Жан ван эйк картины. История одного шедевра: «Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка

Произведения мастеров живописи прошедших веков, созданные во времена, когда еще не был изобретен фотоаппарат, являются одним из наиболее достоверных источников информации о быте, нравах, внешности, вкусовых предпочтениях и других подробностях жизни наших предков. Нередко они ставят исследователей в тупик и вызывают споры, которые не утихают в течение десятилетий. Одним из таких полотен является картина, которую написал фламандский живописец Ян ван Эйк.

«Портрет четы Арнольфини» выставлен в Лондонской национальной галерее, которая приобрела его в 1842 году всего за 730 фунтов.

Несколько слов о Яне ван Эйке

Художник родился где-то между 1385 и 1390 годом в городе Маасейке в Северных Нидерландах. В молодости он работал вместе со своим старшим братом Губертом. Тот также был успешным художником и считается одним из авторов знаменитого Гентского алтаря. В 1425 году мастер Ян стал придворным живописцем Бургундского герцога Филиппа Третьего Доброго. В 1431-м он приобрел дом в городе Брюгге, где жил до самой смерти.

Его по ошибке считают основоположником живописи масляными красками. На самом деле он просто усовершенствовал эту технику, но, несомненно, сделал многое, чтобы она стала основной в Нидерландах, откуда проникла в Германию и Италию.

Джованни Арнольфини

Человек, изображенный на известном полотне художника Яна ван Эйка, — это богатый купец из итальянского города Лукки. Еще в ранней молодости Джованни Арнольфини отправился в Брюгге, где основал несколько текстильных мануфактур, занимающихся производством дорогой одежды для аристократов. Кроме того, он занимался сделками купли/продажи драгоценностей, в том числе с европейскими монархами. Считается, что в конце жизни Арнольфини постигло банкротство. Однако он продолжал пользоваться авторитетом среди негоциантов и богатых ремесленников города Брюгге и даже часто приглашался в качестве третейского судьи для разрешения экономических споров.

Описание картины Яна ван Эйка «Портрет четы Арнольфини»

На полотне изображены мужчина и женщина, стоящие на некотором отдалении друг от друга в спальне городского дома. Молодой человек (Джованни Арнольфини на момент написания картины исполнилось 34 года) изображен почти анфас. Его правая рука поднята на уровень плеча, как если бы он собрался произнести клятву. Его дама стоит, повернувшись влево. Комната, в которой они находятся, видна как бы сверху. Таким образом, на изображении отсутствует единая точка схождения горизонтальных и вертикальных осей.

Смысловым центром картины Яна ван Эйка «Портрет четы Арнольфини» являются соединенные руки персонажей. Их соприкосновение выглядит очень церемониальным. Живописец изобразил руки почти в центре полотна, придавая, таким образом, им особое значение.

Описание фигур

Оба персонажа картины Яна ван Эйка («Портрет четы Арнольфини») одеты в праздничные наряды. У туалета женщины виден аккуратно расправленный длинный шлейф, что означает ее принадлежность к богатому бюргерству. У нее округлый живот. По мнению специалистов, он, как и ее осанка в виде так называемой готической кривой, скорее всего, является не признаком беременности, а данью моде, таким образом подчеркивавшей главное достоинство дамы — плодовитость.

На мужчине надета цилиндрическая шляпа с широкой тульей, хук из бархата винно-красного цвета, подбитый мехом, и нижняя одежда из дорогой черной материи. Несмотря на богатый наряд, очевидно, что мужчина не является аристократом. Об этом свидетельствуют его деревянные башмаки, которые носили те, кто ходил пешком, тогда как представители благородного сословия ездили верхом или передвигались на носилках.

Интерьер

Картина ван Эйка «Портрет четы Арнольфини» отличается тщательной прорисованностью всех деталей изображенного помещения. На полу зритель видит дорогой восточный ковер, люстру на потолке, круглое зеркало на стене, остекленную верхнюю часть окна, скамью с апельсинами. Все это свидетельствует о том, что хозяин является состоятельным человеком. Доминирующей в обстановке является кровать с пологом.

Тайна прекрасной дамы

Если с мужчиной, которого изобразил ван Эйк («Портрет четы Арнольфини»), все ясно, то личность дамы находится под вопросом.

Некоторые искусствоведы считают полотно документальным свидетельством бракосочетания купца. Тогда дама должна быть его женой. Известно, что в 1426 году Арнольфини женился на 13-летней Констанце Трента. Однако в 1433 году она умерла, т. е. на момент написания картины ее не было в живых. Тогда либо на картине ее изобразили посмертно, либо это вторая жена Арнольфини, о которой не сохранилось никаких документальных свидетельств.

Существует также мнение, что дама на портрете — это Маргарита ван Эйк, а мужчина — сам художник. Косвенным свидетельством этой гипотезы считается наличие на полотне изображения статуэтки святой Маргариты, которая находится рядом с лицом дамы. В то же время есть и другая версия. Согласно ей, Маргарита была покровительницей рожениц, и ее изображение рядом с альковом означает пожелание скорого прибавления в семействе.

Отличительные особенности

Портрет четы Арнольфини имеет несколько отличительных особенностей. В частности, он считается одним из наиболее ранних светских супружеских портретов в истории европейской живописи. До создания этого полотна художники не стремились так тщательно изображать мелкие детали и бытовые подробности, как стали делать после появления картин Яна ван Эйка.

Техника

Создавая «Портрет четы Арнольфини», Ян ван Эйк использовал масляные краски. Как уже было сказано, на тот момент такая техника была новым словом в живописи. Она позволяла наносить один за другим прозрачные слои краски и достигать слитности мазков, получая смягченные контуры. Будучи текучим, масло сохло значительно дольше, чем используемая до этого темпера, позволяя достигать высочайшего реализма и даже иллюзии трёхмерности пространства.

