Игорь федорович стравинский и его многогранная музыка. Игорь Стравинский: биография, интересные факты, творчество

Игорь Стравинский, биография которого представлена в данной статье, - это выдающийся русский композитор, пианист и дирижёр. Он является представителем музыкального модернизма. Игорь Фёдорович - один из крупнейших представителей мирового искусства.

Биография

В 1882 году, 17 июня, родился Игорь Стравинский. Краткая биография родителей композитора даёт представление о том, откуда у мальчика такая тяга к музыке. Отец его - Фёдор Игнатьевич - был оперным певцом, солистом Мариинского театра, заслуженным артистом России. Мать Анна Кирилловна была пианисткой. Она принимала участие в концертах мужа в качестве концертмейстера. Семья принимала у себя в доме артистов, музыкантов и писателей. Частым гостем у Стравинских был Ф. М. Достоевский. С детства приобщался к музыке и Игорь Стравинский. Фото родителей композитора представлено в данной статье.

В 9 лет будущий композитор начал брать уроки игры на фортепиано. Когда Игорь Фёдорович окончил гимназию, родители настояли, чтобы он получил юридическое образование. Будущий композитор учился в Санкт-Петербургском университете и параллельно с этим самостоятельно изучал музыкально-теоретические дисциплины. Его единственной композиторской школой были частные уроки, которые Игорь Фёдорович брал у Николая Андреевича Римского-Корсакова. Под руководством этого великого человека И. Стравинский написал первые произведения. В 1914 году Игорь Фёдорович уехал с семьёй в Швейцарию. Вскоре началась Первая мировая война, из-за которой Стравинские не стали возвращаться в Россию. Через год композитор переехал во Францию. С 1936 года Игорь Фёдорович начал ездить в США на гастроли. После того как началась Вторая мировая война, он переехал на постоянное жительство в Америку. В 1944 году И. Стравинский сделал необычную аранжировку гимна США и исполнил произведение на концерте. За это его арестовали. Ему причитался штраф за искажение гимна. Сам композитор предпочитал не афишировать случившееся и всегда говорил, что на самом деле ничего подобного не было. В 1945 году композитор получил американское гражданство. Скончался Игорь Фёдорович в 1971 году. Причина смерти - сердечная недостаточность. Похоронен композитор в русской части кладбища Сан-Микеле в Венеции.

Творческий путь

Как уже было сказано выше, под руководством Николая Андреевича Римского-Корсакова написал свои самые первые произведения Игорь Стравинский. Композитор представлял их на суд публики, и на одном из таких выступлений присутствовал Он дал высокую оценку музыке Игоря Стравинского. Вскоре знаменитый импресарио предложил Игорю Фёдоровичу сотрудничество. Он заказал ему написание музыки к балету для его «Русских сезонов» в Париже. И. Стравинский сотрудничал с С. Дягилевым три года и за это время написал для его труппы три балета, которые сделали его знаменитым: «Весна священная», «Петрушка» и «Жар-птица». В 1924 году Игорь Фёдорович дебютировал как пианист. Собственное произведение - Концерт для фортепиано и духового оркестра - исполнил на сцене Игорь Стравинский. Дирижёр проявился в нём ещё до этого. В таком качестве он выступал с 1915 по 1926 годы. В основном дирижировал исполнением собственных произведений. Он был очень требователен к музыкантам. В 50-60 годы была произведена аудиозапись большинства его сочинений. В 1962 году И. Стравинский приезжал на гастроли в СССР.

Личная жизнь

В 1906 году композитор женился на двоюродной сестре - Екатерине Носенко. Это был брак по большой любви. У четы Стравинских родилось четверо детей: Милена, Людмила, Святослав и Фёдор. Сыновья стали знаменитыми деятелями искусств. Фёдор - художником, а Святослав - пианистом и композитором. Дочь Людмила была женой поэта Юрия Мандельштама. Из-за того, что Екатерина страдала чахоткой, Стравинские уезжали на зиму в Швейцарию, сырой воздух Петербурга пагубно влиял на её здоровье. В 1914 году Игорю Фёдоровичу с семьёй пришлось надолго задержаться в Швейцарии, они не могли вернуться в Россию из-за разразившейся Первой мировой войны, за которой последовала революция. Всё своё имущество и деньги, что оставались в России, семья потеряла. Этот факт воспринял как катастрофу Игорь Стравинский. Семья композитора была немаленькой, и всех их нужно было кормить. Помимо жены и четверых детей, была ещё сестра, племянники и мать. И. Стравинский в этот период перестал получать авторские гонорары за исполнение своих произведений в России. Произошло это из-за того, что он эмигрировал. Все его произведения, изданные в нашей стране, было разрешено исполнять без выплаты денег автору. Чтобы исправить материальное положение, новые редакции своих сочинений сделал Игорь Стравинский. Личная жизнь композитора не обошлась без легенд. Ему приписывали роман с Коко Шанель. Когда И. Стравинский почти не имел средств к существованию, мадемуазель оказала ему помощь. Она пригласила композитора и его семью пожить на своей вилле. Игорь Фёдорович прожил у два года. Она спонсировала организацию концертов И. Стравинского и содержала его семью. Когда композитор уже не жил на её вилле, ещё целых 13 лет Коко ежемесячно отсылала ему деньги. Всё это и породило слухи об их романе. К тому же Коко была женщиной любвеобильной. Но вряд ли эти слухи соответствовали действительности. И. Стравинского интересовали исключительно денежные средства француженки.

В 1939 году супруга Игоря Фёдоровича скончалась. Через некоторое время И. Стравинский снова женился. Второй его супругой стала давняя знакомая композитора - Вера Артуровна Судейкина.

Русский период в творчестве

Игорь Стравинский, фотографии которого представлены в данной статье, на первом этапе развития своей карьеры - это 1908-1923 годы - писал в основном балеты и оперы. Этот период его творческого пути носит название «Русский». Все произведения, написанные им в это время, имеют много общего. Во всех присутствуют мотивы и темы русского фольклора. В балете «Жар-птица» чётко прослеживаются стилистические особенности, присущие произведениям Н. А. Римского-Корсакова.

Неоклассический период в творчестве

Это следующий этап развития творческого пути композитора. Длился он до 1954 года. Начало ему положила опера «Мавра». Основой этого периода стало переосмысление стилей и направлений в музыке 18 века. В конце этого периода в развитии своего творчества композитор обращается к античности, к мифологии Древней Греции. Были написаны балет «Орфей» и опера «Персефона». Последним сочинением И. Стравинского, относящимся к неоклассицизму, является «Похождение повесы». Это опера по наброскам У. Хогарта.

Серийный период в творчестве

В 50-е годы Игорь Стравинский начал пользоваться принципом серийности. Переходным произведением этого периода стала Кантата, написанная на стихи неизвестных английских поэтов. В ней очевидна тотальная полифонизация в музыке. Последующие произведения этого времени были полностью серийными, в них композитор отказался от тональности полностью. «Плач пророка Иеремии» является сочинением полностью додекафонным.

