Молодость до старости 

Скульптура древней греции классического периода. Скульптура греции эпохи классики Искусство древней греции скульптура

Тема: Выдающиеся скульпторы Древней Греции.

Цель: Изучение основных этапов развития древнегреческой скульптуры.

Новые слова:

«МИМЕСИС » - подобие.

Калокагатия (греч. kalos - прекрасный + agathos добрый).

Куросы и коры – созданные в эпоху архаики мужс. и женс. фигуры (до 3 м.) Мимесис – подобие. Кариатида – (греч. karyatis) – скульптурное изображение стоящей женской фигуры, которая служит опорой балки в здании (или образно выражает эту функцию).

Гермы – каменные пилоны с «руками», ставившиеся у парадного входа в дом.

Вопросы.

    Скульптурные каноны Поликлета и Мирона.

    Скульптурные творения Скопаса и Праксителя.

    Лисипп и Леохар.

    Скульптура эллинизма.

Ход урока.

1. Актуализация знаний учащихся об архитектуре Древней Греции.

2. Сообщение темы, цели урока.

Греки всегда полагали, что только в прекрасном теле может жить прекрасная душа. Поэтому гармония тела, внешнее совершенство - непременное условие и основа идеального человека. Греческий идеал определяется термином калокагатия (греч. kalos - прекрасный + agathos добрый). Так как калокагатия включает в себя совершенство и телесного сложения, и духовно нравственного склада, то одновременно с красотой и силой идеал несет в себе справедливость, целомудрие, мужество и разумность. Именно это делает греческих богов, изваянных древними скульпторами, неповторимо прекрасными.

При всей схожести скульптур VI и V вв. до н.э., есть у них и характерные различия:

Уже нет оцепенелости, схематизма архаичных скульптур;

Статуи становятся более реалистичными.

    Скульптурные каноны Поликлета и Мирона .

1. Гимн величию и и духовной мощи Человека;

2. Излюбленный образ – стройный юноша атлетического телосложения;

3. Духовный и физический облик гармоничны, нет ничего лишнего, «ничего сверх меры».

Наиболее известными скульпторами эпохи Высокой классики являются Поликлет и Мирон.

Поликлет - древнегреческий скульптор и теоретик искусства, работавший в Аргосе во 2-й половине V века до нашей эры.

Поликлет любил изображать атлетов в состоянии покоя, специализировался на изображении спортсменов, олимпийских победителей.

«Дорифор» («Копьеносец»)

Поликлет первым додумался придавать фигурам такую постановку, чтобы они опирались на нижнюю часть лишь одной ноги. (Ранний пример классического контрапоста - Дорифор). Поликлет умел показывать человеческое тело в состоянии равновесия - его человеческая фигура в покое или медленном шаге кажется подвижной и оживленной благодаря тому, что горизонтальные оси не параллельны.

Статуи Поликлета полны напряженной жизни. Поликлет любил изображать атлетов в состоянии покоя. Взять того же "Копьеносца". Этот могучего сложения человек полон чувства собственного достоинства. Он стоит неподвижно перед зрителем. Но это не статичный покой древнеегипетских статуй. Как человек, умело и легко владеющий своим телом, копьеносец чуть согнул одну ногу и переместил тяжесть корпуса на другую. Кажется, что пройдет мгновение и он сделает шаг вперед, повернет голову, гордый своей красотой и силой. Перед нами человек сильный, красивый, свободный от страха, гордый, сдержанный - воплощение греческих идеалов.

Произведения:

2.«Диадумен» («Юноша, повязывающий повязку»).

«Раненая амазонка»,

Колоссальная статуя Геры в Аргосе. Была выполнена в хрисоэлефантинной технике и воспринималась как пандан Зевсу Олимпийскому Фидия.

Скульптуры были утрачены и известны по сохранившимся древнеримским копиям.

1.По заказу жрецов храма Артемиды Эфесской ок. 440 до н.э. Поликлет создал статую раненной амазонки, заняв первое место в конкурсе, где, кроме него, участвовали Фидий и Кресилай. Представление о ней дают копии – рельеф, обнаруженный в Эфесе, а также статуи в Берлине, Копенгагене и музее Метрополитен в Нью-Йорке. Ноги амазонки поставлены, так же, как у Дорифора, но свободная рука не висит вдоль тела, а закинута за голову; другая рука поддерживает тело, опираясь на колонну. Поза гармонична и уравновешена, но Поликлет не принял во внимание того, что если под правой грудью человека зияет рана, его правая рука не может быть поднята высоко вверх. Видимо, прекрасная, гармоничная форма интересовала его больше, чем сюжет или передача чувств. Той же заботой проникнута и тщательная разработка складок короткого хитона амазонки.

2.Затем Поликлет работал в Афинах, где ок. 420 до н.э. им был создан Диадумен, юноша с повязкой вокруг головы. В этом произведении, которое называли нежным юношей, в отличие от мужественныого Дорифора, чувствуется влияние аттической школы. Здесь снова использован мотив шага, несмотря на то, что обе руки подняты и держат повязку, – движение, к которому больше бы подошло спокойное и устойчивое положение ног. Противоположность правой и левой стороны выражена не так сильно. Черты лица и пышные локоны волос гораздо мягче, чем в предыдущих работах. Лучшие повторения Диадумена – копия, найденная на Делосе и находящаяся сейчас в Афинах, статуя из Везона во Франции, которая хранится в Британском музее, и копии в Мадриде и в музее Метрополитен. Сохранилось также несколько терракотовых и бронзовых статуэток. Лучшие копии головы Диадумена находятся в Дрездене и Касселе.

3.Около 420 до н.э. Поликлет создал для храма в Аргосе колоссальную хрисоэлефантинную (из золота и слоновой кости) статую Геры, восседающей на троне. Аргосские монеты могут дать некоторое представление о том, как выглядела эта погибшая в древности статуя. Рядом с Герой стояла Геба, изваянная Навкидом, учеником Поликлета. В пластическом оформлении храма чувствуется как влияние мастеров аттической школы, так и Поликлета; возможно, это работа его учеников. Творениям Поликлета не хватало величественности статуй Фидия, но многие критики считают, что они превосходят Фидия своим академическим совершенством и идеальной уравновешенностью позы. У Поликлета имелись многочисленные ученики и последователи вплоть до эпохи Лисиппа (конец 4 в. до н.э.), который говорил, что его учителем в искусстве был Дорифор, хотя впоследствии он отошел от канона Поликлета и заменил его своим собственным.

Мирон создавал статуи атлетов-победителей, правильно и естественно передавал человеческую фигуру, открыл тайну пластической концепции движения. Но (!!!) его работы имеют только одну точку просмотра. К наиболее известным его работам относится скульптурная композиция

«Афина и Марсий», а также «Дискобол».

Мирон был старшим современником Фидия и Поликлета и считался одним из величайших скульпторов своего времени. Работал в бронзе, однако ни одно из его произведений не сохранилось; они известны главным образом по копиям. Самое известное произведение Мирона - Дискобол (Метатель диска). Дискобол изображен в сложной позе в момент наивысшего напряжения перед броском. Скульптора интересовали форма и соразмерность находящихся в движении фигур. Мирон был мастером передачи движения в кульминационный, переходный момент. В хвалебной эпиграмме, посвященной его бронзовой статуе атлета Ладаса, подчеркивается, что тяжело дышащий бегун передан необычайно живо. Стоявшая на Афинском акрополе скульптурная группа Мирона Афина и Марсий отмечена таким же мастерством в передаче движения.

2.Скульптурные творения Скопаса и Праксителя.

IV в. до н.э.

1. Стремились к передаче энергичных действий;

2. Передавали чувства и переживания человека:

Страсть

Мечтательность

Влюблённость

Неистовство

Отчаяние

Страдание

СКОПАС (расцвет деятельности 375–335 до н.э.), греческий скульптор и архитектор, родился на острове Парос ок. 420 до н.э., возможно. Первое известное нам произведение Скопаса – храм Афины Алеи в Тегее, на Пелопоннесе, который надо было возвести заново, поскольку прежний сгорел в 395 до н.э. Скопас входил в группу из четырех скульпторов (и, возможно, был среди них старшим), которым вдова Мавсола Артемисия поручила создание скульптурной части Мавзолея (одного из семи чудес света) в Галикарнасе, усыпальницы своего мужа. Присущая произведениям Скопаса страстность достигается прежде всего с помощью новой трактовки глаз: они глубоко посажены и окружены тяжелыми складками век. Живость движений и смелые положения тел выражают напряженную энергию и демонстрируют изобретательность мастера.