Символы

В Средние века художники изображали на своих полотнах различные предметы и знаки, которые доносили до современников информацию о добродетелях или пороках изображенных лиц.

Во время работы над своей знаменитой картиной язык символов использовал и ван Эйк. «Портрет четы Арнольфини» до сих пор считается одной из наиболее трудноинтерпретируемых работ мировой живописи, так как специалисты и по сей день не могут прийти к единому мнению по поводу тайного смысла некоторых деталей интерьера:

• Люстра. Светильник на картине «Портрет четы Арнольфини» выполнен из металла. В нем горит только одна свеча. Она расположена над мужчиной. В том, что вторая свеча погасла, некоторые историки видят намек на то, что на картине изображена умершая женщина.
• Собака. У ног пары стоит щенок брюссельского гриффона. Он находится ближе к даме и олицетворяет ее верность супругу.
• Окно. Хотя персонажи облачены в теплую одежду, подбитую мехом, на заднем плане видно вишневое дерево, на котором много спелых плодов. Скорее всего, оно должно означать пожелание плодовитости в браке.
• Апельсины. Это еще один символ плодовитости. Они также могли быть использованы, чтобы подчеркнуть высокий имущественный статус семьи.

Зеркало

Главным символическим элементом, изображенным на полотне «Портрет четы Арнольфини», является зеркало. В нем видно отражение главных персонажей, а также двух других людей. Некоторые исследователи утверждают, что художник изобразил в зеркале и самого себя.

Считается, что это свидетели бракосочетания, которое в те времена могло происходить без участия священника путем подписания брачного контракта. Кстати, в том, что женщина и мужчина протянули друг другу левые руки, историки видят намек на неравный брак. В Средние века в Европе такие союзы означали, что в случае смерти мужа вдова и ее дети не могли претендовать на наследство, а получали лишь небольшую фиксированную долю его имущества. В некоторых странах существовало даже юридическое понятие «брак левой руки».

Не менее интересна и оправа зеркала. На ней присутствуют медальоны с изображением сцен Страстей Христовых. Интересно, что эти сюжеты в Средние века интерпретировались как брак Спасителя с церковью.

История полотна до 19 века

Картина «Портрет четы Арнольфини» имеет запутанную историю. Была ли она передана заказчику или нет — неизвестно. Согласно сохранившимся документам, в начале 16 века портрет был собственностью испанского придворного дона Диего де Гевара, который постоянно жил в Нидерландах. Он подарил его штатгальтеру Испанских Нидерландов Маргарите Австрийской. Она приказала снабдить ее двумя деревянными створками.

В 1530 году картина «Портрет четы Арнольфини» перешла в наследство следующему штатгальтеру - Марии Венгерской, которая перевезла ее в Испанию в1556 году. Следующим владельцем полотна стал Филипп Второй. До 1700 года картина находилась в резиденции испанских монархов Алькасар. К счастью, когда в 1734 году там случился пожар, «Портрет четы Арнольфини», символы на котором и по сей день являются предметом споров, уже находился в Королевском дворце. Затем его следы потерялись.

Судьба портрета после наполеоновских войн

Полотно нашлось в 1815 году. Ее новый владелец - британский полковник Джеймс Хей - рассказывал всем, что купил картину в Брюсселе. Однако многие исследователи считают, что «Портрет четы Арнольфини» находился в обозе с произведениями искусства, который французы отправили в Париж в качестве трофеев. Он был захвачен англичанами после поражения войска Жозефа Бонапарта. Британцы, вместо того чтобы возвратить картины и статуи в Мадрид, погрузили их на корабль, отправлявшийся в Лондон. Видимо, Джеймс Хей, который командовал тогда 16-м драгунским полком и принимал участие в сражении с армией брата Наполеона, присвоил себе несколько конфискованных полотен, в том числе и знаменитую работу кисти ван Эйка.

На этом история картины «Портрет четы Арнольфини» не закончилась. В 1816 году полковник Хей привез ее в Лондон и передал будущему королю Георгу Четвертому «для опробации». Известно, что полотно висело в покоях принца-регента до весны 1818 года, но затем его вернули владельцу. В1828 году полковник передал картину на хранение приятелю, и о ее судьбе в следующие 13 лет ничего не было известно.

В 1842 году полотно приобрели для Лондонской национальной галереи за довольно скромную сумму, и до 1856 года оно экспонировалось там под названием «Фламандский мужчина и его жена». Позже надпись на табличке изменили. Сегодня полотно внесено во все каталоги как «Портрет четы Арнольфини», и перед ним всегда собираются толпы зрителей.

Некоторые документы свидетельствуют, что у «Портрета четы Арнольфини» существовала верхняя крышка из дерева с изображением обнаженной девушки, совершающей ритуальное омовение невесты. Она хранилась в коллекции живописи кардинала Оттавиани, однако на данный момент утрачена. Итальянский историк Фацио описал ее в своем произведении De viris illustribus.

Еще один интересный факт: когда картина ван Эйка была изучена под инфракрасным излучением, оказалось, что все детали, которым приписывают символизм, были дописаны в конце работы над полотном. Иными словами, они не являлись частью замысла живописца, а появились позднее, возможно, по пожеланию заказчиков.

Теперь вам известно содержание картины ван Эйка «Портрет четы Арнольфини». Наверняка она еще долго будет находиться в центре внимания всех тех, кто любит разгадывать исторические загадки, так что, вполне возможно, что нас ждут громкие сенсации.

Практически в каждом значимом произведении искусства есть загадка, «двойное дно» или тайная история, которую хочется раскрыть.

Музыка на ягодицах

Иероним Босх, "Сад земных наслаждений", 1500-1510.

Фрагмент части триптиха

Споры о значениях и скрытых смыслах самой известной работы голландского художника не утихают с момента ее появления. На правой створке триптиха под названием «Музыкальный ад» изображены грешники, которых истязают в преисподней при помощи музыкальных инструментов. У одного из них на ягодицах оттиснуты ноты. Студентка Христианского университета Оклахомы Амелия Хэмрик, изучавшая картину, переложила нотацию XVI века на современный лад и записала "песню с задницы из ада, которой исполнилось 500 лет".

