tjetrën "shikojnë" shikuesin. Fotoja befason dhe magjeps.

Me dy figura pa fytyra, Magritte përcolli idenë e verbërisë së dashurisë. Për verbërinë në çdo kuptim: të dashuruarit nuk shohin askënd, ne nuk shohim fytyrat e tyre të vërteta, dhe përveç kësaj, të dashuruarit janë një mister edhe për njëri-tjetrin. Por pavarësisht kësaj qartësie të dukshme, ne ende vazhdojmë t'i shikojmë të dashuruarit e Magritte dhe të mendojmë për ta.

Pothuajse të gjitha pikturat e Magritte janë enigma që nuk mund të zgjidhen plotësisht, pasi ato ngrenë pyetje në lidhje me thelbin e ekzistencës. Magritte flet gjithmonë për mashtrimin e së dukshmes, për misterin e saj të fshehur, të cilin ne zakonisht nuk e vërejmë.

"Ec"

Marc Chagall. 1917, vaj në pëlhurë.
Galeria Shtetërore Tretyakov.

Në asnjë autoportret të vetëm Frida Kahlo nuk buzëqesh: një fytyrë serioze, madje e pikëlluar, vetulla të trasha të bashkuara, një mustaqe mezi të dukshme mbi buzët e ngjeshura fort. Idetë e artistit janë të koduara në detajet, sfondin dhe figurat që shfaqen pranë imazhit të autorit në kanavacë. Simbolika e Kahlo-s bazohet në traditat kombëtare dhe është e lidhur ngushtë me mitologjinë indiane të periudhës parahispanike.

Në një nga pikturat e saj më të mira, "The Two Fridas", ajo shprehu parimet mashkullore dhe femërore, të bashkuara në të nga një sistem i vetëm i qarkullimit të gjakut dhe duke demonstruar integritetin e saj.

"Ura e Waterloo. Efekti i mjegullës"

Claude Monet. 1899, vaj në pëlhurë.
Muzeu Shtetëror Hermitage, Shën Petersburg.

Emër i mirë. E kush do ta kishte menduar se kjo vepër na flet për tmerret e luftërave civile.

Piktura është bërë në fletë bakri gjatë javës ndërmjet 15 tetorit dhe 22 tetorit 1935. Sipas Miro, ky është rezultat i një përpjekjeje për të përshkruar tragjedinë e Luftës Civile Spanjolle, një pamje e një periudhe trazirash. Telajo përshkruan figurat e një burri dhe një gruaje që shtrihen për të përqafuar njëri-tjetrin, por nuk lëvizin. Organet gjenitale të zmadhuara dhe ngjyrat e këqija u përshkruan nga autori si "plot neveri dhe seksualitet të neveritshëm".

"Erozioni"

Neo-surrealisti polak është i njohur në të gjithë botën për pikturat e tij të mahnitshme në të cilat realitetet bashkohen për të krijuar të reja. Është e vështirë të konsiderohen veprat e tij jashtëzakonisht të detajuara dhe deri diku prekëse një nga një, por ky është formati i materialit tonë. Ju rekomandojmë ta lexoni.

"Duart i rezistojnë atij"

Bill Stoneham. 1972.

Kjo vepër sigurisht që nuk mund të renditet ndër kryeveprat e pikturës botërore, por fakti që është i çuditshëm është fakt.

Ka legjenda që rrethojnë pikturën me një djalë, një kukull dhe duart e tij të shtypura pas xhamit. Nga "njerëzit po vdesin për shkak të kësaj fotografie" tek "fëmijët në të janë gjallë". Fotoja duket vërtet rrëqethëse, gjë që lind shumë frika dhe spekulime te njerëzit me psikikë të dobët.

Artisti këmbënguli që piktura e përshkruante veten në moshën pesë vjeçare, se dera përfaqësonte vijën ndarëse midis botës reale dhe botës së ëndrrave, dhe kukulla ishte një udhërrëfyes që mund ta drejtonte djalin nëpër këtë botë. Duart përfaqësojnë jetë ose mundësi alternative.

Piktura fitoi famë në shkurt të vitit 2000 kur u vu në shitje në eBay me një histori të pasme që thoshte se piktura ishte "e përhumbur". “Hands Resist Him” u ble për 1,025 dollarë nga Kim Smith, e cila më pas u përmbyt thjesht me letra me histori rrëqethëse dhe kërkesa për të djegur pikturën.

