Необычные портреты художника Marcello Castellani. Необычные портреты
Marcello Castellani — цифровой художник из Колумбийского города Богота. Здесь представлена одна из интереснейших серий его работ, которая выполнена в очень необычном стиле. Марчелло Кастеллани обладает несомненным талантом и уже преуспел в цифровой живописи, известен как настоящий мастер, талантливый и креативный художник. Цифровая живопись для него — это не просто развлечение, а настоящее искусство. Он изобретает новые формы, новые техники и способы изображения. Данная серия относится к , которые выполнены будто бы ломаными линиями, штрихами и потёками. Помимо того, что живопись очень необычная и цепляет взгляд, она ещё и очень реалистичная.
Не секрет, что для художника одной из самых сложных задач является изображение человеческого лица. Придать человеческому лицу высокую реалистичность и фотографическую точность очень и очень сложно. Для этого необходима большая практика и постоянное совершенствование техники мастерства. Лишь одна неверно нарисованная деталь лица человека, как то — преувеличенная или преуменьшенная форма глаз, несоответствие формы носа, размер губ и так далее, могут привести к тому, что портрет окажется совершенно непохожим на изображаемого человека. По этой причине портреты высокой реалистичности, созданные в совершенно немыслимых техниках, как это делает тот же Марчелло Кастеллани, пользуются пристальным вниманием. Там где другой художник применяет все навыки классической живописи и классических приёмов для изображения лица, Marcello Castellani делает это «небрежными» росчерками и «неряшливыми» линиями.
Для строительных или ремонтных работ вам необходим качественный стройматериал? Только на сайте gosx.ru вы найдёте брус 120х120 , а также бруски других размеров с доставкой по Москве и московской области.
Конечно, перед тем как писать статью, поискала, какие бывают необычные портреты. Вообще-то, понятно, что разные бывают, в последнее время народ как и чем только не пишет картины – кофе, чаем, кровью, пеплом, и уж какие только части тела не использует для рисования, начиная с носа и языка и заканчивая всеми самыми интимными органами. Для пиара это, наверное, полезно, может, и продажам способствует – всегда ведь найдутся те, кто с помощью таких картин опять же понадеется произвести на кого-то впечатление.
Бог с ними. Меня, конечно, как всегда, больше привлекла современная живопись, необычное видение и стиль, немного абстрактный и сюрреалистичный. Все-таки для меня никаких сомнений не составляет, что все совершенно по-разному видят мир, вспомнить хотя бы того же Пабло Пикассо и Сальвадора Дали, потому и рождаются такие необычные портреты и вообще картины. Покажу некоторые понравившиеся мне работы современных художников.
Они напомнили мне, кстати, другую картину, которую я публиковала в статье – да, все-таки нравится мне все такое. Но я так не умею, да и вообще, честно говоря, никогда не любила ни рисовать, ни фотографировать людей – не мое это, не привлекает. И все-таки мне тоже довелось писать портреты, вот как ни странно. Хотя мои портреты тоже, пожалуй, можно назвать необычными, потому что лиц на них вы не увидите.
Есть у меня друзья-эзотерики, которые видят в моих рисунках больше, чем просто красивые узоры. Чувствуют их энергию и используют ее для себя – для , для . И вот рисуя по такому запросу, я однажды поняла, что могу нарисовать не просто что-то, а для кого-то. Сначала нарисовала Ирине Зайцевой – уже .
Потом для своего любимого человека. Вот этот рисунок.
Ну а вот после этого как раз пришел запрос от моих друзей-эзотериков нарисовать не для них, а их самих. То есть изобразить их через мои графические узоры.
Это был очень интересный опыт для меня, потому что рисуя разных людей, я испытывала совершенно разные ощущения. Во-первых, на каждого человека мне нужно было настроиться, почувствовать его. Можно сказать, посмотреть на него, изучить, но только не внешность его, а ощутить то, какой он. Чем живет, чем дышит, что ему нравится, к чему он стремится, как проявляется в мире с точки зрения убеждений и поступков. Когда думаешь так о человеке, в воображении начинают возникать образы, приходят нужные цвета, основные элементы узоров. После этого начинаешь рисовать.
Все рисуются по-разному – на кого-то настраиваешься, и дальше все легко идет, словно само собой.