Обнаженная Мона Лиза

Знаменитая "Джоконда" существует в двух вариантах: обнаженная версия называется "Монна Ванна", ее написал малоизвестный художник Салаи, который был учеником и натурщиком великого Леонардо да Винчи. Многие искусствоведы уверены, что именно он был моделью для картин Леонардо «Иоанн Креститель» и «Бахус». Существуют также версии, что переодетый в женское платье Салаи послужил образом самой Моны Лизы.

Старый Рыбак

В 1902 году венгерский художник Тивадар Костка Чонтвари написал картину «Старый Рыбак». Казалось бы, ничего необычного в картине нет, но Тивадар заложил в нее подтекст, при жизни художника так и нераскрытый.

Мало кому пришло в голову прикладывать зеркало к середине картины. В каждом человеке может быть как Бог (продублировано правое плечо Старика), так и Дьявол (продублировано левое плечо старика).

А был ли кит?

Хендрик ван Антониссен «Сцена на берегу».

Казалось бы, обычный пейзаж. Лодки, люди на берегу и пустынное море. И только рентгеновское исследование показало, что люди собрались на берегу не просто так - в оригинале они рассматривали тушу кита, выброшенного на берег.

Однако художник решил, что никто не захочет смотреть на мертвого кита, и переписал картину.

Два "Завтрака на траве"

Эдуард Мане, "Завтрак на траве", 1863.

Клод Моне, "Завтрак на траве", 1865.

Художников Эдуарда Мане и Клода Моне иногда путают - ведь они оба были французами, жили в одно время и творили в стиле импрессионизма. Даже название одной из самых известных картин Мане «Завтрак на траве» Моне позаимствовал и написал свой «Завтрак на траве».

Двойники на "Тайной вечере"

Леонардо да Винчи, "Тайная вечеря", 1495-1498.

Когда Леонардо да Винчи писал «Тайную вечерю», он придавал особое значение двум фигурам: Христа и Иуды. Он очень долго искал натурщиков для них. Наконец, ему удалось найти модель для образа Христа среди юных певчих. Подобрать натурщика для Иуды Леонардо не удавалось в течение трех лет. Но однажды он наткнулся на улице на пьяницу, который валялся в сточной канаве. Это был молодой мужчина, которого состарило беспробудное пьянство. Леонардо пригласил его в трактир, где сразу же начал писать с него Иуду. Когда пьяница пришел в себя, он сказал художнику, что однажды уже позировал ему. Это было несколько лет назад, когда он пел в церковном хоре, Леонардо писал с него Христа.

"Ночной дозор" или "Дневной"?

Рембрандт, "Ночной дозор", 1642.

Одна из самых известных картин Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга» около двухсот лет провисела в разных залах и была обнаружена искусствоведами только в XIX веке. Поскольку казалось, что фигуры выступают на тёмном фоне, её назвали «Ночной дозор», и под этим названием она и вошла в сокровищницу мирового искусства.

И только при реставрации, проведённой в 1947 году, обнаружилось, что в зале картина успела покрыться слоем копоти, исказившим её колорит. После расчистки оригинальной живописи окончательно выяснилось, что сцена, представленная Рембрандтом, на самом деле происходит днём. Положение тени от левой руки капитана Кока показывает, что время действия - не более 14 часов.

Перевернутая лодка

Анри Матисс, "Лодка", 1937.

В Нью-Йоркском Музее современного искусства в 1961 году была выставлена картина Анри Матисса «Лодка». Только через 47 дней кто-то обратил внимание на то, что картина висит вверх ногами. На полотне изображены 10 фиолетовых линий и два голубых паруса на белом фоне. Два паруса художник нарисовал не просто так, второй парус - это отражение первого на глади воды.
Для того, чтобы не ошибиться в том, как должна висеть картина, нужно обратить внимание на детали. Больший парус должен быть верхом картины, а пик паруса картины должен быть направлен в правый верхний угол.

Обман в автопортрете

Винсент ван Гог, "Автопортрет с трубкой", 1889.

О том, что ван Гог якобы сам отрезал себе ухо, ходят легенды. Сейчас наиболее достоверной считается версия о том, что ухо ван Гог повредил в небольшой потасовке с участием другого художника - Поля Гогена.

Автопортрет же интересен тем, что отражает реальность в искаженном виде: художник изображен с перевязанным правым ухом, потому что он при работе использовал зеркало. На самом деле пострадало левое ухо.

Чужие мишки

Иван Шишкин, "Утро в Сосновом лесу", 1889.

Знаменитая картина принадлежит не только кисти Шишкина. Многие художники, дружившие между собой, частенько прибегали к «помощи друга», а Иван Иванович, всю жизнь рисовавший пейзажи, опасался, что трогательные медведи не получатся у него так, как нужно. Поэтому Шишкин обратился к знакомому художнику-анималисту Константину Савицкому.

Савицкий нарисовал едва ли не лучших мишек в истории российской живописи, а Третьяков повелел смыть его фамилию с холста, поскольку все в картине «начиная от замысла и кончая исполнением, все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».

Невинная история "Готики"

Грант Вуд, "Американская готика", 1930.

Работа Гранта Вуда считается одной из самых странных и угнетающих в истории американской живописи. Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей.
На самом деле художник не задумывал изображать никаких ужасов: во время поездки по штату Айова и он заметил небольшой дом в готическом стиле и решил изобразить тех людей, которые, по его мнению, идеально подошли бы в качестве обитателей. В виде персонажей, на которых так обиделись жители Айовы, увековечены сестра Гранта и его дантист.

