Сообщение на тему живопись. «Портрет четы Арнольфини». Изобразительное искусство Китая
ЖАНРЫ ЖИВОПИСИ (фр. genre – род, вид) – исторически сложившееся деление произведений живописи в соответствии с темами и объектами изображения.
Хотя понятие «жанр» появилось в живописи сравнительно недавно, определенные жанровые различия существовали еще с древних времен: изображения животных в пещерах эпохи палеолита, портреты Древнего Египта и Месопотамии с 3 тыс. до н.э., пейзажи и натюрморты в эллинистических и римских мозаиках и фресках. Формирование жанра как системы в станковой живописи началось в Европе в 15–16 вв. и завершилось в основном в 17 в., когда помимо разделения изобразительного искусства на жанры появляется понятие т.н. «высоких» и «низких» жанров в зависимости от предмета изображения, темы, сюжета. К «высокому» жанру относили исторический и мифологический жанры, к «низким» – портрет, пейзаж, натюрморт. Такая градация жанров просуществовала до 19 в. хотя и с исключениями.
Так, в 17 в. в Голландии в живописи ведущими стали именно «низкие» жанры (пейзаж, бытовой жанр, натюрморт), а парадный портрет, формально принадлежавший к «низкому» жанру портрета, к таковому не относился. Став формой отображения жизни, жанры живописи при всей стабильности общих черт не являются неизменными, они развиваются вместе с жизнью, меняясь по мере развития искусства. Некоторые жанры отмирают или обретают новый смысл (напр., мифологический жанр), возникают новые, обычно внутри ранее существовавших (напр., внутри пейзажного жанра появились архитектурный пейзаж и марина ). Появляются произведения, соединяющие в себе различные жанры (напр., сочетание бытового жанра с пейзажем, группового портрета с историческим жанром).
АВТОПОРТРЕТ (от фр. autoportrait) - портрет самого себя. Обычно имеется в виду живописное изображение; однако автопортреты бывают и скульптурные, литературные, кинематографические, фотографические и т. д.
Рембрандт "Автопортрет".
АЛЛЕГОРИЯ (греческое allegoria - иносказание) - выражение отвлечённых идей с помощью конкретных художественных образов. Пример: «правосудие» - женщина с весами.
Моретто да Брешиа "Аллегория веры"
АНИМАЛИСТИЧЕСКИЙ (от лат. animal – животное) - жанр связанный с изображением животных в живописи, скульптуре и графике.
Д. Стаббс. Кобылы и жеребята в пейзаже у реки. 1763-1768 гг.
БАТАЛЬНЫЙ (от франц. bataille - битва) - посвященный изображению военных действий и военной жизни.
Аверьянов Александр Юрьевич. href="http://www.realartist.ru/names/averyanov/30/">Ватерлоо.
БЫТОВОЙ - связанный с изображением повседневной жизни человека.
Николай Дмитриевич ДМИТРИЕВ-ОРЕНБУРГСКИЙ (1837-1898). Пожар в деревне
ГАЛАНТНЫЙ - «учтивый, вежливый любезный, обходительный, интересный» устар. связанный с изображением изысканных лирических сцен из жизни придворных дам и кавалеров в художественном творчестве преимущественно XVIII в.
Герард тер Борх Младший. Галантный солдат.
ИСТОРИЧЕСКИЙ - один из основных жанров изобразительного искусства, посвященный историческим событиям прошлого и современности, социально значимым явлениям в истории народов.
Павел Рыженко. Победа Пересвета.
КАРИКАТУРА - жанр изобразительного искусства, использующий средства сатиры и юмора, гротеска, шаржа, изображение, в котором комический эффект создается путём преувеличения и заострением характерных черт. Карикатура высмеивает, недостаток или порочность персонажа, для того чтобы привлечь его и окружающих людей, с целью заставить измениться в лучшую сторону.
МИФОЛОГИЧЕСКИЙ - посвящен событиям и героям, о которых рассказывают мифы. Боги, демиурги, герои, демоны, мифические существа, исторические и мифологические персонажи. В 19 веке мифологический жанр служил нормой высокого, идеального искусства.
Александр Иванов. Беллерофонт отправляется в поход против Химеры.
НАТЮРМОРТ - жанр изобразительного искусства, изображения неодушевленных предметов, размещенных в реальной бытовой среде и организованных в определенную группу; картина с изображением предметов обихода, цветов, плодов, дичи, выловленной рыбы и т. д.
Аенванк Теодор (Aenvanck, Theodoor)
НЮ (обнажённый) - художественный жанр в скульптуре, живописи, фотографии и кинематографе, изображающий красоту обнажённого человеческого тела, преимущественно женского.
Венера Урбинская", Тициан
ПАСТОРАЛЬ (фр. pastorale - пастушеский, сельский) - жанр в литературе, живописи, музыке и в театре, изображение идиллической жизни пастухов и пастушек на природе.
ПЕЙЗАЖ (франц. paysage, от pays - страна, местность), - жанр посвящённый изображению какой-либо местности: рек, гор, полей, лесов, сельского или городского ландшафта.
Href="http://solsand.com/wiki/doku.php?id=ostade&DokuWiki=7593bff333e2d137d17806744c6dbf83" >Адриана ван Остаде
ПОРТРЕТ (фр. portrait, «воспроизводить что-либо черта в черту») - жанр изобразительного искусства, посвященный изображению человека или группы людей; разновидности - автопортрет, групповой портрет, парадный, камерный, костюмированный портрет, миниатюра портретная.
Боровиковский В. «Портрет М. И. Лопухиной»
СЮЖЕТНО-ТЕМАТИЧЕСКАЯ КАРТИНА - определение своеобразного скрещения традиционных жанров живописи, которое способствовало созданию крупномасштабных произведений на социально значимые темы с четко выраженной фабулой, сюжетным действием, многофигурной композицией. Кратко: - смешивание традиционных жанров живописи бытового, исторического, батального, композиционного портрета, пейзажа и др.
Робер, Гюбер - Осмотр старой церкви
ШАРЖ или ДРУЖЕСКИЙ ШАРЖ (фр. charge) - юмористическое или сатирическое изображение, в котором изменены и подчеркнуты характерные черты модели в пределах нормы, с целью подшутить, а не унизить и оскорбить как обычно делается в карикатурах.
Искусство – это творчество вцелом.
Какие искусства вам известны?
Литература, музыка, танец, театр, кино.
Изобразительное искусство – пространственное, не растянуто во времени. Оно требует двух- или трехмерного пространства. Хотя в наше время благодаря техническим возможностям появился вид искусства, включающий временное пространство (видеоарт).
Изобразительное искусство отражает действительность с помощью зрительных образов:
- многообразие окружающего мира;
- мысли и чувства человека.
Это способ познания окружающего и себя самого.
Для этого художник использует обобщение и воображение.
Виды изобразительного искусства:
Архитектура
Живопись
Графика
Скульптура
Декоративно-прикладное искусство
Театрально-декорационное искусство
Дизайн
Архитектура
Архитектура – это искусство постройки зданий и сооружений для жизни и деятельности людей.Слово «архитектура» произошло от греческого «Архус» – главный, высший;
«Тектонико» - строительство.
Требует трехмерного пространства.. Имеет еще и внутреннее пространство – интерьер.
Живопись
Живопись – это вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок (темпера, масляные краски, акрил, гуашь, …).Графика
Графика – это вид изобразительного искусства, включающий рисунок и печатные изображения. «Графо» - пишу, рисую, черчу.Рисунки выполняются карандашом, тушью, сепией, сангиной…
Печатные изображения – гравюры, литография, ксилография, монотипия.
Графика делится на станковую, книжную и прикладную.
На грани живописи и графики стоят акварель, гуашь и пастель.
Первые произведения графики – наскальные росписи первобытного искусства.
В Древней Греции графическое искусство было на высочайшем уровне – вазопись.
Скульптура
Термин произошел от латинского «sculpere» - вырезать, высекать.В отличие от живописи и графики, в скульптуре присутствует объем.
Скульптура – это объемное изображение.
Материалы: кость, камень, дерево, глина, металл, воск…
Скульптура – один из самых древних видов искусства.
Первые скульптурные произведения являлись идолами, оберегами, изображали древних богов.
Различаются круглая скульптура (осматриваемая с разных сторон) и рельеф (высокий, средний, низкий, контррельеф).
Скульптура делится на виды: станковую и монументальную (памятники, монументы) и монутентально-декоративную (архитектурное убранство).
Декоративно-прикладное искусство (ДПИ)
В каждом доме живут и служат нам различные предметы. И если их коснулась рука художника, ювелира или народного умельца, то они становятся произведением декоративно – прикладного искусства. Термин появился в 18 в. от французского слова «декор» - украшение везде.Прикладное означает то, к чему приложено умение, искусство.