Произведения для музыкального театра

Список опер, балетов, сказок и сцен, которые написал композитор Игорь Стравинский:

«Свадебка» (либретто Игоря Стравинского).
«Балетные сцены».
«Петрушка» (либретто
«Агон».
«Игра в карты» (либретто Игоря Стравинского).
«Аполлон Мусагет».
«Жар-птица»(либретто М. Фокина).
«Персефона».
«Поцелуй феи» (либретто Игоря Стравинского).
«Пульчинелла».
«Мавра» (либретто Б. Кохно по поэме Александра Сергеевича Пушкина).
«Потоп».
«Байка про лису, петуха, кота да барана» (либретто Игоря Стравинского).
«Орфей».
«История солдата» (либретто Ш.Ф.Рамю, основанное на русских сказках).
«Весна священная».
«Похождения повесы» (либретто Ч. Коллмена и У. Одена по картинам У. Хогарта).
«Царь Эдип».
«Соловей» (либретто С. Митусова по сказке Г. Х. Андерсена).

Список произведений для оркестра

«Погребальная песня».
Симфония in C.
Скерцо в русском стиле.
«Концертные танцы».
Поздравительная прелюдия.
Симфония Es-dur.
«Дамбартон Оукс».
Концерт для скрипки с оркестром ре мажор.
«Фейерверк».
«Цирковая полька для молодого слона».
Дивертисмент.
«Жар-птица» - сюита из балета.
Каприччио для фортепиано с оркестром.
«Четыре норвежских настроения».
Базельский концерт.
Фантастическое скерцо.
Сюита из балета «Пульчинелла».
Вариации, посвящённые памяти Олдоса Хаксли.
Концерт для фортепиано, духового оркестра, литавр и контрабасов.
«Движения» для фортепиано с оркестром.
Симфония в трёх частях.

Для хора

Игорь Стравинский написал немало хоровых произведений. Среди них:

«Интроит памяти».
"Симфония псалмов" (для хора с оркестром).
«Плач пророка Иеремии».
Кантата «Проповедь, притча и молитва» (для альта, тенора, чтеца, хора, а также оркестра).
«Символ веры» (произведение для хора без музыкального сопровождения).
Кантата на стихи К. Бальмонта «Звездоликий».
«Отче наш» (для хора без музыкального сопровождения).
"Заупокойные песнопения".
«Богородице Дево радуйся».
Кантата «Вавилон» (для чтеца, мужского хора и оркестра).
Священное песнопение во имя святого Марка.
"Месса" (для смешанного хора в сопровождении ансамбля духовых инструментов).
Кантата на стихи анонимных поэтов Англии 15-16 вв.
«Подблюдные" - русские крестьянские песни для женского хора.
Гимн на стихи Т. Элиота.

Список камерных произведений

Эбони-концерт.
Элегия для альта.
Три пьесы для кларнета.
«История солдата» - сюита из оперы для скрипки, кларнета и фортепиано.
Симфония для духовых инструментов, посвящённая К. Дебюсси.
Концертный дуэт.
Три пьесы для струнного квартета.
Эпитафия к надгробию М. Эгона.
Прелюдия для джаз-банда.
Концертино для струнного квартета.
Рэгтайм.
Двойной канон памяти Р. Дюфи.
Фанфары для двух труб.
Септет для струнных, духовых и фортепиано.
Колыбельная для двух блокфлейт.
Октет для духовых.

В память о композиторе

Имя Игоря Стравинского носит музыкальная школа, которая находится в Ораниенбауме. В честь композиора были выпущены почтовые марки и монеты. Во французском городе Монтрё есть музыкальная аудитория имени Игоря Стравинского. На планете Меркурий есть кратер, названный в его честь. Имя «Игорь Стравинский» носят туристический теплоход и самолёт «Аэрофлота» А-319. В честь великого русского композитора названы: улица в Амстердаме, фонтан в Париже, аллея в Лозанне, площадь в Ораниенбауме. На Украине (Волынь) открыт музей Игоря Стравинского. А также там с 1994 года проводится международный музыкальный фестиваль имени этого композитора, дирижёра и пианиста.

Игорь Фёдорович Стравинский (1882 – 1971), русский композитор, дирижёр и пианист.

«Человек тысяча одного стиля», «Композитор-хамелеон», «Законодатель музыкальных мод» Игорь Фёдорович Стравинский - крупнейший композитор ХХ века.

Его наследие сегодня относится к классике современности. Именно ему удалось отразить важнейшие черты эпохи, ее конфликтность, динамизм. Разнообразие тем, сюжетов, подвижность творческой манеры – приметы его универсального стиля, сумевшего с энциклопедической широтой охватить и воплотить духовные процессы современности.

Игорь Фёдорович Стравинский родился 5 (17) июня 1882 года в Ораниенбауме в семье известного певца, солиста Мариинского театра Фёдора Игнатьевича Стравинского. Мать композитора Анна Кирилловна Холодовская была неплохой пианисткой.

С девяти лет Игорь обучался музыке, но, как вспоминает он сам, уже «с трёх лет осознал себя как музыкант». Во время летнего отдыха в деревне он слушал и подражал пению крестьянских девушек, из детства всплывает и воспоминание о впечатлении от военно-духовой музыки, доносившейся из казарм, расположенных неподалёку от петербургской квартиры Стравинских у Крюкова канала.

Как вспоминает композитор в «Хронике моей жизни», одним из незабываемых впечатлений стал 1892 год, когда на юбилейном спектакле «Руслана и Людмилы» ему посчастливилось увидеть Петра Ильича Чайковского - предмет его особой любви: юный музыкант уже тогда успел оценить в его сочинениях «Силу инструментальной изобразительности». Позднее фотография Чайковского с дарственной подписью Фёдору Игнатьевичу хранилась в доме будущего композитора как семейная реликвия.

Надо сказать, что отец Игоря не желал сыну карьеры музыканта-профессионала и определил его на юридический факультет Петербургского университета. Занятия по юриспруденции юношу не увлекали и параллельна занятия музыкой все же продолжались. С 1902 года Стравинский сближается с семьёй Н. А. Римского-Корсакова , который признал его композиторское дарование, но посоветовал развивать гармонический слух, а также разрешил периодически обращаться за консультацией. В течение следующих пяти лет общение между ними стало более тесным и выходило за рамки музыкальных занятий.

Войдя в круг живого музыкального процесса, молодой Стравинский бывал на музыкальных «средах», где собирались виднейшие музыканты, в том числе В. В. Стасов. Там же случались и премьеры сочинений самого Стравинского (сонаты fis-moll и вокализа «Пастораль», который исполнила дочь Николая Андреевича, Надежда). Под чутким руководством Н. А. Римского-Корсакова Стравинский пишет свою Первую симфонию с посвящением «дорогому учителю». Стоит отметить, что обучение у Римского-Корсакова стало единственной композиторской школой Стравинского, благодаря которой он овладел в совершенстве композиторской профессией.