Месть Сальвадора Дали

Картина "Фигура у окна" написана в 1925 году, когда Дали был 21 год. Тогда в жизнь художника еще не вошла Гала, и его музой была сестра Ана Мария. Отношения брата и сестры испортились, когда он на одной из картин написал "порой я плюю на портрет собственной матери, и это доставляет мне удовольствие". Ана Мария не смогла простить такой эпатаж.

В своей книге 1949 года "Сальвадор Дали глазами сестры" она пишет о брате без всякого восхваления. Книга привела Сальвадора в бешенство. Еще лет десять после этого он гневно вспоминал ее при каждом удобном случае. И вот, в 1954 появляется картина "Молодая девственница, предающаяся содомскому греху при помощи рогов собственного целомудрия". Поза женщины, ее локоны, пейзаж за окном и цветовая гамма картины явно перекликаются с "Фигурой у окна". Есть версия, что так Дали отомстил сестре за ее книгу.

Двуликая Даная

Рембрандт Харменс ван Рейн, "Даная", 1636 - 1647.

Многие тайны одной из самых известных картин Рембрандта были раскрыты только в 60-е годы ХХ века, когда полотно просветили рентгеновскими лучами. Например, съемка показала, что в ранней версии лицо царевны, которая вступила в любовную связь с Зевсом, было похоже на лицо Саскии - супруги живописца, умершей в 1642 году. На финальном варианте картины оно стало напоминать лицо Гертье Диркс - любовницы Рембрандта, с которой художник жил после смерти жены.

Желтая спальня Ван Гога

Винсент Ван Гог, "Спальня в Арле", 1888 - 1889.

В мае 1888 года Ван Гог обзавелся небольшой мастерской в Арле, на юге Франции, куда он сбежал от не понимающих его парижских художников и критиков. В одной из четырех комнат Винсент обустраивает спальню. В октябре все готово, и он решает нарисовать «Спальню Ван Гога в Арле». Для художника очень важен был колорит, уют комнаты: все должно было наводить на мысли об отдыхе. При этом картина выдержана в тревожных желтых тонах.

Исследователи творчества Ван Гога объясняют это тем, что художник принимал наперстянку - средство от эпилепсии, которое вызывает у пациента серьезные изменения в восприятии цвета: вся окружающая действительность окрашивается в зелено-желтые тона.

Беззубое совершенство

Леонардо да Винчи, "Портрет госпожи Лизы дель Джокондо", 1503 - 1519.

Общепризнанное мнение состоит в том, что Мона Лиза - совершенство и улыбка ее прекрасна своей загадочностью. Однако американский искусствовед (и по совместительству стоматолог) Джозеф Борковски считает, что, судя по выражению лица, героиня потеряла много зубов. Изучая увеличенные фотографии шедевра, Борковски обнаружил также шрамы вокруг ее рта. «Она так «улыбается» именно из-за того, что произошло с нею, - считает эксперт. - Выражение ее лица типично для людей, потерявших передние зубы».

Майор на фейсконтроле

Павел Федотов, "Сватовство майора", 1848.

Публика, впервые увидевшая картину "Сватовство майора", смеялась от души: художник Федотов наполнил ее ироничными деталями, понятными зрителям того времени. Например, майор явно не знаком с правилами дворянского этикета: он явился без положенных букетов для невесты и ее матери. А саму невесту ее родители-купцы разрядили в вечернее бальное платье, хотя на дворе день (все светильники в комнате потушены). Девушка явно впервые примерила декольтированное платье, смущена и пытается убежать в свою светелку.

Почему Свобода обнажена

Фердинан Виктор Эжен Делакруа, "Свобода на баррикадах", 1830.

По мнению искусствоведа Этьена Жюли, Делакруа писал лицо женщины со знаменитой парижской революционерки - прачки Анны-Шарлотты, которая вышла на баррикады после гибели брата от рук королевских солдат и убила девятерых гвардейцев. Художник изобразил ее с обнаженной грудью. По его замыслу, это символ бесстрашия и самоотверженности, а также торжества демократии: нагая грудь показывает, что Свобода, как простолюдинка, не носит корсета.

Неквадратный квадрат

Казимир Малевич, "Черный супрематический квадрат", 1915.

На самом деле «Черный квадрат» вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне, и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. А темный цвет - это результат смешения различных красок, среди которых не было черной. Считается, что это была не небрежность автора, а принципиальная позиция, стремление создать динамическую, подвижную форму.

Специалисты Третьяковской галереи обнаружили авторскую надпись на известной картине Малевича. Надпись гласит: «Битва негров в темной пещере». Эта фраза отсылает к названию шутливой картине французского журналиста, писателя и художника Альфонса Алле «Битва негров в темной пещере глубокой ночью», представлявшей собой абсолютно черный прямоугольник.

Мелодрама Австрийской Моны Лизы

Густав Климт, "Портрет Адели Блох-Бауэр", 1907.

На одном из самых значительных полотен Климта запечатлена жена австрийского сахарного магната Фердинада Блох-Бауэра. Вся Вена обсуждала бурный роман Адели и знаменитого художника. Уязвленный муж захотел отомстить любовникам, но выбрал очень необычный способ: он решил заказать Климту портрет Адели и заставить его сделать сотни эскизов, пока художника не начнет выворачивать от нее.

Блох-Бауэр хотел, чтобы работа продлилась несколько лет, и натурщица могла видеть, как угасают чувства Климта. Он сделал художнику щедрое предложение, от которого тот не смог отказаться, и все сложилось по сценарию обманутого мужа: работа была закончена за 4 года, любовники давно остыли друг к другу. Адель Блох-Бауэр так никогда и не узнала, что муж был в курсе ее отношений с Климтом.

Картина, вернувшая Гогена к жизни

Поль Гоген, "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?", 1897-1898.