Дизайн
Начиная с первобытного периода можно проследить развитие этого вида искусства.Театрально - декорационное искусство
Этот вид искусства включает в себя создание декорации, бутафории, костюмов, грима.ЖАНРЫ
Термин «жанр» произошел от французского – вид, род.Первые самостоятельные жанры появились в Нидерландах в 16 веке.
Исторический
Мифологический, религиозный
Батальный
Портрет
Пейзаж
Натюрморт
Бытовой
Марина
Анималистический
Интерьер
Исторический жанр
Исторический жанр – это произведения искусства, в которых отражены реальные исторические персонажи или события.Мифологический жанр
Мифологический жанр – это произведения искусства, в которых отражены мифологические сюжеты.Религиозный
Батальный жанр
Батальный жанр – это произведения искусства, в которых отражены военные эпизоды.Художник, который пишет на батальные темы, называется баталистом.
Портрет
Портрет – это изображение человека в скульптуре, живописи и графике.Портреты, написанные художниками, доносят до нас образы людей прошедших эпох.
Пейзаж
Пейзаж – картина, в которой природа стала её главным содержанием.Термин «пейзаж» (paysage) пришел из французского языка, что в переводе означает «природа». Как самостоятельный жанр пейзаж возник в Голландии.
Пейзажная живопись разнообразна. Есть пейзажи, точно передающие те или иные уголки природы, в других тонко передано состояние. Еще есть фантастические пейзажи.
Натюрморт
Термин «натюрморт» произошел от французского слова, буквально означающего «мертвая природа».Это картины, героями которых являются различные предметы обихода, фрукты, цветы или снедь (рыба, дичь и так далее).
Натюрморты рассказывают нам не только о вещах, но и об их владельцах, об их жизни, быте и привычках.
Бытовой жанр
Бытовой жанр – это картины, на которых отражены эпизоды из повседневной жизни людей.Марина
Марина – это произведения искусства, на которых изображено море.Художник, который пишет море, называется маринистом.
Анималистический жанр
Анималистический жанр – это произведения искусства, на которых изображены животные.Интерьер
Изображение внутреннего убранства архитектурного сооружения.Стиль искусства
Понятие «стиль» - это своеобразие, которое позволяет сразу определить, в какую историческую эпоху создано произведение.Художественным (высоким) стилем называется направление, вовлекшее в себя все виды искусства.
Например, барокко – высокий стиль, а рококо – направление.
К великим или высоким стилям относятся классика античности, романский стиль и готика в Средние века, ренессансный стиль, обозначивший собой переходный период от Средних веков к Новому времени, барокко и классицизм в Новое время. Последним крупным стилем на рубеже XIX – XX вв. стал модерн, в котором была сделана попытка возрождения единства архитектуры, декоративного и изобразительного искусства.
Соединение нескольких видов искусства в одном произведении называют синтезом искусств.
Иначе говоря художественный стиль достигает наивысшего уровня, когда вовлекает в себя все виды искусства.
Сложившись в определенную историческую эпоху, высокие стили непрерывно преобразовывались и возрождались на следующем этапе в новом качестве. К примеру, классицизм XVII в. во Франции взял основу из античной классики, при этом он сильно отличается от неоклассицизма второй половины XVIII в. и, конечно же, от неоклассицизма как одного из направлений эклектики второй половины XIX – начала ХХ вв.
Художественный образ
Художественный образ – это форма отражения (воспроизведения) объективной действительности в искусстве.
Живопись – одно из древних искусств, которое на протяжении многих веков прошло эволюцию от наскальных росписей палеолита, до новейших течений XX и уже даже XXI века. Это искусство родилось практически с появлением человечества. Древние люди, даже не осознав полностью себя человеком, почувствовали необходимость изображать окружающий мир на поверхности. Они рисовали всё, что видели: животных, природу, охотничьи сцены. Для рисования они использовали что-то похожее на краски, сделанные из натуральных материалов. Это были земляные краски, древесный уголь, чёрная сажа. Кисточки делали из волос животных, либо просто рисовали пальцами.
В результате изменений возникали новые виды и жанры живописи. За древним периодом последовал период Античности. Возникло стремление живописцев и художников к воспроизведению реальной окружающей жизни, таковой, какова она видится человеку. Стремление к точности передачи вызвало зарождение основ перспективы, основ светотеневых построений различных изображений и исследование этого художниками. И они, в первую очередь, изучали то, как можно изобразить объёмное пространство на плоскости стены, во фресковой живописи. Некоторые произведения искусства, такие как объёмное пространство, светотени, стали использовать для украшения помещений, центров религии и погребения.
Следующим важным периодом в прошлом живописи является Средневековье. В это время живопись была более религиозного характера, и мировоззрение стало отражаться на искусстве. Творчество художников было направлено на иконопись и другие мелодии религии. Основными важными моментами, которые должен был подчеркнуть художник, было не столько точное отображение реальности, сколько передача духовности даже в самых различных живописных произведениях. Полотна мастеров того времени поражали своей выразительностью контуров, колоритностью и красочностью. Живопись средневековья кажется нам плоскостной. Все персонажи художников того времени находятся на одной линии. И поэтому многие произведения кажутся нам несколько стилизованными.
Период серого Средневековья сменил более яркий период Ренессанса. Эпоха Возрождения вновь внесла перелом в историческое развитие этого искусства. Новые настроения в обществе, новое мировоззрение стали диктовать художнику: какие же аспекты в живописи раскрывать более полно и ясно. Жанры живописи, такие как портрет и пейзаж, станут независимыми стилями. Художники выражают эмоции человека и его внутренний мир через новые способы живописи. На XVII и XVIII век приходится ещё более серьёзный рост живописи. В этот период католическая церковь теряет свою значимость, и художники в своих произведениях всё чаще отображают истинные виды людей, природы, бытовой и обыденной жизни. В этот период также формируются такие жанры, как – барокко, рококо, классицизм, маньеризм. Возникает романтизм, который позже сменяется более эффектным стилем - импрессионизмом.
В начале ХХ века живопись кардинально меняется и появляется более новое направление современного искусства – абстрактная живопись. Идея этого направления в том, чтобы передать согласие между человеком и искусством, создать гармоничность в сочетаниях линий и цветовых бликов. Это искусство не имеющее предметности. Она не преследует точной передачи реального образа, а наоборот – передаёт то, что в душе художника, его эмоции. Важной ролью для этого вида искусства являются формы и цвета. Суть её заключается в том, чтобы по-новому передать ранее знакомые предметы. Здесь художникам предоставляется полная свобода своих фантазий. Это и дало толчок к зарождению и развитию современных направлений, таких как авангардизм, андеграунд, абстракционизм. С конца ХХ века и по настоящее время живопись постоянно меняется. Но, несмотря на всё новые достижения и современные технологии, художники всё-таки остаются верны классическому искусству – масляной и акварельной живописи, творят свои шедевры при помощи красок и холстов.
Наталия Мартыненко
История изобразительного искусства
История живописи - бесконечная цепочка, начавшаяся с самых первых сделанных картин. Каждый стиль вырастает из стилей, которые были перед ним. Каждый великий художник добавляет что-то к достижениям более ранних художников и влияет на более поздних художников.
Мы можем наслаждаться живописью за её красоту. Его линии, формы, цвета и состав (расположение частей) могут нравиться нашим чувствам и задерживаться в наших воспоминаниях. Но наслаждение искусством возрастает, когда мы узнаем, когда и почему и как оно было создано.
На историю живописи повлияли многие факторы. География, религия, национальные особенности, исторические события, разработка новых материалов - все это помогает формировать видение художника. На протяжении всей истории живопись отражала меняющийся мир и наши представления об этом. В свою очередь, художники предоставили одни из лучших записей о развитии цивилизации, иногда раскрывая больше, чем письменное слово.
Доисторическая живопись
Пещерные жители были самыми ранними художниками. Цветные рисунки животных, датируемые от 30 000 до 10 000 лет до нашей эры, были найдены на стенах пещер на юге Франции и в Испании. Многие из этих рисунков удивительно хорошо сохранились, потому что пещеры были запечатаны на протяжении многих веков. Ранние люди рисовали диких животных, которых они видели вокруг. Очень грубые человеческие фигуры, сделанные в жизненных позициях, были найдены в Африке и на востоке Испании.