Sa duhet për t'u bërë artist? Ndoshta talenti? Apo aftësia për të mësuar diçka të re? Apo një fantazi e egër? Sigurisht, të gjithë këta janë faktorë të nevojshëm, por cili është më i rëndësishmi? frymëzim. Kur një artist fjalë për fjalë vendos shpirtin e tij në një pikturë, ai bëhet sikur i gjallë. Magjia e ngjyrave bën mrekulli, por është e pamundur të zhvendosësh shikimin, dëshiron të studiosh çdo detaj të vogël...

Në këtë artikull do të shohim 25 piktura vërtet të shkëlqyera dhe të famshme.

✰ ✰ ✰

"Këmbëngulja e kujtesës", Salvador Dali

Kjo pikturë e vogël i solli Dalit popullaritet kur ai ishte 28 vjeç. Ky nuk është titulli i vetëm i pikturës;

Ideja e pikturës i erdhi artistit në një kohë kur ai po mendonte për djathin e përpunuar. Dali nuk la një shënim për kuptimin dhe rëndësinë e pikturës, kështu që shkencëtarët e interpretojnë atë në mënyrën e tyre, duke u mbështetur në teorinë e relativitetit të Ajnshtajnit.

✰ ✰ ✰

"Vallëzimi", Henri Matisse

Fotografia është pikturuar vetëm në tre ngjyra - e kuqe, blu dhe jeshile. Ata simbolizojnë qiellin, tokën dhe njerëzit. Përveç "Dance", Matisse pikturoi gjithashtu "Muzic". Ato u porositën nga një koleksionist rus.

Nuk ka detaje të panevojshme për të, vetëm një sfond natyror dhe vetë njerëzit, të ngrirë në valle. Kjo është pikërisht ajo që artisti dëshironte - të kapte një moment të suksesshëm kur njerëzit janë të bashkuar me natyrën dhe të pushtuar nga ekstaza.

✰ ✰ ✰

"Puthja", Gustav Klimt

"Puthja" është piktura më e famshme e Klimt. Ai e shkroi atë gjatë periudhës së tij "të artë" të krijimtarisë. Ai përdori fletë ari të vërtetë. Ekzistojnë dy versione të biografisë së pikturës. Sipas versionit të parë, piktura përshkruan vetë Gustav me të dashurën e tij Emilia Flöge, emrin e së cilës ai shqiptoi e fundit në jetën e tij. Sipas versionit të dytë, një kont e urdhëroi pikturën në mënyrë që Klimt ta pikturonte atë dhe të dashurin e tij.

Kur konti pyeti pse puthja nuk ishte në foto, Klimt tha se ai ishte një artist dhe kështu e pa. Në fakt, Klimt ra në dashuri me të dashurën e kontit dhe kjo ishte një lloj hakmarrjeje.

✰ ✰ ✰

"Cigani i fjetur", Henri Rousseau

Pëlhura u gjet vetëm 13 vjet pas vdekjes së autorit dhe u bë menjëherë vepra e tij më e shtrenjtë. Gjatë jetës së tij, ai u përpoq t'ia shiste kryebashkiakut të qytetit, por pa rezultat.

Fotografia përcjell një kuptim origjinal dhe një ide të thellë. Paqe, relaksim - këto janë ndjenjat që ngjall "Cigani i Fjetur".

✰ ✰ ✰

"Gjykimi i fundit", Hieronymus Bosch

Piktura është më e madhja nga të gjitha veprat e tij të mbijetuara. Fotografia nuk ka nevojë për një shpjegim të komplotit; Gjykimi i Fundit, Apokalipsi. Zoti gjykon edhe të drejtët edhe mëkatarët. Fotografia është e ndarë në tre skena. Në skenën e parë ka parajsë, kopshte të gjelbra, lumturi.

Në pjesën qendrore është vetë Gjykimi i Fundit, ku Zoti fillon t'i gjykojë njerëzit për veprat e tyre. Ana e djathtë përshkruan ferrin, siç duket. Përbindësha të tmerrshme, ferr i nxehtë dhe tortura monstruoze e mëkatarëve.

✰ ✰ ✰

"Metamorfozat e Narcisit", Salvador Dali

Shumë histori u morën si bazë, por më e rëndësishmja është historia e Narcisit - një djalë që e admiroi aq shumë bukurinë e tij, saqë vdiq sepse nuk mundi të kënaqte dëshirat e tij.