Самым знаменитым произведением Скопаса были:

- Скопас . "Амазономахия".

- Битва греков с амазонками . Фрагмент фриза Галикарнасского Мавзолея. Мрамор. Около 350 г. до н. э. Лондон. Британский музей.

Великолепен рельеф, который изображает резко откинувшегося назад воина, пытающегося противостоять натиску амазонки, схватившей его одной рукой за щит, а другой наносящей смертельный удар. Слева от этой группы изображена амазонка, скачущая на разгоряченном коне. Она сидит обернувшись назад и, видимо, мечет дротик в преследующего ее врага. Конь почти наезжает на откинувшегося назад воина. Резкое столкновение противоположно направленных движений всадницы и воина и необычная посадка амазонки своими контрастами усиливают общий драматизм композиции.

Скопас. Голова раненого воина с западного фронтона храма Афины-Алеи в Тегее. Мрамор. Первая половина 4 в. до н. э. Афины. Национальный музей.

Скопас. Менада. Середина 4 в. до н. э. Уменьшенная мраморная римская копия с утраченного оригидала. Дрезден. Альбертинум.

Мраморная «Менада», дошедшая до нас в небольшой поврежденной античной копии, воплощает образ человека, одержимого бурным порывом страсти. Не воплощение образа героя, способного уверенно властвовать над своими страстями, а раскрытие необычайной экстатической страсти, охватывающей человека, характерно для «Менады». Интересно, что Менада Скопаса, в отличие от скульптур 5 в., рассчитана на обозрение со всех сторон.

ПРАКСИТЕЛЬ (4 в. до н.э.),

Пракситель - древнегреческий скульптор, один из величайших аттических ваятелей IV века до н. э. Автор знаменитых композиций «Гермес с младенцем Дионисом», «Аполлон, убивающий ящерицу». Большинство работ Праксителя известны по римским копиям или по описаниям античных авторов. Скульптуры Праксителя раскрашивал афинский художник Никий.

Пракситель - первый скульптор, максимально реалистично изобразивший обнаженную женщину: скульптура Афродита Книдская , где обнаженная богиня придерживает рукой упавшее одеяние.

Пракситель. Голова Афродиты Книдской (Афродита Кауфмана). До 360 г. до н. э. Мраморная римская копия с утраченного оригинала. Берлин. Собр. Кауфмана.

Статуя Афродиты Книдской считалась в древности не только лучшим творением Праксителя, но и вообще лучшей статуей всех времен. Как пишет Плиний Старший, многие прибывали в Книд только ради того, чтобы ее увидеть. То было первое в греческом искусстве монументальное изображение полностью обнаженной женской фигуры, и поэтому она была отвергнута жителями Коса, для которых предназначалась, после чего ее купили горожане соседнего Книда. В римское время изображение этой статуи Афродиты чеканилось на книдских монетах, с нее делались многочисленные копии (лучшая из них находится сейчас в Ватикане, а лучшая копия головы Афродиты – в коллекции Кауфмана в Берлине). В древности утверждали, что моделью Праксителя была его возлюбленная, гетера Фрина.

Наилучшее представление о стиле Праксителя дает статуя Гермес с младенцем Дионисом (Музей в Олимпии), которая была найдена при раскопках в храме Геры в Олимпии. Несмотря на высказывавшиеся сомнения, это почти наверняка оригинал, созданный ок. 340 до н.э. Гибкая фигура Гермеса изящно облокотилась на ствол дерева. Мастеру удалось усовершенствовать трактовку мотива человека с ребенком на руках: движения обеих рук Гермеса композиционно связаны с младенцем. Вероятно, в его правой, не сохранившейся руке была кисть винограда, которой он дразнил Диониса, почему младенец к ней и тянулся. Фигура Гермеса пропорционально сложена и отлично проработана, улыбающееся лицо полно живости, профиль изящный, а гладкая поверхность кожи резко контрастирует со схематично намеченными волосами и шерстистой поверхностью плаща, наброшенного на ствол. Волосы, драпировка, глаза и губы, а также ремешки сандалий были раскрашены.

Хуже представлены другие приписываемые Праксителю статуи Афродиты. Копии статуи, выбранной жителями Коса, не сохранилось. Афродита из Арля, названная по месту находки и хранящаяся в Лувре, возможно, изображает не Афродиту, а Фрину. Ноги статуи скрыты драпировкой, а торс полностью обнажен; судя по позе, в левой ее руке было зеркало. Сохранилось также несколько изящных статуэток женщины, надевающей ожерелье, но в них опять-таки можно видеть как Афродиту, так и смертную женщину.

Пракситель. Артемида из Габий. Около 340-330 гг. до н. э. Мраморная римская копия с утраченного оригинала. Париж. Лувр.

В статуи Артемиды мы видим примеры решения мотива драпированной человеческой фигуры. Артемида изображена здесь покровительницей женщин: она набрасывает на правое плечо покров, принесенный женщиной в качестве дара за успешное разрешение от бремени.

Пракситель был непревзойденным мастером в передаче грации тела и тонкой гармонии духа. Чаще всего он изображал богов, и даже сатиров, молодыми; в его творчестве на смену величественности и возвышенности образов 5 в. до н.э. приходят изящество и мечтательная нежность.

3. Леохар и Лисипп. Наиболее последовательно искусство ложноклассического направления раскрылось в творчестве Леохара, Леохар, афинянин по происхождению, стал придворным художником Александра Македонского. Именно он создал ряд хрисоэлефантинных статуй царей Македонской династии для Филиппейона. Холодный и пышный классицизирующий, то есть внешне подражающий классическим формам, стиль произведений Леохара удовлетворял потребностям складывающейся монархии Александра. Представление о стиле произведений Леохара, посвященных восхвалению Македонской монархии, дает нам римская копия с его героизированного портретного изображения Александра Македонского. Обнаженная фигура Александра имела отвлеченно-идеальный характер.

Леохар. Аполлон Бельведерский . Около 340 г. до н. э. Мраморная римская копия с утраченного бронзового оригинала. Рим. Ватикан.

Самой значительной среди работ Леохара была статуя Аполлона - знаменитый «Аполлон Бельведерский»( «Аполлон Бельведерский» - название дошедшей до нас римской мраморной копии с бронзового оригинала Леохара, помещавшейся одно время в ватиканском Бельведере (открытой лоджии) ).

Однако образ Аполлона скорее внешне эффектен, чем внутренне значителен. Пышность прически, надменный поворот головы, известная театральность жеста глубоко чужды подлинным традициям классики.

К кругу Леохара близка и знаменитая статуя «Артемиды Версальской», полная холодного, несколько надменного величия.

Леохар. Артемида Версальская. Третья четверть 4 в. до н. э. Мраморная римская копия с утраченного оригинала. Париж. Лувр.

Лисипп. . В искусстве Лисиппа решалась задача раскрытия внутреннего мира человеческих переживаний и известной индивидуализации образа человека . Вместе с тем Лисипп внес новые оттенки в решение этих художественных проблем, а главное, он перестал рассматривать создание образа совершенного прекрасного человека как основную задачу искусства. Лисипп как художник чувствовал, что новые условия общественной жизни лишали этот идеал какой бы то ни было серьезной жизненной почвы.

Во-первых , Лисипп находит основу для изображения типического в образе человека не в тех чертах, которые характеризуют человека как члена коллектива свободных граждан полиса, как гармонически развитую личность, а в особенностях его возраста, рода занятий, принадлежности к тому или другому психологическому складу характера . Особенно важной новой чертой в творчестве Лисиппа является интерес к раскрытию характерно-выразительного, а не идеально-совершенного в образе человека.