Пещерные художники заполняли стены пещеры рисунками в богатых ярких тонах. Некоторые из самых красивых картин находятся в пещере Альтамира, в Испании. Одна деталь показывает раненного бизона, больше не способного стоять - вероятно, жертву охотника. Он окрашен в красновато-коричневый цвет и очерчен просто, но умело, чёрным. Пигменты, которые использовали пещерные художники - охра (оксиды железа, различающиеся по цвету от светло-желтого до темно-оранжевого) и марганец (тёмный металл). Они измельчались в мелкий порошок, смешивались со смазкой (возможно, с жирным маслом), и наносились на поверхность какой-то щёткой. Иногда пигменты приобретали форму палочек, похожих на мелки. Жир, смешанный с порошкообразными пигментами, делал лакокрасочную жидкость, а частицы пигмента склеивались. Жители пещеры делали щётки из животных волосков или растений, а острые инструменты из кремния (для рисования и царапин).
Ещё 30 000 лет назад люди изобрели основные инструменты и материалы для живописи. Методы и материалы были усовершенствованы и улучшены в последующие столетия. Но открытия пещерного жителя остаются основными для живописи.
Египетская и месопотамская живопись (3400–332 до н.э.)
Одна из первых цивилизаций появилась в Египте. Из письменных записей и искусства, оставленного египтянами, известно многое об их жизни. Они считали, что тело должно быть сохранено, чтобы душа могла жить после смерти. Великие пирамиды были сложными гробницами для богатых и могущественных египетских правителей. Многое египетское искусство было создано для пирамид и гробниц царей и других важных людей. Чтобы быть абсолютно уверенным, что душа будет продолжать существовать, художники создавали изображения мёртвого человека в камне. Они также воспроизводили сцены из жизни человека в настенных росписях в погребальных камерах.
Египетские техники изобразительного искусства оставались неизменными на протяжении веков. В одном способе акварельная краска наносилась на глинистые или известняковые поверхности. В другом процессе контуры вырезались на каменных стенах и окрашивались акварельными красителями. Материал, называемый гуммиарабиком, вероятно, использовался для приклеивания краски к поверхности. К счастью, сухой климат и запечатанные гробницы мешали некоторым из этих акварельных картин разрушаться от сырости. Много охотничьих сцен со стен гробниц в Фивах, датируемых около 1450 г. до н.э., хорошо сохранились. Они показывают, как охотники преследуют птиц или рыбу рыбу. Эти сюжеты всё ещё можно идентифицировать сегодня, потому что они были аккуратно и тщательно окрашены.
Месопотамская цивилизация, которая продолжалась с 3200 по 332 год до нашей эры, была расположена в долине между реками Тигр и Евфрат на Ближнем Востоке. Дома в Месопотамии строились, в основном, из глины. Поскольку глина смягчается дождём, их здания рушились в пыль, уничтожая любые настенные картины, которые, возможно, были бы очень интерсными. Что сохранилось, это украшенная керамика (окрашенная и обжигаемая) и красочные мозаики. Хотя мозаики нельзя рассматривать как живопись, они часто оказывают на неё влияние.
Эгейская цивилизация (3000–1100 до н.э.)
Третьей великой ранней культурой была Эгейская цивилизация. Эгейцы жили на островах у берегов Греции и на полуострове Малой Азии примерно в то же время, что и древние египтяне и месопотамцы.
В 1900 году археологи начали выкапывать дворец короля Миноса в Кноссе на острове Крит. Раскопки открыли произведения искусства, написанные около 1500 г. до н.э. в необычно свободном и грациозном стиле того времени. Очевидно, критяне были беззаботными, любящими природу людьми. Среди их любимых тем в искусстве были морская жизнь, животные, цветы, спортивные игры, массовые процессии. В Кноссе и других эгейских дворцах картины были выполнены на мокрых гипсовых стенах красками из минеральных веществ, песка и земляных охр. Краска пропиталась влажной штукатуркой и стала постоянной частью стены. Эти картины позже назвали фресками (от итальянского слова «свежие» или «новые»). Критянам нравились яркие жёлтые, красные, синие и зёленые тона.
Греческая и римская классическая живопись (1100 г. до н.э. – 400 г. н.э.)
Древние греки украшали стены храмов и дворцов фресками. Из древних литературных источников и из римских копий греческого искусства можно сказать, что греки рисовали маленькие картины и делали мозаики. Известны имена греческих мастеров и немного из их жизни и работ, хотя очень мало греческой живописи пережило века и последствия войн. Греки не много писали в гробницах, поэтому их работы не были защищены.
Окрашенные вазы - это всё, что сохранилось от греческой живописи сегодня. Изготовление керамики было большой отраслью в Греции, особенно в Афинах. Контейнеры пользовались большим спросом, поставлялись на экспорт, так же как масло и мёд, и для бытовых целей. Самая ранняя вазочная живопись была выполнена в геометрических фигурах и орнаментах (1100-700 до н.э.). Вазы были украшены и человеческими фигурами в коричневой глазури на светлой глине. К VI веку вазочные художники часто рисовали чёрные человеческие фигуры на естественной красной глине. Детали были вырезаны на глине острым инструментом. Это позволило красному проявиться в глубинах рельефа.
Красно-фигурный стиль в конечном итоге заменил чёрный. Т. е. наоборот: фигуры красные, а чёрным стал фон. Преимущество этого стиля заключалось в том, что художник мог использовать кисть для создания контуров. Щётка даёт более свободную линию, чем металлический инструмент, используемый в чёрных фигурных вазах.
Римские настенные росписи были найдены главным образом на виллах (загородных домах) в Помпеях и Геркулануме. В 79 году нашей эры эти два города были полностью погребены извержением вулкана Везувий. Археологи, которые раскопали этот район, смогли много узнать о древнеримской жизни из этих городов. Почти на каждом доме и вилле в Помпеях на стенах были картины. Римские живописцы тщательно готовили поверхность стены, нанося смесь из мраморной пыли и штукатурки. Они полировали поверхности до качества мраморного покрытия. Многие из картин являются копиями греческих картин IV века до н.э. Изящные позы фигур, написанных на стенах Виллы Мистерий в Помпеях, вдохновили художников XVIII века, когда город был раскопан.
Греки и римляне также писали портреты. Небольшое количество из них, в основном портреты мумий, выполненные в греческом стиле египетскими художниками, сохранились вокруг Александрии, на севере Египта. Основанная в IV веке до нашей эры Александром Великим из Греции, Александрия, стала ведущим центром греческой и римской культуры. Портреты писались в технике энкаустики по дереву и устанавливались в виде мумии после смерти изображённого человека. Энкаустические картины, сделанные в краске, смешанной с расплавленным пчелиным воском, хранятся очень долго. Действительно, эти портреты всё ещё выглядят свежими, хотя они были сделаны ещё во втором веке до нашей эры.
Ранняя христианская и византийская живопись (300–1300 г.г.)
Римская империя пошла на спад в 4 веке н.э. В то же время набирало силу христианство. В 313 году римский император Константин официально признал религию и сам принял христианство.
Возникновение христианства сильно повлияло на искусство. Художникам было поручено украсить стены церквей фресками и мозаикой. Они делали панно в церковных часовнях, иллюстрировали и украшали церковные книги. Под влиянием Церкви, художники должны были как можно яснее сообщать об учениях христианства.
Ранние христиане и византийские художники продолжили технику мозаики, о которой они узнали от греков. Маленькие плоские кусочки цветного стекла или камня устанавливались на влажный цемент или штукатурку. Иногда использовались другие твёрдые материалы, такие как кусочки испечённой глины или скорлупа. В итальянской мозаике цвета особенно глубоки и полны. Итальянские художники делали фон кусками позолоченного стекла. Они изображали человеческие фигуры в богатых цветах на фоне сверкающего золота. Общий эффект получался плоским, декоративным и не реалистичным.
Мозаики византийских художников часто были ещё менее реалистичными и ещё более декоративными, чем мотивы ранних христиан. «Византийское» - это название, данное стилю искусства, которое развивалось вокруг древнего города Византии (ныне Стамбул, Турция). Мозаичная техника идеально соответствовала византийскому вкусу для великолепно украшенных церквей. Знаменитые мозаики Феодоры и Юстиниана, изготовленные около 547 г. н.э., демонстрируют вкус к богатству. Ювелирные изделия на фигурах блестят, а цветные придворные платья сверкают на фоне блестящего золота. Византийские художники также использовали золото на фресках и панелях. Золото и другие драгоценные материалы использовались в средние века, чтобы отделить духовные предметы от повседневного мира.
Средневековая живопись (500–1400 г.г.)