Другие даются труднее, приходится долго думать над каждым элементом, прикидывать, вертеть и так и эдак… Конечно, все из-за того, что кто-то тебе оказывается ближе, кто-то нет, кто-то открыт, а кто-то сопротивляется, и по многим другим причинам.
И вот когда уже узоры ложатся на бумагу, начинают возникать ассоциации уже с ними, и тут тоже все так по-разному бывает, интересно и неожиданно. Словно перед тобой открывается новый слой, и через то, что ты создал для человека, ты начинаешь глубже видеть и чувствовать его.
Иногда это ассоциации с космосом, с чем-то геометрически-структурированным.
А иногда, наоборот, накрывает ощущение свежести, чистоты, мудрости, как будто стоишь среди деревьев, у ручья, листва шумит над головой, и в груди щемит от красоты, силы и мудрости природы, вроде бы такой простой, но способной так много дать…
Друзья-эзотерики говорят, что мои рисунки способствуют раскрытию потенциала человека, его гармонизации и самосовершенствованию. Подтверждать или оспаривать это не буду, просто понимаю теперь, что как и многое другое в жизни, это тоже не просто так. Все ощущения, которые я испытываю во время рисования, подсказывают мне, что просто это мой способ чувствовать и видеть людей. Только я стремлюсь увидеть и изобразить их не через внешность, а через абстрактные узоры, выражающие их энергетику, духовную суть.
Какие-то произведения искусства словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Какие-то — затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а некоторые — удивляют непомерной ценой.
«Странность» — это довольно субъективное понятие, и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства.Эдвард Мунк «Крик»
1893, картон, масло, темпера, пастель. 91×73,5 см
Национальная галерея, Осло
«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.
«Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фиордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.
Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал 4 версии «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.
Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?»
1897-1898, холст, масло. 139,1×374,6 см
Музей изящных искусств, Бостон
Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством, потому что «Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще 5 лет, так и получилось.
По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребёнком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица... представляет бесполезность слов».
Пабло Пикассо «Герника»
1937, холст, масло. 349×776 см
Музей королевы Софии, Мадрид
Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.
«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».
Ян ван Эйк «Портрет четы Арнольфини»
1434, дерево, масло. 81.8×59.7 см
Лондонская национальная галерея, Лондон
Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.
Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», что превратило ее не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реально происходившее событие, на котором присутствовал художник.
В России последних лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.
Михаил Врубель «Демон сидящий»
1890, холст, масло. 114×211 см
Третьяковская галерея, Москва
Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Печальный длинноволосый парень совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух. Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый». Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении цветов. Композиция подчёркивает стеснённость фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы.
Василий Верещагин «Апофеоз войны»
1871, холст, масло. 127×197 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому что любил их. Наоборот, он пытался передать людям свое негативное отношение к войне. Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны», на которой изображено поле, вороны и гора человеческих черепов.
Картина написана так глубоко и эмоционально, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше не увидит. Сам же Верещагин с печальным сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа».
Всe детали картины, в том числе жёлтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчёркивает мёртвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.
Грант Вуд «Американская готика»
1930, масло. 74×62 см
Чикагский институт искусств, Чикаго
«Американская готика»- один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.
Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо по середине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, выставленный локоть, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, а значит и угрозу, которая адресована всем, кто посягнет. Все эти детали можно разглядывать бесконечно и ежиться от неуюта.
Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.
Рене Магритт «Влюбленные»
1928, холст, масло
Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает. Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.
Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт всё время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.
Марк Шагал «Прогулка»
1917, холст, масло
Государственная Третьяковская Галерея
Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью. «Прогулка» — это автопортрет с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.
Иероним Босх «Сад земных наслаждений»
1500-1510, дерево, масло. 389×220 см
Прадо, Испания
«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший своё название по теме центральной части, посвящён греху сладострастия. На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.
Непреходящее очарование и одновременно странность триптиха заключается в том, как художник выражает главную идею через множество деталей. Картина переполнена прозрачными фигурками, фантастическими сооружениями, чудовищами, обретшими плоть галлюцинациями, адскими карикатурами реальности, на которую он смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом. Некоторые учёные хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму её тщеты и образы земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстранённость, с которыми трактованы отдельные фигурки, а также благосклонное отношение к этому произведению со стороны церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.
Густав Климт «Три возраста женщины»
1905, холст, масло. 180×180 см
Национальная галерея современного искусства, Рим
«Три возраста женщины» одновременно и радостна, и печальна. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние. Молодая женщина органично вплетена в орнамент жизни, старая — выделяется из нее. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несёт с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — неизменное постоянство и конфликт с реальностью.
Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.
Эгон Шиле «Семья»
1918, холст, масло. 152.5×162.5 см
Галерея «Бельведер», Вена
Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.
«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то, что это — наименее странно выглядящая его картина. Он нарисовал ее перед самой смертью, после того, как от испанки умерла его беременная жена Эдит. Он умер в 28 лет спустя всего три дня после Эдит, успев нарисовать ее, себя и их так и нерожденного ребенка.
Фрида Кало «Две Фриды»
История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».
Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи её картин зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.
В одной из лучших картин — «Две Фриды» — она выразила мужское и женское начало, соединенные в ней единой кровеносной системой, демонстрирующие ее целостность.
Клод Моне «Мост Ватерлоо. Эффект тумана»
1899, холст, масло
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние. Сначала перед нами начинают проявляться непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем, мы видим явные очертания лодок и, отойдя на расстояние приблизительно двух метров, перед нами резко прорисовываются и выстраиваются в логическую цепочку все связующие произведения.
Джексон Поллок «Номер 5, 1948»
1948, фибролит, масло. 240×120 см
Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита — самая дорогая картина в мире. В 2006 году на аукционе Сотбис за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал её мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.
«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то ещё. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живёт своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».
Жоан Миро «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»
1935, медь, масло, 23×32 см
Фонд Жоана Миро, Испания
Хорошее название. И кто бы мог подумать, что это картина говорит нам об ужасах гражданских войн.
Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании. Миро говорил, что это картина о периоде беспокойства. На картине изображены мужчина и женщина, тянущиеся друг к другу в объятья, но не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны как «полные отвращения и гадливой сексуальности».
Яцек Йерка «Эрозия»
Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создавая новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала, и нам пришлось выбрать одну — для иллюстрации его фантазии и мастерства. Рекомендуем ознакомиться .
Билл Стоунхэм «Руки противятся ему»
Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная — это факт.
Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.
Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.
Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда она была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.
Художница из Шанхая Хонг Йи (Hong Yi) известна своими необычными портретами из подручных средств: кофейных пятен, отпечатков баскетбольного мяча, носков и прочего. Одаренная и неутомимая 28-летняя Хонг Йи находит все новые и новые подходы и материалы: портрет певицы Адель она создала из расплавленного воска свечей, портрет политика - из собственноручно окрашенных цветов. Здесь представлено сразу несколько новых и уже известных старых проектов художницы.
Портрет певицы Адель из свечей
Около 1500 голубых свечей и семи часов работы потратила Хонг Йи на создание портрета певицы Адель. Под эмоциональную композицию «Set Fire to the Rain» о потерянной любви и разбитом сердце девушка плавила воск, обжигая пальцы и безнадежно пачкая любимые штаны.
Портрет из цветов
И на этот раз художница обошлась без кистей и грифелей. Материалом для создания портрета бирманского политического деятеля Аун Сан Су Чжи послужили пищевой краситель, 2000 белых гвоздик и пластиковые стаканчики. Смешивая воду с краской в различных пропорциях, Хонг Йи добилась разного оттенка живых цветов.
Портрет из носков
Хонг Йи использовала 750 пар носков для создания портрета китайского режиссера Чжан Имоу (Zhang Yimou). Она потратила более 3 недель, скрепляя булавками черные, белые и серые носки. На проект девушку вдохновила старая китайская традиция сушить белье на бамбуковых палках, закрепленных на окнах в переулках домов. Художница нашла это очень красивым и достойным применения в искусстве. А носки использовала потому, что они маленького размера, недорогие и с ними работать удобнее, чем, например, с майками.
Портрет из кофейных пятен
Слушая песню популярного тайваньского испонителя Джей Чоу (Jay Chou), 26-летняя Хонг Йи пила свой утренний кофе. Песня начиналась строчкой о кофейной чашке, поднятой с блюдца, и продолжалась рассказом о путешествии на 20 лет в прошлое. Нечаянно поставив чашку не на блюдце, а на белую скатерть, Хонг Йи оставила яркий кофеный след на белой ткани. Так художницу посетила идея нарисовать портрет любимого певца донышком кофейной чашки. Получилась оригинальная картина цвета сепии, на создание которой ушло около 12 часов.