Самое известное полотно Гогена имеет одну особенность: оно "читается" не слева направо, а справа налево, как каббалистические тексты, которыми интересовался художник. Именно в этом порядке разворачивается аллегория духовной и физической жизни человека: от зарождения души (спящий ребенок в правом нижнем углу) до неизбежности смертного часа (птица с ящерицей в когтях в левом нижнем углу).

Картина была написана Гогеном на Таити, куда художник несколько раз сбегал от цивилизации. Но в этот раз жизнь на острове не задалась: тотальная бедность привела его к депрессии. Закончив полотно, которое должно было стать его духовным завещанием, Гоген взял коробочку с мышьяком и отправился в горы, чтобы умереть. Однако он не рассчитал дозу, и суицид не удался. Наутро он, качаясь, добрел до своей хижины и заснул, а когда проснулся, то ощутил забытую жажду жизни. А в 1898 году его дела пошли в гору, и в творчестве начался более светлый период.

112 пословиц на одной картине

Питер Брейгель - старший, «Нидерландские пословицы», 1559

Питер Брейгель - старший изобразил землю, населённую буквальными изображениями нидерландских пословиц тех дней. В написанной картине присутствуют приблизительно 112 распознаваемых идиом. Некоторые из них используются и по сей день, например, такие, как: «плыть против течения», «биться головой о стену», «вооружен до зубов» и «большая рыбка ест маленькую».

Другие пословицы отражают человеческую глупость.

Субъективность искусства

Поль Гоген, «Бретонская деревня под снегом», 1894

Картина Гогена «Бретонская деревня в снегу» была продана после смерти автора всего за семь франков и, к тому же, под названием «Ниагарский водопад». Человек, проводивший аукцион, случайно повесил картину вверх ногами, разглядев в ней водопад.

Скрытая картина

Пабло Пикассо, «Голубая комната», 1901

В 2008 году инфракрасное излучение показало, что под «Голубой комнатой» скрыто еще одно изображение - портрет мужчины, одетого в костюм с бабочкой и положившего голову на руку. «Как только у Пикассо появлялась новая идея, он брался за кисть и воплощал ее. Но у него не было возможности покупать новый холст каждый раз, когда его посещала муза», - объясняет возможную причину этого искусствовед Патриция Фаверо.

Недоступные марокканки

Зинаида Серебрякова, «Нагая», 1928

Однажды Зинаида Серебрякова получила заманчивое предложение - отправиться в творческое путешествие, чтобы изобразить обнаженные фигуры восточных дев. Но оказалось, что в тех местах найти натурщиц просто невозможно. На помощь пришел переводчик Зинаиды - он привел к ней своих сестер и невесту. Никому до этого и после этого не удавалось запечатлеть закрытых восточных женщин обнаженными.

Спонтанное озарение

Валентин Серов, «Портрет Николая II в тужурке», 1900

Долгое время Серов не мог написать портрет царя. Когда художник совсем сдался, он извинился перед Николаем. Николай немного расстроился, сел за стол, вытянув руки перед собой... И тут художника осенило - вот он образ! Простой военный в офицерской тужурке с чистыми и грустными глазами. Этот портрет считается лучшим изображением последнего императора.

Опять двойка

© Федор Решетников

Знаменитая картина «Опять двойка» - это всего лишь вторая часть художественной трилогии.

Первая часть - «Прибыл на каникулы». Явно обеспеченная семья, зимние каникулы, радостный ученик-отличник.

Вторая часть - «Опять двойка». Небогатая семья с рабочей окраины, разгар учебного года, понурый обалдуй, опять схвативший двойку. В левом верхнем углу видна картина «Прибыл на каникулы».

Третья часть - «Переэкзаменовка». Сельский дом, лето, все гуляют, один злостный неуч, проваливший годовой экзамен, вынужден сидеть в четырёх стенах и зубрить. В левом верхнем углу видна картина «Опять двойка».

Как рождаются шедевры

Джозеф Тёрнер, «Дождь, пар и скорость», 1844

В 1842 году миссис Симон путешествовала на поезде по Англии. Внезапно начался сильный ливень. Пожилой джентльмен, сидевший напротив нее, встал, открыл окно, высунул голову и так смотрел минут десять. Не в силах сдержать свое любопытство, женщина тоже открыла окно и стала смотреть вперед. Через год она обнаружила картину «Дождь, пар и скорость» на выставке в Королевской академии художеств и смогла узнать в ней тот самый эпизод в поезде.

Урок анатомии от Микеланджело

Микеланджело, «Сотворение Адама», 1511

Пара американских экспертов в области нейроанатомии считают, что Микеланджело на самом деле оставил некоторые анатомические иллюстрации в одной из его самых известных работ. Они полагают, что в правой части картины изображен огромный мозг. Удивительно, но можно найти даже сложные его компоненты, такие как мозжечок, зрительные нервы и гипофиз. А броская зеленая лента идеально совпадает с местонахождением позвоночной артерии.

«Тайная вечеря» Ван Гога

Винсент Ван Гог, «Ночная терраса кафе», 1888

Исследователь Джаред Бакстер полагает, что на полотне Ван Гога «Ночная терраса кафе» зашифровано посвящение «Тайной вечере» Леонардо да Винчи. В центре картины стоит официант с длинными волосами и в белой тунике, напоминающей одежды Христа, а вокруг него ровно 12 посетителей кафе. Также Бакстер обращает внимание на крест, расположенный прямо за спиной официанта в белом.

Образ памяти у Дали

Сальвадор Дали, «Постоянство памяти», 1931

Не секрет, что мысли, посещавшие Дали во время создания его шедевров, всегда были в виде очень реалистичных образов, которые художник затем переносил на холст. Так, по признанию самого автора, картина «Постоянство памяти» была написана в результате ассоциаций, возникших при виде плавленого сыра.

О чем кричит Мунк

Эдвард Мунк, "Крик", 1893.