Первая часть средневековья, примерно с 6 по 11 века нашей эры, обычно называют Тёмными. В это время беспорядков искусство хранилось в основном в монастырях. В V веке н.э. варранские племена из Северной и Центральной Европы бродили по континенту. В течение сотен лет они доминировали в Западной Европе. Эти люди произвели искусство, в котором главным элементом является узор. Они особенно увлекались структурами переплетающихся драконов и птиц.
Лучшее из кельтского и саксонского искусства можно найти в рукописях 7 и 8 веков. Книжные иллюстрации, освещение и миниатюрная живопись, практикуемая с позднего римского времени, получила распространение в средние века. Освещение - это украшение текста, заглавных букв и полей. Использовались золотые, серебряные и яркие цвета. Миниатюра - это маленькая картинка, часто портрет. Первоначально этот термин использовался для описания декоративного блока вокруг начальных букв в рукописи.
Карл Великий, который был коронован императором Священной Римской империи в начале IX века, пытался возродить классическое искусство позднего римского и раннехристианского периодов. Во время его правления художники миниатюр подражали классическому искусству, но они также передавали через свои предметы личные чувства.
Очень мало росписи стен сохранилось со средневековья. В церквях, построенных во время романского периода (11-13 вв.), было несколько великих фресок, но большинство из них исчезло. В церквях готического периода (XII-XVI вв.) не было достаточно места для настенных росписей. Книжная иллюстрация была главной работой готического живописца.
Среди лучших иллюстрированных рукописей были книги часов - сборники календарей, молитв и псалмов. Страница из итальянской рукописи показывает тщательно оформленные инициалы и мелко детализированную маргинальную сцену святого Георгия, убивающего дракона. Цвета блестящие и похожи на драгоценные камни, как в витражном стекле, а золото мерцает над страницей. Изящно тонкие листовые и цветочные конструкции граничат с текстом. Художники, вероятно, использовали увеличительные стекла для выполнения такой сложной детализированной работы.
Италия: Чимабуэ и Джотто
Итальянские художники в конце XIII века всё ещё работали в византийском стиле. Человеческие фигуры были сделаны плоскими и декоративными. Лица редко имели выражение. Тела были невесомыми и, казалось, плавали, а не стояли твёрдо на земле. Во Флоренции художник Чимабуэ (1240-1302) Пытался модернизировать некоторые из старых византийских методов. Ангелы в «Мадонне на престоле» более активны, чем обычно на картинах того времени. Их жесты и лица показывают немного больше человеческих чувств. Чимабуэ добавил к своим картинам новое чувство монументальности или великолепия. Однако, он продолжал следовать многим византийским традициям, таким как золотой фон и узорное расположение предметов и фигур.
Это был великий флорентийский художник Джотто (1267-1337), который фактически порвал с византийской традицией. Его фресковая серия в Часовне Арены в Падуе оставляет византийское искусство далеко позади. В этих сценах из жизни Марии и Христа есть настоящие эмоции, напряжение и натурализм. Все качества человеческого тепла и симпатии присутствуют. Люди не кажутся совершенно нереальными или небесными. Джотто заштриховал контуры фигур, и он поместил глубокие тени в складки одежд, чтобы дать ощущение округлости и прочности.
Для своих небольших панелей Джотто использовал чистую яичную темперу, среду, которая была усовершенствована флорентийцами в 14-м веке. Ясность и яркость его цветов должны были сильно повлиять на людей, привыкших к тёмным цветам византийских панелей. Картины темперой создают впечатление, что на сцену падает мягкий дневной свет. Они имеют почти плоский вид, в отличие от глянца масляной живописи. Яичная темпера оставалась главной краской, пока масло почти полностью не заменило её в 16 веке.
Поздняя средневековая живопись к северу от Альп
В начале XV века художники в Северной Европе работали в стиле, совершенно отличном от итальянской живописи. Северные художники достигли реализма, добавив к своим картинам бесчисленные подробности. Все волосы были изящно очерчены, и каждая деталь драпировки или настила пола была точно установлена. Изобретение масляной живописи упростило детализацию деталей.
Фламандский художник Ян ван Эйк (1370-1414) внёс свой большой вклад в развитие масляной живописи. Когда используется темпера, цвета нужно наносить отдельно. Они не могут хорошо затенять друг друга, потому что краска быстро сохнет. С маслом, которое медленно сохнет, художник может достичь более сложных эффектов. Его портреты 1466-1530 г. г. были исполнены в фламандской масляной технике. Все детали и даже зеркальное отражение - чёткие и точные. Цвет прочный и имеет твёрдую, эмалеобразную поверхность. Грунтованная деревянная панель, была приготовлена так же, как Джотто готовил свои панели для темперы. Ван Эйк создал картину слоями тонкого цвета, называемого глазурью. Темпера, вероятно, использовалась в оригинальной подлеске и для бликов.
Итальянский ренессанс
В то время, когда ван Эйк работал на Севере, итальянцы переходили в золотой век искусства и литературы. Этот период называется Ренессансом, что означает возрождение. Итальянские художники были вдохновлены скульптурой древних греков и римлян. Итальянцы хотели возродить дух классического искусства, который прославляет человеческую независимость и благородство. Художники эпохи Возрождения продолжали рисовать религиозные сцены. Но они также подчёркивали земную жизнь и достижения людей.
Флоренция
Достижения Джотто в начале 14 века положили начало Ренессансу. Итальянские художники XVII века его продолжили. Мазаччо (1401-1428) был одним из лидеров первого поколения художников эпохи Возрождения. Он жил во Флоренции, богатом торговом городе, где начиналось искусство эпохи Возрождения. К моменту его смерти в конце двадцатых годов он произвёл революцию в живописи. В своей знаменитой фреске «The Tribute Money» он ставит солидные скульптурные фигуры в пейзаж, который, кажется, уходит далеко вдаль. Мазаччо, возможно, учился перспективе у флорентийского архитектора и скульптора Брунеллески (1377-1414).
Техника фрески была очень популярна в эпоху Возрождения. Она особенно подходила для больших росписей, потому что цвета на фреске сухие и идеально плоские. Изображение можно просматривать под любым углом без бликов или отражений. Также фрески обладают доступностью. Обычно, у художников было несколько помощников. Работы выполнялись по частям, потому что их нужно было закончить, пока штукатурка была ещё влажной.
Полный «трёхмерный» стиль Мазаччо был типичным для нового прогрессивного направления 15-го века. Стиль Фра Анджелико (1400-1455) представляет собой более традиционный подход, используемый многими художниками раннего Ренессанса. Он был менее озабочен перспективой и больше интересовался декоративным рисунком. Его «Коронация Богородицы» - пример темперы в самом красивовом исполнении. Весёлые, насыщенные цвета на фоне золота и акцентированные золотом. Картина выглядит как увеличенная миниатюра. Длинные узкие фигуры имеют мало общего с Мазаччо. Композиция организована в широких линиях движения, кружащихся вокруг центральных фигур Христа и Марии.
Ещё одним флорентийцем, который работал в традиционном стиле, был Сандро Боттичелли (1444-1515). Текучие ритмические линии соединяют участки «Весны» Боттичелли. Фигура Весны, переносимая западным ветром, проносится справа. Три грации танцуют в кругу, развевающиеся складки их платьев и изящные движения их рук выражают ритмы танца.
Леонардо да Винчи (1452-1519) учился живописи во Флоренции. Он известен своими научными исследованиями и изобретениями, а также своими картинами. Очень немногие его картины сохранились, отчасти потому, что он часто экспериментировал с разными способами создания и применения краски, а не с использованием проверенных и достоверных методов. «Тайная вечеря» (написанная между 1495 и 1498 годами) была сделана в масле, но, к сожалению, Леонардо написал её на влажной стене, из-за которой краска раскололась. Но даже в плохом состоянии (до реставрации) картина обладала способностью возбуждать эмоции у всех, кто это видит.
Одной из отличительных особенностей стиля Леонардо был его метод изображения огней и темноты. Итальянцы называли его полутёмное освещение «сфумато», что означает дымчатый или туманный. Фигуры в «Мадонне из скал» завуалированы в атмосфере сфумато. Их формы и черты мягко затенены. Леонардо достиг этих эффектов, используя очень тонкие градации светлых и тёмных тонов.
Рим
Кульминация ренессансной живописи произошла в 16 веке. В то же время центр искусства и культуры переместился из Флоренции в Рим. Под папой Сикстом IV и его преемником, Юлием II, город Рим был славно и богато украшен художниками эпохи Возрождения. Некоторые из самых амбициозных проектов этого периода были начаты во времена папства Юлия II. Юлий поручил великому скульптору и живописцу Микеланджело (1475-1564) расписать потолок Сикстинской капеллы и вырезать скульптуру для гробницы Папы. Юлий также пригласил живописца Рафаэля (1483-1520) помочь украсить Ватикан. С помощниками Рафаэль расписывал четыре комнаты квартир Папы в Ватиканском дворце.