Примерно 1903-1904 годах он входит в кружок «Вечеров современной музыки», по началу втайне от своего учителя, и лишь спустя время Римский-Корсаков узнает, что его ученик «изменяет» своей школе. «Игорь Фёдорович излишне ударился в модернизм»,- с сожалением говорил Николай Андреевич. - Вся эта декадентская лирика полна мглы и тумана». «Фейерверк», «Фантастическое скерцо» (по Метерлинку), опера «Соловей», (по одноименной сказке Андерсена) - все это влияние импрессионизма и символизма.

В 1905 году Стравинский заканчивает университет, годом позже женится на своей кузине Екатерине Носенко. Отказавшись от юридической карьеры, он решает полностью посвятить себя музыке.

На премьере «Фейерверка» (1908) присутствовал Сергей Дягилев , на тот момент известный меценат и основатель журнала «Мир искусства», задававшего тон всему «новому» искусству того времени. Именно этому человеку суждено было сыграть особую роль в дальнейшей судьбе Стравинского.

Высоко оценив талант молодого композитора, Дягилев предложил ему создать балет для постановки в «Русских сезонах» в Париже. Это предприятие, особенно на первых порах, знакомило европейскую публику с блестящими образцами современного русского искусства. Именно благодаря Дягилеву Париж услышал целиком оперы Мусоргского, увидел русский балет. Мысль о русском сказочном балете уже давно преследовала Дягилева. Как вспоминает балетмейстер М. Фокин, «самым фантастическим созданием народной сказки и вместе с тем наиболее подходящим для танцевального воплощения является Жар-птица!».

Спустя несколько месяцев после начала работы композитор А. Лядов возвратил ему присланное либретто балета, и Дягилев окончательно решил остановить свой выбор на Стравинском. К 1910 году партитура была готова, ярко тембровая, импрессионистская по духу. Этот балет-сенсацию постепенно готовили балетмейстер М. Фокин, будущие исполнители главных ролей - Т. Карсавина , В. Нижинский , художник А. Головин, а также постоянные консультанты Дягилева - А. Бенуа, и Л. Бакст. Стравинский и Фокин подолгу сидели за роялем в поисках синхронности движения и музыки. «Я для него мимировал сцены, - вспоминает балетмейстер. - Он по моей просьбе разбивал свои или народные темы на короткие фразы, соответственно моментам сцены, жестам. Стравинский следил за мной и вторил мне отрывками мелодии Царевича на фоне таинственного трепета, изображающего сад злого Кащея».

Несколько лет спустя Стравинский сделал из музыки балета новую оркестровую пьесу, перередактировав её текст и исключив все тембровые излишества. В новом варианте сюита из «Жар-птицы» завоевала всемирную популярность.

В течение трёх лет сотрудничества с труппой Дягилева Стравинский создаёт ещё два балета, принёсших ему мировую известность, среди них «Петрушка» и «Весна священная». Первый из них – «потешные сцены», авторами которых стали сам Стравинский, Бенуа и Дягилев (1911). После премьеры балета в Париже с восторгом о музыке «Петрушки» отзывается Дебюсси, называя автора «гением колорита и ритма».

Балет «Весна священная» - «картины языческой Руси» на либретто Рериха. После проигрывания в четыре руки только что законченной партитуры «Весны» Лалуа воспоминает: «Мы были немы, сражены до глубины души, как после урагана, пришедшего из глубин веков и пустившего корни в нашу жизнь» (1913).

Вскоре после премьеры Стравинский, находясь в Швейцарии, заболел брюшным тифом и одно время был почти при смерти. Больного навещали Дебюсси , М. де Фалья, А. Казелла, Равель. Заслуживает упоминания единственная встреча Стравинского со Скрябиным . Оба музыканта в сдержанной форме проявили взаимный интерес. Стравинский попросил автора «Поэмы экстаза» прислать ему его последние фортепианные сонаты. Здесь же он познакомился с экспрессионизмом, «Лунным Пьеро» А. Шенберга.

«Швейцарский» период сыграл особую роль в жизни и творчестве Стравинского. В нем чувствовался интерес к русским национальным образам, к русской экзотике, к сказке, фольклору. Об этом говорит хотя бы перечень произведений, созданных в те годы: «Прибаутки», «Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана», «История солдата».

В июле 1914 года Стравинский начал работать над «Свадебкой», изначально планировавшейся как балетный дивертисмент. Композитор отправился в Киев, надеясь разыскать поэтический сборник русских народных песен П. Киреевского и ещё кое-какие материалы. Заехав затем в Устилуг, своё фамильное поместье, он намеревался той же осенью вернуться в Киев за материалами. Но жизнь нарушила его планы: через несколько дней после возвращения в Швейцарию началась война. Стравинский решил не возвращаться ни в Париж, ни на родину, а остаться в нейтральной Швейцарии. Он обосновался в Кларане. И за последующие семь лет исколесил почти всю часть французской Швейцарии - Кларан, Сальван, Морж.

В 1917 году Стравинский посетил Рим и Неаполь. Там он познакомился с Пабло Пикассо, с которым у него завязалась тесная дружба. В Швейцарии же он дебютировал в качестве дирижёра собственной музыки, завязалась тесная дружба с поэтом Ш. Рамюзом и дирижёром Эрнестом Ансерме.

В 1919 году Стравинский выехал в Париж. Вокруг него образовался кружок близких друзей, с которыми устанавливались все более тесные отношения, это были молодые модернисты: «моднейшие парижане», Жан Кокто, Пабло Пикассо, Равель, Бенуа, Нижинский, художники Матисс, Гончарова, Ларионов. В салоне меценатки Э. Полиньяк, особо благоволившей к Стравинскому, он сблизился с Мануэлем де Фальей, Габриелем Форе, Эриком Сати. Молодая французская «Шестёрка» (Ж. Орик, Ф. Пуленк, Д. Мийо и другие) тоже видела в Стравинском своего вдохновителя. Позднее Стравинский много общался с писателем Андре Жидом, Чарли Чаплином.

В первые годы после возвращения во Францию композитор был по-прежнему тесно связан с Дягилевым. В Европе с успехом шли его балеты, особенно «Петрушка». В 1921 году он отправился на гастроли в Испанию, Бельгию, Голландию, Германию. 22 мая 1924 года состоялся концертный дебют Стравинского как пианиста. С оркестром С. Кусевицкого он исполнил свой Концерт для фортепиано.

В 1925 году он впервые отправился в поездку в США. Последующие Американские турне 1937, 1939 годы все более укрепляли его творческие связи с этой страной. К середине 1920-х годов относится очередное увлечение Стравинского интерес к механическому фортепиано, сконструированному французской фирмой «Плейель». Композитора увлекла возможность создания документальной авторской записи, которая могла бы служить своего рода эталоном. Он специально изучал акустические принципы записей и обусловливаемые ими особенности гармонии, голосоведения, приспосабливал к роялю оркестровые партитуры и даже создал новую оркестровку « Свадебки» , специально рассчитанную на использование механических роялей и электрогармониума.