Во-вторых , Лисипп в какой-то мере подчеркивает в своих произведениях момент личного восприятия, стремится передать свое эмоциональное отношение к изображаемому событию. По свидетельству Плиния, Лисипп говорил, что если древние изображали людей такими, какими они были на самом деле, то он, Лисипп, - такими, какими они кажутся. Лисипп. Апоксиомен. Голова (см. илл. 215).

Особенно ярко понимание Лисиппом образа человека воплотилось в его знаменитой в древности бронзовой статуе «Апоксиомен». Лисипп изобразил юношу, который скребком счищает с себя песок арены, приставший к его телу во время спортивного состязания. В этой статуе художник очень: выразительно передал то состояние усталости, которое охватило юношу после пережитого им напряжения борьбы.

В Апоксиомене Лисипп хочет показать не внутренний покой и устойчивое равновесие, а сложную и противоречивую смену оттенков настроения.

Лисипп. Отдыхающий Гермес . Третья четверть 4 в. до н. э. Бронзовая римская копия с утраченного оригинала. Неаполь. Национальный музей.

Гермес словно на мгновение присел на край скалы. Художник передал здесь покой, легкую усталость и одновременно готовность Гермеса продолжить стремительно быстрый полет.

В эту же серию входила и группа, изображающая борьбу Геракла с немейским львом, тоже дошедшая до нас в римской копии, хранящейся в Эрмитаже.

Лисипп. Геракл со львом . Вторая половина 4 в. до н. э. Уменьшенная мраморная копия римского времени с утраченного бронзового оригинала. Ленинград. Эрмитаж.

Особенно большое значение имело творчество Лисиппа для дальнейшей эволюции греческого портрета.


Голова Александра Македонского с острова Коса. Мрамор.Наиболее ярко своеобразие и сила портретного мастерства Лисиппа воплотились в его портретах Александра Македонского.

Волевой, энергичный поворот головы, резко откинутые пряди волос создают общее ощущение патетического порыва. С другой стороны, скорбные складки на лбу, страдальческий взгляд, изогнутый рот придают образу Александра черты трагической смятенности. В этом портрете впервые в истории искусства выражены с такой силой напряжение страстей и их внутренняя борьба.

4.Скульптура эллинизма.

1. Взволнованность и напряжённость лиц;

2. Вихрь чувств и переживаний в образах;

3. Мечтательность образов;

4. Гармоническое совершенство и торжественность

Эллинистиче­ское искусство исполнено контра­стов - гигантского и миниатюрного, парадного и бытового, аллегорическо­го и натурального. Главная тенденция - отход от обоб­щенного человеческого типа к пони­манию человека как существа кон­кретного, индивидуального, а отсюда и возрастающее внимание к его пси­хологии, л интерес к событийности, и новая зоркость к национальным, возрастным, социальным и прочим приметам личности.

Все сказанное никак не означает, что эпоха эллинизма не оставила великих скульпторов и их памятников искусства. Более того, она создала произведения, которые, в нашем представлении, синтезируют высшие достижения античной пластики, являются ее недо­сягаемыми образцами -

Афродита Мелосская,

Ника Самофракийская , алтарь Зевса в Пергаме. Эти прослав­ленные скульптуры были созданы в эллинистическую эпоху. Их авторы, о которых ничего или почти ничего не известно, работали в русле класси­ческой традиции, развивая ее поисти­не творчески.

Среди скульпторов данной эпохи можно отметить имена следующих: Аполлоний, Тавриск («Фарнезский бык»), Атенодор, Полидор, Агесандр («Афродита Мелосская», «Лаокоон»).

Нравы и формы жизни, а также формы религии стали смешиваться в эпоху эллинизма, но дружба не воцарилась и мир не на­стал, раздоры и войны не прекраща­лись.

5.Вывод. Одно объединяло все периоды развития греческого общества и искусства: это особое пристрастие к пластике, к пространственным искусствам.

Мы рассмотрели творения величайших скульпторов Древней Греции на протяжении всего периода античности. Мы увидели весь процесс становления, расцвета и упадка стилей скульптур – весь переход от строгих, статичных и идеализированных форм архаики через уравновешенную гармонию классической скульптуры к драматичному психологизму эллинистических статуй. Творения скульпторов Древней Греции по праву считалась образцом, идеалом, каноном на протяжении многих веков и сейчас она не перестает быть признанным шедевром мировой классики. Ни до, ни после не было достигнуто ничего подобного. Всю современную скульптуру можно считать в той или иной степени продолжением традиций Древней Греции. Скульптура Древней Греции в своем развитии прошла сложный путь, подготовив почву для развития пластики последующих эпох в различных странах.

Известно, что большинство античных мастеров пластического искусства не ваяли в камне, они отливали в бронзе. В веках, последовавших за эпохой греческой цивилизации, сохранению бронзовых шедевров предпочли их переплавку на купола или монеты, а позднее на пушки. В более позднее время традиции заложенные древнегреческими скульптурами были обогащены новыми наработками и достижениями, античные же каноны послужили необходимой основой, базой для развития пластического искусства всех последующих эпох.

6. Дом. задание: гл.8, ст.84-91., задание ст.91.

СПИСОК ИСПОЛЬЗУЕМЫХ ИСТОЧНИКОВ

1. Античная культура. Словарь-справочник/под общ. ред. В.Н. Ярхо – М., 2002

2. Быстрова А. Н. «Мир культуры, основы культурологии»
Поликарпов В.С. Лекции по культурологии - М.: «Гардарика», «Экспертное бюро», 1997

3. Виппер Б.Р. Искусство Древней Греции. – М., 1972

4. Гнедич П.П. Всемирная история искусств – М., 2000

5. Грибунина Н.Г. История мировой художественной культуры, в 4-х частях. Части 1, 2. – Тверь, 1993

6. Дмитриева, Акимова. Античное искусство. Очерки. – М., 1988

Античная скульптура

ЭРМИТАЖ

Афродита


Афродита

Афродита (Венера Таврическая)
Описание:
Согласно «Теогонии» Гесиода, Афродита родилась около острова Кифера из семени и крови оскоплённого Кроносом Урана, которая попала в море и образовала белоснежную пену (отсюда прозвище «пенорожденная»). Ветерок принёс её на остров Кипр (или она сама приплыла туда, поскольку ей не понравилась Кифера), где её, вышедшую из морских волн, и встретили Оры.

Статуя Афродиты (Венеры Таврической) относится к III веку до н. э.,сейчас она находится в Эрмитаже и считается самой прославленной его статуей. Скульптура стала первой в России античной статуей нагой женщины. Мраморная статуя купающейся Венеры в натуральную величину (высота 167 см), выполненная по образцу Афродиты Книдской или Венеры Капитолийской. Утрачены руки статуи и фрагмент носа. До поступления в Государственный Эрмитаж она украшала сад Таврического дворца, откуда и название. В прошлом «Венера Таврическая», предназначалась для украшения парка. Однако в Россию статуя была доставлена значительно раньше, ещё при Петре I и благодаря его усилиям. Надпись, сделанная на бронзовом кольце пьедестала, напоминает о том, что Венера подарена Климентом XI Петру I (в результате обмена на мощи св. Бригитты, посланные римскому папе Петром I). Статуя была обнаружена в 1718 году во время раскопок в Риме. Неизвестный скульптор III в. до н.э. изобразил обнажённой богиню любви и красоты Венеру. Стройная фигура, округлые, плавные линии силуэта, мягко моделированные формы тела - всё говорит о здоровом и целомудренном восприятии женской красоты. Наряду со спокойной сдержанностью (поза, выражение лица), обобщённой манерой, чуждой дробности и мелкой детализации, а также рядом других черт, свойственных искусству классики (V - IV вв. до н. э.), создатель Венеры воплотил в ней своё представление о красоте, связанное с идеалами III века до н. э. (изящные пропорции - высокая талия, несколько удлинённые ноги, тонкая шея, маленькая головка, - наклон фигуры, поворот корпуса и головы).

Италия. Античная скульптура в музее Ватикана.