Мунк так рассказывал о появлении у него идеи одной из самых загадочных картин в мировой живописи: "Я шёл по тропинке с двумя друзьями - солнце садилось - неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и опёрся о забор - я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-чёрным фьордом и городом - мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу". Но что за закат мог так напугать художника?

Есть версия, что идея "Крика" родилась у Мунка в 1883 году, когда произошло несколько сильнейших извержений вулкана Кракатау - настолько мощных, что они изменили на один градус температуру атмосферы Земли. Обильное количество пыли и пепла распространилось по всему земному шару, добравшись даже до Норвегии. Несколько вечеров подряд закаты выглядели так, будто бы вот-вот настанет апокалипсис - один из них и стал источником вдохновения художника.

Писатель в народе

Александр Иванов, "Явление Христа народу", 1837-1857.

Десятки натурщиков позировали Александру Иванову для его главной картины. Один из них известен не менее самого художника. На заднем плане, среди путников и римских всадников, еще не слышавших проповедь Иоанна Предтечи, можно заметить персонажа в корчиневом хитоне. Его Иванов писал с Николая Гоголя. Писатель тесно общался с художником в Италии, в частности по религиозным вопросам, и давал ему советы в процессе написания картины. Гоголь считал, что Иванов "уже давно умер для всего мира, кроме своей работы".

Подагра Микеланджело

Рафаэль Санти, "Афинская школа", 1511.

Создавая знаменитую фреску "Афинская школа", Рафаэль увековечил своих друзей и знакомых в образах древнегреческих философов. Одним из них стал Микеланджело Буонаротти "в роли" Гераклита. Несколько столетий фреска хранила тайны личной жизни Микеланджело, а современные исследователи сделали предположение, что странно угловатое колено художника свидетельствует о наличии у него болезни суставов.

Это вполне вероятно, если учесть особенности образа жизни и условий работы художников эпохи Возрождения и хронический трудоголизм Микеланджело.

Зеркало четы Арнольфини

Ян ван Эйк, "Портрет четы Арнольфини", 1434 г.

В зеркале позади супругов Арнольфини можно увидеть отражение еще двух человек, находящихся в комнате. Скорее всего, это свидетели, присутствующие при заключении договора. Один из них - ван Эйк, о чем свидетельствует и латинская надпись, помещенная, вопреки традиции, над зеркалом в центре композиции: «Ян ван Эйк был здесь». Так обычно скрепляли контракты.

Как недостаток превратился в талант

Рембрандт Харменс ван Рейн, "Автопортрет в возрасте 63", 1669.

Исследователь Маргарет Ливингстон изучила все автопортреты Рембрандта и обнаружила, что художник страдал косоглазием: на изображениях его глаза смотрят в разные стороны, чего не наблюдается на портретах других людей кисти мастера. Недуг привел к тому, что художник лучше мог воспринимать реальность в двух измерениях, чем люди с нормальным зрением. Это явление называется "стереослепота" - неспособность видеть мир в 3D. Но так как живописцу приходится работать с двухмерным изображением, именно этот недостаток Рембрандта мог быть одним из объяснений его феноменального таланта.

Безгрешная Венера

Сандро Боттичелли, "Рождение Венеры", 1482-1486.

До появления "Рождения Венеры" изображение нагого женского тела в живописи символизировало только идею первородного греха. Сандро Боттичелли первым из европейских живописцев не нашел ничего греховного в нем. Более того, искусствоведы уверены, что языческая богиня любви символизирует на фреске христианский образ: ее явление - аллегория возрождения души, прошедшей обряд крещения.

Лютнист или лютнистка?

Микеланджело Меризи да Караваджо, "Лютнист", 1596.

Долгое время картина экспонировалась в Эрмитаже под названием «Лютнистка». Только в начале ХХ века искусствоведы сошлись во мнении, что на полотне изображен все-таки юноша (вероятно, Караваджо позировал его знакомый художник Марио Миннити): на нотах перед музыкантом видна запись басовой партии мадригала Якоба Аркадельта «Вы знаете, что я люблю вас». Женщина вряд ли могла сделать такой выбор - это просто тяжело для горла. Кроме того, лютня, как и скрипка у самого края картины, в эпоху Караваджо считалась мужским инструментом.

Каждый человек, даже очень далекий от искусства, хоть раз в жизни слышал такое имя: Ян ван Эйк. Картины его можно назвать совершенными по технике и подбору цветов, по сюжету и реалистичности. Они легко бы украсили собой самые лучшие коллекции, а люди, разбирающиеся в живописи, утверждают, что полотна художника имеют скрытый смысл и наполнены тайной, которую хочется разгадать.

Немного о гении кисти

Выдающийся художник жил и творил в эпоху Раннего Ян ван Эйк, картины которого можно изучать часами, родился в Нидерландах (сейчас городок Маасейк расположен на территории Бельгии) в конце четырнадцатого века. Это потом он положил начало новому течению живописи art nova, а азам его обучал родной брат Хуберт, известный в кругах почитателей искусства. О хорошем образовании Яна можно судить по надписям, которые он оставлял на своих работах. Это были слова на родном фламандском, французском, греческом, латинском языках, иврите. А еще художник уделял огромное внимание мельчайшим деталям, что дает право судить о наблюдательности и остром уме ван Эйка.

Признание при жизни

Доподлинно известно, что Ян ван Эйк, картины которого восторгают людей в двадцать первом веке, пользовался популярностью и у своих современников. В 1422 году он работает при дворе Иоанна Баварского в Гааге, где занимается росписью графских покоев. Правда, не сохранилась ни одна работа. Затем мастер переехал во Фландрию и поступил на службу к герцогу Бургундскому, у которого трудился шестнадцать лет.

Филипп Добрый часто давал художнику секретные поручения, что говорит о большом доверии герцога к живописцу. А еще он щедро одаривал художника подарками и солидными денежными выплатами. По поручению того же Филиппа Ян принимал участие в дипломатической миссии в Португалии, целью которой было между овдовевшим герцогом и принцессой Изабеллой. Параллельно с работой при дворе Ян ван Эйк выполнял заказы от церквей и монастырей.