Стравинский фактически жил в доме главы фирмы «Плейель». И, кстати, именно там произошла его встреча с В. Маяковским, приехавшим в 1923 году в Париж. Увлечение пианолами прошло столь же скоро, как и многие другие преходящие увлечения. Так, например, в Швейцарии он увлекался велосипедным спортом, во Франции стал страстным автомобилистом. Быстро научившись вождению, он изъездил на своём «Рено-Гочкисе» весь Лазурный берег.

В 1939 году во Франции умерла жена композитора Е. Носенко. Несколько раньше он потерял мать и старшую дочь. Кончину близких композитор переживал очень остро, тогда впервые возникло желание переехать в другую страну. Но помимо этого были и другие причины. В 1936 году друзья сыграли со Стравинским злую шутку: они уговорили его выставить свою кандидатуру в число «бессмертных» - во Французскую академию изящных искусств. На выборах, однако, он был скандально провален, и вместо него был выбран довольно средний французский композитор Флоран Шмидт. Этот инцидент не был случайностью. Уже и до того многие французы, особенно же французская музыкальная молодёжь, стали изменять своему былому кумиру: все чаще раздавались голоса, требующие свергнуть с пьедестала иностранного «мэтра».

Все это проходило не бесследно для самочувствия Стравинского, тогда уже гражданина Франции. В то же время поездки в США укрепляли его связи с американскими фирмами, оркестрами, меценатами. По их заказам он написал ряд сочинений. В 1939 году по приглашению Гарвардского университета он прочёл курс лекций о своей музыкальной эстетике.

Разразившаяся Вторая мировая война послужила последним и непосредственным толчком к окончательному решению: пароход «Mauntbatten» доставил композитора к берегам его «третьей родины». Стравинский жил во Франции с 1920 по 1940 год. В Париже состоялись премьеры его оперы «Мавра» (1922), «Свадебки» (1923) - итогового произведения русского периода, а также оперы-оратории «Царь Эдип» (1927), знаменовавшей собой начало периода в творчестве композитора, который принято называть «неоклассическим».

В начале сороковых годов открылся новый период творческой биографии Стравинского, который можно назвать «американским». В декабре 1939 года он по приглашению уезжает на Западный берег США - в Сан-Франциско и Лос-Анжелес. Города Калифорнийского побережья напоминали композитору Лазурный берег Франции. Было решено обосноваться именно здесь, в Калифорнии, в Голливуде. В те годы на побережье Тихого океана поселилось немало крупных писателей и музыкантов, эмигрировавших из объятой пламенем войны с фашизмом Европы: Томас Манн, Лион Фейхтвангер, Арнольд Шенберг и многие другие.

Живя в центре американской кинопромышленности, Стравинский неизменно отвергал любые предложения работать для кино, утверждая, что его не удовлетворяет принцип случайности, определяющий сочинение киномузыки. Находясь в самом эпицентре джаза, композитор не обходит стороной и это направление. Для негритянского оркестра Вуди Германа он пишет в 1945 году «Чёрный концерт», с типично джазовыми эффектами, виртуозными соло кларнета и «цветовой партитурой» (выступления его сопровождались световыми эффектами при помощи разноцветных прожекторов).

Постепенно музыкальный язык Стравинского становится более аскетичным. На смену динамизму приходит сдержанность. Композитор обращается к серийной технике, и отныне она станет доминирующим в организации музыкальной ткани его сочинений. Первое серийное сочинение – Септет (1953). Полностью серийным сочинением, в котором Стравинский совершенно отказался от тональности, как таковой, стал Threni (Плач пророка Иеремии; 1958 г.). Произведение, в котором серийный принцип абсолютен, - это «Движения» для фортепиано с оркестром (1959). Итоговое музыкальное произведение серийного периода - Вариации памяти Олдоса Хаксли для оркестра.

В 1947 году состоялось знакомство Стравинского с Робертом Крафтом, молодым дирижёром. Вскоре он стал постоянным музыкальным ассистентом и сотрудником Стравинского, интерпретатором его сочинений. Регулярное многолетнее общение Крафта со Стравинским послужило основой для публикации их «Диалогов».

Значительную группу представляют сочинения, являющиеся данью памяти ушедшим друзьям и близким. Окружение Стравинского редеет, и к концу жизни он все сильнее ощущает своё одиночество: «Сегодня у меня нет собеседников, которые смотрели бы на мир моими глазами».

К мемориальным опусам относятся – «Траурные каноны и песнь памяти Дилана Томаса» (l954), «Эпитафия» (l959), «Элегия Джону Кеннеди» (1964), вариации памяти Олдоса Хаксли (l964), Introitus памяти Томаса Элиота, и, наконец, последнее, крупное сочинение - Requiem Canticles для контральто и баса соло, хора и оркестра (l966). «Заупокойные песнопения» завершили всю мою творческую картину», «Реквием в моем возрасте слишком задевает за живое», «сочиняю шедевр своих последних лет» - признается И. Стравинский.

И все же интенсивность композиторской и исполнительской деятельности не утихала и в глубокой старости, до 85-летнего возраста сохранялся строгий рабочий распорядок: полгода - каждодневная творческая работа, полгода – концертные турне. В 1962 году Стравинский посетил Москву и Ленинград. Поездка на родину, по словам самого композитора, его очень воодушевила.

Одно из последних, завершённых его произведений – обработка для камерного оркестра двух духовных песен Гуго Вольфа (1968), но он ещё успеет задумать и начать оркестровку четырёх прелюдий и фуг из ХТК И. С. Баха (1968-1970).

Но на этом творческая деятельность мастера обрывается. 6 апреля 1971 года, за 2 месяца до своего 89-летия Игорь Фёдорович Стравинский скончался. Он похоронен на кладбище Сан-Микеле в Венеции (Италия), в так называемой «русской» его части, вместе со своей женой Верой, недалеко от могилы Сергея Дягилева.

Путь Стравинского изобилует частыми модуляциями: от Юношеской симфонии, отмеченной влиянием Глазунова и Брамса , к русскому импрессионизму «Жар-птицы» и «Соловья», далее к неопримитивизму «Весны священной». Октет духовых возвестил поворот к неоклассицизму, в котором за тридцать лет также наметилось несколько параллельных течений.

И, наконец, Септет 1952 года открыл ещё одну главу в творческой биографии Стравинского - период сериализма. Его художественные симпатии простираются от Баха до Булеза, от свадебного русского чина до французского модерна, от строгих метров античного стиха до острых джазовых ритмов - таков круг его художественных симпатий. Почти каждая новая глава в биографии Стравинского - это глава в истории западноевропейской музыки ХХ века.