Në plan të parë të figurës, Narcisi ulet i menduar pranë ujit dhe nuk mund të shkëputet nga reflektimi i tij. Aty pranë është një dorë guri që mban një vezë, ajo është një simbol i rilindjes dhe jetës së re.

✰ ✰ ✰

“Masakra e të pafajshmëve”, Peter Paul Rubens

Fotografia u bazua në një histori nga Bibla, kur mbreti Herod urdhëroi vrasjen e të gjithë djemve të porsalindur. Piktura përshkruan një kopsht në pallatin e Herodit. Luftëtarët e armatosur rrëmbejnë me forcë foshnjat nga nënat e tyre që qajnë dhe i vrasin. Toka është e mbushur me trupa të pajetë.

✰ ✰ ✰

"Number 5 1948", Jackson Pollock

Jackson përdori një metodë unike për të aplikuar bojë në pikturë. E vendosi kanavacën në tokë dhe eci rreth saj. Por në vend që të aplikonte goditje, ai mori furça dhe shiringa dhe i spërkati në telajo. Kjo metodë më vonë u quajt "pikturë me veprim".

Pollock nuk përdorte skica, ai gjithmonë mbështetej vetëm në emocionet e tij.

✰ ✰ ✰

"Bal në Moulin de la Galette", Pierre-Auguste Renoir

Renoir është i vetmi artist që nuk pikturoi asnjë pikturë të vetme të trishtuar. Renoir e gjeti subjektin për këtë pikturë pranë shtëpisë së tij, në restorantin Moulin de la Galette. Atmosfera e gjallë dhe gazmore e institucionit e frymëzoi artistin për të krijuar këtë pikturë. Për të shkruar veprën i kanë pozuar miqtë dhe modelet e preferuara.

✰ ✰ ✰

"Darka e Fundit", Leonardo da Vinci

Kjo pikturë përshkruan festën e fundit të Krishtit me dishepujt e tij. Në përgjithësi pranohet se momenti i përshkruar është kur Krishti thotë se një nga dishepujt e tij do ta tradhtojë.

Da Vinci kaloi shumë kohë duke kërkuar modele. Më komplekset ishin imazhet e Krishtit dhe Judës. Në korin e kishës, Leonardo vuri re një këngëtar të ri dhe nxori një imazh të Krishtit prej tij. Tre vjet më vonë, artisti pa një pijanec në një kanal dhe kuptoi se ky ishte ai që po kërkonte dhe e tërhoqi zvarrë në studio.

Kur kopjoi imazhin nga një pijanec, ai pranoi se tre vjet më parë vetë artisti tërhoqi imazhin e Krishtit prej tij. Kështu doli që imazhet e Jezusit dhe Judës u kopjuan nga i njëjti person, por në periudha të ndryshme të jetës.

✰ ✰ ✰

"Zambakët e ujit", Claude Monet

Në vitin 1912, artisti u diagnostikua me katarakt të dyfishtë, dhe për shkak të kësaj ai iu nënshtrua një operacioni. Pasi humbi lentet në syrin e majtë, artisti filloi të shihte dritën ultravjollcë si blu ose vjollcë, për shkak të kësaj pikturat e tij fituan ngjyra të reja dhe të ndritshme. Kur pikturoi këtë foto, Monet i pa zambakët si blu, ndërsa njerëzit e zakonshëm panë zambakë të zakonshëm të bardhë.

✰ ✰ ✰

"The Scream", Edvard Munch

Munch vuante nga psikoza maniako-depresive dhe shpesh torturohej nga ankthet dhe depresioni. Shumë kritikë besojnë se Munch e përshkroi veten në foto - duke bërtitur në panik dhe tmerr të çmendur.

Vetë artisti e përshkroi kuptimin e pikturës si një "klithmë e natyrës". Ai tha se ishte duke ecur me miqtë në perëndim të diellit dhe qielli u bë i kuq i gjakut. Duke u dridhur nga frika, ai dyshohet se dëgjoi të njëjtën "klithmë të natyrës".

✰ ✰ ✰

Nëna e Whistler-it, James Whistler

Vetë nëna e artistit pozoi për pikturën. Fillimisht ka dashur që nëna të pozojë në këmbë, por kjo ka rezultuar e vështirë për të moshuarën.
Whistler e titulloi pikturën e tij Arrangement in Grey and Black. Nëna e artistit”. Por me kalimin e kohës, emri i vërtetë u harrua dhe njerëzit filluan ta quajnë atë "Nëna e Whistler's".