Микеланджело, флорентиец по рождению, разработал монументальный стиль живописи. Фигуры в его картине настолько прочные и объёмные, что они выглядят как скульптуры. Сикстинский потолок, который занял у Микеланджело 4 года, состоит из сотен человеческих фигур из Ветхого Завета. Чтобы выполнить эту грандиозную фреску, Микеланджело пришлось ложиться на спину на леса. Задумчивое лицо Иеремии среди пророков, которые окружают потолок, некоторые эксперты считают автопортретом Микеланджело.
Рафаэль приехал во Флоренцию из Урбино ещё очень молодым человеком. Во Флоренции он впитал идеи Леонардо и Микеланджело. К тому времени, когда Рафаэль отправился в Рим для работы в Ватикане, его стиль стал одним из величайших по красоте исполнения. Он особенно любил свои прекрасные портреты Мадонны с младенцем. Они были воспроизведены тысячами, их можно увидеть повсюду. Его «Мадонна дель Грандука» успешна благодаря своей простоте. Безвременная в своей мирности и чистоте, она так же привлекательна для нас, как и для итальянцев эпохи Рафаэля.
Венеция
Венеция была главным северным итальянским городом эпохи Возрождения. Его посетили художники из Фландрии и других регионов, которые знали о фламандских экспериментах с масляной краской. Это стимулировало раннее использование масляной техники в итальянском городе. Венецианцы научились писать картины на плотно вытянутом холсте, а не на деревянных панелях, обычно используемых во Флоренции.
Джованни Беллини (1430-1515) был величайшим венецианским художником 15 века. Он также был одним из первых итальянских художников, кто использовал масло на холсте. Джорджоне (1478-1151) и Тициан (1488-1515), который является самым известным из всех венецианских художников, были учениками в мастерской Беллини.
Мастер масляной техники Тициан писал огромные холсты в тёплых, насыщенных цветах. В своих зрелых картинах он пожертвовал деталями для создания потрясающих эффектов, например как в «Мадонне Песаро». Он использовал большие кисти, чтобы делать крупные мазки. Его цвета особенно богаты, потому что он терпеливо создавал глазури контрастных цветов. Обычно глазури наносили на коричневую темперированную поверхность, что придавало картине единый тон.
Ещё одним великим венецианским художником XVI века был Тинторетто (1518-1594). В отличие от Тициана, он обычно работал непосредственно на холсте без предварительных эскизов или контуров. Он часто искажал свои формы (выкручивал их) ради композиции и драмы сюжета. Его техника, которая включает в себя широкие мазки и драматические контрасты света и темноты, кажется очень современной.
Художник Кириакос Теотокопулос (1541-1614) был известен как Эль Греко («Греческий»). Рожденный на острове Крит, который был оккупирован венецианской армией, Эль Греко обучался итальянскими художниками. Будучи молодым человеком, он отправился учиться в Венецию. Объединённое влияние византийского искусства, которое он видел вокруг себя на Крите, и итальянского искусства эпохи Возрождения, сделали работу Эль Греко выдающейся.
В своих картинах он искажал естественные формы и использовал ещё более странные, более неземные цвета, чем Тинторетто, которым он восхищался. Позже, Эль Греко перебрался в Испанию, где мрачность испанского искусства повлияла на его работу. В его драматическом видении Толедо, шторм бушует над смертельной тишиной города. Холодный блюз, зелень и сине-белые оттенки разносят холод над пейзажем.
Ренессанс во Фландрии и Германии
Золотым веком живописи во Фландрии (ныне частью Бельгии и северной Франции) был 15-й век, время ван Эйка. В XVI веке многие фламандские художники подражали итальянским художникам эпохи Возрождения. Однако некоторые фламандцы продолжали фламандскую традицию реализма. Тогда распространилась жанровая живопись - сцены из повседневной жизни, которые иногда были очаровательными, а иногда и фантастическими. Иероним Босх (1450-1515), предшествовавший жанровым художникам, имел необычайно яркое воображение. Он придумал всевозможных странных, гротескных существ для «The Temptation of St. Anthony». Питер Брейгель Старший (1525-1569) также работал во фламандской традиции, но добавил к своим жанровым сценам перспективу и другие характеристики Ренессанса.
Альбрехт Дюрер (1471-1528), Ганс Гольбейн Младший (1497-1543) и Лукас Кранах Старший (1472-1553) были тремя наиболее важными немецкими художниками XVI века. Они многое сделали для смягчения мрачного реализма ранней немецкой живописи. Дюрер как минимум один раз имел визит в Италию, где он был впечатлён картинами Джованни Беллини и других северных итальянцев. Благодаря этому опыту он привил немецкой живописи знание перспективы, чувство цвета и света и новое понимание композиции. Гольбейн усвоил ещё больше итальянских достижений. Его чувствительный рисунок и способность выбирать только самые важные детали сделали его мастером-портретистом.
Барочная живопись
XVII век известен в искусстве как период Барокко. В Италии художники Караваджо (1571-1610) и Аннибале Карраччи (1560-1609) представляли две контрастные точки зрения. Караваджо (настоящее имя Микеланджело Мериси) всегда черпал вдохновение непосредственно из реалий жизни. Одна из его главных проблем заключалась в том, чтобы скопировать природу как можно точнее, не прославляя её каким-либо образом. Карраччи, с другой стороны, следовал идеалу красоты эпохи Возрождения. Он изучал древнюю скульптуру и работы Микеланджело, Рафаэля и Тициана. Стиль Караваджо восхищал многих художников, особенно испанца Риберу и молодого Веласкеса. Карраччи вдохновил Николу Пуссена (1594-1665), ивестного французского живописца XVII века.
Испания
Диего Веласкес (1599-1660), придворный живописец испанского короля Филиппа IV, был одним из величайших из всех испанских художников. Будучи поклонником работ Тициана, он был мастером в использовании богатого, гармоничного цвета. Ни один художник не мог лучше создать иллюзию богатых тканей или кожи человека. Портрет маленького принца Филиппа Проспера показывает это мастерство.
Фландрия
Картины фламандского художника Питера Пауля Рубенса (1577-1640 гг.) Представляют собой воплощение полноцветного стиля барокко. Они разрываются энергией, цветом и светом. Рубенс порвал с фламандской традицией рисовать маленькие картины. Его полотна огромны, наполнены человеческими фигурами. Он получал больше заказов yа большие картины, чем мог бы выполнить. Поэтому он часто рисовал только небольшой цветной эскиз. Затем его помощники переносили эскиз на большой холст и заканчивали картину под руководством Рубенса.
Голландия
Достижения голландского живописца Рембрандта (1606-1669) являются одними из самых выдающихся в истории. У него был замечательный дар - точно поймать и передать человеческие эмоции. Как и Тициан, он долго работал над созданием многослойных картин. Земные цвета - жёлтая охра, коричневая и коричнево-красная - были его фаворитами. Его картины выполнены, в основном, в тёмных тонах. Важное значение тёмных многослойных частей, делают его технику необычной. Акцент передаётся ярким освещением относительно светлых участков.
Ян Вермеер (1632-1675) был в одной из групп голландских художников, которые писали скромные сцены повседневной жизни. Он был мастером в рисовании любых текстур - сатиновых, персидских ковров, хлебных корочек, металла. Общее впечатление от интерьера Вермеера - это солнечная, жизнерадостная комната, наполненная знаковыми бытовыми предметами.
Живопись 18 века
В 18 веке Венеция произвела на свет несколько прекрасных художников. Самым известным был Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770). Он украшал интерьеры дворцов и других зданий грандиозными красочными фресками, представляющими сцены богатства. Франческо Гварди (1712-1793) был очень искусен кистью, всего несколькими пятнами цвета он мог вызвать в воображении идею крошечной фигуры в лодке. Зрелищные виды Антонио Каналетто (1697-1768 гг.) воспевали прошлую славу Венеции.
Франция: стиль Рококо
Во Франции вкус к пастельным цветам и замысловатой отделке в начале 18 века привёл к развитию стиля Рококо. Жан Антуан Ватто (1684-1721), придворный художник короля Людовика XV, а позднее Франсуа Буше (1703-1770) и Жан Оноре Фрагонар (1732-1806) были связаны с трендами Рококо. Ватто писал мечтательные видения, жизнь, в которой всё - веселье. В основе стиля - пикники в парках, лесные вечеринки, где веселые джентльмены и элегантные дамы развлекаются на природе.