Творчество Стравинского, в сущности, далеко от событий реальной действительности. Композитор сравнивает эстетическое чувство слушателя музыки с ощущением, которое испытываешь, созерцая «игру архитектурных форм» . Поэтому он бежит современности, отворачивается от ее героев, и лишь иногда мощный ветер жизненных бурь врывается в его музыкальный мир.

В музыке Стравинский больше всего боится «произвола» исполнителя, все равно - пианиста, дирижёра, актёра. Искусство представления - точное выполнение авторских намерений - вот его идеал! Герои должны быть лишены «романтических» переживаний. Поэтому такое большое значение приобретает нонперсонификация, обезличивание главных героев (Невеста в «Свадебке», Избранница в «Весне священной», в «Байке» главные герои - мимические фигуры, а поют за них другие артисты, спрятанные в оркестре, либо целый хор).

Феномен музыки дан нам единственно для того, чтобы внести порядок во все существующее, включая прежде всего отношения между «человеком и временем». Особенности характера композитора накладывали отпечаток на его творчество, например, профессиональные качества точности, пунктуальности, предусмотрительности, хронометрической интуиции. Неслучайно Стравинского называли композитором-хронометром, композитором-инженером, а его друг Ж. Кокто уверял, что рабочее место этого композитора напоминает «хорошо организованный операционный стол хирурга».

Творчество Стравинского до сих пор чрезвычайно актуально. Именно ему удалось пройти практически через весь ХХ век, при этом, надевая разные маски стилей, остаться верным себе. Композитор и сам, заканчивая «Хронику», пишет: «Я не живу ни в прошлом, ни в будущем. Я - в настоящем. Я не знаю, что будет завтра. Для меня существует лишь истина сегодняшнего дня. Этой истине я призван служить и служу ей с полным сознанием».

Введение

О «Весне священной» написано очень много - специальные научные исследования о структуре, ритмике, интонационном и образном строе этого произведения, тысячи рецензий на исполнения «Весны» как в театре, так и на концертной эстраде. Музыка балета записана на пластинки лучшими дирижерами мира (наиболее известны записи Пьера Монтэ, Эрнеста Ансермэ, Герберта фон Караяна, Пьера Булеза); прославленные хореографы вот уже на протяжении более чем семидесяти лет создают зрительно-пластический эквивалент музыке, среди них Вацлав Нижинский, Леонид Мясин, Морис Бежар, Владимир Васильев и Наталия Касаткина; Уолт Дисней дал этому произведению жизнь на экране в своем поразительном фильме «Фантазия».

Начиная со дня премьеры «Весны» в Парижском «Театре Елисейских полей» 29 мая 1913 года под управлением Пьера Монтэ и по сегодняшний день партитура «Весны» вызывает по отношению к себе либо крайне восторженные, либо резко отрицательные эмоции. Показательно, что крупные музыканты немедленно по достоинству оценили музыку балета, чего нельзя сказать о большинстве газетных критиков. Так, композитор Н.Я. Мясковский уже в 1914 году писал: «Весна священная» - произведение на редкость жизненное, свежее, волнующе привлекательное»; академик Б.В. Асафьев в 1929 году отметил, что «Первое представление «Весны священной» в Париже в мае 1913 года является исторической датой. Влияние этого смелого произведения на всю современную музыку еще далеко не учтено». А сотрудник английского журнала «Мьюзикал Таймс», пожелавший остаться анонимным, попросту считал, что «это не имеет никакого отношения к тому, что мы понимаем под словом музыка».

Итальянский композитор Альфредо Казелла назвал «Весну священную» «ослепительным маяком, лишь вчера зажженным, но уже разгоняющим мрак на пути, по которому пойдут молодые музыканты будущего». Со временем написания этих слов прошло более шестидесяти лет, а свет маяка «Весны священной» все так же ярко освещает величественное море русского и мирового искусства нашего времени.

Стравинский. Жизнь и творчество

Игорь Федорович Стравинский родился 5 (17) июня 1882 в Ораниенбауме близ Санкт-Петербурга в музыкальной семье - отец его был оперным певцом. Мать, Анна Кирилловна, была музыкально одаренной женщиной - пела и играла на рояле, являлась постоянным аккомпаниатором мужа. В их доме бывали дирижер Э. Направник, балетмейстер М. Петипа, Ф. Достоевский, Н. Римский-Корсаков, артисты Мариинского театра.

Учась в гимназии, Стравинский занимался игрой на фортепиано, любил музыку, но не собирался полностью посвятить себя ей.

После окончания гимназии, в 1900 г. Стравинский стал студентом юридического факультета Петербургского университета. В университете Стравинский близко сошелся с В.Н. Римским-Корсаковым, сыном композитора, у которого уже в двадцатилетнем возрасте он начал брать уроки композиции. Под влиянием Римского-Косакова он обратился к русскому музыкальному фольклору и вообще, начинающий композитор находился под сильнейшим воздействием великого педагога (свою Первую симфонию он посвятил «дорогому учителю»), к которому относился с сыновней любовью. Смерть Римского-Корсакова (1908) потрясла его. Памяти учителя Стравинский написал «Траурную песню» для оркестра. Друскин М.С. И. Стравинский. Личность. Творчество. Взгляды, Л. - М., 1974. С. 78-82

В 1905 опубликовал симфонию, написанную в академическом стиле. Событием, определившим «крутой поворот» в жизни Стравинского, казалась встреча с С. Дягилевым, возглавлявшим объединение «Мир искусства» и организовавшим Русские сезоны в Париже, благодаря которым европейская публика смогла познакомиться с искусством Ф. Шаляпина, А. Павловой , Т. Карсавиной, В. Нижинского, М. Фокина.

Его первое крупное произведение, пронизанное национальными мотивами, появилось после встречи с С.Дягилевым - прославленным балетным импресарио, готовившим ряд спектаклей русского балета в Париже. По его заказу Стравинский написал одну из самых блестящих своих партитур - балет по русской сказке Жар-птица (1910). В следующем году был завершен еще один балет - Петрушка, где в живых и достоверных образах воссозданы картины русской масленицы - и улично-балаганный «низовой» фольклор, и новые приемы оркестровки, и свободное многоголосие, в основе которого - сочетание не только мелодических линий, но целых пластов. А главное - магия условного театрального действа, допускающая соединение разных жанровых и смысловых элементов: романтической истории и фольклорного направления, русского народного театра «Петрушка» и персонажей итальянской «комедии масок» . Григорьев Н. Балет Дягилева. М., 1994. С. 45-48.

Уже в третьем балете - Весна священная (1913), действие которого происходит в древней языческой Руси, Стравинский порывает с музыкальной традицией, свободно используя неразрешенные диссонансы и постоянно меняющиеся ритмы невероятной сложности. Премьера Весны священной, имевшей подзаголовок «Картины языческой Руси», поставленной «Русским балетом» Дягилева в Париже 29 мая 1913, сопровождалась бурным выражением негодования со стороны части публики. Разразился «грандиозный театральный скандал» С тех пор имя Стравинского стало символом ультрасовременных тенденций в музыке.