Художник-новатор

Чем еще известен Ян ван Эйк (картины с названиями мы перечислим в нашей статье)? Тем, что его многие считают изобретателем масляных красок и популяризатором техники масляной живописи в Старом свете. На самом деле мастер только усовершенствовал такие красящие составы, сделав их быстросохнущими и придав им способность наноситься в несколько слоев (в том числе и прозрачным). Потому и казалось, что его полотна будто светились изнутри.

Самые известные работы

Многие написал Ян ван Эйк картины. «Мадонна в церкви» - одна из ранних работ, она выполнена в технике поочередного нанесения слоев на отшлифованную белую гипсовую грунтовку, покрытую лаком. Поэтому она отличается изумительным эффектом внутреннего свечения. Небольшое полотно изображает Богоматерь с младенцем Иисусом в помещении церкви. На переднем плане находится женственный силуэт Мадонны, на голове у которой красуется дорогая корона. Очень детально Ян прорисовал складки на короны, интерьер храма, игру света и тени. В настоящее время этот шедевр хранится в Риме.

Писал Ян ван Эйк картины, которые могут показаться странными. Именно таким считается полотно «Портрет четы Арнольфини» (1434 год). На первый взгляд это обычная картина, изображающая мужчину и женщину в момент их бракосочетания. Однако не совсем стандартно смотрится подпись живописца на видном месте, сцены из жизни Христа на зеркале, только одна свеча над молодоженами и так далее. В картине присутствует большое количество разных символов: апельсины обозначают богатство, собачка - верность, свеча - всевидящее око и свет Христа. Сегодня эта работа хранится в Лондонской национальной галерее.

Какие еще создал Ян ван Эйк картины? Фото некоторых из них вы можете увидеть в статье:

• «Гентский алтарь», написанная в 1432 году вместе с братом.
• «Тимофей» (1432 г.).
• «Богоматерь канцлера Ролена» (1436 г.).
• «Портрет мужчины с гвоздикой» (1435 г.).
• «Святая Варвара» (1437 г.) и другие.

Всего живописцем было создано около сотни работ на религиозную тематику и бесчисленное количество портретов. Его картины привлекают взор внутренним сиянием, а также тонким мастерством, которым владел великий Ян ван Эйк. Не зря его считают одним из настоящим гением кисти.

Ван Эйк (van Eyck) Ян (около 1390–1441), нидерландский живописец. Один из зачинателей искусства Раннего Возрождения в Нидерландах, Ян ван Эйк в 1422–1424 работал над украшением графского замка в Гааге, в 1425 стал придворным художником бургундского герцога Филиппа Доброго, в 1427 посетил Испанию, в 1428–1429 – Португалию. Около 1430 года Ян ван Эйк поселился в Брюгге. Крупнейшее произведение ван Эйка – знаменитый “Гентский алтарь”, начатый, согласно позднейшей надписи на внешних створках, старшим братом ван Эйка Хубертом (работал в 1420-х годах в Генте, умер около 1426) и законченный Яном в 1432.

Ян ван Эйк – один из первых в Европе мастеров портрета, выделившегося в его творчестве в самостоятельный жанр. Погрудные, обычно изображающие модель в трехчетвертном повороте портреты ван Эйка (“Тимофей”, 1432, “Портрет мужчины в красном тюрбане”, 1433, – оба в Национальной галерее, Лондон; портрет жены художника Маргареты, 1439, Муниципальная художественная галерея, Брюгге) отличаются строгой простотой и отточенностью выразительных средств.

Беспристрастно правдивая и тщательная передача облика человека подчинена в них зоркому и проницательному раскрытию главных особенностей его характера. Ян ван Эйк создал первый в европейской живописи парный портрет – проникнутое сложной символикой и в то же время интимно-лирическим чувством изображение купца Джованни Арнольфини с женой.

Тонкой поэтичностью, мастерством передачи пространства и световоздушной среды выделяются пейзажные фоны в сцене “Поклонение Агнцу” в центре алтаря. Вершина творчества ван Эйка – монументальные алтарные композиции “Мадонна канцлера Ролена” (около 1436, Лувр, Париж) и “Мадонна каноника ван дер Пале” (1436, Муниципальная художественная галерея, Брюгге). Развивая и обогащая достижения своих предшественников, прежде всего Р.Кампена, он превращает традиционную сцену поклонения Богоматери в величественное и красочное изображение зримого, реального мира, исполненное спокойной созерцательности. В равной мере художника интересуют и человек во всей его неповторимой индивидуальности, и окружающий его мир. В его композициях на равных выступают и образуют гармоничное единство портретные изображения, пейзаж, интерьер, натюрморт. Чрезвычайная тщательность и вместе с тем обобщенность живописи выявляют самоценность и красоту каждого предмета, обретающего в творчестве ван Эйка реальный вес и объем, характерную фактуру поверхности.

Детали и целое в его произведениях находятся в органической взаимосвязи: архитектурные элементы, предметы обстановки, цветущие растения, роскошные ткани, украшенные драгоценными камнями, как бы воплощают в себе частицы бесконечной красоты мироздания: исполненный света и воздуха панорамный пейзаж в “Мадонне канцлера Ролена” воспринимается как собирательный образ Вселенной.

Искусство ван Эйка проникнуто глубоким пониманием сущего как логического воплощения Божьего промысла, выражением чего стало строгое, продуманное и вместе с тем жизненно естественное построение композиции, полное тонкого ощущения пространственной соразмерности. Решение вставших перед ван Эйком творческих проблем требовало разработки новых средств художественной выразительности. Одним из первых он освоил пластические возможности масляной живописи, используя тонкие, просвечивающие слои краски, положенные один поверх другого (фламандская манера многослойного прозрачного письма). Этот живописный метод позволил ван Эйку достигать исключительной глубины, богатства и светосилы цвета, тонкости светотеневых и красочных переходов. Звучные, интенсивные, чистые тона красок в картинах ван Эйка, пронизанные воздухом и светом, образуют единое гармоническое целое.