Другие художники 18-го века изображали сцены обычной жизни среднего класса. Как и Голландский Вермеер, Жан Батист Симеон Шарден (1699-1779) ценил простые домашние сюжеты и натюрморты. Его цвета трезвы и спокойны по сравнению с Ватто.
Англия
В XVIII веке англичане впервые разработали отдельную школу живописи. Ядро состояло, в основном, из художников-портретистов, на которых влияли художники венецианского ренессанса. Сэр Джошуа Рейнольдс (1723-1792) и Томас Гейнсборо (1727-1788) являются самыми известными. Рейнольдс, который путешествовал по Италии, следовал идеалам живописи ренессанса. Его портреты, обаятельные и трогательные, не особенно интересны по цвету или текстуре. У Гейнсборо, с другой стороны, был талант к блеску. Поверхности его картин светятся сияющим цветом.
Живопись 19 века
XIX век иногда рассматривается как период, в течение которого начало складываться современное искусство. Одной из важных причин так называемой революции в искусстве в это время было изобретение камеры, которая заставила художников пересмотреть цель живописи.
Более важным событием стало широкое использование заранее изготовленных красок. До 19-го века большинство художников или их помощники делали свои собственные краски путём измельчения пигмента. Ранние коммерческие краски уступали ручным краскам. Художники в конце 19-го века обнаружили, что тёмные синие и коричневые тона более ранних картин в течение нескольких лет становились чёрными или серыми. Они снова начали использовать чистые цвета, чтобы сохранить свою работу, а иногда потому, что пытались более точно отражать солнечный свет в уличных сценах.
Испания: Гойя
Франсиско Гойя (1746-1828) был первым великим испанским художником, появившимся с 17-го века. Как любимый художник испанского двора, он сделал много портретов королевской семьи. Королевские персонажи оснащены элегантной одеждой и прекрасными драгоценностями, но на некоторых их лицах все, что отражается, это тщеславие и жадность. Помимо портретов, Гойя рисовал драматические сцены, такие как Третье мая 1808 года. На этой картине изображено исполнение группой испанских повстанцев французскими солдатами. Смелые контрасты светлых и темных и мрачных цветов, пронизанные красными брызгами, вызывают мрачный ужас зрелища.
Хотя Франция была великим центром искусства в 1800-х годах, английские ландшафтные художники Джон Констебль (1776-1837) и Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер (1775-1851) внесли ценный вклад в живопись 19-го века. Оба интересовались живописью света и воздуха, двумя аспектами природы, которые художники XIX века исследовали полностью. Констебль использовал метод, известный как деление, или сломанный цвет. Он использовал контрастные цвета над основным цветом фона. Он часто использовал нож для палитры, чтобы плотно нанести цвет. Картина «Hay Wain» сделала его знаменитым, после показа в Париже в 1824 году. Это простая деревенская сцена сенокоса. Облака дрейфуют над лугами, покрытыми пятнами солнечного света. Картины Тёрнера более драматичны, чем у Констебля, который писал величественные достопримечательности природы - бури, морские пейзажи, пылающие закаты, высокие горы. Часто золотая дымка частично скрывает объекты в его картинах, заставляя их казаться плавающими в бесконечном пространстве.
Франция
Период правления Наполеона и Французская революция ознаменовали появление двух противоположных тенденций во французском искусстве - классицизма и романтизма. Жак Луи Давид (1748-1825) и Жан Огюст Доминик Энгр (1780-1867) были вдохновлены древнегреческим и римским искусством и эпохой Возрождения. Они подчёркивали детали и использовали цвет для создания твёрдых форм. Будучи любимым художником революционного правительства, Давид часто писал исторические события того периода. В своих портретах, таких как мадам Рекамье, он стремился к достижению классической простоты.
Теодор Герико (1791-1824) и романтик Эжен Делакруа (1798-1863) восстали против стиля Давида. Для Делакруа цвет был самым важным элементом в живописи и у него не было терпения для имитации классических статуй. Вместо этого он восхищался Рубеном и венецианцами. Он выбрал красочные, экзотические темы для своих картин, которые сверкают светом и полны движения.
Художники Барбизона также были частью общего романтического движения, которое продолжалось примерно с 1820 по 1850 год. Они работали недалеко от деревни Барбизон на краю леса Фонтенбло. Они черпали вдохновение на природе и заканчивали картины в своих студиях.
Другие художники экспериментировали с повседневными обычными предметами. Ландшафты Жана Батиста Камиля Коро (1796-1875) отражают его любовь к природе, и его этюды человеческого тела показывают своего рода сбалансированное спокойствие. Гюстав Курбе (1819-1877) называл себя реалистом, потому что он изображал мир таким, как видел его - даже его суровую, неприятную сторону. Он ограничил свою палитру всего лишь несколькими мрачными цветами. Эдуар Мане (1832-1883) также брал основу для своих сюжетов из окружающего мира. Люди были потрясены его красочными контрастами и необычными приёмами. На поверхностях его картин часто есть плоская, узорная текстура мазков. Методы Мане по нанесению эффектов света на форму повлияли на молодых художников, особенно импрессионистов.
Работая в 1870-х и 1880-х годах, группа художников, известных как импрессионисты, хотела изображать природу именно так, какой она была. Они пошли намного дальше, чем Констебль, Тёрнер и Мане в изучении эффектов света в цвете. Некоторые из них разработали научные теории цвета. Клод Моне (1840-1926) часто писал один и тот же вид в разное время суток, чтобы показать, как он меняется в разных условиях освещённости. Каким бы ни был объект, его картины состоят из сотен крошечных мазков, расположенных рядом друг с другом, часто в контрастных цветах. На расстоянии штрихи смешиваются, чтобы создать впечатление твёрдых форм. Пьер Огюст Ренуар (1841-1919) использовал методы импрессионизма, чтобы захватить праздник парижской жизни. В его «Танце у Мулен де ла Галетт» люди в ярко окрашенной одежде толпились и весело танцевали. Ренуар написал всю картину мелкими мазками. Точки и штрихи краски создают текстуру на поверхности картины, которая придаёт ей особый вид. Толпы людей, кажется, растворяются в солнечном свете и мерцающем цвете.
Живопись 20-го века
Ряд художников вскоре стали недовольны импрессионизмом. Художники, такие как Пол Сезанн (1839-1906), чувствовали, что импрессионизм не описывает прочность форм в природе. Сезанн любил рисовать натюрморты, потому что они позволяли ему сосредоточиться на форме фруктов или других предметов и их расположении. Объекты его натюрмортов выглядят прочно, потому что он сводил их к простым геометрическим формам. Его техника размещения пятен краски и коротких мазков богатого цвета бок о бок показывает, что он многому научился у импрессионистов.
Винсент Ван Гог (1853-90) и Поль Гоген (1848-1903) отреагировали на реализм импрессионистов. В отличие от импрессионистов, которые говорили, что они объективно рассматривают природу, Ван Гог мало заботился о точности. Он часто искажал объекты, чтобы выразить свои мысли более творчески. Он использовал импрессионистские принципы для помещения контрастных цветов рядом друг с другом. Иногда он сжимал краску с трубок прямо на холст, как в «Поле жёлтой кукурузы».
Гоген не заботился о пятнистом цвете импрессионистов. Он плавно применял цвет в больших плоских областях, которые он отделял друг от друга линиями или тёмными краями. Красочные тропические народы обеспечили большую часть его сюжетов.
Метод Сезанна создания пространства при помощи простых геометрических форм был развит Пабло Пикассо (1881-1973), Жоржем Браком (1882-1963) и другими. Их стиль стал известен как Кубизм. Кубисты рисовали объекты так, как будто их можно было увидеть с нескольких углов сразу или, как если бы их разобрали и собрали на плоском холсте. Часто объекты оказывались не похожими на что-либо существующее в природе. Иногда кубисты вырезали фигуры из ткани, картона, обоев или других материалов и наклеивали их на холст, чтобы сделать коллаж. Текстуры также варьировались, добавляя к краске песок или другие вещества.
Более поздние тенденции заключались в том, чтобы уделять меньше внимания теме. Больший акцент стали получать композиция и техника изображения.
Введение…………………………………………………………………….3
1.Живопись как вид искусства…………………………………………….4
2.Вид изобразительного искусства – графика……………………………4
3.Древний вид искусства – скульптура…………………………………...6
4.Архитектура - искусство проектировать и строить……………………7
5.Основные направления и приемы современного искусства…………..9
6.Кинетическое искусство………………………………………………..14
Заключение……………………………………………………………….16
Список используемой литературы……………………………………...17
Введение
Понятие «искусство» - это художественное творчество в целом: литература, архитектура, скульптура, живопись, графика, декоративно-прикладное искусство, музыка, танец, театр, кино и другие разновидности человеческой деятельности, объединяемые в качестве художественно-образных форм отражения действительности.