Иосиф Бродский

Торс

Если вдруг забредаешь в каменную траву,
выглядящую в мраморе лучше, чем наяву,
иль замечаешь фавна, предавшегося возне
с нимфой, и оба в бронзе счастливее, чем во сне,
можешь выпустить посох из натруженных рук:
ты в Империи, друг.

Воздух, пламень, вода, фавны, наяды, львы,
взятые из природы или из головы, -
все, что придумал Бог и продолжать устал
мозг, превращено в камень или металл.
Это - конец вещей, это - в конце пути
зеркало, чтоб войти.

Встань в свободную нишу и, закатив глаза,
смотри, как проходят века, исчезая за
углом, и как в паху прорастает мох
и на плечи ложится пыль - этот загар эпох.
Кто-то отколет руку, и голова с плеча
скатится вниз, стуча.

И останется торс, безымянная сумма мышц.
Через тысячу лет живущая в нише мышь с
ломаным когтем, не одолев гранит,
выйдя однажды вечером, пискнув, просеменит
через дорогу, чтоб не прийти в нору
в полночь. Ни поутру.

10 тайн знаменитых скульптур

Молчание великих статуй хранит множество секретов. Когда Огюста Родена спрашивали, как он создает свои статуи, скульптор повторял слова великого Микеланджело: «Я беру глыбу мрамора и отсекаю от нее все лишнее». Наверное, поэтому скульптура настоящего мастера всегда создает ощущение чуда: кажется, что увидеть красоту, которая прячется в куске камня, способен только гений.

Мы уверены, что практически в каждом значимом произведении искусства есть загадка, «двойное дно» или тайная история, которую хочется раскрыть. Сегодня мы поделимся несколькими из них.

1. Рогатый Моисей

Микеланджело Буанаротти, «Моисей», 1513-1515 г.

Микеланджело изобразил на своей скульптуре Моисея с рогами. Многие историки искусства объясняют это неправильным толкованием Библии. В Книге Исхода говорится, что когда Моисей спустился с горы Синай со скрижалями, иудеям было трудно смотреть в его лицо. В этом месте в Библии употреблено слово, которое с иврита можно перевести и как «лучи», и как «рога». Однако по контексту однозначно можно сказать, что речь идёт именно о лучах света — что лицо Моисея сияло, а не было рогато.

2. Цветная Античность

«Август из Прима-Порта», античная статуя.

Долгое время считалось, что древнегреческие и древнеримские скульптуры из белого мрамора были изначально бесцветными. Однако недавние исследования учёных подтвердили гипотезу, что статуи раскрашивались в широкую гамму цветов, которые со временем исчезли под длительным воздействием света и воздуха.

3. Страдания Русалочки

Эдвард Эриксен, «Русалочка», 1913 г.

Статуя Русалочки в Копенгагене — одна из самых многострадальных в мире: именно ее больше всего любят вандалы. История ее существования была очень бурной. Ее ломали и распиливали на куски множество раз. И сейчас можно еще обнаружить едва заметные «шрамы» на шее, которые появились от необходимости заменить голову скульптуры. Русалочка была обезглавлена дважды: в 1964 и 1998 году. В 1984 году ей отпилили правую руку. 8 марта 2006 года на руку русалке был водружен фаллоимитатор, а сама горемыка была забрызгана зеленой краской. К тому же, на спине красовалась нацарапанная надпись «С 8 марта!» В 2007 году власти Копенгагена объявили, что статуя может быть перенесена дальше в гавань, чтобы избежать дальнейших случаев вандализма и для предотвращения постоянных попыток туристов взобраться на неё.

4. «Поцелуй» без поцелуя

Огюст Роден, «Поцелуй», 1882 г.

Знаменитая скульптура Огюста Родена «Поцелуй» изначально носила название «Франческа да Римини», в честь изображённой на ней знатной итальянской дамы XIII века, чьё имя обессмертила Божественная комедия Данте (Круг второй, Пятая песнь). Дама полюбила младшего брата своего мужа Джованни Малатеста, Паоло. Когда они читали историю Ланселота и Гвиневры,их обнаружил, а затем убил её муж. На скульптуре можно видеть, как Паоло держит в руке книгу. Но на самом деле любовники не касаются друг друга губами, как бы намекая на то, что они были убиты, не совершив греха.
Переименование скульптуры в более отвлечённое — Поцелуй (Le Baiser) — было сделано критиками, впервые увидевшими её в 1887 г.

5. Секрет мраморной вуали

Рафаэль Монти, «Мраморная вуаль», середина XIX в.

Когда смотришь на статуи, покрытые полупрозрачной мраморной вуалью, поневоле задумываешься о том, как такое вообще возможно сделать из камня. Все дело в особой структуре мрамора, использовавшегося для этих скульптур. Глыба, которой предстояло стать изваянием, должна была иметь два слоя — один более прозрачный, другой более плотный. Такие природные камни сложно найти, но они есть. У мастера был сюжет в голове, он знал, какую именно глыбу ищет. Он работал с ней, соблюдая текстуру нормальной поверхности, и шел по границе, разделяющей более плотную и более прозрачную часть камня. В итоге остатки этой прозрачной части «просвечивали», что и давало эффект вуали.

6. Идеальный Давид из испорченного мрамора

Микеланджело Буанаротти, «Давид», 1501-1504 г.

Знаменитая статуя Давида была сделана Микеланджело из куска белого мрамора, оставшегося от другого скульптора, Агостино ди Дуччо, который безуспешно пытался с этим куском работать, а потом бросил его.

Кстати, Давид, веками считавшийся образцом мужской красоты, не так уж и совершенен. Дело в том, что он косоглаз. К такому выводу пришел американский ученый Марк Ливой из Стэнфордского университета, обследовавший статую с помощью лазерно-компьютерной техники. «Дефект зрения» более чем пятиметровой скульптуры незаметен, поскольку она водружена на высокий пьедестал. По мнению экспертов, Микеланджело намеренно наделил свое детище этим недостатком, поскольку желал, чтобы профиль Давида выглядел идеально с любой стороны.
Смерть, вдохновившая на творчество

7. «Поцелуй смерти», 1930 г.

Самая загадочная статуя на каталонском кладбище Побленоу носит название «Поцелуй смерти». Создавший ее скульптор до сих пор остается неизвестным. Обычно авторство «Поцелуя» приписывается Жауме Барба, но есть и те, кто уверен, будто памятник изваял Жоан Фонбернат. Скульптура расположена в одном из дальних углов кладбища Побленоу. Именно она вдохновила кинорежиссера Бергмана на создание картины «Седьмая печать» — об общении Рыцаря и Смерти.

8. Руки Венеры Милосской

Агесандр (?), «Венера Милосская», ок. 130-100 г. до н.э.
Фигура Венеры занимает почетное место в парижском Лувре. Некий греческий крестьянин нашел ее в 1820 году на острове Милос. На момент обнаружения фигура была разломана на два больших фрагмента. В левой руке богиня держала яблоко, а правой придерживала падающее одеяние. Осознав историческую значимость этой древней скульптуры, офицеры французского военного флота распорядились увезти мраморное изваяние с острова. Когда Венеру тащили по скалам к ожидающему кораблю, между носильщиками произошла драка, и обе руки откололись. Усталые матросы наотрез отказались вернуться и поискать оставшиеся части.

9. Прекрасное несовершенство Ники Самофракийской

«Ника Самофракийская», II в. до н.э.
Статую Ники нашел на острове Самофракия в 1863 году Шарль Шампуазо, французский консул и археолог. Высеченная из золотистого парийского мрамора статуя на острове венчала алтарь морских божеств. Исследователи считают, что неизвестный скульптор создал Нику во II веке до нашей эры в знак греческих морских побед. Руки и голова богини безвозвратно утрачены. Неоднократно предпринимались и попытки восстановить изначальное положение рук богини. Предполагают, что правая рука, поднятая вверх, держала кубок, венок или горн. Интересно, что многократные попытки восстановить руки статуи оказались безуспешны — все они портили шедевр. Эти неудачи заставляют признать: Ника прекрасна именно такой, совершенна в своем несовершенстве.