Композитор воскрешал в музыке первозданную суровость обычаев древнего племени, возглавляемого Старейшим-Мудрейшим, возрождал обряды весенних гаданий, заклинаний сил природы, представлял величание Избранной. Завершался балет ее Великой священной пляской - жертвоприношением. Музыка его, насыщенная диссонансами, политональными наслоениями, импульсивными ритмами, сплетающимися мелодическими потоками, создавала впечатление первобытной стихийности и обрядовой истовости мира предков, в котором человек и природа неразделимы. Сам композитор, подчеркивая это, говорил: «Мой новый балет «Весна священная» не имеет сюжета. Это религиозная церемония Древней Руси - Руси языческой». Все премьеры ранних балетов Стравинского, состоявшиеся в антрепризе Дягилева, имели значение сенсации, утверждая мировую славу молодого новатора.

Перед началом Первой мировой войны композитор покинул Россию. До 1939 жил во Франции, затем поселился в США. Театр стал воплощением его художественных устремлений; для театра написаны оперы «Соловей» и «Мавра», музыкально-сценические произведения «История солдата», «Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана», «Свадебка». Музыкальные замыслы этих сочинений во многом вновь исходили из фольклорной поэтики. Именно Стравинскому удалось наметить одну из магистральных линий развития музыкального театра XX века, синтезирующего разные виды искусства Друскин М.С. И. Указ. соч. С. 85.

Новаторство этих произведений во многом обусловлено и особыми принципами претворения фольклорной поэтики, характерными для стиля модерн и творчества художников «Мира искусства», в тесном содружестве с которыми Стравинский находился в эти годы. В литературе о Стравинском принята классификация его творческих периодов: ранний («русский», заканчивающийся «Свадебкой», то есть 1923 г.), центральный («неоклассицистский», охватывающий тридцатилетие до 1953 г.) и поздний (связанный с обращением к додекафонии - новой технике композиции с двенадцатью функционально равнозначными тонами). Такое деление творческого пути композитора весьма условно, так как дает представление только об эволюции «почерка» Стравинского.

Отъезд из страны стал причиной постепенного исчезновения из музыки Стравинского элементов русского фольклора. В более поздних сочинениях уже прослеживается поворот к классицизму и религиозной тематике. Сюда относятся Концерт для фортепиано с оркестром (1924), балет Аполлон Мусагет (1927) и в особенности кантата Симфония псалмов (1930). В этот же период композитор создает балеты Пульчинелла (1920, на темы Перголези) и Поцелуй феи (1928, на темы Чайковского). Его Симфония в трех частях (1945) - синтез неоклассицистской манеры и революционного стиля Весны священной.

Наиболее полно художественный аскетизм Стравинского проявился в Царе Эдипе (1927), опере-оратории на латинский текст; скупыми техническими средствами композитор достигает необычайного драматизма. В 1951 Стравинский написал оперу Похождения повесы (по серии нравоучительных гравюр Уильяма Хогарта) - сочинение, которое знаменует еще одну стилистическую линию его творчества: элементы комедии, моралите и мелодрамы сливаются в шутливо-назидательное целое.

Возможно, наиболее примечательным этапом творческой эволюции Стравинского (уже перешагнувшего 70-летний рубеж) стало освоение им 12-тоновой (додекафонной) системы композиции, которую использовали Арнольд Шёнберг и Антон Веберн. В этом стиле созданы балет Агон (1957) для 12 танцовщиков и духовная кантата на библейский текст Плач пророка Иеремии (1958) для солистов, хора и оркестра. Неповторимая манера Стравинского отчетливо проявилась в ритмике, полифонии и тембровой палитре этих додекафонных сочинений. Ярустовский Б. М. И. Стравинский. 2-е изд. М., 1969. С 120

В 1962 г. после почти пятидесятилетнего перерыва композитор посетил Россию, дал несколько авторских концертов в Москве и Ленинграде, встречался с творческой интеллигенцией.

Умер Стравинский в Нью-Йорке 6 апреля 1971. Его влияние на музыку XX в. огромно. Такие шедевры, как Весна священная, вошли в основной репертуар оркестров многих стран мира.

Машина Уэллса

Очень часто мы забываем, что тот или иной деятель культуры, будь то писатель, ученый или композитор, в первую очередь является обыкновенным человеком, состоящим из мяса и костей, полный надежд и страхов. Таковым, как ни странно был Игорь Стравинский. Concepture публикует статью о композиторе.

Лирическое вступление

Читательское воображение при знакомстве с текстом, картиной или симфонией, как правило, рисует фигуру эдакого титана, далекого от повседневной суеты, чуждого обыденной житейской психологии. Отчасти это может быть верно, если мы рассматриваем исключительно краткие моменты подлинного творчества, те моменты, когда автор охвачен вдохновением, священным безумием, когда он на время становится проводником высших смыслов. Однако в остальные часы даже самые гениальные творцы нисходят с «небес на землю» и тогда - «ничто человеческое им не чуждо».

Личность Игоря Стравинского, выдающегося композитора XX века, раскрывается с этой стороны в работе «Диалоги», представляющей собой запись четырех бесед между Стравинским и его секретарем Робертом Крафтом.

Текст «Диалогов» неоднократно подвергался переструктурации. Поскольку вопросы задавались непоследовательно, многие высказывания носили отрывочный характер. Отсутствовал единый план построения. Часто разговор возвращался к одним и тем же лицам, датам, событиям. Окончательная редакция текста разместила материал в трех тематических блоках:

1. Из воспоминаний.

2. О своих сочинениях.

3. Мысли о музыке.

Анализ личности

Роберт Крафт и Игорь Стравинский

Из его воспоминаний о своем детстве становится ясно, что ранние впечатления очень сильно повлияли на него и предопределили многие дальнейшие пути поисков и предпочтения. Сам Стравинский любил повторять: «Человек живет не реальностью, а образами, сохраненными в памяти». Также он говорил: «факт моего рождения и воспитания в городе скорее неоитальянском, чем чисто славянском или восточном, должен был частично обусловить собой направление культуры моей позднейшей жизни". Речь идет о дореволюционном Петербурге, в котором Стравинский родился и провел свое детство. Немаловажно и то, что он родился в зажиточной семье, которая могла себе позволить держать няньку, кухарку, горничную, приказчика и швейцара. То есть, Стравинский не был приучен к самостоятельному труду. Его мыли, одевали, кормили и сопровождали до Второй Петербургской Гимназии, где он учился. Подобная «избалованность» с детских лет наложила на характер Стравинского отпечаток непреходящей капризности, претенциозности, необоснованной убежденности в том, что окружающие люди должны соответствовать его требованиям и представлениям, что они обязаны оправдывать его ожидания. Если в детстве такое отношение имело место к домашней прислуге, то впоследствии оно распространилось и на коллег «по цеху». Характеристики, которые он им дает подчеркнуто резки, а порой откровенно желчны, даже оскорбительны. И поскольку они субъективны, многие из них явно несправедливы. Например, такие высказывния как «Композиторы присоединяют одну ноту к другой - вот и все» или «Есть люди, которые понимают музыку, но не любят ее. Это композиторы. Есть люди, которые не понимают музыку, но любят ее. Это слушатели» - многие бы оспорили: и композиторы, которые всегда признавались в своей горячей любви к музыке, и тонкие ценители, которые, не имея никакого отношения к сочинению музыкальных произведений, все же в них разбираются.