В истории эстетики сущность искусства истолковывалась как подражание (мимезис), чувственное выражение сверхчувственного и тому подобное.
Эстетика рассматривает искусство как форму общественного сознания, специфический род духовно-практического усвоения мира, как органичное единство созидания, познания, оценки и человеческого общения, в узком смысле – изобразительное искусство, высокая степень умения, мастерства в любой сфере человеческой деятельности.
Основные виды искусства: живопись, графика, скульптура, архитектура, литература, кино, театр.
Рассмотрим основные понятия некоторых видов, направлений и приемов современного изобразительного искусства.
1. Живопись как вид искусства
Живопись очень древнее искусство, прошедшее на протяжении многих веков эволюцию от наскальных росписей до новейших течений живописи XI в. Живопись обладает широким кругом возможностей воплощения замысла от реализма до абстракционизма. Огромные духовные сокровища накоплены в ходе ее развития.
В конце XIX-XX вв. развитие живописи становится особенно сложным и противоречивым. Различные реалистические и модернистские течения завоевывают себе право на существование.
Появляется абстрактная живопись (авангардизм, абстракционизм, андеграунд), которая ознаменовала отказ от изобразительности и активное выражение личного отношения художника к миру, эмоциональность и условность цвета, утрированность и геометризацию форм, декоративность и ассоциативность композиционных решений.
В XX в. продолжался поиск новых красок и технических средств создания живописных произведений, что несомненно привело к появлению новых стилей в живописи, но масляная живопись по-прежнему остается одной из самых любимых техник художников.
2. Вид изобразительного искусства - графика
Графика (от гр. grapho - пишу, рисую) - вид изобразительного искусства, который связан с изображением на плоскости. Графика объединяет рисунок, как самостоятельную область, и различные виды печатной графики: гравюру на дереве (ксилография), гравюру на металле (офорт), литографию, линогравюру, гравюру на картоне и др.
Рисунок относится к уникальной графике потому, что каждый рисунок является единственным в своем роде. Произведения печатной графики могут воспроизводиться (тиражироваться) во многих равноценных экземплярах - эстампах. Каждый оттиск является оригиналом, а не копией произведения.
Рисунок является основой всех видов графики и других видов изобразительного искусства. Как правило, графическое изображение выполняется на листе бумаги. Художнику порой достаточно очень простых средств - графитного карандаша или шариковой ручки, чтобы выполнить графический рисунок. В других случаях он использует для создания своих произведений сложные приспособления печатный станок, литографские камни, резцы (штихели) для линолеума или дерева и многое другое.
Термин "графика" первоначально употреблялся применительно только к письму и каллиграфии. Искусство шрифта с давних времен было связано с графикой. Новое значение и понимание она получила в конце XIX - начале XX вв., когда графика определилась как самостоятельный вид искусства.
Язык графики и главные его выразительные средства - это линия, штрих, контур, пятно и тон. Активно участвует в создании общего впечатления от произведения графики белый лист бумаги. Добиться выразительного рисунка можно даже при использовании только черного цвета. Именно поэтому графику часто называют искусством черного и белого. Однако это не исключает применение в графике цвета.
Границы между графикой и живописью очень подвижны, например, технику акварели, пастели, а иногда и гуаши относят то в один, то в другой вид искусства, в зависимости от того, в какой степени используется цвет, что преобладает в произведении - линия или пятно, каково его назначение.
Одним из отличительных признаков графики является особое отношение изображаемого предмета к пространству. Чистый белый фон листа, не занятый изображениями, и даже проступающий под красочным слоем фон бумаги условно воспринимаются как пространство. Особенно наглядно это можно увидеть в книжной графике, когда изображение, помещенное на чистую страницу, воспринимается расположенным в пространстве интерьера, улицы, пейзажа в соответствии с текстом, а не на снежном поле.
Художественно выразительные достоинства графики заключаются в ее лаконизме, емкости образов, концентрации и строгом отборе графических средств. Некоторая недосказанность, условное обозначение предмета, как бы намек на него, составляют особую ценность графического изображения, они рассчитаны на активную работу воображения зрителя.
В этой связи не только тщательно прорисованные графические листы, но и беглые наброски, зарисовки с натуры, эскизы композиции имеют самостоятельную художественную ценность.
Графике доступны разнообразные жанры (портрет, пейзаж, натюрморт, исторический жанр и др.) и практически неограниченные возможности для изображения и образного истолкования мира.
.3. Древний вид искусства - скульптура
Скульптура - один из самых древних видов искусства. Скульптура (лат. sculptura, от sculpo - вырезать, высекать, ваяние, пластика) - вид изобразительного искусства, произведения которого имеют материальный трехмерный объем. Сами эти произведения (статуи, бюсты, рельефы, и тому подобное) также называют скульптурой.
Скульптура делится на два вида: круглая, свободно размещающаяся в реальном пространстве, и рельеф (барельеф и горельеф), в котором объемные изображения располагаются на плоскости. Скульптура бывает по своему назначению станковой, монументальной, монументально-декоративной. Отдельно выделяется скульптура малых форм. По жанрам скульптура разделяется на портретную, бытовую (жанровую), анималистическую, историческую и другое. Скульптурными средствами могут быть воссозданы пейзаж и натюрморт. Но главным объектом для скульптора является человек, который может быть воплощен в разнообразных формах (голова, бюст, статуя, скульптурная группа).
Технология изготовления скульптуры обычно сложная и многоэтапная, сопряжена с большим физическим трудом. Скульптор вырезает или высекает свое произведение из твердого материала (камня, дерева и др.) путем удаления лишней массы. Другой процесс создания объема за счет прибавления пластической массы (пластилина, глины, воска и другое) называется лепкой (пластикой). Скульптуры создают также свое произведение с помощью отливки из веществ, способных переходить из жидкого состояния в твердое (различных материалов, гипса, бетона, пластмассы и тому подобное). Нерасплавленный металл для создания скульптуры обрабатывается путем ковки, чеканки, сварки и резки.
В XX в. возникают новые возможности развития скульптуры. Так, в абстрактной скульптуре используются нетрадиционные методы и материалы (проволока, надувные фигуры, зеркала и др.). Художники многих модернистских течений провозглашают обыденные предметы произведениями скульптуры.
Цвет, издавна применяемый в скульптуре (античность, средние века, Возрождение), активно используется для повышения художественной выразительности станковой скульптуры и в наши дни. Обращение к полихромии в скульптуре или отказ от нее, возвращение к естественному цвету материала (камня, дерева, бронзы и др.) связаны с общим направлением развития искусства в данной стране и в данную эпоху
Художники и скульпторы, дизайнеры и архитекторы - все эти люди ежедневно привносят в нашу жизнь красоту и гармонию. Благодаря им мы рассматриваем статуи в музеях, любуемся живописными полотнами, удивляемся красоте старинных построек. Современное изобразительное искусство поражает нас, классическое заставляет задуматься. Но в любом случае творения человека окружают нас всюду. Поэтому полезно разбираться в этом вопросе.
Виды изобразительного искусства
Изобразительное искусство является пространственным. То есть оно имеет предметную форму, которая не изменяется во времени. И именно по тому, как эта форма выглядит, выделяют виды изобразительного искусства.
Их можно разделить на несколько категорий. Например, по времени появления. До XIX века главными считались всего три вида: скульптура, живопись и архитектура. Но история изобразительного искусства развивалась, и вскоре к ним присоединилась графика. Позже выделились и другие: декоративно-прикладное, театрально-декорационное, дизайн и прочие.
На сегодняшний день нет единого мнения о том, какие виды изобразительного искусства следует выделять. Но есть несколько основных, существование которых не вызывает никаких споров.
Живопись
Рисование - это вид изобразительного искусства, в котором образы передаются с помощью красящих веществ. Их наносят на твердую поверхность: холст, стекло, бумагу, камень и многое другое.
Для живописи используют разные краски. Они могут быть масляными и акварельными, силикатными и керамическими. При этом существует восковая роспись, эмалевая и прочие. Это зависит от того, какие вещества наносят на поверхность и как они закрепляются там.
Есть в живописи и два направления: станковая и монументальная. Первое объединяет в себе все те работы, которые созданы на различных полотнах. Его название происходит от слова «станок», которым обозначают мольберт. А вот монументальная живопись - это изобразительное искусство, которое воспроизводится на различных архитектурных сооружениях. Это всевозможные храмы, замки, церкви.