Fillimisht ishte një urdhër i një deputeti. që donte një artist që të vizatonte vajzën e Megi. Por gjatë procesit, ajo e braktisi pikturën dhe James i kërkoi nënës së tij të bëhej modele për të përfunduar pikturën.

✰ ✰ ✰

"Portreti i Dora Maar", Pablo Picasso

Dora hyri në punën e Pikasos si një "grua në lot". Ai vuri në dukje se kurrë nuk mund ta pikturonte atë duke buzëqeshur. Sytë e thellë, të trishtuar dhe trishtimi në fytyrë janë tiparet karakteristike të portreteve të Maar. Dhe sigurisht thonjtë e kuq - kjo e kënaqi veçanërisht artistin. Picasso shpesh pikturonte portrete të Dora Maar-it dhe të gjithë janë të denjë për admirim.

✰ ✰ ✰

"Nata me yje", Vincent Van Gogh

Piktura përshkruan një peizazh nate, të cilin artisti e shprehu me ngjyra të trasha, të ndezura dhe një atmosferë qetësie nate. Objektet më të shndritshme janë, natyrisht, yjet dhe hëna, ato vizatohen më qartë.

Në tokë rriten selvi të larta, sikur ëndërrojnë t'i bashkohen kërcimit magjepsës të yjeve.

Kuptimi i figurës interpretohet në mënyra të ndryshme. Disa shohin një referencë për Testamentin e Vjetër, ndërsa të tjerë thjesht janë të prirur të besojnë se piktura është rezultat i një sëmundjeje të zgjatur të artistit. Ishte gjatë trajtimit të tij që ai shkroi "Nata me yje".

✰ ✰ ✰

Olimpia, Edouard Manet

Fotoja ishte arsyeja e një prej skandaleve më të mëdha në histori. Në fund të fundit, ajo përshkruan një vajzë të zhveshur të shtrirë në çarçafë të bardhë.
Njerëzit e indinjuar pështynë artistin, dhe disa madje u përpoqën të prishnin kanavacën.

Manet donte vetëm të pikturonte një Venus "moderne", për të treguar se gratë e së tashmes nuk janë më keq se gratë e së shkuarës.

✰ ✰ ✰

"3 maj 1808", Francisco Goya

Artisti përjetoi thellësisht ngjarjet që lidhen me sulmin e Napoleonit. Në maj të vitit 1808, kryengritja e madrilenëve përfundoi në mënyrë tragjike dhe kjo preku aq shumë shpirtin e artistit, saqë 6 vjet më vonë ai derdhi përvojat e tij në telajo.

Lufta, vdekja, humbja - e gjithë kjo përshkruhet aq realisht në foto saqë ende magjeps mendjet e shumë njerëzve.

✰ ✰ ✰

"Vajza me një vath perla", Jan Vermeer

Piktura kishte një titull tjetër, "Vajzë me çallmë". Në përgjithësi, dihet pak për pikturën. Sipas një versioni, Jani pikturoi vajzën e tij Maria. Në foto, vajza duket se i drejtohet dikujt dhe vështrimi i shikuesit përqendrohet në vathin me perla në veshin e vajzës. Shkëlqimi i vathit reflektohet si në sy ashtu edhe në buzë.

Në bazë të filmit u shkrua një roman dhe më vonë u realizua një film me të njëjtin emër.

✰ ✰ ✰

"Night Watch", Rembrandt

Ky është një portret në grup i kompanisë së kapitenit Frans Banning Kok dhe toger Willem van Ruytenburg. Portreti është pikturuar me porosi të Shoqatës së Qitës.
Me gjithë vështirësinë e përmbajtjes, fotografia është e mbushur me frymën e paradës dhe solemnitetit. Është sikur musketierët po pozojnë për një artist, duke harruar betejën.
Më vonë piktura u shkurtua nga të gjitha anët për t'u përshtatur në sallën e re. Disa shigjeta u zhdukën nga fotografia përgjithmonë.

✰ ✰ ✰

Las Meninas, Diego Velazquez

Në pikturë, artisti pikturon portrete të mbretit Filipi i Katërt dhe gruas së tij, të cilët shihen të pasqyruar në pasqyrë. Në qendër të kompozimit është vajza e tyre pesëvjeçare, e rrethuar nga grupi i saj.

Shumë besojnë se Velázquez dëshironte të përshkruante veten në momentin e krijimtarisë - "pikturë dhe pikturë".