10. Мистический Медный всадник

Этьен Фальконе, Памятник Петру I, 1768-1770 г.
Медный всадник — памятник, окруженный мистическими и потусторонними историями. Одна из легенд, связанных с ним, гласит, что во время Отечественной войны 1812 года Александр I приказал вывезти из города особо ценные произведения искусства, в том числе и памятник Петру I. В это время некий майор Батурин добился свидания с личным другом царя князем Голицыным и передал ему, что его, Батурина, преследует один и тот же сон. Он видит себя на Сенатской площади. Лик Петра поворачивается. Всадник съезжает со своей скалы и направляется по петербургским улицам к Каменному острову, где жил тогда Александр I. Всадник въезжает во двор Каменоостровского дворца, из которого выходит к нему навстречу государь. «Молодой человек, до чего ты довел мою Россию, — говорит ему Петр Великий, — но покуда я на месте, моему городу нечего опасаться!». Затем всадник поворачивает назад, и снова раздается «тяжело-звонкое скаканье». Пораженный рассказом Батурина, князь Голицын передал сновидение государю. В результате Александр I отменил свое решение об эвакуации памятника. Памятник остался на месте.

*****

Греция и искусство - понятия нерасторжимые. В многочисленных археологических музеях можно увидеть античные скульптуры и бронзовые статуи, многие из которых были подняты со дна Эгейского моря. В местных краеведческих музеях выставлены ремесленные и текстильные изделия, а лучшие афинские музеи не уступают художественным галереям в других странах Европы.

Афины, Археологический музей Пирея.
Происхождение:Статуя была обнаружена в числе других в 1959 г. в Пирее, на пересечении улиц Георгиу и Филона в кладовой комнате неподалеку от античной гавани. Скульптура была укрыта в этом помещении от войск Суллы в 86 г. до н. э.
Описание:Бронзовая статуя Артемиды
Этот тип мощной женской фигуры первоначально определяли как поэтессу или музу из скульптурных композиций Силаниона. Данная статуя идентифицируется как изображение Артемиды по наличию перевязи для колчана на спине, а также по расположению пальцев руки, в которой находился лук. Эту работу клиссицизирующего стиля приписывают Эвфранору на основании ее сходства с Аполлоном Патросом на Агоре.

Скульптура Древней Греции занимала важное место в древнегреческом искусстве и была высочайшим достижением в культуре античного мира.

Древнегреческая скульптура во всех её проявлениях оставалась всегда глубоко антропоцентрической, выражая религиозность и духовный мир человека или священный акт, который старался запечатлеть и передать скульптор.

Большинство скульптур изготавливались для приношения в святилища или как погребальные памятники. Особенность греческого искусства заключалась в том, что мастер, создавая произведения, старался передать красоту и совершенство человеческого тела.

В формах первых статуй делается попытка балансировки божества и человека, в выражении их эмоций. Наивысший расцвет скульптура Древней Греции достигла в V веке до н. э, тогда как зарождение скульптуры Древней Греции, можно отнести к XII-VIII векам до н. э.

Первоначально, греческие мастера использовали в работе мягкие материалы - дерево и пористый известняк, позже мрамор. Литье из бронзы первыми применили мастера острова Самос.

Статуэтки гомеровского периода, изображали богов или героев, в работе мастеров только намечается интерес к пластике тела.

В архаический период скульптура Древней Греции, приобретает архаическую улыбку , превращая лица скульптур всё больше принимать образ человека, тело приобретает гармоническое равновесие форм. Мужчины изображались нагими, тогда как женщина была в одежде.

В это время в скульптурном искусстве Древней Греции, были широко распространены куросы - молодые юноши, которых в основном изготовляли для мемориальных ритуалов. Мастера изображали куроса сдержанным, с хорошей осанкой, улыбкой, со сжатыми кулаками, прическа куроса напоминала парик. Одной из самых знаменитых скульптур куроса, является «Курос из Тенеи» (κούρος της Τενέας). Скульптура была найдена недалеко от Коринфа, в Тенеи, в храме Аполлона. Сейчас она хранится в музее Мюнхена.

Молодых девушек или кор, греки изображали в традиционных одеждах, в хитоне или пеплосе. Коры (κόρη) - специфический тип статуи с женскими формами архаического времени, а именно со второй половины 7-го века до н.э. Богатая прическа, модные украшения и цветные орнаменты одежды - так изображали их скульпторы Древней Греции.

Классическая эпоха, так мы называем период, который начинается в 480 году до н.э. и заканчивается в 323 году до н.э., то есть от окончания греко-персидских войн до смерти Александра Македонского . В это период произошли важные социальные изменения и параллельные новации в скульптуре Древней Греции . Древние греки фокусируют свое внимание на передаче духа и страсти. Художники изучают язык тела, чтобы открыть свои сокровенные мысли, показать телодвижение: размещение конечностей, головы и груди.

Первая статуя, которая изображает по существу конец одной эпохи и начала другой, это «мальчик Крития» (Κριτίου παίς), хранится в музее Акрополя . Это статуя обнаженного подростка высотой 1,67 м - один из самых красивых и совершенных образцов раннего классического искусства. Скульптура сочетает в себе движение, пластичность, появляется серьезность в выражении лица.

К периоду ранней классики, относится знаменитая скульптура возничего (управляющего колесницей), хранится в музее Дельф . Статуя юноши выполнена из бронзы, имеет высоту 1,8 м, одетый на нём хитон с рукавами, показывает мускулистую руку юноши, в руке он держит обрывки поводьев. Хорошо передаётся драпировка складок на одежде, которые отвечают движениям.

В 450-420 гг. до н. э. классического периода, скульптура Древней Греции видоизменяется. Теперь скульптуры имеют больше мягкости, пластичности и зрелости. Особенности классического искусства были представлены Фидием в скульптурах Парфенона.

В это время, появляются другие достойные скульпторы: Агоракритос, Алкамен, Колот, которые были специалистами в изготовлении статуй из золота и слоновой кости. Каллимах, был одним из изобретателей коринфского ордера, Поликлет, изображавший атлетов, первый написал теоретический текст о скульптуре и другие.

В период поздней классики, в скульптуре Древней Греции появляются тенденции в изучении человеческой формы в трехмерном пространстве, появляется больше чувственной красоты и драматизма.

Великими скульпторами этого времени являются: Кефисодот («Эйрена с младенцем на руках»), Πρакситель, создавший Марафонского юношу и Афродиту Книдскую, Ефранор, Силанион, Леохар, Скопас и Лисипп, последние скульпторы позднего классического периода, которые открыли путь в эпоху эллинистического искусства.

Эллинистическая эпоха в скульптуре Древней Греции, отразилась в более дифференцированной трактовке пластических форм, усложнении ракурсов и мельчайших деталей. Развивается монументальная пластика, появляются огромные рельефные композиции, многофигурные группы, рельефы, которые являются неотъемлемой частью выражения скульптурного искусства, мелкая пластика усложняется жизненной характерностью образов.

Самые известные работы этого времени: «Ника Самофракийская» Пифокрита, высотой 3.28 м, «Венера Милосская», высота 2.02 м, выполненная скульптором Александром из Антиохии хранится в Лувре, «Лаокоон и его сыновья» родосских скульпторов Агесандра Родосского, Полидора и Афинодора, находится в Ватикане.

Древнегреческая скульптура – это ведущий эталон в мировом скульптурном искусстве, который продолжает вдохновлять современных скульпторов на создание художественных шедевров. Частыми темами скульптур и лепных композиций древнегреческих скульпторов были битвы великих героев, мифология и легенды, правители и древнегреческие боги.

Особенное развитие греческая скульптура получила в период с 800 до 300 лет до н. э. Эта область скульптурного творчества питала раннее вдохновение из египетского и ближневосточного монументального искусства и через столетия превратилась в уникальное греческое видение формы и динамики человеческого тела.

Греческие художники и скульпторы достигли вершины художественного мастерства, которое захватывало неуловимые черты человека и демонстрировало их таким образом, каким больше никто и никогда не смог показать. Греческие скульпторы особенно интересовались пропорцией, уравновешенностью и идеализированным совершенством человеческого тела, а их фигуры из камня и бронзы стали одними из самых узнаваемых произведений искусства, когда-либо созданных любой цивилизацией.