Архитектура
Строительство - монументальный вид изобразительного искусства, цель которого состоит в постройке зданий. Это практически единственная категория, обладающая не только эстетической ценностью, но и выполняющая практические функции. Ведь архитектура подразумевает строительство зданий и сооружений для жизни и деятельности людей.
Она не воспроизводит действительность, а выражает желания и потребности человечества. Поэтому история изобразительного искусства лучше всего прослеживается именно по ней. В разные времена уклад жизни и представления о красоте сильно отличались. Именно по этой причине архитектура дает возможность проследить полет человеческой мысли.
Также этот вид отличается высокой степенью зависимости от окружающей среды. Например, на форму архитектурных сооружений влияют климатические и географические условия, характер ландшафта и многое другое.
Скульптура
Это древнее изобразительное искусство, образцы которого имеют объёмный вид. Выполняют их путем литья, долбления, тесания.
В основном для изготовления скульптур используют камень, бронзу, дерево или мрамор. Но в последнее время не меньшую популярность приобрели бетон, пластик и другие искусственные материалы.
Скульптура имеет две основные разновидности. Она бывает круговой или рельефной. При этом второй вид разделяют на высокий, низкий и врезной.
Как и в живописи, в скульптуре есть монументальное и станковое направления. Но отдельно также выделяют декоративное. Монументальными скульптурами в виде памятников и монументов украшают улицы, ими обозначают важные места. Станковые используют для декорации помещений изнутри. А декоративные украшают быт как маленькие предметы мелкой пластики.
Графика
Это декоративно-изобразительное искусство, которое состоит из рисунков и художественных печатных изображений. От живописи графика отличается используемыми материалами, техниками и формами. Для создания гравюр или литографий применяются специальные станки и оборудование, позволяющие печатать изображения. А рисунки выполняют тушью, карандашом и прочими подобными материалами, которые позволяют воспроизводить формы предметов, их освещенность.
Графика бывает станковой, книжной и прикладной. Первую создают благодаря специальным приспособлениям. Это гравюры, рисунки, наброски. Вторая украшает страницы книг или их обложки. А третья - это всевозможные этикетки, упаковки, марки.
Первыми произведениями графики считаются наскальные рисунки. Но наивысшим ее достижением является вазопись в Древней Греции.
Декоративно-прикладное искусство
Это особый вид творческой деятельности, который состоит в создании различных бытовых предметов. Они удовлетворяют наши эстетические потребности и часто имеют утилитарные функции. Более того, раньше их делали именно из практических соображений.
Не каждая выставка изобразительного искусства может похвастаться наличием предметов декоративно-прикладного характера, но зато они есть в каждом доме. Это ювелирные и керамические изделия, расписное стекло, вещи с вышивкой и многое другое.
Изобразительно-прикладное искусство более всего отображает национальный характер. Дело в том, что его важная составляющая - это народно-художественные промыслы. А они, в свою очередь, основываются на обычаях, традициях, верованиях и способе жизни народа.
От театрально-декорационного искусства до дизайна
На протяжении всей истории появляются все новые и новые виды изобразительного искусства. С образованием первого храма Мельпомены возникло театрально-декоративное искусство, которое состоит в изготовлении бутафории, костюмов, декораций и даже грима.
А дизайн, как один из видов искусства, хоть и появился еще в древности, только недавно был выделен в отдельную категорию со своими законами, техниками и особенностями.
Жанры изобразительного искусства
Каждое произведение, которое выходит из-под пера, молота или карандаша мастера, посвящено определенной теме. Ведь, создавая его, творец хотел передать свои мысли, чувства или даже сюжет. Именно по таким характеристикам выделяют жанры изобразительного искусства.
Впервые о какой-либо систематизации огромного количества культурного наследия задумались в Нидерландах в XVI веке. В это время выделяли только две категории: высокий и низкий жанры. К первому относили все то, что способствовало духовному обогащению человека. Это были произведения, посвященные мифам, религии, историческим событиям. А ко второму - связанные с повседневностью вещи. Это люди, предметы, природа.
Жанры - это формы отображения жизни в изобразительном искусстве. И они меняются вместе с ней, развиваются и эволюционируют. Проходят целые эпохи изобразительного искусства, пока одни жанры обретают новый смысл, другие отмирают, третьи зарождаются. Но существует несколько основных, которые прошли сквозь века и успешно существуют до сих пор.
История и мифология
К высоким жанрам в эпоху Возрождения относились исторический и мифологический. Считалось, что они предназначались не для простого обывателя, а для человека с высоким уровнем культуры.
Исторический жанр является одним из основных в изобразительном искусстве. Он посвящен воссозданию тех событий прошлого и настоящего, которые имеют большое значение для народа, страны или отдельного населенного пункта. Его основы закладывались еще в Древнем Египте. Но полностью он сформировался уже в Италии, в эпоху Возрождения, в произведениях Уччело.
К мифологическому жанру относят те произведения изобразительного искусства, в которых отражаются легендарные сюжеты. Уже в античном искусстве появились первые его примеры, когда былины стали обыкновенными поучительными рассказами. Но наиболее известными являются произведения эпохи Возрождения. Например, фрески Рафаэля или картины Боттичелли.
Сюжетами произведений искусства религиозного жанра являются различные эпизоды из Евангелия, Библии и прочих подобных книг. В живописи известными его мастерами были Рафаэль и Микеланджело. Но жанр также нашел свое отображение в гравюрах, скульптуре и даже архитектуре, учитывая строительство храмов и церквей.
Война и быт
Отображать войну в искусстве начали еще в античности. Но активно развивали эту тему в XVI веке. Всевозможные походы, сражения и победы нашли выражение в скульптурах, картинах, гравюрах и гобеленах того времени. Называют произведения искусства на эту тему батальным жанром. Само слово имеет французские корни и переводится как "война". Художников же, пишущих такие картины, называют баталистами.
В противовес существует бытовой жанр в изобразительном искусстве. Он представляет собой произведения, в которых отражается повседневная жизнь. Проследить историю этого направления сложно, ведь, как только человек научился использовать орудия труда, он принялся запечатлевать свои суровые будни. Бытовой жанр в изобразительном искусстве позволяет познакомиться с теми событиями, которые происходили тысячи лет назад.
Люди и природа
Портрет - изображение человека в искусстве. Это один из самых древних жанров. Интересно, что изначально он имел культовое значение. Портреты отожествляли с душой умершего человека. Но культура изобразительного искусства развивалась, и сегодня этот жанр позволяет нам увидеть образы людей прошедших эпох. Что дает представление об одежде, моде и вкусах того времени.
Пейзаж - это жанр изобразительного искусства, в котором основным объектом является природа. Возник он в Голландии. Но сама по себе пейзажная живопись очень разнообразна. Может отображать как реальную, так и фантастическую природу. В зависимости от типа изображения выделяют сельский и городской пейзажи. В последний входят такие подвиды, как индустриальный и ведута. Кроме того, говорят о существование панорамного и камерного пейзажей.
Также выделяют анималистичный жанр. Это произведения искусства с изображением животных.
Морская тематика
Морские пейзажи представляют прежде всего раннюю голландскую живопись. Изобразительное искусство этой страны дало начало самому жанру марина. Для него характерно отражения моря во всех ипостасях. Художники-маринисты рисуют бурлящую стихию и безмятежную водную гладь, шумные сражения и одинокие парусники. Первая картина этого жанра датируется шестнадцатым веком. На ней Корнелис Антонис изобразил португальский флот.
Хотя марина и является больше жанром живописи, найти водные мотивы можно не только на картинах. Например, декоративно-изобразительное искусство часто используют элементы морских пейзажей. Это могут быть гобелены, украшения, гравюры.
Предметы
Натюрморт - главным образом тоже жанр живописи. С французского его название переводится как «мертвая природа». На самом же деле героями натюрмортов являются различные неодушевленные предметы. Обычно это повседневные вещи, а также овощи, фрукты и цветы.
Основной характеристикой натюрморта можно считать его кажущуюся бессюжетность. Тем не менее это философский жанр, который во все времена отображал связи человека и внешнего мира.
Прообразы натюрмортов можно найти еще в монументальной живописи Помпеи. Позже этот жанр стал частью других картин. К примеру, религиозных полотен. А вот название за ним утвердилось только в XVI веке.
Изобразительное искусство является способом познания действительности и места человека в ней. Оно позволяет воссоздать реальность с помощью различных зрительных образов. Произведения этого искусства находят себе место не только в музеях или на выставках, но и на улицах городов, в домах и библиотеках, книгах и даже конвертах. Они вокруг нас. И меньшее, что мы можем сделать, научиться ценить, понимать и хранить то удивительное наследие, которое досталось нам от великих мастеров прошедших эпох.