✰ ✰ ✰

"Peizazhi me rënien e Icarus", Pieter Bruegel

Kjo është vepra e vetme e mbijetuar e artistit me temën e miteve.

Personazhi kryesor i figurës është praktikisht i padukshëm. Ai ra në lumë, vetëm këmbët i dilnin nga sipërfaqja e ujit. Pendët e Icarus, të cilat fluturuan nga rënia, janë të shpërndara në sipërfaqen e lumit. Dhe njerëzit janë të zënë me punët e tyre, askush nuk kujdeset për të riun e rënë.

Duket se fotografia është tragjike, sepse përshkruan vdekjen e një të riu, por fotografia është pikturuar me ngjyra të qeta, të zbehta dhe duket se thotë, "asgjë nuk ndodhi".

✰ ✰ ✰

"Shkolla e Athinës", Raphael

Para "Shkollës së Athinës", Raphaeli kishte pak përvojë me afresket, por çuditërisht, ky afresk doli shkëlqyeshëm.

Kjo pikturë përshkruan Akademinë që Platoni themeloi në Athinë. Takimet e Akademisë u mbajtën në ajër të hapur, por artisti vendosi që idetë më të shkëlqyera të vijnë në një ndërtesë antike të bërë në mënyrë të shkëlqyer dhe për këtë arsye i përshkruan studentët jo në sfondin e natyrës. Raphael gjithashtu e përshkroi veten në afresk.

✰ ✰ ✰

"Krijimi i Adamit", Michelangelo

Ky është i katërti nga nëntë afresket në tavanin e Kapelës Sistine me temën e krijimit të botës. Michelangelo nuk e konsideronte veten një artist të madh, ai e pozicionoi veten si skulptor. Kjo është arsyeja pse trupi i Adamit në foto është kaq proporcional dhe ka tipare të theksuara.

Në vitin 1990, u zbulua se imazhi i Zotit kodon strukturën e saktë anatomike të trurit të njeriut. Michelangelo mund të ketë qenë njohës i mirë i anatomisë njerëzore.

✰ ✰ ✰

"Mona Lisa", Leonardo da Vinci

Mona Lisa mbetet një nga pikturat më misterioze në botën e artit edhe sot e kësaj dite. Kritikët ende po debatojnë se kush është përshkruar në të vërtetë në të. Shumë janë të prirur të besojnë se Mona Lisa është gruaja e Francesco Gioconda, i cili i kërkoi artistit të pikturonte një portret.

Misteri kryesor i fotos qëndron në buzëqeshjen e gruas. Ka shumë versione - duke filluar nga shtatzënia e një gruaje dhe buzëqeshja zbulon lëvizjen e fetusit, duke përfunduar me faktin se ky është në fakt një autoportret i artistes në një imazh femëror. Epo, gjithçka që mbetet është të hamendësosh dhe të admirosh bukurinë e jashtëzakonshme të figurës.

✰ ✰ ✰

"Lindja e Venusit", Sandro Botticelli

Piktura përshkruan mitin e lindjes së perëndeshës Venus. Perëndesha lindi nga shkuma e detit, herët në mëngjes. Zoti i erës Zephyr ndihmon perëndeshën të notojë në breg me guaskën e saj, ku e takon perëndeshë Ora. Fotografia personifikon lindjen e dashurisë, ngjall një ndjenjë bukurie, sepse nuk ka asgjë më të bukur në botë se dashuria.

✰ ✰ ✰

konkluzioni

Ne u përpoqëm të përfshinim në këtë artikull vetëm disa nga pikturat më të njohura në botë. Por ka edhe shumë kryevepra të tjera po aq interesante të artit të bukur. Cilat piktura i konsideroni të njohura?

Kur një person, për ndonjë arsye, nuk dëshiron të mbështetet në metodat tradicionale të krijimit të pikturave në krijimtarinë e tij, atëherë fillojnë eksperimentet. Kur ai nuk është i kënaqur me “realizmin” në veprat e tij, kur veprat e Leonardo dhe Boucher duken të mërzitshme dhe jointeresante, lind një pamje e re e artit. Kur për të loja me të shkuarën kthehet në një mënyrë për të parë të ardhmen, shfaqet një tjetër art. Vërtetë, ndonjëherë aspirata të tilla kalojnë kufirin, duke u kthyer në diçka larg artit, dhe më pas gjëja kryesore është të befasosh me origjinalitet.