Зарождение скульптуры в Древней Греции

С 8-го века до нашей эры архаическая Греция наблюдала рост производства мелких твердых фигур из глины, слоновой кости и бронзы. Несомненно, древесина также была широко используемым материалом, но ее восприимчивость к эрозии не позволяла изготавливать деревянные изделия массово, так как они не проявляли необходимой долговечности. Бронзовые фигуры, человеческие головы, мифические чудовища, и в частности грифоны, использовались в качестве декоративного оформления и ручек к бронзовым сосудам, котлам и чашам.

По стилю греческие человеческие фигуры имеют выразительные геометрические линии, которые часто можно встретить на керамических изделиях того времени. Тела воинов и богов изображаются с удлиненными конечностями и треугольным торсом. Также нередко древнегреческие творения украшают фигуры животных. Многие из них были найдены по всей Греции в местах убежищ, таких как Олимпия и Дельфы, что свидетельствует об их общей функции в качестве оберегов и предметов поклонения.


Фото:

Самые древние греческие каменные скульптуры из известняка относятся к середине VII века до нашей эры и были найдены в Тере. В этот период все чаще появляются и бронзовые фигуры. С точки зрения замысла автора, сюжеты скульптурных композиций становились все более сложными и амбициозными и уже могли изображать воинов, сцены из битв, спортсменов, колесницы и даже музыкантов с инструментами того периода.

Мраморная скульптура появляется в начале VI века до нашей эры. Первые монументальные мраморные статуи в натуральную величину выполняли функцию памятников, посвященных героям и знатным особам, либо располагались в святилищах, в которых проводилось символическое служение богам.

Самые ранние, найденные на территории Греции, крупные каменные фигуры изображали молодых мужчин, одетых в женские одежды, которых сопровождала корова. Скульптуры были статичными и грубыми, как в египетских монументальных статуях, руки располагались прямо по бокам, ноги были почти вместе, а глаза смотрели прямо вперед без какого-либо особого выражения лица. Эти довольно статичные фигуры медленно эволюционировали путем детализации образа. Талантливые мастера делали акценты на мельчайшие детали образа, такие как волосы и мышцы, благодаря чему фигуры начали оживать.

Характерной позой для греческих статуй стала позиция, в которой руки слегка согнуты, что придает им напряжение мускул и вен, а одна нога (обычно правая) немного продвинута вперед, давая ощущение динамического движения статуи. Так появились первые реалистичные изображения человеческого тела в динамике.


Фото:

Роспись и окрашивание древнегреческой скульптуры

К началу 19 века систематические раскопки древнегреческих памятников позволили обнаружить множество скульптур со следами многоцветных поверхностей, некоторые из которых были все еще видны. Несмотря на это, влиятельные историки искусства, такие как Иоганн Иоахим Винкельман, так сильно возражали против идеи раскрашенной греческой скульптуры, что сторонники расписных статуй были названы эксцентриками и их взгляды были в значительной степени подавлены на протяжении более века.

Только в опубликованных научных статьях немецкого археолога Виндзеника Бринкмана в конце 20-го и начале 21-го века было описано открытие ряда известных древнегреческих скульптур. Используя лампы высокой интенсивности, ультрафиолетовый свет, специально разработанные камеры, гипсовые отливки и некоторые порошкообразные минералы, Бринкманн доказал, что весь Парфенон, включая его основную часть, а также статуи были окрашены в разные цвета. Далее он химическими и физическими способами проанализировал пигменты оригинальной краски, чтобы определить ее состав.

Бринкманн создал несколько расписанных разными цветами копий греческих статуй, которые отправились в тур по всему миру. В коллекции были представлены копии многих произведений греческой и римской скульптуры, чем автор продемонстрировал, что практика живописи скульптуры была нормой, а не исключением в греческом и римском искусстве.

Музеи, в которых выставлялись экспонаты, отмечали большой успех выставки среди посетителей, что связано с некоторым несоответствием привычных белоснежных греческих атлетов и тех ярких статуй, которыми они были на самом деле. Среди мест проведения выставки – музей Глиптотека в Мюнхене, Ватиканский музей и Национальный археологический музей в Афинах. Коллекция организовала свой американский дебют в Гарвардском университете осенью 2007 года.


Фото:

Этапы становления греческой скульптуры

Развитие скульптурного искусства в Греции прошло несколько значимых этапов. Каждый из них отразился на скульптуре своими характерными особенностями, заметными даже непрофессионалам.

Геометрический этап

Считается, что самое раннее воплощение греческой скульптуры было в виде деревянных культовых статуй, впервые описанных Павсанием. Никаких подтверждений этому не сохранилось, и описания их расплывчаты, несмотря на то, что они были, вероятно, объектами почитания на протяжении сотен лет.

Первое реальное свидетельство греческой скульптуры было найдено на острове Эвбея и датировано 920 г. до н. Это была статуя лефканди-кентавра руки неизвестного скульптура из терракоты. Статуя была собрана по частям, так как была преднамеренно разбита и захоронена в двух отдельных могилах. Кентавр имеет четко выраженную отметину (рану) на своем колене. Это позволило исследователям предположить, что статуя может изображать Хирона, раненного стрелой Геракла. Если это действительно так, это можно считать самым ранним известным описанием мифа в истории греческой скульптуры.

Скульптуры геометрического периода (приблизительно 900 до 700 г. до н. э.) были небольшими статуэтками из терракоты, бронзы и слоновой кости. Типичные скульптурные произведения этой эпохи представлены множеством примеров конной статуи. Однако сюжетный репертуар не ограничивается мужчинами и лошадьми, поскольку некоторые найденные примеры статуи и лепнины того времени изображают образы оленей, птиц, жуков, зайцев, грифонов и львов.

На геометрической скульптуре раннего периода нет надписей до появления статуи Мантиклоса «Аполлон» начала VII века до нашей эры, найденного в Фивах. Скульптура представляет собой фигуру стоящего человека, у ног которой начертана надпись. Эта надпись – своеобразное наставление помогать друг другу и отвечать добром на добро.

Архаический период

Вдохновленные монументальной каменной скульптурой Египта и Месопотамии, греки снова начали высекать в камне. Отдельные фигуры разделяют твердость и лобовую стойку, характерную для восточных моделей, но их формы более динамичны, чем у египетской скульптуры. Примером скульптур этого периода служат статуи леди Осер и торс Геры (ранний архаический период – 660-580 гг. до н. э., выставляется в Лувре, в Париже).


Фото:

Такие фигуры имели одну характерную особенность в выражении лица – архаическую улыбку. Это выражение, которое не имеет конкретной уместности для изображаемого человека или ситуации, возможно, было инструментом художника, позволяющим придать фигурам одушевленность и «живость».

В этот период в скульптуре преобладали три типа фигур: стоящий обнаженный юноша, стоящая девушка, облаченная в традиционный греческий наряд, и сидящая женщина. Они подчеркивают и обобщают основные черты человеческой фигуры и показывают все более точное понимание и знание анатомии человека.

Древнегреческие статуи обнаженных юношей, в частности знаменитый Аполлон, нередко были представлены в огромных размерах, что должно было показать могущество и мужскую силу. В этих статуях намного больше видны детали мускулатуры и скелетной структуры, чем в ранних геометрических работах. У облаченных же в одежды девушек имеется широкий диапазон выражений лица и поз, как в скульптурах Афинского Акрополя. Их драпировка вырезана и раскрашена с деликатностью и тщательностью, характерной для деталей скульптуры этого периода.

Греки очень рано решили, что человеческая фигура – самый важный предмет художественных усилий. Достаточно вспомнить, что их боги имеют человеческий облик, а значит, не было различий между священным и светским в искусстве – человеческое тело было и светским, и священным одновременно. Мужская обнаженная фигура без привязки к персонажу могла бы также легко стать Аполлоном или Гераклом, или изображать могучего олимпийца.