Следующая примечательная черта Стравинского, наметившаяся у него уже в детстве - это какое-то почти невротичное стремление к «надежности», опоре, определенности. Ему импонирует все то, на что «можно положиться». Про свою няню он говорит: «самая надежная фигура в моем мирке»; про свою привычку спать при свете - «освещение дает мне ощущение надежности в мои 78 лет так же, как когда мне было 7 или 8»; кухню, из которой каждое утро неизменно доносился запах свежеприготовленной пищи, он называет «надежный оплот». Причиной такой настойчивой потребности в «надежных» опорах, по всей видимости, следует считать отсутствие достаточного внимания со стороны родителей, которые в силу специфики своих профессий не могли выполнять прямых родительских функций - воспитывать маленького Игоря, окружать его лаской и заботой. Отец Федор Стравинский был известным оперным певцом, солистом Мариинского театра. Мать Анна Холодовская была не менее известной пианисткой, концертмейстером мужа. Рождение в артистической семье давало как свои плюсы, так и минусы. Творческая атмосфера, в которой Стравинский вырос, стала для него естественной средой, не просто сферой деятельности, но и самой жизнью. С другой стороны все сопутствующие такой жизни негативные аспекты так же прочно отразились на его личности. Это и неумная экстравагантность, перманентная склонность к эпатажу, острое чувство одиночества вследствие непонимания и невозможности гармонично согласовать свою индивидуальность с другими людьми.

Гимназист Игорь Стравинский

Поскольку высказывания Стравинского о своих сочинениях являются крайне предвзятыми и не могут служить объективным основанием для составления ясного представления о них, нам кажется уместным обойти стороной эту часть книги и попытаться дать характеристику деятельности Стравинского со стороны.

Творческая биография Стравинского представляет собой непрерывную череду поисков и экспериментов, бесчисленные комбинации всевозможных стилей и жанров. И потому творческие ипостаси Стравинского варьируются от первобытной стихийной варварской мощи до тончайших эстетических стилизаций а-ля модерн и сурового академического аскетизма, не приемлющего никаких украшательств. Традиционно в жизни Стравинского выделяют 3 периода:

Русский период (1908-1923)

Он характеризуется активным использованием русского фольклора. Собственно и названия балетов, созданных в этот период, являются весьма говорящими - «Петрушка», «Жар-птица». Дело в том, что в эти годы Стравинский находился под сильным влиянием своего учителя Римского-Корскова, у которого перенял прием мифологически-аллегорического изображения русской народной культуры с ее обрядовыми интонациями и чисто песенными оборотами. В этот период Стравинский работает преимущественно в музыкально-театральных жанрах, в частности, он создает 3 балета, в которых разворачивает 3 ипостаси русской культуры: сказочную в «Жар-птице»; бытовую в «Петрушке»; и языческую в «Весне священной». Стиль Стравинского этих лет можно определить как своеобразный русский импрессионизм, основу которого составляют традиционные темы русского фольклора, представленного в трех аспектах: крестьянства, мещанства и архаики.

Неоклассический период (1920-1954)

В это время Стравинский изучает древнегреческую мифологию и занимается переосмыслением музыкальных стилей XVIII века. Его собственный стиль, типично русский по истокам, вступает во взаимодействие с элементами европей-ского барокко и классицизма. Если до этого он концентрировал свои творческие усилия преимущественно на музыкально-театральных жанрах, то начиная с 20-х годов уделяет большое вниманиеинструментальным сочинениям — ансамблевым (Октет), сольным (Соната и Серенада для фортепиано), концертным (Фортепианный и Скрипичный концерты).

Серийный период (1954-1968)

Стравинский осваивает серийную технику. Основным композиционным элементом его произведений становится ряд (серия) неповторяющихся звуков. Первые эксперименты с серийными техниками прослеживаются в небольших композициях 1952—1953 годов «Кантата», «Септет» и «Три песни из Вильяма Шекспира». Первым сочинением, которое полностью основано на серии стала музыка «Памяти Дилана Томаса», написанная в 1954 году. Впервые 12-тоновую серию (наряду с другими техниками композиции) Стравинский использовал в балете «Агон» (1954—1957). В «Canticum sacrum», созданном в 1955 году, одна из пяти частей (Surge Aquilo ) полностью додекафонна. Впоследствии композитор использовал серийную технику в своих сочинениях «Плач пророка Иеремии» (1958) и «Проповедь, притча и молитва» (1961), которые были основаны на библейских текстах и мотивах, а также в мистерии «Потоп» (1962), представляющей собой синтез выдержек из Книги Бытия со средневековыми английскими мистериями.

Стравинский и его музыкальная философия

Н.А. Римский-Корсаков

Что касается взглядов Стравинского на сущность музыки - они формулируются куда более кратко. Стравинский считал основной задачей любого искусства и музыкального в том числе - символизацию действительности, запечатление ее в художественном образе (текстуальном, живописном, музыкальном, скульптурном), придание ей формы, чтобы из разряда временности перевести в разряд вечности. При этом его совершенно не волновал смысл формы. По свидетельству самого Стравинского: «Композиторы и художники не мыслят понятиями; то, что Пикассо или я можем сказать о живописи или музыке, не представляет какого-либо значения. Работа композитора - это процесс восприятия, а не осмысления. Он схватывает, отбирает, комбинирует, но до конца не отдает себе отчета в том, когда именно смыслы различного рода и значения возникают в его сочинении. Всё, что он знает и о чем заботится, это уловить очертания формы, так как форма это все. Он абсолютно ничего не может сказать о смысле».

Именно поэтому Стравинского нельзя назвать мыслителем, он в первую и последнюю очередь - творец. Он сочиняет музыку, совершенно не понимая для чего он ее создает и что посредством нее хочет сообщить миру. Интерпретировать его произведения, вписывать их содержание в какие-то категории - работа критиков и музыковедов. Стихия Стравинского - чистая чувственность. Ощущать и помнить ощущения для него важнее, чем знать и понимать. Именно поэтому нельзя полагаться на высказывания Стравинского относительно тех или иных авторов, произведений и прочих культурных явлений. Они представляют собой лишь субъективное восприятие экспансивного композитора. Если вы хотите составить объективную картину истории музыки или шире истории культуры, обращаться к Стравинскому - явно не по адресу. Стравинского надо слушать, а не читать.