Творчество художника ван Эйка, ярчайшим образом воссоздававшее красоту и живое многообразие мироздания, в значительной степени определило пути дальнейшего развития нидерландской живописи, круг ее проблем и интересов. Мощное воздействие искусства ван Эйка испытали не только нидерландские, но и итальянские мастера Возрождения (Антонелло да Мессина).

Творчество Яна ван Эйка, Иеронима Босха, Питера Брейгеля Старшего

Северное Возрождение – эпоха развития культуры середины шестнадцатого столетия в Германии, Франции, Швейцарии, Северной Фландрии и Нидерландах. Главной особенностью этого периода является генетическое наследование искусству поздней готики. Северное Возрождение родилось в Бургундии в придворно-рыцарском творчестве живописцев братьев Лимбург. Затем главенствующую роль стала играть в эту эпоху школа нидерландской живописи.

Картины художников нидерландской школы отличались пантеистическим мировосприятием, самым пристальным вниманием к малейшей детали или малейшему явлению жизни.

Ян ван Эйк и его старший брат Хуберт ван Эйк стали родоначальниками нидерландского Ренессанса. О Хуберте почти ничего не известно. Ян был его учеником, служил придворным живописцем в Гааге при дворе Иоанна Баварского в 1422 - 1425 гг.. После работал при дворе Филлипа Доброго, герцога Бургундского, по его дипломатическим поручениям ездил в Португалию и Испанию.

С 1430 г. Поселился в г. Брюгге, где вплотную занялся творческой деятельностью. Существует спорное мнение, что творчество ван Эйка началось с работы над миниатюрами Туринско-Миланского часослова Чегодаев А. Д. Всеобщая история искусств, том 3, 1962 г.. С. 586..

Произведение, ознаменовавшее начало эпохи Возрождения в Нидерландах - Гентский алтарь в соборе Св. Бавона - было завершено в 1432 г.. В верхнем его ярусе изображена сцена Благовещения, в нижнем - фигуры Иоанна Крестителя и Иоанна Евангелиста. По обеим сторонам от них - портреты донатора Иосса Вейда, гентсокго бюргера, и его жены. Цвета внешней стороны алтаря достаточно сдержаны, особенно в изображениях Иоаннов, внутренняя же его часть наполнена светлыми и яркими красками. Здесь в верхнем ряду изображены Бог-отец на престоле, слева и справа от него - Богородица и Иоанн Креститель, склоненные в молитве; далее по обе стороны идут музицирующие ангелы, а завершают ряд Адам и Ева. На нижнем ярусе в середине располагается сцена поклонения жертвенному агнцу, символизирующему жертву Христа за человечество, слева от которой находятся ветхозаветные праведники, а справа - апостолы. Далее идут папы и епископы, завершают ряд монахи и миряне.

В будние дни, будучи закрытым, алтарь выглядит строго и сдержанно. По праздникам створки алтаря открывались, и прихожане могли лицезреть полные жизнерадостных красок сцены, выполненные в технике масляной живописи. Действие центральной композиции разворачивается на зеленом лугу, окруженном рощами, который представляет собой образ рая на земле.

Другие алтарные композиции Яна ван Эйка более сдержанные, камерные, но и в них присутствует гармоничное сочетание ренессансного жизнелюбия и средневековой религиозной строгости.

Одними из самых известных картин ван Эйка являются «Мадонна канцлера Ролена» (ок. 1435) и «Мадонна каноника ван дер Пале» (1436). В обеих этих картинах присутствует своеобразный мистический реализм. В первом произведении на заднем плане мы видим раскинувшийся пейзаж большого города с рекой и бескрайними полями, а в центре композиции - Николас Ролен, склонившийся в молитве перед Богоматерью. Пространство второго, наоборот, сосредоточено в рамках маленькой тесной церкви. Здесь справа от Мадонны изображен Георг ван дер Пале. В обеих композициях образы донаторов свидетельствует о выделении портрета в самостоятельный жанр. Считается, что одним из основоположников этого жанра был Ян ван Эйк, ставший в последствии одним из первых крупных мастеров портретной живописи Северного Ренессанса.

Одним из известных портретов ван Эйка является «Тимофей», известный так же как «Мужской портрет» (1432). На нем изображен человек с ничего не выражающим, но вместе с тем неразрешимо загадочным взглядом. Этот прим характерен и для других портретных работ художника, например, «Человек в красном тюрбане» (1433), и портрет его жены Маргариты ван Эйк (1439).

Эпохальным в творчестве художника стал «Портрет четы Арнольфини» (1434), изображающий супружескую пару в момент бракосочетания. Купец Джованни Арнольфини и его жена Джованна изображены в бытовой повседневной обстановке - у себя дома. Но картина наполнена символами и мельчайшими деталями, указывающими на исключительность момента.

Например, на полу изображены две пары обуви - эта маленькая деталь отсылает нас к Ветхому Завету: «И сказал Бог: не подходи сюда; сними обувь твою с ног твоих, ибо место, на котором ты стоишь, есть земля святая» («Исход», 3:5) Пятикнижие Моисея. Тора; Ветхий Завет, Библия.. Художник показывает, что в данный момент святой землей для супругов является пол их комнаты, поскольку в ней совершается таинство бракосочетания. Сосредоточенность поз, выражения лиц и соединенные руки так же указывают на торжественность случая.

Творчество Яна ван Эйка внесло множество новых тенденций в развитие изобразительного искусства Нидерландов и других стран Европы. Оно еще подчинено средневековой религиозности, но уже несет в себе интерес к материальной, обыденной стороне повседневности человеческой жизни, подчеркивает значимость человека в мире.