Pra, artistë të pazakontë, mënyra të pazakonta për të krijuar piktura dhe piktura të pazakonta.

Nuk do të flas për vlerat artistike. Secili nga autorët e listuar e quan veten artist, krijues. Secili nga shikuesit do të përcaktojë vetë se çfarë është art dhe çfarë jo, si dhe linjën përtej së cilës nuk ka më tronditëse, por ka diçka të paqartë.

Hong i Kuq

Autori që më magjepsi me vështrimin e tij të pazakontë ndaj objekteve më të zakonshme ose jo krejt objekteve. Për të, krijimtaria nuk kufizohet vetëm në bojëra dhe një penel, sepse është shumë më interesante t'i japësh dorë të lirë imagjinatës dhe ta lëmë të rezultojë në diçka interesante dhe të gjallë. Dhe imagjinata është e tillë që mund të çojë në idenë e përdorimit të një filxhani kafeje ose një top basketbolli në vend të furçës, ose mund t'ia dalësh edhe me çorape.
“Kur vizitova Shanghain për herë të parë, hasa në një rrugicë të vjetër ku rrobë bambuje dilnin nga dritaret e shtëpive. Ishte një pamje tepër e bukur - kjo më frymëzoi për të krijuar diçka të pazakontë nga gjërat e zakonshme për të gjithë në zonën tuaj të shtëpisë"

Carne Griffiths

Po sikur të përdorni ngjyra të pazakonta së bashku me ato të zakonshmet? Jo, bojëra jo magjike, por pothuajse e zakonshme, veçanërisht nëse i pikoni mbi një fustan të bardhë. Po sikur të përdorni çaj ose raki si bojë, ose ndoshta uiski ose vodka? Dhe rezultati përfundimtar do të jetë i ajrosur, pa pika të zeza, plot linja të lehta, duke tërhequr me një simbiozë çuditërisht tërheqëse të njeriut dhe të natyrës.

Vinicius Quesada

Siç thonë ata - Gjaku është jetë?: Atëherë artisti Vinicius Quesada i dha jetë veprave të tij në kuptimin e mirëfilltë, sepse ai pikturon me gjakun e tij. Pikturat janë çuditërisht tërheqëse me nuancat e tyre të kuqe.

Jordan Eagles

Akoma më befasuese janë veprat e këtij artisti, i cili përdor edhe gjakun, ndonëse jo i tij, por i marrë nga një thertore. Jordan Eagles krijon diçka të frikshme tërheqëse, veçanërisht kur e dini se çfarë dhe si e krijon ai punën e tij. Duke përdorur teknika të ndryshme, ai e kthen vetë gjakun në një objekt arti.

Jordan McKenzie

Edhe më tej shkoi Jordan McKenzie, i cili krijon edhe me lëngje nga trupi i njeriut. Për veprat e tij ai përdor kanavacën, duart dhe penisin e tij... Gjithçka është çuditërisht e thjeshtë - një spërkatje e spermës në kanavacë, pak përpunim teknik dhe fotografia është gati. Kjo lloj krijimtarie është një kënaqësi dhe nuk keni nevojë për erën e pështirë të gjakut, furçat e bojës apo edhe një filxhan kafeje.

Millie Brown

Millie Brown gjithashtu nxjerr lëngje nga vetja, por ato nuk janë më me origjinë krejtësisht natyrore.

Elisabetta Rogai

Por Elisabetta Rogai krijon veprat e saj nga materiale të hollë - verë e bardhë dhe e kuqe. Kjo, me sa duket, duhet të kufizojë paletën e saj të ngjyrave, por kjo nuk ndërhyn aspak në punën e saj.

Judith Brown

Të pikturosh një foto pa duar do të jetë problematike, por çka nëse vetë duart bëhen furçë dhe krijojnë. Çfarë do të ndodhë nëse gishtat bëhen një mjet dhe pluhuri i zakonshëm i qymyrit lulëzon në forma dhe lloje të ndryshme? Dhe do të ketë vepra të artistes Judith Brown që kombinojnë çuditërisht imazhe abstrakte dhe konkrete.

Doug Landis

Ose mund të vizatoni pa duar, si Doug Landis. Pasi u paralizua, filloi të vizatonte me laps në gojë! Dhe njeriu mund ta ketë zili vetëm qëndrueshmërinë e tij.