Как и в случае с керамикой, греки не производили скульптуру только для художественного показа. Статуи создавались на заказ либо аристократами и вельможами, либо государством, и использовались для общественных мемориалов, для оформления храмов, оракулов и святилищ (что часто доказывают древние надписи на статуях). Также греки использовали скульптуры как памятники для могил. Статуи в архаический период не были предназначены для представления конкретных людей. Это были изображения идеальной красоты, благочестия, чести или жертвы. Именно поэтому скульпторы всегда создавали скульптуры молодых людей, начиная от подросткового возраста до ранней зрелости, даже когда они были размещены на могилах (предположительно) пожилых граждан.

Классический период

Классический период сделал революцию в греческой скульптуре, иногда ассоциированную историками с радикальными изменениями в общественно-политической жизни – введение демократии и конец аристократической эпохи. Классический период принес с собой изменения в стиле и функции скульптуры , а также резкое увеличение технического мастерства греческих скульпторов в изображении реалистичных человеческих форм.


Фото:

Позы также стали более натуральными и динамичными, особенно в начале периода. Именно в это время греческие статуи стали все чаще изображать реальных людей, а не смутные интерпретации мифов или полностью вымышленных персонажей. Хотя стиль, в котором они были представлены, еще не превратился в реалистичную форму портрета. Статуи Гармодиуса и Аристогейтона, созданные в Афинах, символизируют свержение аристократической тирании и, по мнению историков, становятся первыми общественными памятниками, которые показывают фигуры реальных людей.

В классическом периоде также наблюдался расцвет лепного искусства и использование скульптур в качестве украшений зданий. Характерные храмы классической эпохи, такие как Парфенон в Афинах и Храм Зевса в Олимпии, использовали рельефную лепку для декоративных фризов, украшения стен и потолков. Сложная эстетическая и техническая задача, стоявшая перед скульпторами того периода, способствовала созданию скульптурных инноваций. Большинство работ того периода сохранились только в виде отдельных фрагментов, например лепной декор Парфенона сегодня частично находится в Британском музее.

Похоронная скульптура сделала в этот период огромный скачок – от жестких и безличных статуй архаического периода до очень личных семейных групп классической эпохи. Эти памятники обычно встречаются в пригородах Афин, которые в древние времена были кладбищами на окраине города. Хотя некоторые из них изображают «идеальные» типы людей (тоскующую мать, послушного сына), они все чаще становятся олицетворением настоящих людей и, как правило, показывают, что ушедший достойно покидает этот мир, оставляя семью. Это заметное повышение уровня эмоций относительно архаических и геометрических эпох.

Другое заметное изменение – расцвет творчества талантливых скульпторов, имена которых вошли в историю. Вся информация, известная о скульптурах в архаический и геометрический периоды, сосредоточена на самих работах, и ​​редко уделяется внимание их авторам.

Эллинистический период

Переход от классического к эллинистическому (или греческому) периоду произошел в IV веке до нашей эры. Греческое искусство становилось все более разнообразным под влиянием культур народов, вовлеченных в греческую орбиту, завоеваний Александра Македонского (336-332 гг. до н. э.). По мнению некоторых искусствоведов, это привело к снижению качества и оригинальности скульптуры, однако люди того времени, возможно, не разделяли это мнение.

Известно, что многие скульптуры, ранее считавшиеся гениями классической эпохи, на самом деле творили именно в эллинистический период. Технические возможности и талант эллинистических скульпторов очевидны в таких крупных работах, как Крылатая Победа Самофракии и Пергамонский Алтарь. Новые центры греческой культуры, особенно в скульптуре, развивались в Александрии, Антиохии, Пергаме и других городах. К II столетию до нашей эры растущая сила Рима также поглотила большую часть греческой традиции.


Фото:

В этот период скульптура снова испытала сдвиг в сторону натурализма. Героями для создания скульптур теперь становились обычные люди – мужчины, женщины с детьми, животные и домашние сцены. Многие из творений того периода были заказаны богатыми семьями для украшения их домов и садов. Были созданы реалистичные фигуры мужчин и женщин всех возрастов, и скульпторы больше не чувствовали себя обязанными изображать людей как идеалы красоты или физического совершенства.

В то же время новые эллинистические города, возникшие в Египте, Сирии и Анатолии, нуждались в статуях, изображающих богов и героев Греции для их храмов и общественных мест. Это привело к тому, что скульптура, как и керамическое производство, стала отраслью с последующей стандартизацией и некоторым снижением качества. Именно поэтому до наших дней дошло гораздо больше эллинистических творений, чем эпохи классического периода.

Наряду с естественным сдвигом в сторону натурализма произошел также сдвиг в выражении и эмоциональном воплощении скульптур. Герои статуй начали выражать больше энергии, мужества и силы. Простой способ оценить этот сдвиг в выражениях – сравнить наиболее известные творения, созданные в эллинистический период со скульптурами классического этапа. Одним из самых известных шедевров классического периода считается скульптура «Перевозчик Дельфы», выражающая смирение и покорность. В то же время скульптуры эллинистического периода отражают силу и энергию, что особенно ярко выражено в работе «Жокей Артемисии».

Самые известные в мире эллинистические скульптуры – Крылатая Победа Самофракии (I век до нашей эры) и статуя Афродиты с острова Мелос, более известная как Венера Милосская (середина II века до нашей эры). Эти статуи изображают классические сюжеты и темы, но их исполнение гораздо более чувственно и эмоционально, чем допускал суровый дух классического периода и его технические навыки.


Фото:

Эллинистическая скульптура также была подвержена увеличению масштабов, кульминацией которого стал Колосс Родосский (конец III века), который, как полагают историки, по размеру был сравним со Статуей Свободы. Чреда землетрясений и грабежей уничтожила это наследие Древней Греции, как многие другие крупные работы этого периода, существование которых описывается в литературных произведениях современников.

После завоеваний Александра Великого греческая культура распространилась до Индии, что показали раскопки Ай-Ханума в восточном Афганистане. Греко-буддийское искусство представляло собой промежуточный этап между греческим искусством и визуальным выражением буддизма. Открытия, сделанные с конца 19-го века относительно древнего египетского города Гераклема, позволили обнаружить остатки статуи Исиды, созданной еще в IV веке до н.э.

Статуя необычайно чувственно и тонко изображает египетскую богиню. Это нехарактерно для скульпторов той местности, ведь изображение детализировано и женственно, что символизирует сочетание египетских и эллинистических форм во времена завоевания Александром Великим Египта.

Древнегреческая скульптура – прародительница всего мирового искусства! До сих пор шедевры Древней Греции привлекают миллионы туристов и ценителей искусства, стремящихся прикоснуться к красоте и таланту, не подверженным времени.

Мы говорили уже об ИСТОКАХ. Намеченный пунктир оборвался было по объективным причинам, но хочу всё-таки продолжить. Напоминаю, что остановились мы в глубокой истории - в искусстве Древней Греции. Что помним мы из школьной программы? Как правило, три имени прочно сидит в нашей памяти -Мирон, Фидий, Поликлет. Потом вспоминаем, что был еще и Лисипп, Скопас, Пракситель и Леохар... Вот и посмотрим, что есть что.Итак, время действия 4-5 века до нашей эры, место действия Древняя Греция.

ПИФАГОР РЕГИЙСКИЙ
Пифагор Регийский (V век до новой эры) - древнегреческий древнегреческий скульптор периода ранней классики, работы которого известны лишь по упоминаниям древних авторов. Сохранилось несколько римских копий его работ, в том числе и любимый мною «Мальчик, вынимающий занозу». Эта работа дала начало так называемой садово-парковой скульптуре.


Пифагор Регийский Мальчик,вынимающий занозу ок.сер.5 в.до н.э. бр.рим.копия Capitoline museum

МИРОН
Ми́рон (Μύρων) - скульптор середины V в. до н. э. Скульптор эпохи, предшествовавшей непосредственно высшему расцвету греческого искусства (конец VI - начало V в.). Древние характеризуют его как величайшего реалиста и знатока анатомии, не умевшего, однако, придавать лицам жизнь и выражение. Он изображал богов, героев и животных, причём с особенной любовью воспроизводил трудные, скоропреходящие позы. Наиболее знаменитое его произведение "Дискобол", атлет, намеревающийся пустить диск, - статуя, дошедшая до нашего времени в нескольких копиях, из которых лучшая сделана из мрамора и находится во дворце Массими в Риме.