Подводя итог нашему небольшому исследованию личности Стравинского, можно сказать, что этот композитор соединил в себе аполлоническое и дионисийское начала, как в жизни, так и в творчестве. Именно поэтому вокруг фигуры Стравинского до сих пор не прекращаются споры о его статусе и значении для культуры. Кто он? Выразитель глубинных художественных устремлений своего времени или поверхностный экспериментатор, занятый преимущественно формальными поисками? Прибегая к мудрости диалектики, ответим так: и то, и другое. В любом случае его музыка не оставляет равнодушным.

Прожил долгую, почти девяностолетнюю, жизнь, большая часть которой прошла за границей. Через десять лет после «художественной эмиграции» в 1913 из России, которая не приняла ни его «Петрушку», ни тем более «Весну священную», он с горечью скажет: «Я утратил свои корни».

Но Игорь Стравинский везде и всегда воспринимался как русский композитор, его русская сущность никуда не делась и именно она пронизывает все его творчество. Особенно ярко она проявилась в «русский» период его творчества. Тогда национальный фольклор и народная языческая стихия были основой всех его произведений в течение пятнадцати лет.

Вершиной периода стала «Весна священная» (1913), которую невозможно спокойно слушать и сто лет спустя. И так будет всегда, потому что эта потрясающая по силе музыка затрагивает основы человеческого бытия не только русского, но и любого, проникая на глубинный уровень, вводя в экстаз, захватывающий и даже постыдный, противостоять которому невозможно.

В русской поэзии есть еще только один такой пример - это поэзия Велимира Хлебникова. Случайно или нет, но Хлебников умер в 1922 году, в то же время, когда закончился "русский" период Игоря Стравинского. И начинали они примерно в одно время - в начале нулевых годов прошлого столетия, став яркими представителями расцвета русской культуры - Серебряного века.

Леон Бакст. Эскиз костюма к балету "Жар-птица" 1910.

В начале "русского" периода Игорь Стравинский еще оставался в рамках традиции "Могучей кучки" и Н.Римского-Корсакова, которого считал своим духовным наставником и учителем. И потому «Жар-птица» (1910) во многом напоминает корсаковского «Садко», но уже в «Петрушке» (1911), и особенно - в революционной «Весне священной», от этой традиции не осталось и следа.

Отказ от красивости, гладкости и мелодичности, привнесенных культурой предыдущих веков, обращение к народной традиции и фольклору, частушечность, интонационные и метрические перебивы, повторы, предпочтение, отдаваемое разнородности мотивов, плясовые ритмы и скоморошество, театральность и праздничность - все это питалось уже из других источников.

И Хлебников, и Стравинский искали вдохновение и новизну в народной стихии и в фольклоре, они были открывателями, новаторами, реформаторами, экспериментаторами и изобретателями нового языка: один в музыке, другой - в поэзии, хотя их личные судьбы сложились совершенно по-разному.

Один, хоть и нуждался постоянно в деньгах, но прожил благополучную и относительно обеспеченную жизнь. Другой - так и остался человеком неотмирным, странствующим дервишем, без семьи и дома, без денег и без малейшего намека на желание иметь то, и другое. Его интересовала только поэзия и слово, все остальное - ему только мешало.

Ф.Бенуа. Эскиз афиши к балету "Петрушка"

В основе творчества того и другого лежит стихия, завораживающая энергией, магией, заговорами, необычными дионисийскими ритуалами, рождающими странные чувства у о-культуренного аполлонического человека, вызывающие реакцию отторжения, как минимум, как максимум - непонимание и скандал.

Примерно то же самое потом делал Арто в театре и тоже вызывал скандалы. Но скандал, произведенный «Весной священной», для композитора стал неожиданным сюрпризом, потому что эту музыку он искренне любил, но реакция публики привела его в замешательство: он не был к этому готов.

И только прозорливая гениальность Сергея Дягилева могла понять, что все только начинается, хотя и он, впервые услышав «Весну священную», был шокирован, но после премьеры уже окончательно был уверен: именно за этой музыкой будущее. И оказался прав.

Через год «Весна священная» была воспринята как триумф Игоря Стравинского, как музыкальная революция. И именно она определила развитие европейской музыки в XX веке. Пережив три русских революции и две мировых войны, Игорь Стравинский тонко чувствовал время и чутко реагировал на изменения времени своей музыкой.

Н.Рерих. Девушки. Эскиз декорации и костюмов к балету И.Ф.Стравинского «Весна священная»

В начале пути он находится под влиянием Римского-Корсакова, Чайковского и Глазунова, но также и западно-европейской музыки Равеля и Дебюсси. В это время его привлекает и увлекает универсализм творчества участников кружка «Мира искусства», которые просвещали своих читателей и поклонников шедеврами, неважно на какой национальной почве они созданы.

В "Мире искусства" Игорь Стравинский знакомится с Сергеем Дягилевым, организатором и вдохновителем этого сообщества. Именно он в дальнейшем определит судьбу молодого композитора, став его постоянным заказчиком в «русский период».

Но сначала Игорь Стравинский, интересующийся поэзией, пишет песни на стихи своих любимых поэтов: Блока, Городецкого, Бальмонта. Первый большой заказ композитор получает от Дягилева на балет «Жар-птица», музыку к которому не успевал написать к сроку Лядов и Дягилев передает заказ молодому Стравинскому.

Это был подарок судьбы и шанс начать серьезное сотрудничество с «Миром искусства». Успех «Жар-птицы» в «Русских сезонах» сделал реальным сотрудничество не только с Дягилевым, но и с другими участниками кружка. Через год новый поворот и новая музыка - карнавально-городская «Петрушка», через два года - знаменитая языческо-славянская «Весна священная".

Так Россия в музыке Игоря Стравинского разворачивается и предстает в разных обличиях и в разных пространствах: сказочно-крестьянском («Жар-птица»), мещанско-городском («Петрушка») и языческо-архаическом («Весна священная»). Это был новый стиль, в котором работали все «мирискусники»: Головин, Бенуа, Рерих, Бакст, Гончарова, Ларионов.

Праздничный, яркий, динамичный, буйно-декоративный, сменивший утонченный и статичный импрессионизм. Апофеозом и своебразным манифестом этого молодого поколения стала «Весна священная» с ее потрясающей энергетикой и бешеным ритмом.

Многие из окружения Стравинского в России не приняли эту музыку, как не приняли ее на премьере в Париже, но для молодой знаменитости, которого с восторгом принимали в лучших домах Европы, это было уже неважно: он вошел в иное музыкальное пространство, став законодателем музыкальной моды.

Потом еще шлейфом пишутся «Три истории для детей», «Прибаутки», «Свадебка» и другие произведения, но врастание в европейскую культуру и потеря России после Октября уже окончательно означали для Игоря Стравинского конец «русского периода» и начало нового - «неоклассического», который продлится тридцать лет....

Предлагаю посмотреть мультфильм "Рождественская фантазия", в основе которого - музыка Игоря Стравинского "Петрушка": святки продолжаются...

Тина Гай