Tim Patch

Njihuni me Tim Patch, i njohur si Prickasso, i njohur si artisti i penisit. Pse penis? Por sepse ai tërheq me të.

Ani Kay

Një person tjetër beson se mund të krijojë një vepër arti pa përdorur furça apo lapsa tradicionalë dhe nuk i duhen duart. Ai është gjithashtu një mbështetës i idesë se vizatimi me duar është i mërzitshëm. Ani Kay vendosi të vizatojë me gjuhën e tij.

Natalie Irlandeze

Puthje, siç rezulton, ne nuk dimë shumë për të. Në fund të fundit, ju mund të krijoni me një puthje, duke vënë dashurinë tuaj në atë që krijoni. Në fakt, kjo është ajo që bën artistja Natalie Irish - ajo pikturon me puthje dhe buzëkuq.

Kira Ayn Varszegi

Mund ta bësh me duar, mund ta bësh me penis, mund ta bësh me buzë, por pse gjoksi nuk është mjet, mendoi Kira Ein Varzeji dhe filloi të krijojë. Ajo pikturon me gjoks, por e kufizuar nga vetë forma e gjoksit, krijon imazhe abstrakte, ndryshe nga Patch, i cili arrin të krijojë edhe portrete. Por Kira ka gjithçka përpara! Suksese në këtë fushë të vështirë të artit.

Stephen Murmer.

Pas tyre nuk qëndron edhe Stephen Murmer, i cili pikturon me të pasmet.

E lyeja pikën e pestë me bojë, u ula në telajo dhe mbarova! Dhe nëse diçka mungon, atëherë mund të ndiqni shembullin e të njëjtit Patch. Ose mund t'i vizatoni të dyja menjëherë. Siç thonë ata - të lirë dhe të gëzuar, megjithëse u emocionova për të lira - këto piktura kanë një çmim të konsiderueshëm.

Martin von Ostrowski

“Artisti ka të drejtë të përdorë materiale me një grimcë të autorit për të treguar apo provuar se është pjesë e botës organike. Sperma ruan gjenet e mia, të cilat luajnë një rol të rëndësishëm në riprodhimin e një qenieje njerëzore së bashku me vezën femërore. Dhe në feçet e mia ka mikroorganizma që jetojnë në simbiozë me ushqimin e tretur. Po kështu, artisti është pjesë e një kompleksi të madh të botës së panumërt organike dhe për të mos humbur në të, duhet të lërë gjurmë të prekshme në artin që krijon”.

Dhe në fund mund të vizatoni veten

apo personalitete të njohura

ose portrete si ky, duke përdorur spermën për të krijuar.

P/S/ Ai ka edhe vepra më pak “të mahnitshme”.

Kris Ofili

Mund të mos jetë aq origjinale. Sekrecionet e kafshëve mund të përdoren edhe në vend të atyre njerëzore. Nëse ju pëlqen ngjyra e jashtëqitjes së elefantit, merreni dhe përdorni, askush nuk do të thotë asnjë fjalë kundër tij. Për më tepër, ajo jep një hapësirë të tillë në zgjedhjen e nuancave të kafesë. Kjo është pikërisht ajo për të cilën ra Chris Ofili.

Mark Kuin

Mund të pikturosh me gjak njeriu, por mund të bësh edhe skulptura prej tij. I ngrirë. Dhe nga imja gjithashtu. Një portret i tillë merr rreth 4 litra gjak, nëse jo më shumë.

Val Thompson

Por ju mund të tërheqni jo vetëm me gjak dhe të gjitha llojet e sekrecioneve. Ju mund të vizatoni nga vetë personi, ose më mirë nga ajo që ka mbetur prej tij pas vdekjes. Ash, për shembull, siç e bën Val Thompson. Diamantet artificiale janë bërë tashmë nga hiri, tani ju ende mund të pikturoni, gjithçka që duhet të bëni është ta përzieni atë me bojëra.

Xiang Chen

Çdokush mund të vizatojë, gjëja kryesore është që sytë të mos kenë frikë, dhe duart e bëjnë atë. Por ndonjëherë vetë syri, në kuptimin e mirëfilltë të fjalës, bëhet mjet për krijuesin. Artisti Xiang Chen pikturon me sy duke përdorur një pajisje të veçantë.

Për të vazhduar...

Vizatoni me thikë, çamçakëz, shirit, thonj apo grepa, fjalë dhe shirita, baktere... nuk ka asnjë pengesë për imagjinatën njerëzore.