Дискобол.
ФИДИЙ.
Одним из основоположников классического стиля считается древнегреческий скульптор Фидий, украсивший своими скульптурами и храм Зевса в Олимпии и храм Афины (Парфенон) в Афинском Акрополе. Осколки скульптурного фриза Парфенона находятся сейчас в Британском музее (Лондон).




Осколки фриза и фронтона Парфенона. Британский музей, Лондон.

Главные скульптурные работы Фидия (Афина и Зевс) давно утрачены, храмы разрушены и разграблены.


Парфенон.

Существует много попыток реконструкции храмов Афины и Зевса. Об этом можно прочесть здесь:
Сведения о самом Фидии и его наследии сравнительно скудны. Среди существующих ныне статуй нет ни одной, которая бы несомненно принадлежала Фидию. Все знания о его творчестве основаны на описаниях античных авторов, на изучении поздних копий, а также сохранившихся работ, которые с большей или меньшей достоверностью приписываются Фидию.

Еще о Фидие http://biography-peoples.ru/index.php/f/item/750-fidij
http://art.1september.ru/article.php?ID=200901207
http://www.liveinternet.ru/users/3155073/post207627184/

Ну и об остальных представителях Древнегреческой культуры.

ПОЛИКЛЕТ
Греческий скульптор второй половины V в. до н. э. Создатель многих статуй, в том числе, победителей спортивных игр, для культово-спортивных центров Аргоса, Олимпии, Фив и Мегалополья. Автор канона изображения человеческого тела в скульптуре, известного как "канон Поликлета", по которому голова составляет 1/8 длины тела, лицо и ладони 1/10, стопа - 1/6. Канон соблюдался в греческой скульптуре до конца, т. н. классической эпохи, то есть до конца IV в. до н. э., когда Лисипп заложил новые принципы. Самая известная его работа - "Дорифор" (Копьеносец). Это из энциклопедии.

Поликлет. Дорифор. ГМИИ. Гипсовая Копия.

ПРАКСИТЕЛЬ


АФРОДИТА КНИДСКАЯ (рим.копия с ориг.4.в.до н.э) Рим,Нац.музеи (голова,руки,ноги,драпировка реставрирована)
Одно из самых прославленных произведений в античной скульптуре – Афродита Книдская, первая древнегреческая скульптура (высота – 2 м.), изображающая обнаженную женщину перед купанием.

Афродита Книдская, (Афродита Браски) Римская копия, I в. до н.э. Глиптотека, Мюнхен


Афродита Книдская. Среднезернистый мрамор. Торс - римская копия II в. н. эгипсовая копия ГМИИ
Как рассказывает Плиний, статую Афродиты для местного святилища заказали жители острова Кос. Пракситель выполнил два варианта: богиню обнаженную и богиню одетую. За обе статуи Пракситель назначил одинаковую плату. Заказчики не рискнули и выбрали традиционный вариант, с задрапированной фигурой. Её копий и описаний не сохранилось, и она канула в небытие. А оставшуюся в мастерской скульптора Афродиту Книдскую купили жители города Книд, что благоприятствовало развитию города: в Книд стали стекаться паломники, привлечённые знаменитой скульптурой. Афродита стояла в храме под открытым небом, обозримая со всех сторон.
Афродита Книдская пользовалась такой славой и так часто копировалась, что про неё даже рассказывали анекдот, который лёг в основу эпиграммы: "Видя Киприду на Книде, Киприда стыдливо сказала: «Горе мне, где же нагой видел Пракситель меня?»".
Пракситель создал богиню любви и красоты как олицетворение земной женственности, вдохновляясь образом своей возлюбленной – красавицы Фрины. Действительно, лицо Афродиты хотя и создано по канону, с мечтательным взглядом томных затененных глаз, несет оттенок индивидуальности, указывающей на конкретный оригинал. Создав почти портретный образ, Пракситель заглянул в будущее.
Сохранилась романтическая легенда об отношениях Праксителя и Фрины. Рассказывают, что Фрина просила Праксителя подарить ей в знак любви его лучшее произведение. Он согласился, но отказался сказать, какую из статуй считает лучшей. Тогда Фрина приказала слуге сообщить Праксителю о пожаре в мастерской. Испуганный мастер воскликнул: «Если пламя уничтожило и Эрота, и Сатира, то все погибло!» Так Фрина узнала, какую работу она может просить у Праксителя.

Пракситель (предположительно). Гермес с младенцем Дионисом IV в. до н.э. Музей в Олимпии
Скульптура «Гермес с младенцем Дионисом» характерна для периода поздней классики. Она олицетворяет не физическую мощь, как было принято раньше, а красоту и гармонию, сдержанное и лиричное человеческое общение. Изображение чувств, внутренней жизни персонажей – новое явление в античном искусстве, не свойственное высокой классике. Мужественность Гермеса подчеркнута младенческим обликом Диониса. Изогнутые линии фигуры Гермеса грациозны. Его сильное и развитое тело лишено атлетизма, свойственного работам Поликлета. Выражение лица хотя и лишено индивидуальных черт, но мягкое и задумчивое. Волосы были раскрашены и схвачены серебряной повязкой.
Пракситель достиг ощущения теплоты тела тонкой моделировкой поверхности мрамора и с большим мастерством передал в камне ткань плаща Гермеса и одежды Диониса.

СКОПАС



Музей в Олимпии, Скопас Менада Уменьш.мрам.римская копия с оригинала 1-й трети 4 в
Скопас (Skopas) - древнегреческий скульптор и архитектор 4 в. до н. э., представитель поздней классики. Родился на острове Парос, работал в Тегес (ныне Пиали), Галикарнасс (ныне Бодрум) и других городах Греции и Малой Азии. Как архитектор принимал участие в сооружении храма Афины Алей в Тегее (350-340 до н. э.) и мавзолея в Галикарнасе (середина 4 в. до н. э.). Среди дошедших до нас подлинных произведений С. важнейшим является фриз мавзолея в Галикарнасе с изображением амазономахии (середина 4 в. до н. э.; совместно с Бриаксисом, Леохароми Тимофеем; фрагменты - в Британском музее, Лондон; см. илл.). Многочисленные работы С. известны по римским копиям («Потос», «Молодой Геракл», «Мелеагр», «Менада», см. илл.). Отказавшись от свойственного искусству 5 в. гармонического спокойствия образа, С. обратился к передаче сильных душевных переживаний, борьбы страстей. Для воплощения их С. использовал динамическую композицию и новые приёмы трактовки деталей, особенно черт лица: глубоко посаженные глаза, складки на лбу и приоткрытый рот. Насыщенное драматическим пафосом творчество С. оказало большое воздействие на скульпторов эллинистической культуры (См. Эллинистическая культура), в частности на произведения мастеров 3-2 вв., работавших в г. Пергам.

ЛИСИПП
Лисипп родился около 390 года в Сикионе на Пелопонн и его творчество уже представляет более позднюю, эллинскую часть искусства Древней Греции.

Лисипп. Геракл со львом. Вторая половина 4 в. до н. э. Мраморная римская копия с бронзового оригинала. Санкт-Петербург, Эрмитаж.

ЛЕОХАР
Леохар - древнегреческий скульптор IV в. до н. э., который в 350-е годы работал со Скопасом над скульптурным убранством Мавсолея в Галикарнасе.

Леохар Артемида Версальская (мр.рим.копия 1-2 в.с ориг.ок.330 в. до н.э.) Париж,Лувр

Леохар. Аполлон Бельведерский Это я с ним в Ватикане. Простите вольность, но так легче не загрузить гипсовую копию.

Ну а потом был эллинизм. Его мы хорошо знаем по Венере (в "гречестве" Афродита) Милосской и Нике Самофракийской, которые хранятся в Лувре.


Венера Милосская. Около 120 до н.э. Лувр.


Ника Самофракийская. ок. 190 до н. э. Лувр